前言：寻找写作灵感？中文期刊网用心挑选的现代平面设计论文(7篇)，希望能为您的阅读和创作带来灵感，欢迎大家阅读并分享。
一、中国传统图形的意蕴
1.思想意蕴
儒、释、道三家思想构成了中华民族的主要文化心理，其中又以儒家思想影响最为深远和广泛，上尊下卑的伦理道德是儒家思想的基础与核心。白鹤、燕子、凤凰、白头、鸳鸯组成的“五翎”图案，是中国传统的吉祥图案，象征了儒家思想中的父子、朋友、君臣、兄弟、夫妻等伦理关系。
2.信仰意蕴
早在原始社会时期，人们就以图腾崇拜的形式展现自己对大自然的信仰，氏族部落群体多将某种无生物或动植物作为保护氏族发展的标志，加以崇拜和信仰。《山海经》中就有关于凤凰图案的记载，并对其各部分花纹的内涵进行了详细分类和表述。如，翅膀上的花纹代表顺，头顶的花纹代表德，胸前的花纹代表仁，背部的花纹代表义，腹部的花纹代表信。显然，凤凰图案表达了人们对太平生活的憧憬，具有鲜明的吉祥意义。
3.民俗意蕴
我国有许多表达民俗意蕴的吉祥装饰图案。如，春节期间我国百姓常在家中张贴一些表现四季平安、年年有余、五谷丰登的剪纸图案，表达对生活的期望和祝福。这些传统的民俗图案虽然具有一定的时代局限性，但在一定范围内仍然能够激发群众意识，进而增强民族凝聚力。
二、中国传统图形元素在现代平面设计中的运用
1.民俗图形的运用
当今社会，人们的艺术审美追求呈现出鲜明的本土化和民族化特点。因此，在现代平面设计中合理运用民俗图形，能够有效增加作品的艺术魅力，满足人们的艺术审美需求。现代平面设计中常运用数尾金鱼、狮子滚绣球、三羊鼎立、五只蝙蝠围绕篆书“寿”字、象驮宝瓶、鸡立于石上、葫芦、喜鹊、莲花、儿童抱鲤鱼等民俗图形。此外，传统的蝴蝶元素也常被运用到平面设计中。由于蝴蝶一生仅有一个伴侣，因此在我国民俗文化中，蝴蝶是爱情、忠贞和幸福的象征，它表达了人们对自由和爱情的追求、向往。在一些婚庆设计中，常运用蝶恋花的图案元素喻示婚姻的美满和爱情的甜蜜。在中国传统民俗文化中，凤凰和龙都被视为神仙的宠物。因此，龙、凤图案具有鲜明的民族特色。早在我国古代社会，人们就常将龙、凤图案运用到各种工艺制作中。许多现代设计仍采用了“龙凤呈祥”的图形元素，以表达幸福、吉祥之意。此外，在我国古代，龙还被用来代表皇帝，凤则代表皇后。因此，现代平面设计中也常用龙、凤图形元素表达高贵、吉祥之意。
2.文字图形的运用
在现代平面设计中合理运用文字图形，可以增强作品的装饰性和阅读性，如包装设计、封面标题字体设计、海报设计等。文字图形中的每个字都具有一定的形式美，在平面设计中可以对所选字体的横、竖、撇、捺、点作局部设计，以此增添文字的图形性，将图形与文字有机结合在一起，形成独特的视觉刺激，引起受众的关注和记忆。此外，现代平面设计对文字图形的运用还体现在对文字大小、疏密、排版、笔画、空间的安排上。在现代平面设计中运用文字图形时，要注意韵律与节奏的协调性，依据设计内容合理安排点、线、面等字体形式，不断革新作品的特色和整体风貌。当设计内容既有图形又有文字时，要充分考虑文字与图形的结合，依据图形内容与大小，合理调整文字的视觉效果；要分清文字与图形的层次和构图关系，运用有限空间充分表达设计意图。除此之外，在运用文字图形时，还应充分关注文字的编排效果。在设计画册时，要尽量避免混乱，最大限度地保持文本的精致和整洁，文字布局不能太满，要有适当的空间留白，字体不能太粗，且以黑色为主，选择小字号，加大行间距，以此增添设计的现代感；也可以运用不同颜色的字体增强画面的层次感，如，正文和标题可以采用不同的色值。而在设计小说、散文等文本时，色彩则不能太多，行距要进行适当调整，字体也不能太粗，不同级别的标题在颜色和字体上要有所区别，还要充分把握字体设计细节。店铺招牌设计则要根据店铺性质进行合理调整。如，餐饮商店要时尚、活泼，颜色则以亮色调为主。名片设计则要简单大方，字体不能太夸张。总之，现代平面设计要根据设计内容，不断尝试和调整字体图形，以增强设计作品的艺术性。
3.吉祥图案的运用
传统吉祥图案在现代平面设计中的运用也较为常见。当前,平面设计要求图案构成既要有时尚元素，也要突出民族特色。因此，设计师若要满足时代需求，就必须在平面设计中运用传统图形元素的同时，合理融入当代构成理念。如，2008年北京奥运会的吉祥物贝贝、晶晶、欢欢、迎迎、妮妮，其设计理念就是将人与动物有机结合在一起，彰显了人与动物和谐相处的理念。同时，还将奥运元素运用到吉祥物的设计中。如，火娃的设计就吸收了奥运圣火的元素。而在设计、运用吉祥图案方面，奥运吉祥物的头饰部分显示出鲜明的个性化特点。头饰可以单独开发，方便孩子根据自己的兴趣做出不同选择，有效增强了设计的互动性。此外，北京奥运会设计了五个吉祥物，是奥运会历史上吉祥物最多的一次，充分体现了中华文化的博大精深。现代平面设计中经常运用的吉祥图案主要有天马行空、春花三杰、富贵万年、君子之交、春兰秋菊、鸾鸟绶带、岁寒三友、香花三元、天仙寿芝、丹凤朝阳、一品清廉、百事如意、九重春色、鸾凤和鸣、九秋同庆、仙壶集庆、凤戏牡丹、贵寿无极、玉树临风、本固枝荣等。在平面设计中合理运用吉祥图案，可以丰富设计内涵，但不能随意运用。首先，传统吉祥图案丰富多变，设计师在日常工作和生活中要加以收集、整理，在设计运用时要根据设计内容进行科学筛选。其次，在运用吉祥图案时，要借助相关软件，根据内容需要进行相应的修改和变化。目前，在月饼、茶、酒等包装设计中经常运用吉祥图案，高档布匹、茶具、传统书籍等的设计也会吸收吉祥图案的某些元素，极大地提升了产品的附加值。综上所述，将现代平面设计理念与中国传统图案元素有机结合，是对平面设计的深层探究和实践。设计师在现代平面设计中要灵活运用传统图案元素，根据设计内容需要，突破原有的图案构成框架，汲取中国传统图案的精髓，在体现时尚感的同时充分展现民族风韵，以增强平面设计作品的民族性，满足受众的个性化需求。
作者：刘静 单位：广东松山职业技术学院
第二篇：佛教圆之美及对现代平面设计的启示
一、佛教的审美境界观—圆之美
佛教中禅宗的审美观是一种顿悟，禅悟。佛教中也有自己的艺术和审美，艺术，例如建筑、雕塑、绘画、壁画等等；禅宗追求一种高雅而又富有趣味的生活、境界，自佛教传入中国，便融入了中国，并对中国文化、中国社会产生了巨大、深远的影响，改变甚至在不同程度上促成了中国文化思想和中国社会习惯的融合。佛教思想带来的影响不仅仅体现在精神信仰、思想文化上，还深入到中国人对艺术理念和审美观念的影响，例如，佛教中追求的“境”、“境界”的思想，是中国美学中境界理论的来源之一，体现在诗人、画家在诗作和绘画上追求的“意境”美。在佛教“圆”的概念中，从美学观念上来分析，可以概括、归类为三个方面：在佛像崇拜上崇奉“圆相”，在教义或者教理上崇奉“圆融”，在禅宗的最高境界上崇奉“圆寂”。转换到美学的上理念，就是“圆相”之美、“圆融”之美、“圆寂”之美。“圆相”之美。佛教最开始的主张是“无相”、“非相”，发展到后期，慢慢开始出现建造佛像，佛教变为“像教”，那时期佛陀的相貌有一个重要的共同点，长相圆满。但是，佛像中的所崇拜的圆相，不单单指的是圆形，更宏观的包括圆转的、圆满的等等，这使之呈现的既丰富饱满又整齐有序，既庄严敦厚又灵动多变的特色。更深层次上讲，佛教的圆相之美是从修持中得来，这不仅是对佛像的崇拜上，也是对精神境界的崇拜，例如，佛教喜欢用镜子和月亮来比喻人生的境界，无论是镜之美，还是月之美，都是圆之美。“圆融”之美。佛教中讲究因缘和合，认为万事万物都是因素和合而成。简单理解，众生万事万物之间都是有联系的，有因有果，都能够融合在一起。“圆融”是“圆”之美中没有显而易见的“美”，立意不在美，但它的宗旨都指向了美，美的最高境界，就是圆融无碍的境界。此外，“圆融”之美还体现在其他层面上，在我国古代的美学文献中有许多用圆来比喻艺术技巧和艺术境界的文字和言论。如周颐在《蕙风词话》中写道：“笔圆下乘，意圆中乘，神圆上乘。能圆见学力，能方见天分。”这里讲的圆是对艺术技巧的概括，技艺、艺术技巧需要达到炉火纯青的境界，只有做到形和意的统一才能达到圆融的境界，才能称得上美。这就是艺术形象中要求的形、神兼备，将各个方面的元素圆融为一体。“圆寂”之美。“圆寂”是佛教所追求的最高境界。涅槃称为圆寂，圆满、圆明、圆通突出了它的美学。它的美学意义：涅槃之境是以静为本的以动趋静、静中寓动的境界。在佛教中“涅槃”是一种超脱宁静、非凡的境界，但是要达到这个境界，必须不停地前进、修行，永无止境，虽然是永动的，而追求的最终境界是静的。以静为本、静中寓动的涅槃境界是很美的，动与静的结合特别能体现出生命的意义，因为生命的奥秘就在于此，动可以理解为生命的本质，而静可以理解为生命的孕育。
二、佛教中的“圆”之美对现代平面设计的启示
古人留下了大量的诗作歌颂太阳、月亮；现代设计师多用圆来表现团圆、圆满等美好的寓意；概括来说，人们喜用圆和“圆相”这一意境来诠释团圆美满、成功，表现人生所追求的境界和状态，这为设计师需找设计内涵和意境提供了灵感来源。“圆融”之美中讲“和合”就是“圆融”，讲求注重内与外、虚与实、自然与生活、自然界与人类的联系，万事万物圆融统一。形与神、形与意的圆融。圆融之美的艺术境界里讲求，心、手的圆融，理解下来其实是眼的观察能力，心的领悟能力，和手的技术三者之间的协调平衡，三者统一融合便是圆融，反映在当下，体现在两面，一方面是设计师的眼高手低或者手高眼低，另一方面，设计作品的形和神没有统一，作品没有味道，缺乏韵味。“圆寂”—涅槃。这是佛教乃至所有人追求的最高境界，更是一种精神世界的体会，它所追求的就不是“空”，也不是“无”。设计师运用这个概念体现在现代设计上就是“设计中的留白”。涅槃之境是“空”与“有”的统一。“空”不是一无所有，是指无限；“有”，是本身存在的事物。涅槃之境是有相和无相的统一，无限和有限的统一。“空”与“有”，体现在设计上就是设计版面的满与设计中的留白。
三、结语
通过研究这个课题，笔者认识到设计、艺术与各方面的联系，应该挖掘深层次的设计灵感，对于中国传统文化、宗教、艺术美学，不仅要保护，更要去学习了解、发展延续这些瑰宝，真正做到圆融，给予它们新的生存环境、生命意义；不是简单地复制粘贴，而是经过“妙悟”之后，打破陈规，推陈出新，真正做到形神兼备，达到涅槃。
作者：李丽娟 单位：湖南工业大学包装设计艺术学院
第三篇：现代平面设计视觉传达效果探析
1.传统美术色彩与现代平面设计间存在的联系
中国传统美术色彩具有极强的艺术表现力，是我国艺术文化中不可或缺的重要组成部分，在传统的装饰性与表现性上，美术色彩能够更加突出的展现出其魅力所在，充分实现了艺术形式与美学的交融，这一点与现代平面设计工作不谋而合。传统美术色彩与现代平面设计在视觉效果传达的过程中，具有相同的表现力与艺术气息，对色调的使用与设置都充分体现出了自由、奔放的表现形式。我国民间艺人在传统美术绘画过程中，对于传统美术色彩的选用，更多的以其自身的偏好为主，在理想化的装点与搭配下，充分实现传统美术色彩的完美展现。而现代平面设计师门在实践工作中同样注重对感觉的把握，根据色彩明亮绚丽的程度，以自身的偏好和感觉为主，使装饰品与着色物体在色彩的点缀下栩栩如生，充分实现了色彩与平面设计的完美相融。在现代平面设计工作中，设计师们更加注重利用色彩的视觉冲击力来吸引大众，通过将不同色彩间的明暗变化与视觉冲击力进行完美应用，使平面设计能够带给观赏者强烈的视觉冲击力，引发观赏者的情感共鸣，充分实现平面设计师的设计用意。因此，色彩对于现代平面设计的重要性不言而喻，在很大程度上，色彩都是平面设计中的首要运用因素，通过合理化的运用色彩，能够使色彩本身所具有的特性直观的表现在平面设计作品当中，使色彩与平民设计做到完美融合，就像将一种色彩进行艺术创作，使之能够融入到设计师的思想情感当中，经由设计作品进行强烈的情感思想表达。由此可以得出，传统美术色彩与现代平面设计具有密不可分的紧密联系，具有高度的相似性与艺术表达效果。
2.传统美术色彩实践应用于现代平面设计的具体措施
2.1传统美术色彩与文字意象相结合
文字意象作为视觉符号的一种，在现代平面设计中逐渐深受设计师们的喜爱，通过将文字意象实践应用于平面设计当中，既展现出了平面设计的主体信息，又借助文字符号，为平面设计增添了文化意境，使平面设计在整体构成上显得更加饱满与深邃，富有文学艺术气息。因此，通过将传统美术色彩与文字意象相结合的手段，能够更加吸引观赏者的目光，使平面设计作品在体现艺术色彩的同时，给观赏者传递更多饱满的艺术文化气息，充分体现平面设计作品独特的设计效果。在我国今后的现代平面设计工作中，设计师应注重传统美术色彩与文字意象的结合与统一，使色彩在文字信息中发挥出更加突出的艺术效果，充分体现出平面设计作品的情感思想与艺术表达效果，引发观赏者的共鸣。
2.2挖掘传统美术色彩在平面设计中的装饰性作用
装饰与点缀是现代平面设计作品中不可或缺的重要组成部分，能够极大地提升平面设计作品艺术表达效果的饱满程度，使作品当中蕴含的艺术气息与美好寓意能够完美的进行表达。因此，现代平面设计师在实践工作中应更加注重对传统美术色彩装饰性的挖掘与创新，充分利用传统美术色彩的表现效果，使现代平面设计作品在传统美术色彩的装饰下显得更加饱满丰富，更加突出设计师的思想情感。例如，在现代平面设计”招财进宝”中，设计师可以采用民间艺人的传统美术表现手法，将寿桃与花鸟等吉祥图案充分展现在作品当中，以装饰点缀的形式，为平面作品增添无尽的魅力，更加突出现代平面设计作品的艺术表现效果。同时，设计师在设计热闹喜庆的平面作品时，应积极采用传统美术色彩的应用方式，将中国人惯用的大红色调进行应用，通过将传统美术色彩与现代平面设计相结合，使红底黑字的现代平面设计突出表现热闹喜庆的欢乐气氛，设计师在实践环节还可以对传统美术色彩的运用方法进行创新，利用现代创意字体与创意图案进行平面设计，给观赏者耳目一新的感觉。
3.结语
综上所述，中国传统美术色彩文化博大精深，在实践应用过程中与现代平面设计具有极大的相似性，两者作为我国文化艺术形式的一个缩影，在今后的发展与创新过程中，应在原有基础上不断完善和提高，充分实现传统美术色彩与现代平面设计的有机结合。
作者：罗婧 李响 单位：江西科技师范大学
第四篇：中国水墨画现代平面设计影响
1中国水墨画的用笔对现代平面设计的影响
中国古代的水墨山水画家习惯用笔和墨作为表现物体的主要工具和方法。通过笔线的变化表达作者的思想情感，运用粗细不同的勾勒线条表现不同的意境，这是古代的水墨山水画师所常用的方法。在现代平面设计中，现代平面设计师也可以借鉴古代，用水墨笔法在设计作品中表现情感，传递信息。例如靳棣强先生为奥运会设计的《奥运海报》，运用几条简单的水墨线条来形成一把中国特有的尺子，将中国元素表现得淋漓尽致。在平面设计实践中，中国水墨画笔墨技法的运用方法十分多样，有时是点面结合，有时是点线面混合应用等等。设计师通过不同的形式，来表现物体的形态结构，寄托设计师的思想感情，表达更深层次的含义。但是需要指出的是，现代设计师在运用水墨技法时，与古代画师有着同样适用的理念，那就是追求神似，而不追求形似。他们在使用水墨技法时，只是大概地描摹事物的轮廓，而不苛求于事物的细节，留下大量的空白区域，以调动人们的联想。例如靳棣强设计的“服饰与文化”海报，就是以一把竹尺来表达其中心思想。其中，竹尺是生活中常见的事物，设计师在用水墨来表现这一事物的时候，运用了焦墨枯笔的手法，通过水墨的肌理描绘来表现文化的特征，笔力多变，表现力惊人。
2水墨画的墨色对现代平面设计的影响
水墨，水墨，墨是水墨画的核心。所以，无论是古代还是现代的画师都十分重视墨的材料和墨色的变化，这对现代平面设计的色彩运用产生了很大的影响。目前中国平面设计中存在着用色混乱的现象，各种色彩一拥而上，完全不考虑画面的整体效果，仅仅追求繁复颜色的画面内容。可以利用水墨的肌理纹样来修正画面，即可使画面呈现出简洁明快的风格，也可以蕴含中国的古典韵味，呈现出简单明了的画面效果。所以，越来越多的现代平面设计师将黑白灰作为艺术设计的主要色彩，取得了非常好的视觉效果。事实上，现代平面设计中所运用到的色彩都可以概括为黑白灰三种颜色，如果设计师能够把握住这三种颜色的比例，就可以设计出恢弘大气的作品，赋予作品以丰富深厚的内涵。再加上大面积的留白和程度不一的墨色，给观众以强烈的视觉冲击。例如靳棣强先生的《永字八法》，将大片的留白作为背景，给人留下了无穷的想象空间。墨色的黑白灰三种变化所形成的对比增强了画面的空间感。黑色的笔画反映着火柴的柔光，在表现主题的同时，给人以稳重、深邃的视觉感受，而前后错落的拍板，则让画面无穷地延伸开去，取得了画有尽而意无穷的效果。
3水墨画的构图对现代平面设计的影响
构图是画家表达意境和感情的手段。与西方绘画不同，中国水墨画的构图是全景式的，在小小的一方白纸内进行疏密、虚实、远近的安排，在一维的空间中表现出来二维的层次感。具体来说，中国水墨画对现代平面设计的影响主要表现在三个方面，首先是疏密关系，其次是虚实关系，最后是对比关系。中国水墨画之所以能够对现代平面设计产生如此之多的影响，是因为它与现代设计之间有一个十分重要的相同点，他们都是在二维空间中表达设计者或者画师的思想情感。所以，为了在现代平面设计中更好地运用水墨元素，我们在创作时应注意以下问题。
（1）平面设计要突出空间的美感。
无论是古代的水墨画还是现代的平面设计，都存在着空间问题。这个空间是由多种元素构成的。例如黑白灰三种颜色可以形成一个三维空间，平面透视关系可以形成一个二维的空间，对比关系也可以营造出空间感等等。靳棣强先生就曾经使用一个红点来表现点与空间的对比，营造出了强烈的空间感。
（2）平面设计要凸显空白的美感。
在中国水墨画中，留白是一项十分重要的技能，它能够丰富人们的想象，拓宽人们的思维空间，形成一种气韵生动、意境深远的视觉效果。在现代平面设计中，留白依然可以发挥作用，合理的留白不仅能够使画面更加简洁明快，而且还能够进一步凸显主要物体。
（3）平面设计要凸显动静的美感。
一般来说，画面是静态的，想要表现出动态的美感是不容易的。对于水墨画来说尤其如此。但是水墨画的动静之感却可以通过浓淡不同的墨色、点线面的结合等方式来表现，这就给现代设计一个重要的启示，在现代平面设计中，也可以运用同样的方法来营造动静结合的美感。
作者：裴思思 单位：山西师范大学美术学院
第五篇：吕氏春秋美学观及其对现代平面设计启示
一、《吕氏春秋》中所蕴含的基本美学观点
先秦美学思想以“和为美”为特征，逻辑地以三种倾向的具体形态存在。1《吕氏春秋》是总结先秦时期诸子百家的集大成者，书中不乏对美学的精辟见解和独到认知，它既通过万物运动变化的角度来考察，又在艺术方面用其高度概括的思想来解释说明。
1.美是发展变化和谐统一的
万事万物都是发展变化的，美也应存在于万事万物的发展变化之中。《吕氏春秋》从自然，从美与自然，美与生命的联系考察美；更从社会，从美与人类精神的关系审视美；从整个宇宙的广远和深久观察美。它把美的产生和存在归结于宇宙万物的运动变化。《大乐》是吕书论乐的总纲，也可看做是吕书的美学的思想根本，其提出“生于度量，本于太一”的观点，在它看来，体现美的宇宙万物是运动变化的，万事万物的变化都具有一定顺序，要从这些变化中把握一定的规律。
2.美是自然契合、恰到好处的
《吕氏春秋》认为美也在审美客体与审美主体的相契相适之中，主张“和出于适”。“适”的概念贯穿于整个吕书的美学思想之中并有着举足轻重的地位，是自然生命和人的生命存在的一个普遍原则。书中所谓“适”既包括审美客体物之“适”——“音适”，也包括审美主体我之“适”——“心适”，而更指主客体关系的相契相合——“以适听适”之适。将吕书中的适引申到现代平面设计中来解释，“适”意思是适当、应当，即事理之当然，事物之恰到好处和人与这种视觉关系相适应，同时适更给人一种想象的空间，从而使得整个设计的层次更深一层次。
3.美是通达礼义，实现自身理想的必由之路
吕书论原始文艺就明确地持这种见解。文章结论说音乐和谐而后就会通达理义，人民就向往道义。这也就是要促使人生追求道义，而追求道义也就是人生的理想和归宿。这一观点同样也适用于平面设计中，整个元素运用得当使得整个设计具有一定的违和感，从而会使设计的理念得到更大层度的强化。美在人生追求的理想。吕书认为美就在人生追求的理想的见解，还体现在对社会生活和自然之物的看待上。吕书提倡发挥人的主观能动，有所作为的精神。美在于人生追求的理想的观点，是广泛接受儒家思想又有不同。孔子主张达情又要止于礼义和让人如“好色”一样去“好德”的看法，孟子的“充实之谓美”和强调人格美的说法，荀子注重后天“修为”“善民心”使之向往道义的论说，在吕书都可找到痕影。吕书强调面对现实积极投入社会，但又突出个体人生的情感、欲望、意志的自由和修生养性的重要价值。《吕氏春秋》的传统美学观点又同时体现在现代平面设计中，由此可见美是通达礼义，进而实现自身理想的必由之路。
二、《吕氏春秋》的美学观点在现代平面设计中的表现
现代平面设计是美学高度发展的必然，好的设计作品反映的思想本源应该是同宗同源，和谐统一的。下面通过对几个实例具体分析，揭示设计背后所契合的美学思想。
1.西摩•切瓦斯特的平面设计作品——运动变化中的“失衡”美
美国观念形象设计的代表人物之一西摩•切瓦斯特的平面构成的设计，作品本身注意图形或物体形状的大小、位置、方向，色彩等变化，运用图形的夸张和色彩的变幻，追求具有抽象的纹理以及回旋状结构来表达视觉效果意义上的强烈旋转力度。以期达到在运动变化中的失衡状态下的美学冲击力。在当时设计运动繁多的背景下，切瓦斯特开始丢弃工业化的刻板的设计面貌，重视画面感性思维的投入及注重表达个人观念，重视把艺术表现引入到平面设计中去，达到艺术性和功能性同时兼顾的效果。无论是在绘画艺术、雕塑艺术或图形设计艺术中"我们都可以感觉到造型因形状、大小、位置、色彩明度等因素变化而引起的倾斜、集聚、变动或频闪传递等等复杂的动感形式"这种“动感”使绘画艺术、雕塑艺术及图形设计艺术具有了”不动之动”艺术魅力的特殊性质，体现了事物在运动变化中的“失衡”美。
2.无印良品——返璞归真的“适合”美
无印良品的产品向来是返璞归真，崇尚自然的。从“无印良品”品牌的宣传海报设计来看，将“适”的美学展现十分出色，从整个图片的结构分析来看，对整个版面进行了视觉点的分割，上下两个面的对比，给人一种适度的空间感。从内容上来看利用地平线的透视对视觉产生强烈的冲击力，加上“无印良品”文字LOGO，再没有其他多余的元素，它的这一系列传达出的空旷寂寥之感，而不是某种实物，非常成功的体现“无印良品”这个品牌所蕴涵的精神，达到了既定的目标。
三、《吕氏春秋》中揭示的美学观点对于现代平面设计的借鉴意义
综上所述，《吕氏春秋》中的美学思想是很超脱的，不同于儒道之论美，更具有其发展空间，是对先秦诸子百家思想的一种兼容并包与融会贯通。构成了后世汉唐儒家、宋明理学的直接思想源泉，影响到后世美学思想和中华民族思想的整体性特征和演变；有助于深刻把握现代美学和现代平面设计的根本美学特性。文中选取极具代表性的设计作品，它能够构建美学的相关理论体系，并反映现代平面设计发展的大势，并就某些问题提出了具有重要意义的看法。有助于更深刻地把握中国美学和中国艺术文化的根本特征。
作者：朱琳 单位：南京林业大学
第六篇：现代平面设计陶瓷纹样影响探究
1陶瓷纹样对标志设计的影响
中国陶瓷艺术寄托了古代人民的精神向往和对形式美的追求，其艺术形象所体现出来的简约性和抽象性的特征，充分地展现出其简洁质朴、概括变形的风格特质，这些特点与现代标志设计的理念是十分契合的，甚至带动了现代标志设计观念的进一步发展。例如，香港凤凰卫视的台标就成功地借鉴了中国陶瓷纹样中的凤凰纹样，并采用图案形式安排中的喜相逢结构，一凤一凰高翔九天，鸾凤和鸣。凤凰是传说中的鸟中之王，是中国陶纹中采用较多的象征吉祥如意的装饰图案。凤为雄性，富丽堂皇，象征男性的富贵雄强；凰为雌性，艳丽多姿，象征女性的美貌暄妍，二者意味着吉祥与美好。鱼纹是中国最为常见的传统陶瓷装饰纹饰之一，自原始社会直至当代，绵延不绝。“双鱼纹”一直是陶瓷鱼纹中的重要类型，如原始社会的双鱼纹陶器、北宋双鱼纹玉盘，其文化内涵远远超出了单纯的“吉庆有余”的吉祥意味，而有着更为深刻复杂的意蕴，并直接决定着纹样形式。香港著名设计师陈幼坚先生为香港西武百货公司设计的标志就具有浓重的吉祥意味。标志以传统中国瓷器的双鱼，演变为西武百货公司英文名字“SEIBU”的“S”，鱼与余同音，蕴含着“连年有余”的特定内涵，代表吉祥喜庆。
2陶瓷纹样对包装设计的影响
2008年，中国北京奥运会成功举办，为世界所瞩目，世界各大品牌竞相追逐“中国风”，而“青花瓷”几乎在一夜之间成为时尚界最抢眼的中国元素之一。产品包装设计、时装设计、家具设计、建筑设计等，处处皆有青花弄影。当次奥运会水上项目颁奖礼服——青花刺绣鱼尾裙，在全球观众的注视下应运而生。青花系列奥运颁奖礼服以冷调漂白色为底色，以青花图案作为服饰重点，形成具有中国特色的蓝白相间色彩，气质清新高雅。与此同时，北京地铁10号线出现了“青花瓷”大柱，鸟巢、水立方都建有青花瓷瓶状的出口，“绿色媒体村”出现了青花瓷自动提款机，长安街建起了“青花瓷”瓶奥运花坛，TCL推出了青花瓷盘按键手机，汾酒、二锅头也改成了一身“青花瓷”包装……。奥运会的成功举办，为中国带来风靡一时的“青花瓷现象”。青花瓷自唐代始，成熟于元代，明清时期大为盛行。其装饰富丽雄浑，主次分明。纹饰题材有植物纹、动物纹、人物纹以及与佛教相关的纹饰，具有极强的艺术感染力，别致的色白天青的色相，也承载着上千年的中国文化底蕴。当下由青花瓷包装衍生出的各类消费产品，貌似纷繁复杂，实际上却是异质同构。青花瓷这一原本高雅纯粹的艺术意象，在现代包装设计中被人们按照各自的需要进行解构、重组，融入繁冗复杂的产品当中去。这种分解重组，打破了阳春白雪与下里巴人的分界，为设计者们的设计思路提供了更为广阔的驰骋空间。
3陶瓷纹样对广告设计的影响
中国陶瓷纹样除了具有丰富的象征意义和思想情绪外，还具有很强的形式美感。对称、均衡、条理、反复、节奏、韵律等形式法则不断在部分陶瓷艺术纹饰中得以出现，这些形式法则和组织构成是陶瓷艺术对自然规律的概括和升华，源于自然又高于自然。此外，中国陶瓷釉色色彩明艳、纯度较高，如唐代三彩陶器，以黄、白、绿三色为主，相互浸润交融形成浅黄、赭黄、浅绿、深绿、天蓝、褐红、茄紫等斑驳绚丽的色彩。
4陶瓷纹样对现代平面设计的启示意义
中国的现代平面设计要在世界之林中脱颖而出，民族元素是一个至关重要的突破口，如何将民族传统和时尚现代有机结合，是一个不小的课题。香港设计大师陈幼坚先生所说：“成功之处不在于能在招贴设计中注入传统元素，而是将这些元素以现代技法恰当表现出来。商业是命题，艺术是境界，我所做无非是努力将商业命题做到艺术的境界。”中国陶瓷艺术博大精深，其装饰纹样的艺术表达是直接淳朴、不做修饰的；而现代平面设计的艺术表达往往是含而不露的，更加重视精神内涵。
5总结
古孙子有云：“因敌变化而取胜者，谓之神。”现代平面设计更需与时俱进，在纷繁多彩的当代平面设计风格中寻找民族的思维火花，对陶瓷艺术元素加以提炼、改造和运用，传其神、延其意，方能为中国现代平面设计开拓出一条启示之路。
作者：李蓉 单位：西北师范大学美术系
第七篇：现代平面设计梵高作品符号运用
一、现代平面设计中可运用的色彩形式特征
1、高纯度色彩拼加混合
在印象派画家之一的毕沙罗前辈影响下,梵高摒丢了以沉重混暗的色彩画风,凭借最大的热情选择了色彩鲜明、色阶繁多的色光混合方法,将色彩进行拼加混合。这种现象独属色光混合之一，是通过视觉生理和空间拼加获得所需色效的一种方法。色彩拼加混合是色彩光学和视觉的混合，其规律不同于颜色的调和。例如，紫色不一定只有红色和蓝色调合获得，还可以用极小的红点、蓝点密集地排列组成，在一定距离看，就会形成紫色。色相拼加和色光拼加后结果相同，明度为混合后色值的平均值，混色后不会降低其明度。用拼加法获取的色彩相对更跳跃和灵动，适合表现阳光下的通透感。通过这次转形，梵高之后的创作画面感开始色彩灵动起来，高纯度色彩绘画的效果视觉冲击力超强，吸引眼球，极具现代装饰艺术的特色美感。这种特殊色彩符号形式的手法运用到现代平面设计当中同样会产生不同凡响的明快装饰美。
2、大色块略省对比
在装饰色彩艺术中,色块的拼贴叠加是一项基本法则,也是尤为重要的表现方法。虽这项成果在现代装饰色彩世界里没有把这个方法归功于梵高先生,但在现代装饰色彩理论时机还未形成之前梵高已经这样开始着手实践了。梵高的色彩符号并非摒弃自然仰依纯粹的主观想象画出来的,而是面对生命自然再现动请他想要的色彩,用夸张、抽象、简化等方法,将自然中的色彩萃取出来,分配置于画面中,如《夜晚的咖啡馆室内一》中,梵高取用了超经典强烈对比色———红色和绿色,目的是为了表现人类异己别样的激情,整个画面由深绿天花板，鲜红的墙壁，各种不同色调的绿色家具及高明度的柠檬黄地板组成。画中几乎各个物体的色块都做出了简约化处理,色彩极简,趋于单色,对比鲜明，使得画面找到色块拼加所产生的对比和谐，在现代平面设计领域也给色彩的审美价值提升了一个前无古人的高度。
二、现代平面设计中可运用的笔法形式特征
梵高油画作品中笔法用线有一个共同特点：清晰围绕形体边缘，线条本身带动视觉通过笔触将光色进行分割,调色直接在画面中进行，保留用笔的轨迹和偶然笔触的使用，突出强调笔触轨迹视觉体现。
1、短促有序笔法
受点彩派和印象派画家映象，梵高酷爱纯色的点、线作画，通过高纯度色彩的拼加混合、短促笔触有序形体边缘密集排列，通过笔触分割光色画面直接调色，达到粗犷有序和动感并存的视觉效果。虽然受印象派束缚，但是梵高凭借新的技艺，照样能自如的表达自己强烈的情感。此手法可在现代平面设计领域中同样借鉴尝试，将会达到想象外的视觉效果。
2、叠加堆砌笔法
梵高为更好的诠释客观物象带来的主观感受，通常爱将高纯度的颜料直接绘色在画布上，形成最原始的肌理轨迹，通过对形体刻画的持续深入，用叠加的手笔，颜料笔触形成了厚重的堆砌感，这种肌理给予我们的感知是一种可触动的厚重感，更是画家内心激烈情感的外化表现。这种视觉冲击力效果不仅在现代平面设计领域得到了推广好评，在产品、装饰、装潢等设计应用中也是好的视觉体现。
3、卷曲旋涡笔法
在梵高作品中，另一独特的笔触也传达出了画者丰富的内心世界，物体形体主观上的夸张、变形，卷曲的笔法将线条无底线的交织在一起形成旋涡般的效果，极具增强画面的动感和情绪的张力。我最爱的一幅梵高的《星月空》，卷曲的长线和破碎丹有序的短线，漩涡状的星空与平静的村落，仿佛燃烧般的柏树与横向的山脉，天空在构图上达到一种微妙的平衡。这种具有象征意义的旋涡成为了梵高独一无二的视觉符号语言，在现代平面设计中产生了巨大反响。
三、总结
后印象主义画派最具有代表性的画家文森特•梵高,他的作品冲蚀着艺术带来的炽烈情感符号。梵高先生认为绘画就该是艺术家的主观感受,创作的世界应该忠情于作者本身的情感和体验,不必和客观真实等完全一致,应当以作者主观的情感去描绘客观事物形象,体现主观性的客观存在。即突出强调画者自身的感受和主体感官，对客观物像符号进行夸张变形、解构重组、抽象几何，弱化其透视度，将主观观察的物像符号有选择性的提炼出来，升华其自然感受，形成全新的绘画语言表现形式。倘若将其运用到平面设计领域其艺术形态方面，厚重的笔触非常富有象征含义，高明度的色彩张力，同样会给人们带来强烈的视觉感受。
作者：刘钰 单位：昆明理工大学
