前言：寻找写作灵感？中文期刊网用心挑选的舞台美术设计论文(共5篇)，希望能为您的阅读和创作带来灵感，欢迎大家阅读并分享。
第一篇
1.色彩的色调要切题
色调不仅能够营造出一定的气氛和情调，表达出特定的思想感情，而且还对观众有着极其强大的感性影响。在进行色调确定的时候，广大设计师要充分考虑到舞台剧或是节目的宣传主题以及宣传对象对色调的喜恶，而不应该去做主观的论断。在舞美设计中，色调要紧随主题的变化而变化，如在“中俄商品展销会文艺专场演出”时，色调就应该定位为象征着和平与安静的蓝色或是绿色；在对“六一儿童节联欢晚会”进行设计的时候，就要依据孩子的心理，选取较为明亮欢快的色调。作为一名舞美设计师，如果不考虑相关色调的这些问题，用黑色或是灰色的色调去设计一台联欢晚会，那一定会给观众带来不舒服的负面影响。因此，在具体的舞美设计中，要注意具体问题具体分析，以便更加准确、周到地确立好舞台色彩的基调。
2.主色调要与背景色调搭配
不可否认，在舞台美术设计中，主色调和背景色调两种色调的关系非常密切，两者互相衬托，缺一不可，所以舞美设计师在进行主色调和背景色调搭配的时候，要特别注意在突出主色调的同时，还要考虑到与背景色的搭配，要切实保证舞台的美感和舒适度。从色彩学的角度来讲，明度接近的色彩或是邻近色之间的搭配，会降低色彩的可见度，如白色的主体搭配浅色的背景色调。反之，色调差比较大的主色调和背景色调的搭配则会带来强烈的视觉感受。如在某一年的十一国庆节联欢晚会上，舞美设计师就以鲜红的红色国旗作为主体色调，并配之以白色的和平鸽，虽然红色与白色色调相差比较大，但却十分恰当地突出了晚会的主题，使晚会获得了巨大的成功，这就得益于主色调和背景色调的合理搭配。可见，作为一名舞美设计师要潜心研究主色调和背景色调之间的搭配，尽量使他们做到相互衬托、共同进步。
3.色彩要简洁概括
从视觉习惯来讲，受众对简单明确的东西的记忆往往高于一些较为繁琐的对视觉有着强烈冲击力的色彩。所以，舞美设计师要注意此方面的问题，在进行舞美设计时多采用比较简单、大气的色彩，这样就能够在不经意间做到出类拔萃，从而给受众留下深刻的舞台印象。
二、舞台美术设计中色彩的具体运用
1.布景色彩的运用
布景作为点睛之笔，在舞台美术设计之中，是最重要的组成部分，虽然在进行舞台布景设计的时候要注意以剧本内容、故事情节发展、导演要求为总的指导原则，并且要依据舞台剧中人物的活动和情节的开展来设置特定的布景环境，但所有的这些都离不开布景对色彩的运用。因此，在进行布景的色彩设计时，广大设计师一定要仔细推敲主体色和背景色之间的关系，严格遵守色彩的使用原则，使它们做到最大程度上的统一和协调。舞台布景可分为两种，即写实布景和非写实布景。在写实布景的设置当中，布景的色彩主要来源于客观存在的物体，来源于我们真实的生活环境，因为写实布景就是为了表现生活、还原生活，为了表达人们生活中的真情实感。
例如，对舞剧《漓江情韵》进行布景设计的时候，舞美设计师就选择了高高悬挂的黑色帷幔，并且还采用了由翡翠绿组成的立体的山水景色，这两种布景色彩的采用与舞者的服装及队形形成了鲜明的对比和多层次的空间，从而使观众产生了一种身临其境的真实感觉。而在非写实布景的设计中，布景颜色的选择不一定要客观真实地再现现实生活中的色彩，有时候仅用一些抽象的颜色进行组合即可。例如，有一场舞台剧名为《走出深山》，整个舞台用黑色底幕作为背景，在幕顶上方开有一个三角形的缺口，象征着天空，在舞台表演的过程中只需要借助电脑，在这个缺口上面投射光束，就能使观众有一种处于茂密森林当中的感觉。虽然没有写实的色彩，但是这种冷艳的非写实的色彩却渲染了整个舞台的整体氛围。
2.道具色彩的运用
舞台用具简称为道具，通常分为大道具、小道具以及随身携带的道具，但是无论是哪种道具，在设计的时候都要考虑其色彩的使用，不要因为道具色彩不适而破坏了整体舞台演出的美感，导致舞台画面出现失调的状况。此外，还要注意道具同周围环境颜色的对比，要把道具放置于整体布局之中。比如，如果内景的墙面是花色的，那么沙发颜色就不应该是花色的，而应该选择单色调颜色的沙发，否则很容易使观众出现眼花缭乱的感觉。一般而言，深色的底幕适合采用色彩艳丽明快的道具，反之，浅色的背景则适宜选择颜色较深的道具。以舞蹈诗剧《山水桂林》为例，其背景颜色就选用的是黑色的底幕，在这种背景下，道具则选用的是一条颜色鲜艳的金色草龙，深色的背景加之亮丽的道具，协调了整个舞台效果。此外，在选择道具色彩的时候同样也要服从于剧本的需要和导演的要求。
3.服装色彩的运用
在艺术表演界内，服装有演员“第二皮肤”的美称，舞台服装是塑造人物外部形象最重要的手段之一，它不仅可以体现出人物的身份、年龄、性别和职位，还可以从侧面反映出人物的性格特点、生活习俗以及时代特征。由此可见，服装在舞台上的巨大作用。在舞台美术设计中，服装的色彩除了可以渲染演出气氛之外，最重要的是可以区分剧中不同派别的人物，表现人物特点，同时通过协调舞美的服装色彩，创造出舞台形式的美感。此外，在舞台美术设计中运用服装色彩的时候，广大设计师还应注意舞台灯光对服装色彩的影响，服装质地和色彩使用之间的关系以及服装色彩和背景色彩的协调性。
4.化妆色彩的运用
除了上述的服装之外，化妆色彩也是塑造舞台人物形象的重要手段之一，剧本主题、人物特征、舞台灯光等都是影响化妆色彩的重要因素。最典型的例子就是舞台戏剧表演中不同的脸谱、不同的色调就可以表现不同的人物，如包拯的黑脸，表现了其铁面无私；曹操的白脸，表现了其狡猾阴险；关羽的红脸，表现了其忠诚仗义。
5.灯光色彩的运用
舞台灯光素有“舞台小太阳”之称，可见灯光色彩在舞美设计中有着举足轻重的地位，它能够赋予其它舞美（布景、道具、服装、化妆等）以灵动和生机，能够配合戏剧情节的展开表现情感和节奏的变化，从而更加有利于主题的表现。同时，不同的灯光还可以表现不同的时代，冷色（如青、蓝、紫、灰）常用于表现旧时代，而暖色（如红、橙、黄）则多用于表现新社会、新时代。此外，不同的灯光还可以表现不同的时间，如白色表示冬天，金色表示秋天，阳光初照的红黄色表示早上，太阳落山时的鲜红表示傍晚，而灰暗则表示夜晚。其实，在很早以前，灯光色彩在舞美设计中的作用就引起了众多艺术家的重视，如我国著名的京剧大师梅兰芳就特别善用灯光色彩，其经典舞台剧《天女散花》就是借用白色的灯光来表现天女的纯洁无暇和善良。
6.音乐色彩的运用
从艺术设计角度来讲，音乐音响的设计也属于舞美设计的范畴，它与色彩一样能带给观众鲜明、温暖、暗淡等感觉。因此，在舞美设计过程当中，广大设计师要将音乐视为流动的色彩，注意强化音乐的色彩性。例如，在听贝多芬的命运交响曲第二章的时候，脑海里就应该浮现出蔚蓝的天空，其纯净优美的音色也似乎向观众呈现出了一幅绚丽多彩的画面……不可否认，舞美设计中音乐的色彩应和联想结合在一起，是人们在艺术欣赏中逐渐获得的。
三、总结
总而言之，在舞台美术设计中，色彩是非常具有舞台魅力和表现力的，但它并不是独立存在的，常常依附于特定的空间构造和物质材料，并且具有“不确定性”的特点，所以舞美设计师在运用色彩的时候，一定要注意把握色彩富有魅力的一面，力争消除其不确定的一面，从而使色彩能够与其它的舞美元素很好地融合在一起，更好地作用于舞美设计。
作者：徐明 单位：宁波大红鹰学院
第二篇
舞台美术设计与制作之间的关系是相互影响和相互促进的，笔者就以它们之间的关系为话题来进行叙述和说明，期待与同行之间进行交流。
实际上，舞台美术设计是受到很多因素的限制和制约的，它是一种实用性艺术，类似于实用中的广告艺术、环境艺术、建筑设计艺术等。舞台美术设计会涉及到剧本的水平、导演的水平、演员的水平（包括特技人员）、器材水平等各种因素，还包括舞台美术内部的灯光、服装、音响、美工、道具、装置、化妆等。其中，剧场的条件或是一部戏的经济预算，都是舞台美术设计制作需要考虑的问题，这些都会影响着舞台美术设计的构思与最终体现。可以说，舞台美术设计工作从开始到结束，都是在无数的舞台美术制作的限制之中进行的。
舞台美术设计与制作中的技术需要一定的衡量标准，它可以通过先理论后实践的形式去实现，然后反复练习而达到一定技艺水准。舞台美术设计需要艺术和技术的共同作用，艺术需要技术作为坚强的后盾，而技术可以通过艺术去更好地发挥其作用。具体来说，如果过分地追求一种舞台技术，那么舞台艺术成分就会相对减少；反之，如果设有了雄厚坚实的技术作为基础支撑，艺术要想提高也是不可能的。可见，二者是相互促进和影响的。
舞台美术设计是要依附于整个舞台艺术的，这就要去充分考虑到舞台制作的技术性和水平，毕竟再好的舞台美术设计没有舞台制作技术的支持也是枉费，这就是舞台美术设计对于舞台制作的依附性作用。以舞台美术制作中的灯光为例，它就可以分为矩阵灯、摇头灯、LED帕灯、LED效果灯、激光灯、频闪灯、追光灯、舞台效果器、追光灯等，这些都极大考验了舞台设计中的制作能力，没有它们的使用就不能最真实地体现出舞台美术设计的能力和水平，也不能使得舞台效果的其他方面的效果得到最大程度的表现。从舞台美术设计发展来看就可以说明它们之间的关系。
以舞台设备为例，古希腊悲剧中的天神下降是通过从更衣室二层阳台上用篮筐将扮演天神的演员垂吊下来的；而到文艺复兴时期的意大利，天神下降则是借助了一些简单的舞台性机械设备了；19世纪末20世纪初，天神下降之类的舞台展现又可以通过使用转台、升降台和推台等各种较为复杂的混合型机械了。再以舞台灯光为例，蜡烛和油灯是16世纪的欧洲剧场中的照明设备，煤油灯、汽灯、电光源陆续成为了19世纪初剧场中的灯光，这些就是舞台灯光技术的一次次变革。
到了现代，舞台灯光技术又使用了微机控制和激光控制等形式，这些都是舞台美术制作中的进步，说明了舞台美术设计对于舞台制作技术的依赖性。而那些诸如立体音响、幻灯以及电影放映设备及新型材料的出现和发展也是佐证，都可以更加丰富戏剧演出的效果，是先进的舞台技术手段。
以上就是笔者就“舞台美术设计与制作的关系”这个话题进行的浅谈，概言之，舞台美术设计与制作之间的关系是相互影响和相互促进的，前者为后者提供制作理念，后者为前者提供技术支持，并最终相互促进和融合。
作者：张大宏 单位：福建人民艺术剧院
第三篇
舞台美术不能像普通美术作品那样，单纯以自身的美感去让人欣赏。舞台美术的色彩构图必须要与剧情及剧中人物相协调方能产生美感，而它的创作内容与主题，也都是由剧本所规定好了的。因此，舞美设计者只有在对剧本进行深层的解读之后，才能对剧中的人物和环境产生共鸣，才能够进入创作过程。一出戏中的人物，是通过剧情中的一系列矛盾冲突和情节发展树立起来的。而戏剧的矛盾冲突和情节发展又是由剧中人物的行动和一系列的戏剧事件所构成的。所以，舞美设计者在拿到剧本之后，首先就要搞清楚，这一出戏或是一场戏中都发生了一些什么事，以及这一系列事件和行为的来龙去脉、相互关系，同时分清哪些是主要的，哪些是次要的，找出其中的中心事件，搞清存在的矛盾，然后通过中心事件找出其中的主要矛盾冲突。这样才能够进一步的认识和理解剧中人物的典型性格，以及剧中人物在特定环境中的各种行为。
戏剧形象的发展是一个复杂的过程，虽然剧本中已将一出戏按照场次或幕次分成了若干部分，但舞美设计者仍要在每一场戏中，根据舞美的需要将其再次细化分为几个段落，这样，才更有助于认识和掌握戏剧冲突的发展层次，从而从整体上全面把握戏剧形象。在明确了剧本中的主题思想和剧中人物之间的关系及冲突，还有角色的个性和特定环境之后，我们才能运用景和光来体现这一主题。既然戏剧是通过人物及人物之间的联系及冲突来提示主题的，那么舞美设计自然就要以人物间的联系和冲突为依据，运用造型艺术的手段来为角色提供行动环境，人的本质是存在于他与周围环境的现实联系之中的，而超脱于周围环境的人，只能是抽象的人，所以说，人与他周围的环境是互相联系而又相互制约的。
人与他周围环境的辩证关系，在一个戏的舞美设计中的体现，就是戏中有景，景在戏中，一个戏的环境、气氛、意境与角色的性格和剧情的发展是不可分割的，我们怎么可以脱离了戏的本质而孤立地去搞什么“包装”呢？舞台美术也不能像普通美术那样，在长与宽的二度平面上描绘形象，而应该在具有高、深、宽的三度立体空间中组织形象。另外，它不但要考虑舞台空间的立面形象，而且还要考虑舞台空间的平面结构，通过人物与人物、人物与景物之间的空间关系来提示剧中人物的思想情感，了解他们彼此的联系和冲突，创造舞台气氛，达到体现主题的目的。
为了揭示人物的内心世界，体现主题，创造典型环境，在构思的进行中，还要考虑到构图美，构图是造型艺术的结构，它主要的任务就是把部分统一成为整体。而舞台景物的构图与一般的风景画不同，它不像风景画那样是一幅独立的画面，而只有在剧中人物登场后才能成为一幅真正完美的画面，从而产生整体构图的美感。另外，还要站在观众的角度，以观众的视觉来观看舞台上的一切，这需要通过水平的视角，把握好舞台前部与后部的演员与景物的透视关系。要在有限的平面舞台上创造出深远的空间，还要考虑到垂直空间的层次，才能体现出立体效果。
舞台美术是通过景、物反映人与人之间关系的。在戏剧中，需要依据规定的时间和地点进行典型形象的创造，但不应该单纯地把环境理解为剧情发生的时间和地点，因为时间和地点只是环境的一个组成部分，并不能构成环境的全部，故而，在舞美设计中，首先要从剧情发生的时间和地点的规定中，掌握其中所包含的内容和内涵。在环境的刻画上，首先要搞清楚全剧及每一场戏的规定情境，理解剧中人与人的关系，以及人与景物的关系，当然这之中既有剧本中所包含的一切，也有设计者自己对生活的理解和创作。
舞台美术不是孤立的去美化“包装”戏剧的外部环境，也不是死板的去体现戏剧中的时间和地点，而是要用光与色来烘托剧中人物的内心世界，从而创造出能够反映剧中人物情绪状态的作品，表现舞台事件所特有的舞台气氛。在这之中，灯光、布景、道具、人物造型与人物的行动、语言、音乐及音响效果，是融为一体的，在突出剧情、刻画人物、创造气氛上，光与色都起到了决定性的作用。
舞美设计者所创造的舞台环境和舞台气氛，与剧中人物的内心节奏和戏剧冲突展开的情势是水乳交融的。其中舞台节奏作为核心，以舞台人物的行动节奏展现，它联系结合布景、灯光、音乐、音响效果、人物造型等多项舞台因素，共同形成一个节奏，从而展现出一幅幅完美的舞台画面。
作者：翟仲华 单位：山东省艺术服务中心
第四篇
一、理念超越性的提升
首先是设计的美学原则的超越性提升。过去一提舞美设计，常常用西方写实主义与中国写意主义两大模式来框定，而现在则不仅不墨守这两大模式，而且在融二者为一体的同时，广收博采，吸收西方现代主义中的象征主义、未来主义、达达主义、印象派、抽象派、超现实主义、魔幻现实主义、荒诞派、意识流、黑色幽默等各种艺术流派的艺术精华，构成一个“百宝箱”。舞美设计师可以广为运用，为所欲为，理念的超越直接导致设计的超越。
其次是设计空间的超越性提升。过去舞美设计师所能支配的空间与所统辖的“领地”，只限于舞台之上。而现在，已远远超越了舞台空间的限制。一是由舞台延伸至观众席，例如歌舞《大雪歌》的舞美设计，就采用了延伸舞台的办法，将舞台前面的乐池填平，并将檐侧幕与舞台框架延伸至观众席，使观众增强了身临其境的感觉，缩短了演员与观众的身体距离与心理距离。二是由观众席继续延伸，至剧场之外的现实之中。
例如美国音乐剧《狮子王》（根据同名电影改编）的舞美设计，就将舞台延伸至观众席与剧场之外，造成一个多维化的“动物世界”。再如日本的一些戏剧，观众手拿戏票去看戏，还没有找到剧场，就拐进一家民宅的小院，突然发现荷枪实弹的德国兵就站在身边喘着粗气，另有一些法西斯匪徒正在院子里“拷打”共产党员……这真是将“舞台小天地”变为“天地大舞台”的杰作。所有这些超越，都发人深思，启人心智，直接影响到我国的舞美设计。
二、主观能动性的强化
诚然，舞美设计从属于整个舞台艺术，并且为之服务。但是，这种从属与服务并不是也不应该是消极被动的，而应该是积极主动的。当今的舞美设计，主观能动性的强化也是一大趋势。
一方面，这种主观能动性的强化表现在舞台美设计对于体现舞台艺术的主题、表现其艺术风格等方面的独特的创造性作用。例如最近备受全国人民赞赏并享誉世界的舞蹈精品《千手观音》的舞美设计，就在继承民族传统的基础上大胆创新，融现实与神话为一炉，集生活与艺术为一体，成为现代舞美设计的经典。又如上世纪80年代北京人艺重排并公演的话剧《茶馆》的舞美设计，也在充分体现旧北京特色的基础上，融入现代意识与现代手段，同样取得了成功，作为舞美设计的精品，代表我国舞美作品，被选送参加国外的舞美作品展览，广获好评，为国争了光。
另一方面，这种主观能动性的强化还表现在舞美设计师使舞台美术的地位与作用不断上升与增大，甚至大有独立与“功高盖主”、“喧宾夺主”的趋势。这种趋势突出表现在一些舞台美术的“大制作”之中。例如新版越剧《红楼梦》的舞美设计，就营造出一个奥妙无穷、风光无限的幻觉空间，使传统戏曲的舞台美术发生了新的嬗变，上升为一种独立的艺术品，即观众在观赏全剧的同时，也将舞美作为一种独立的艺术作品，为其而赞叹，而愉悦，回味无穷，留连忘返。当然，对于这些“大制作”目前尚存争议，有人肯定，有人否定，究竟孰是孰非，尚有待实践与时日的检验，不过作为一种大趋势，则是一致公认的。
三、现代科技性的凸显
当今的舞美设计，凸现出现代科技的趋势，例如转台、升降台的现代机械化的手段，电脑灯、激光灯，镐灯的灯光运用等等，尤其是电脑三维设计、电脑绘画、电脑投影等技术，更是高科技化的集中展现。
作者：李宜涛
第五篇
一、舞台美术设计人才培养中普遍存在的问题
（一）传统的教学方式以传授知识为主，学生面对的是概念和原理，很少对舞台作品的鉴赏和研究探讨，学生在专业学习上缺乏主动性和互动性。即使在当今舞台美术设计教学采用多媒体了，舞台美术设计专业教学也还是沿用传授知识的传统，只是增加了一些欣赏而已。这种严重脱离艺术实践的教学授课模式，学生毫无兴趣，超出了学生选择舞台美术设计专业的预期，扼杀了学生的求知欲。
（二）舞台美术设计专业课程体系的架构多注重视觉造型效果，认为学生在基础训练中掌握不好造型基础，就会缺乏造型意识。我们现在的课程体系重设计作品的艺术性而忽视设计作品的实用性。在实际教学中片面要求学生以写实绘画为主，往往造成学生离开模特儿就不能画画。造型基础是解决画什么像什么的问题，而造型意识则是教给学生以某沖思维方式。以往的基础课，素描注重光影，色彩就是油画，都以写实风格为主。这些都停留在技术层面，关键要解决的是怎样在课程环节中使学生对文化特质有所认同，加强学生解读文化能力的培养，努力启发学生的思维，增加设计创意的训练。
（三）舞台美术是一个内容丰富的综合型专业，现已形成“戏剧（戏曲）舞台设计”‘‘舞台灯光设计”“戏曲服装设计”和“化妆造型设计”4个专业方向。中国画、传统装饰很重要，而我们不难发现，舞台美术专业课程体系中传统文化严重缺失。我们艺术院校舞台美术设计专业的学生很多不了解元杂剧，读不出一首诗的韵律，也根本没有条件接触类似昆曲、京剧这样典型的戏曲演出，很难接受欣赏戏曲艺术几乎诗化的文学描述。他们处理戏曲的设计，往往是拿欧美概念来嫁接中国的戏曲，往往出现一些不伦不类的设计，丢失民族艺术之魂。提高学生的文、史修养尤为迫切，有利于未来设计师们思维深度和广度的加深和拓展。
（四）加强电脑软件应用教学内容，将电脑软件应用教学纳入基础课群。电脑软件的使用和绘画能力的培养’都是在训练视觉表现方法，都不能忽视。国外在设计中禾IJ用电脑模拟舞台现场效果，分析方案、调整方案已成为一种十分普遍的现象。而我们的学生目前面对强大的图形处理工具和图像生成工具束手无策，设计过程中遇到问题依然用老办法来解决。在现实教学过程中，那些按考试标准绘画能力较强的学生，到了高年级运用电脑软件进行的综合设作，并不一定优秀。
（五）长期以来，对舞台美术设计教学的研究一直比较沉寂，在各类艺术院校，专业教师和专业教研处室常常把艺术创作与艺术教育混为一谈，往往个人的创作凌驾于专业教学之上，教学被个人的艺术创作所掩盖。更为突兀的是在艺术院校这样的价值取舍，学生也接受，学生可以容忍教授教学一般，而柜反不能容忍教授创作上一文不名。这种教育理念的错位在艺术院校普遍存在。于是乎，艺术院校培养出来的设计师很多习惯于一个人战斗，有的甚至无法和别人合作，缺乏基本的合作精神。这样的设计师往往主观意识超强，创作上天马行空，不实事求是，不考虑设计制作成本，盲目追求大制作、洋制作、大成本，追求震撼的艺术效果，制作大了震撼了才能体现他是设计大家。
二、新时代背景下对舞台美术设计师的能力要求
（一）舞台美术设计创作包含的物质性和精神性的两方面属性，其作品具有实用、美观、经济的特点，并且以个性、多元的方式加以表现。舞台美术设计师创作的过程不外乎绘制效果图、进入布景道具制作、材料分析对、材料加工制作、使用机电设备、必要的测绘；在软件上要求舞台美术设计师具有一定的审美品位，在满足舞台主要功能的大前题下，不断追踪观众的审美方向。舞台美术设计必须是满足观众对物质文化的需求，这是第一属性；满足观众建立在物质需求基础上的精神需求是更高一个层次。舞美设计师应该具有更高层次的文化素养，具有对民间艺术的生活体验，充分把握设计的民族性、地域性，对社会认知进行独到的更深层次的诠释，具有丰富生命力和感染力。
（二）舞台美术设计最终以实实在在的舞台效果展现出来，必须通过具体可感的物质和经济价格来体现，从而获得最佳的社会效益、经济效益。在每个舞台设计之前，舞美设计师必须选择最恰当的材料，缜密思考制作工艺，就使用到的材料和工艺及成本进行市场调研。舞台设计师必须掌握材料工程学、市场经济学等相关知识。
（三）舞台美术设计师往往不是一个人在战斗，其制作过程更注重团队的协作，因此他们所面临的不仅是个人才能的发挥，而要具备适应各种环境要求，能综合各沖相关信息、知识的能力，要具备正确的价值观，更好地展现个人人格魅力，从而确保设计工程的健康、有序。对理想与价值观的不断锤炼是每一位优秀设计师成长的必经之路。舞台艺术设计行业的发展与社会文化的关系相辅相成、紧密相连。伴随着对外交流的不断加深，我们将面对无数从未接触的新鲜的文化和更先进的设计思路，固有的传统设计思维模式必然会受到巨大的冲击。在团队协作中，舞美设计师要把控中国传统文化与外来文化的巨大差舁，以适应将来艺术市场对舞台艺术设计行业提出的要求。
三、探索现代模式的舞台美术人才培养的新途径
（一）以专业课堂、实验、实训教学项目化课程激发学生的创新热情。实施以项目课题为中心的创新设计教育模式，重点培养学生的创造性思维、创新理念，传授创造方法，营造创新情境。围绕项目课题展开教学，引导学生进入创造角色，激发创造激情，增长创造能力，调动学生学习主动性。以企业委托的具体设计项目来组织教学，注重讪练学生的创造性思维，强化集中教学，在培养学生的创新意识和观念的同时也增强学生的市场竞争能力。增大实践课程教学力度，使学生真正获得解决实际问题的能力。重视实践环节的落实和创作能力的培养，鼓励学生积极参与文化建设活动，在校内创造条件给舞台美术设计专业建立与专业人数柜匹配的若干个实训室和教师工作室，积极引进专业设计项目和专业竞赛项目，使课堂、实训教学真正实现项目化。
（二）加强“双师型”教师队伍建设，不断提高教师的教学水平。舞台美术设计专业缺乏有实践经验的专业教师，将会极大地制约专业实践教学。要通过以下途径对师资队伍进行创新和改革：①采用以老带新传授经验；②鼓励、选派青年教师参加相关培训、参与艺术设计下企业实践等方式；③加强对现有教师实践动手能力的培养和提高；④引进“双师型”专业教师，提高技能型教师比重。师资队伍建设，要使舞台美术设计专业的教学方式真正实现双轨制。
（三）以开展活动为载体，提高学生的综合能力素质。开展丰富多彩的校园文化活动，加强精神文化建设，科学合理的规划，立足高起点、高标准、高要求，追求高质量。因此，舞台美术设计专业学生可在校园文化艺术节、动漫节、服装节、寝室文化等别出心裁的主题活动中，在校园大舞台上展示才华，增长才干，锻炼实际能力，提高人文素养。校园文化建设是新形势下加强舞台美术设计专业学生专业素质的重要阵地，我们可以充分发挥校园文化的育人功能。
（四）打破传统封闭式课―学模式，广泛开展实践调研。舞台美术设计专业要根据教学内容的要求，对设计项目的各个环节开展实际的调研与实践。经常带领学生到艺术院团或市场中去搜集第一手资料，进行现场授课、设计分析以及市场预测判断，让学生在实践的一线摸爬滚打，亲身参与实际设计、开发的全过程，真正地提高学生的设计能力和动手能力。开展校企合作，建立学校和艺术院团互惠互利、合作双赢机制。这是培养舞台美术设计人才至关重要的环节。学校应鼓励师生在不影响正常教学的前提下，尽可能地参与艺术院团的演出实践，彻底改变舞台美术设i传业纸上谈兵搞科研的现状。
四、总结
总之，在舞台美术设计专业人才培养模式途径创新上，只要我们认识统一，方法到位，富有成效地探索和创新，舞台美术设计专业在培养高素质应用型人才的道路上将会实现跨越式的发展。
作者：马敬忠 单位：无锡文化艺术学校
