美术核心论文范例

“十一五”期间，美术学与设计艺术学研究领域的发展变化较大，随着高等美术教育规模的不断扩大，研究生教育日益普及，高等院校逐步向研究性大学转换，高校教师的研究性成果成倍增长，研究机构纷纷成立，课题申报数飞速上涨，立项数不断上升①，但高品质的学术成果却并不多见，反而在总量扩大的情况下，质的相对比率反而下降。这种情况在“十五”期间已经出现，国家也采取了相应的措施，如控制博士生的招生规模，对学术期刊进行学术评估，对核心期刊进行动态评估，加强对课题项目后期资助的审核及资助力度，出台各种对优秀著作及科研成果的奖励措施，各家出版社对优秀科研成果也在每年的出版计划中留有一定的比例，但在市场经济的环境中，不良的学术风气依然存在，量与质的问题并没有得到有效控制。   全国美术学与设计艺术学学科研究的整体态势是个体性的研究增加而集体性的研究减少，专门领域内的研究向纵深发展，个案研究比较多，边缘性研究比较多，地域性美术研究亦逐渐增多，一些新兴学科的概论性著作也逐渐增加。整体上说明了学科研究领域的面在不断扩大，基础研究也在不断深入，处于历史上最好的发展时期。这主要体现在两大方面，一是国家项目的推动及省(市)、部门各级项目的立项与资助力度不断增强，大多数有研究前景的个人与集体项目都能获得各种不同的支持;二是研究生的学位论文成倍增加，尽管存在种种问题，但在总体上还是推动了学科研究的发展，因为其中的开题、评审、答辩等种种环节，在掌控论文的学术质量上还是发挥了作用，还有一些学生在认真地钻研学问。   与美术史论的传统学术研究相比，创作实践方面的研究更为活跃。美术市场空前繁荣，展览不断，当代艺术的浪潮一浪又一浪，画册、期刊及各种出版物让人目不暇接，对现状的研究也随之展开，美术批评理论也随着批评实践活动而有所发展，推动了各种创作理念;尤其是设计艺术理论研究，虽然还处于初创时期，亦初具规模，这与设计艺术教育的普及有关，与学科的基本教育规模与实践性有关，其研究成果大多还体现在教材与基础理论问题上。   现依据“十一五”期间美术与设计艺术学科研究的主要情况与基本特点，分述如下。   一、基础理论研究   “十一五”期间的美术基础理论比较薄弱。与“十五”期间相比，在研究范围上无突破，在数量上基本持平，基本上一年出版一本，还是以高等院校教材或辅助教材为主，如“美术概论”一类，有邓福星的《美术概论》(2009年版)、赵一丹的《美术概论》(2008年版)、陈美渝的《美术概论》(2007年版)及高国良的《影视美术概论》(2008年版)、肖清风的《设计艺术概论》(2007年版)、朱?主编的《设计艺术概论》(2006年版)，其特点是强调了个体性的研究，突出一家之言，走出了集体编著的大一统模式，展开了多元论述。在门类美术的基本理论研究方面，近十年来还是局限在影视美术，未见其他门类美术的著述。   在博士论文方面，则有些专题性的理论研究，如王云亮的《话语的转型:以宗白华的中国画理论为解析案例》(2008年版)，就在探讨20世纪中国美术理论话语的现代问题。   在“十一五”国家课题立项中，基础理论方面的选题比例也小，占美术类课题总量约17%，其中包括对西方艺术理论的研究，设计艺术理论、批评理论及各项专题理论研究，未见原理论研究，而且有些选题重复立项。   与美术基本理论研究现状相比，设计艺术理论的研究成果略为突出，且作者队伍也趋向年轻化，其成果形式还是以教材为主。如余强主编了一套设计艺术基础理论丛书(2006年版)，以及邵宏编著的《设计学概论》(2009年修订版)、胡守海的《设计概论》(2006年版)、张焘的《室内设计原理》(2007年版)、焦健等主编的《空间设计原理》(2007年版)、清华大学课题组编的《设计艺术的环境生态学》(2007年版，“十五”规划题)、何灿群主编的《人体工学与艺术设计》(2007年版)、陆小彪等的《设计思维》(2006年版)等等。专题性研究则有桂宇辉的博士论文《包豪斯与中国设计艺术的关系研究》(2009年版)，以及熊?的博士学位论文《器以藏礼:中国设计制度研究》(2007年)。   二、美术史研究   “十一五”期间的美术史研究依然是重头戏，成果数量不少，但值得称道的却不多。其间以教材为多，特别是中外美术通史写作，虽然看似以个人撰著为主，体现研究主体的学术立场及其观点，实际上还是取通用的体例及通常的史学观，无甚建树。五年间，据不完全统计，中国美术史出版有13本，外国(西方)美术史出版也有13本，基本上都属于简编。②   其中，值得关注的是中国工艺美术史就出版6部，有5部是个人专著。应该说，这与“十一五”期间国家非物质文化遗产保护工作的大力展开有关，与设计艺术学科的兴起与普及有关，与文化研究及新美术史学观的兴起也有关系。外国美术史写作中比较值得关注的是陈平的《西方美术史学史》(2008年版)，特别是他又主编了一套“美术史里程碑”丛书，包括《罗马艺术》、《作为精神史的美术史》及《罗马晚期的工艺美术》。   美术史的研究方法是这一时期倍受关注的问题。   图像学、艺术形态学、艺术社会学及艺术心理学等研究方法，甚至包括政治学、经济学、意识形态研究、比较研究等不同学科的研究方法，也不断地渗入中国美术史学界，挑战传统的历史文献学及风格样式研究。   其间，较有影响的是美籍华人学者巫鸿的著作被介绍到大陆，如《礼仪中的美术》(2005年版)与《武梁祠:中国古代画像艺术中的思想性》(2006年版)。2007年4月，首届高等艺术院校美术史学教育年会在中央美术学院召开，会议主要着眼于青年一代的美术史学者，而来自各艺术院校及科研机构的青年学者所提交的论文，引起与会者的极大兴趣。两天会议不时掀起讨论的热点，如华南师范大学颜勇的论文《西学语境中的传统画论:以“墨分五色”的二三种现代诠释为例》，又如中央民族大学吴雪杉的论文《清初“四僧”与历史书写———民国时期美术史的一个考察》，还有中央美术学院张鹏有关寺观庙堂绘画、雕塑的研究，都具有各自不同的角度及独到之处。2008年4月第二届年会在四川美术学院召开，其研讨的主题是“美术的地缘性”，并设六个分论题，即(1)差异与融合;美术考古的视角;(2)地域性母题的图像呈现;(3)美术及其理论中的地方观念;(4)地缘性与风格流派;(5)文化地域性的价值限度;(6)地缘性理论的回顾和反思。显然，年会的学术议题已转向有关方法论的专题研究，“研究视角”比“学术立场”更受人关注。#p#分页标题#e#   2009年10月第三届美术史学教育年会在清华大学美术学院召开，主题是“边界与范式”，曹意强与潘耀昌均关注到越界问题，即在全球化视野下的“世界艺术研究”;而在“中国古代美术研究新视野”的专场讨论中，郑岩、张鹏等人所提交的论文依然注重图像分析，注意讨论具体的问题，由此及彼，由小见大。这样的研究方法正被越来越多的青年学者所接受。   中国美术史专题研究的主要成果来自于之前的一些研究项目。如属于“十五”国家重点项目之一的“中国道教美术史”(2003年立项)，其课题成果之一《论〈八十七神仙卷〉与〈朝元仙仗图〉之原位》(李淞著)获首届中国美术奖理论评论奖(2009年)，与其同时获奖的还有李超的《中国早期油画史》(2001年立项的国家年度课题)及裔萼的专著《二十世纪中国人物画史》(2001年立项的文化部青年项目)。   中国近现代美术研究在“十一五”期间依然是一热点③。已出版的专著有吕澎的《20世纪中国艺术史》(2006年版)、张晓凌主编的《中国现代美术史文献集》第一辑(2007年版)、陈瑞林的《中国现代美术史教程》(2009年版);再版的有阮荣春的《中国近现代美术史》(原名为“中华民国美术史”，2005年版)、潘耀昌的《中国近现代美术史》(北京大学出版社，2009年版)。潘公凯负责的“中国现代美术之路”的课题组(北京市教委共建项目)于2006年相继在香港、上海组织召开学术研讨会，会议邀请海内外学者就20世纪中国美术的现代转型问题展开讨论。张晓凌负责的“中国现代美术史”课题组(“十五”国家重点)也相继在北京、杭州组织召开编委会，其项目将在2010年下半年结题。郑工的《民国时期美术思潮》(2001年文化部项目，原题为“20世纪中国美术大论辩”)已于2006年结题(将在2011年出版)。而在博士学位论文选题方面，数量更多，出版的也不少。   如顾丞峰的《现代化与中国百年美术》(2007年版)、薛娟《中国近现代设计艺术史论》(2009年版)、马琳的《周湘与上海早期美术教育》(2007年版)、华天雪的《徐悲鸿的中国画改良》(2007年版)等等。相比“十五”期间，研究范围扩大了，研究深度也加强了，其特点是以现代化理论为核心，注重社会文化的整体转型，同时也在进一步整理资料，敞开学术视野，消除偏见。   中国书法史论研究在“十一五”期异军突起。说“异军”则是因为在20世纪书法渐次游离出了中国美术圈，而在21世纪，在学科整合的过程中开始有所沟通，学科建设迅速发展，“十一五”期间推出了一批成果。如丛文俊等人合著的《中国书法史》丛书(2007年版)，欧阳中石主编的《中国书法艺术》(2007年版);专题研究成果可见之南方出版社的“书法研究博士文库”(第1辑，2009年版)，王元军的博士后出站报告《汉代书刻文化研究》(2007年版)，获第三届中国书法兰亭奖理论奖一等奖。   三、区域美术(含民族美术)研究   “十一五”期间区域美术研究比较活跃，正因为这一时期通史性的写作基本处于停滞状态，而地域性的美术研究又受到地方政府及有关文化教育单位的重视，作为地方文化建设的一项重要内容或有地方特色的研究项目进行扶持。区域美术研究的特点，一是文化中心区域，二是文化边缘区域。如北京的地区性美术研究就有两项成果，即邵大箴、李松主编的《20世纪北京绘画史》(2007年版)与李福顺主编的《北京美术史》(2008年版，北京市“十一五”社科规划项目)。前者聚集了国内颇有建树的美术史论家，如李树声、薛永年、水天中、单国强等人;后者主要是一批青年学者。二者体例不同，水平各异。相比“十五”期间出版的《上海美术志》(2004年版)和《20世纪上海美术年表》(2005年版)，在研究思路及具体做法上已不相同。澳门文化局近年也资助一批有关澳门美术与设计方面的研究项目，已结题并待出版的成果有胡光华的《澳门绘画史》、刘佳的《澳门设计艺术》。   由澳门基金会编辑出版一套《澳门史新编》(2008年版)，收录了莫小也的《澳门早期美术史:远古至1850年》与郑工的《澳门美术史的分期与分类》。莫小也的研究课题“澳门美术史”(2003年立项的国家年度题)也基本完稿。   相关的研究成果还有李伟卿主编的《云南民族美术史》(2006年版)、张亚莎的《西藏美术史》(2006年版)、范晓杰等人合著的《山西美术史》(2009年版)、朱琦的《香港美术史》(2007年版)、徐文琴的《台湾美术史》(2007年版)。还有一些民族美术史的研究课题在“十一五”期间陆续立项，如彭林绪的《土家族工艺美术史》(2007年度)、张景明的《中国北方游牧民族的造型艺术与文化表意》(2007年度)、李青的《丝绸之路与西北民族美术史研究》(2007年度)、李宏复的《中国少数民族刺绣工艺文化研究》(2008年度)及姜钟浩的《中国朝鲜族百年美术发展历程与特性研究》(2009年度)。   区域研究的性质应属于文化研究，或者说是有关地方知识及在特定空间区域内文化关系的总体叙述，故在文化边界、共时性关系、差异性论述等问题上容易形成关注的焦点。只是目前美术学界对文化研究的方法及意义认识还不明确，故在写作时容易出现视野不清。其中最大的认识误区，就是将区域美术研究作为局部范围内的一般美术史写作，即被缩小了空间范围的通史性写作。实际上，这是两种不同类型的研究，其目的不一，研究对象与研究方法都不一样，要解决的问题更不相同。这一问题在2010年4月的“中国地域性美术史研究暨《北京美术史》学术研讨会”上已被提出，但并没有引起足够的重视。   四、边缘性的文化研究   边缘性的文化研究主要指跨学科的综合性研究。   “十一五”期间，美术学及设计艺术学处于学科的基本建设阶段，新的边缘类型学科出现不多，其队伍基本是由民间美术、工艺美术及设计艺术等相关领域的研究人员构成，理论基础较为薄弱。其中最引人注目的是非物质文化遗产保护工作兴起后，带动了民间美术与民间工艺美术的文化研究热潮，但真正理论上的带动却是文化人类学及民俗学。如乔晓光的《本土精神:非物质文化遗产与民间美术研究文集》(2008年版)、吴志跃的《非物质文化遗产新视野下的福建民间美术》(2008年版)、沈泓的《节庆狂欢:民间美术中的节俗文化》(2009年版)等。还有一些研究课题在“十一五”期间陆续立项，绝大部分都属于调查报告④，其立项在美术及设计艺术类中每年的比例数高低不等，如2007年有五项(其中两项为国家重点)，2008年有四项，2009年有六项(其中两项为国家重点)，分别为当年美术及设计艺术类总立项数(含文化部项目)的19%、10%、17%(不含工艺史研究)，但重点题所占比例很大，2007年为50%，而2009年则为100%。#p#分页标题#e#   ⑤随着2007年当代艺术市场的火爆，艺术市场学也为人们所关注。有些学者开始研究艺术市场的运作规律，涉及种种与艺术品交易有关的经济现象，思考其中的理论问题，并涉及当代艺术的存在意义及其评价体系，重新判定艺术与社会意识形态之间的关系，重新判定艺术与经济社会之间的关系，重新面对艺术的公共性，面对在新的城市天空中艺术的存在方式及交流方式。艺术社会学的内容必须置换，重新书写，其研究方式也不是传统的历史学所能胜任的。应该说，这方面的研究正处于开始阶段，研究成果多是调研报告，以及建立在宏观基础上的分析判断。中国艺术市场的不规范，许多统计数字不可靠，资料来源也很复杂，给深入而客观的研究带来很大困难。有些学位论文涉及到艺术市场机制、艺术市场语境下的当代艺术发展问题，关于中国艺术市场史的研究也已起步。   2006年，中央美术学院成立了艺术市场分析研究中心，由赵力主持，并主编了一套《艺术财富》丛书，如《艺术财富》(一)(2006年版)、《艺术财富:全球艺术市场新格局》(2007年版)、《艺术财富:全球化与中国艺术市场》(2008年版)、《艺术财富:金融危机下的艺术市场》(2009年版);同时艺术市场分析研究中心还陆续出版了2006年至2010年的中国艺术品市场的研究报告。自2009年起，国家文化部艺术市场研究中心也连续了2008年与2009年的《中国艺术品市场年度研究报告》。2010年4月，由北京市中关村科技园区雍和园管理委员会、艺术北京当代艺术博览会主办了“2010艺术经济论坛———后金融危机时代的艺术市场与艺术收藏”，其议题有宏观经济背景与目前艺术市场、中国经济发展和艺术市场复苏、亚洲当代艺术市场是否能够走出危机以及亚洲艺术市场的前景。   五、创作理论与实践研究   美术创作理论与实践的研究历来是美术学研究最为薄弱的环节。大多数著述都停留在基础性技法理论教材的编撰，也有结合自身的艺术创作实践总结一些经验，提出一些看法，有的也试图建构一个系统的创作理论框架，实现自己的艺术主张。   与原理论研究不同，创作理论的研究正在于实践性及可操作性，其中技术性的成分比重较大，或者说，其解决的主要就是技术理论问题。特别是在新媒介、新材料不断出现的当代社会，艺术的创新性不断为人所重视，而创作理论与实践研究却有所不足。研究比较活跃的应属设计艺术学科，如新媒体艺术、图形创意研究、传统文化元素在现代设计中运用等，论文数量较多，也有一定的见地，而那些传统的绘画与雕塑领域，创新性研究不多。但在“十一五”期间立项的一些国家课题，有望在这一方面取得发展。如2007年度的“中国画写意传统中的世界性研究”(国家重点)、“中西绘画图式与时空观念比较”(国家一般);2008年度的“书法创作理论研究”(文化部项目);2009年度的“当代中国水墨语言体系研究”(国家一般)、“中国北派山水画的自然形态与笔墨形态研究”(国家一般)、“基于工作过程的服装设计理论与方法论研究”(国家一般)、“数字传媒设计中中国元素的融入及其应用研究”(国家一般)等。   六、问题及反思   问题一:在国家社会科学基金艺术学选题规划上最突出的问题是美术学与设计艺术学依然混合在一起，既不利于设计艺术学的项目规划与立项，也在挤压美术学的项目资源。在国家学科分类目录上，美术学与设计艺术学都是二级学科;同样，在国家学科分类及代码表上，美术与工艺美术、书法也是并置的。   因为多项学科均囊括在“美术学”内，造成每年“美术学”类的项目申报数居高不下，从而引起项目资源配置上的问题，导致“美术学”类的申报项目被大量削减，影响了学科的健康发展。同时，我们还应该看到一些新兴学科的研究出现不少学术泡沫，与规划项目扶持不当也有关系。我们往往看到社会的需求，却没有注意到项目承担者的实际学术水平与科研能力。   问题二:学术创新最重要的就是要有独到的见解，这一点在集体编撰的项目中最容易被中和，最终使研究成果流于平庸。这并不意味着否定集体的智慧，否定研究课题的集体行为，否认学科带头人的积极意义，而在于我们如何正确处理科研立项中学科的“体系化”建设与“课题性”研究的关系。所谓“体系化”建设，即指那些学科的系统性理论建构;而“课题性”研究，则是针对某一具体项目的深入研究。从目前的学科发展情况分析，恰恰需要的不是这些“通史”或“通论”，而更需要在某一课题上深入发掘研究，得出新的研究成果，拓宽研究领域。如果没有基础性的“课题”研究先行，那么，“通史”和“通论”只能停留在编撰的水平，不断重复地拼凑组合，在所谓的“框架结构”上做文章。但这并不等于说我们不需要学科的体系化建设，学科的体系化建设不能只停留在“通史”、“通论”上，而应该形成各自不同的理论派别，从基础理论开始，形成“一家之言”，才能构成“百家争鸣”的大局，促进学术繁荣。   现阶段我们更需要独辟蹊径式的研究，从而加强某一选题的研究力度，以点带面，拓宽研究的领域。   特别在传统的中国美术史学领域，鼓励那些最适合个体性研究的选题系列，形成几项有国际影响力的学术成果。如中国的宗教美术就是一个极有学术发展前景的研究领域，尚且不论四大石窟(云冈石窟、龙门石窟、麦积山石窟及敦煌莫高窟)美术，论敦煌学的影响及其在国际学术上的地位，就算那些零星散布在全国各地的佛、道美术作品，数量也极其庞大。中国古代美术遗品中，半数以上应与佛、道有关。这是其它国家和地区难以具备的文化遗产与学术资源。与非物质文化遗产保护工作一样，古代美术遗址及遗迹的保护与研究也迫在眉睫。过去，我们已经整理出版了大量的图录与图册，相关的文献资料也陆续加以整理，但深入细致的高品质论文却难得一见，相关的研究选题也很少。#p#分页标题#e#   另外，继续鼓励少数民族美术研究，以边缘性的文化研究排解单一性的主体叙述，建立中华民族多元一体的文化新格局。同时，由少数民族美术及边远地区的美术研究拓展至周边国家和地区的美术研究，提升区域美术研究的学术水平，既看到历史文化在不同区域间的交流与互动，也揭示美术在地区性政治生活与文化生活中的作用及意义。   问题三:美术基础理论研究贫弱。基础理论需要较长时间的学术准备，尤其需要由创作理论沉积一段时间后再行引发新的突破。目前，艺术创作空前活跃，艺术家的创作自由度也大，但却匮乏新的理论思考及相关艺术实验的研究报告。   我们不能说美术创作中没有学术问题。过去美术家总期待着理论家帮他们解决理论问题，而理论家往往又帮不了这个忙，因为那些理论问题都与创作实践密不可分。与其他的人文学者一样，美术创作者总为范式问题所困扰，而突破范式的束缚则被认为是天才的创造力的体现。但范式的成形及传播需要知识的帮助，一个成系统的新知识才能支撑艺术的新范式。当代艺术鼓励创新，也为新的艺术理论出场提供了前所未有的机遇。而这种理论又会支持新的艺术批评，促进艺术创作的实践，沟通艺术与社会公众之间的审美联系。

摘要：教育部2014年首次提出了“核心素养体系”概念。根据美术学科核心素养概念与农村美术教育改革趋势，河南师范大学美术学院积极分析现有“国培计划”培养方案的优势与问题，大胆创新，推动课程结构合理化和课程内容多元化，落实差异化的课程实施方式，体现了基于核心素养本位的美术教学方式的转变，从而进一步增强参培教师专业能力和综合能力。

关键词：核心素养；国培计划；农村美术教育；课程改革

进入21世纪以来，国家出台了一系列教师培训的政策，各级各类教师培训项目越发呈现出“需求导向、凸显实践”的动态化发展理念和地域性、体系性、多元化等新特征。教育部2014年印发了《关于全面深化课程改革落实立德树人根本任务的意见》，其中首次提出“核心素养体系”概念。它的实施为发展新时期教育，尽快实现教育为本、教育强国起到积极的推动作用。在此大前提下，必然需要依循最新教育政策，考量农村美术教师内在需求，建立契合度更高的“国培计划”农村教师培训方案。

1现有美术课程体系的问题

近年来，“国培计划”课程改革受到越来越多的重视，虽有国家持续性和针对性的政策助推和相关配套支持，存在的问题也逐渐显现。从某种角度来讲，最影响培训效果的就是课程问题。为了更深度地认知河南省农村美术教师“国培计划”实施的现状，更好地推动改革的有效实施，河南师范大学美术学院以近年来所承办的农村美术教师“国培计划”为研究基础，通过设计调查问卷、深度访谈、社会调研等方式对参培教师进行调研，以明晰当下培训课程迫切需要解决的问题。通过调研发现，有5.9%的学员对“国培计划”河南省乡村教师访名校项目（初中美术）的研修（培训）目标设置与定位、研修（培训）课程和活动、研修（培训）资源等方面评价一般；有2.1%的学员认为“国培计划”河南省乡村教师访名校项目（小学美术）在满足学习需求的程度、研修（培训）目标设置与定位、教学设施与条件方面评价一般。这说明学员对培训课程的丰富程度、适切性和实践性方面等方面有更高的期待。因此，学院认为当前“国培计划”课程体系的问题主要在以下几方面。（1）目标定位过高，课程针对性不强，同质化现象严重，与农村教学实际联系不够紧密。（2）针对“学生发展核心素养体系”理念的宣传与贯彻力度不足，针对如何提升核心素养的具体措施有待加强。（3）现代教育技术理念与实操课程安排不足，既没有特别贴合农村的教育教学实际，也没有将最新的教育理念进行更大程度的推广传播。（4）与名校以及校外机构如艺术馆、展览馆、博物馆等结合力度不够，需进一步开拓参训教师的视野以及将名校先进的教育教学和管理经验进行推广。（5）村组及家庭教育模式是农村以传承传统文化为核心的内部体系，目前课程体系中针对学校教育与家庭教育、村组教育结合方面的指导和研究内容相对薄弱。（6）针对农村学生尤其是“留守学生”心理健康教育与心理发展需求方面的培训力度有待加强。

2农村美术教育改革的定位与目标

基于课程凸显的问题以及对近三年“国培计划”的监测和反思，学院认为乡村美术教师的专业发展需求以及教学研究与教学组织实施能力的提升，必然需要以学科为基础，以教学技能训练为中心，以案例为载体，并考量参训教师年龄结构、不同学历等因素的差异性，对现有“国培计划”课程体系进行改革，实现科学化定位，建立多元化、阶梯化的目标体系，整体提升农村美术教师的教育理念、课程设计和资源开发的能力。对于中小学美术教育来说，探求美术背后的文化意义是一项重要目标。美术文化的多重含义和价值决定了美术教育与社会文化情境的不可分割性。因此，中小学美术教师如何提升核心素养，增强对作品的解读力成为重要目标。其次，中小学美术教学中存在着技能训练、审美意识培养割裂的现状，因此，还应设置技能课和美学、艺术概论等融为一体的课程，提升教师全方面地素养。再次，当下是一个视觉文化时代，视觉符号无处不在，如何更好地衔接、解读当代艺术成为重要议题，增设当代艺术、新媒体艺术等相关专题也成为必须要考虑的内容。最后，相对抽象晦涩的理论性课程，参训教师更关注创作实践和考察类课程，对主题式和案例化教学有浓厚的学习兴趣和积极性。第五、随着互联网和信息技术的发展，需充分发挥信息技术的优势，开发网络精品课程、增强数据库建设，落实多样化的课程实施方式，建构多形态的课程体系。如随着各类终端设备的普及和智能化，参培教师对于课程内容的前沿性有明确的要求。总之，需尽可能地增强课程间的衔接性、多元性、前沿性和适配性，以专家、名师、参训教师共同建构“学术共同体”，推动课程结构的科学化。最终，学院将改革的目标设定为以下几个方面。（1）深化对教师自身专业化发展的理解和对学生发展的认识，促使教师转变教育理念，并将之应用到教育教学行动中。（2）全面提升教育教学工作能力，提升教师对《关于全面深化课程改革落实立德树人根本任务的意见》这一重要文件的理解。（3）系统学习美术学科教学研究范式和研究方法，掌握现代教育技术和教学科研的基本方法，挖掘和整合课程资源，改进教学方法，实现高效教学。（4）提高美术教学专业技能，培养具备专业美术理论、娴熟美术技能与良好教学素养并能发挥引领和示范作用的骨干美术教师队伍。（5）增强对地区文化、民俗文化、民间艺术的感悟力，探索开发学校美术与民俗文化、民间美术相结合、适合农村美术教育的课程体系和培训模式，掌握具有地方文化和民间艺术特色校本课程的开发与设计能力。（6）提高农村美术教师整体素质，使其获得自主专业发展知识与技能，提升实践能力，为农村培养一支具有创新精神的美术教师骨干队伍。总而言之，改革目标可以简化为：了解中小学美术课程改革的精神与主要内容；学习基于核心素养本位的美术教学方式的转变；掌握教师自身专业发展、情境的创设与营造、信息技术与深度学习方式的变革等内容。

摘要：中学阶段是学生人生观、世界观形成的重要阶段，美术教育作为人文学科课程对学生的成长起到了重要的润泽作用。在新时代“文化自信”语境下，教师通过传统民间美术教学可增强学生的文化认同感，为学生的文化自觉、文化自信奠定坚实基础。

关键词：文化自信;中学;美术教学;民间美术

“文化自信”是在经济全球化、文化多元化、科技创新化的现代社会中，对中华民族优秀传统文化的认同与价值的肯定。

一、新时代新语境，民间美术彰显文化自信

我国作为具有悠久历史的文明古国，在当今多元文化发展的今天，亟须传承、发展优秀的传统文化。这种文化自信的培养，应在民族传统与文化的土壤中挖掘资源，同时要在基础教育的实施中传播，才能发挥影响人的作用。中学阶段是学生人生观、世界观形成的重要阶段，美术教育作为人文学科的重要组成部分，担负着传承文化的重要使命。民间美术是人类文化最早的载体之一，承载着人类情感思想的传递，彰显着民族深厚的文化底蕴与人们智慧的结晶。在文化不断交融的今天，民间美术教学有助于学生积极参与文化传承，并对文化的发展做出自己的贡献。

二、挖掘教学资源，提升民族文化认同感

民间美术是基础教育阶段美术课程的重要组成部分。以往的民间美术课堂教学方式以教师讲授为主，学生参与度不高，导致部分学生传统文化意识较为薄弱。同时，以往的美术课堂教学过于注重让学生掌握相关的知识、技能，对学生人文素养的培养不够重视。一些民间美术未能结合时代特点融入新时代教育，导致部分学生对传统民间美术的理解停留在表面，对其蕴含的历史背景、文化深度、民族情感缺少深刻理解。中国民间美术种类繁多、寓意深刻，富有文化底蕴，是我国传统文化的精髓，主要包括年画、剪纸、泥塑、扎染等。民间美术最大的特点是地域性、民族性，同样的表现形式处在不同的区域，所呈现出的造型各有特色。因此，它蕴含着丰富的教学资源。课程资源的挖掘与整合是民间美术教育的核心，教师在教学设计中应从教育目的、学生身心发展状况、课程性质出发，选择符合地域特点的教学资源，提高学生的审美素养，使学生感受文化传承，从而润物细无声地加强学生对民族文化的认同感。

专著概述：根据学术论文的长短，又可以分为单篇学术论文、系列学术论文和学术专著三种。一般而言，超过4—5万字的，可以称为学术专著。当然，照我们现在的理解，学术专著的字数可能还要更多些。　编撰学术专著比发表单篇论文更具学术价值。因此，在评定职称时能够获得更多的加分和认可。详情请参阅核心期刊中心。学术论文，学术通常是指专深而系统的学问，而论文则是指研究、讨论问题的文章。因此，所谓学术论文就是在科学领域内表达科学研究成果的文章。从这一意义上理解，学术论文一般也可以称为科学论文。在理解学术论文的时候，我们还必须把握下面两层含义：其一，学术论文的范围限制在科学研究领域，非此领域的文章，不能算学术论文，如新闻报道、报告文李、散文和杂文等就不能算学术论文。其二，我们说学术论文限制在学术领域，但并非说，科学领域的所有的文章都是学术论文，而只有表达科学研究新成果的文章才是学术论文。照这样理解，科幻和科普作品就应被排除于学术论文之外了。从上述两点来看，我们可以说，科学论文的灵魂必须是科学研究的成果。科学领域通常分为自然科学和社会科学两大类，前者包括理、工专业，有物理、化学、生物、天文等学科;后者则包括文、史、哲、经等。我们美术教育属于社会科学的范畴。

编著概述：一种著作方式，基本上属于编写，但有独自见解的陈述，或补充有部分个人研究、发现的成果。凡无独特见解陈述的书稿，不应判定为编著。(出自经济日报出版社柳建明主编的《舆论学达辞典》727页)著、编著、编都是著作权法确认的创作行为，但独创性程度和创作结果不同。著的独创性最高，产生的是绝对的原始作品;编的独创性最低，产生的是演绎作品;编著则处于二者之间(编译类似于编著，但独创性略低于编著)。如果作者的作品不是基于任何已有作品产生的，作者的创作行为就可以视为著。一部著成的作品中可以有适量的引文，但必须指明出处和原作者。如果作者的作品中的引文已构成对已有作品的实质性使用，或者包含对已有作品的汇集或改写成份，作者的创作行为应该视为编著。

教材概述：是由三个基本要素，即信息、符号、媒介构成，用于向学生传授知识、技能和思想的材料。教材的定义有广义和狭义之分。广义的教材指课堂上和课堂外教师和学生使用的所有教学材料，比如，课本、练习册、活动册、故事书、补充练习、辅导资料、自学手册、录音带、录像带、计算机光盘、复印材料、报刊杂志、广播电视节目、幻灯片、照片、卡片、教学实物等等。教师自己编写或设计的材料也可称之为教学材料。另外，计算机网络上使用的学习材料也是教学材料。总之，广义的教材不一定是装订成册或正式出版的书本。凡是有利于学习者增长知识或发展技能的材料都可称之为教材狭义的教材就是教科书。教科书是一个课程的核心教学材料。从目前来看，教科书除了学生用书以外，几乎无一例外地配有教师用书，很多还配有练习册、活动册以及配套读物、挂图、卡片、音像带等。

摘要：核心素养是新课程改革背景下提出的一项重要思想,其作用不仅在精神层面满足人们的需要，更是将人与自然、社会和本身融为一体，对人们学习生活中的各方面都具有深远影响。本文以美术核心素养为基础，探讨与研究了在美术教学中如何提高学生核心素养的相关策略。

关键词：核心素养；美术学科；教学策略

在美术教学实践中，教师应将核心素养的培养要求与学生的未来发展相结合，培养他们对未来社会的适应能力和必备素养，使其逐渐了解民族文化，尊重世界文化，树立健康的审美观念、优秀的文化品格和正确的三观价值。与此同时，学生可以通过美术学习拓宽知识面，掌握门类技能，了解各个艺术范畴的共性和个性，并在学习中学会积极探索与主动合作。由此可见，美术教育是培养学生综合能力的重要课题。

1何为学生发展核心素养

学生发展核心素养旨在培养全面发展的人，即具备适应终身发展和社会发展需要的必备品格与关键能力，包括科学性、时代性、民族性等三大原则；科学精神、责任意识、人文底蕴、勤于学习、实践创新、健康生活等六大素养；及文化基础、自主发展、社会参与等三个方面。

1.1文化基础

文化———人类的根与魂。文化基础是指我们通过前人杰出的成就获得各类领域的知识和技能，以此满足我们的美好需求，丰富内在的精神食粮，达到美的最高境界，继而发展为具有扎实文化基础和更高目标追求的人。

摘要：创新与创造已经成为现代化教育时代的主要发展方向。在创新教育新时代背景下，初中美术教学的教学方法、理念与目标需要与时俱进。将思维导图作为一种新型的教学辅助工具运用于初中美术教学，对于初中生的美术创造力培养具有重要的作用。基于此，该文从思维导图的概念入手，研究在初中美术教学中有效应用思维导图的方法，旨在优化初中美术课堂教学，促进初中生在美术学习中发散性思维、逆向思维以及逻辑思维的形成。

关键词：初中美术;思维导图;教学

一、思维导图概述

思维导图于20世纪80年代初由英国心理学家托尼•巴赞提出，也被人们称为“心智图”。思维导图是在对信息组织进行层级分类的前提下，以主题为核心，通过主题与分支之间的联系构建而形成的具备放射性思维特点的可视化工具。思维导图在美术教学中的运用，更加侧重于图文并茂的方式，以主题为中线，将各级主题关系通过图文的形式表现出来，建立记忆链接，加深记忆深度。思维导图作为辅助教学工具，可以用在学生的大脑信息加工、知识处理以及知识学习的各个阶段，加强学生在学习过程中的知识联系性，避免碎片化知识导致学生难以提高学习效果。思维导图在美术教学中具有独特的优势，主要体现在以下三点。其一，易学易懂、实用性强、自然有趣，有一定学习基础与生活经验的人均可以使用。其二，思维导图可以体现一个人的思维特点，具有较强的个性化色彩，为学生的个性化发展和思维多样化的显现提供了良好的平台。其三，制作方法简单灵活，满足个体的思维导图制作需求即可，在开放性的思维导图构建中促进了学生思维水平的提升。

二、思维导图在初中美术教学优化中的有效应用

1.在教学设计中的应用

在以往的初中美术教学设计中，部分教师突然迸发灵感但难以及时运用于教学设计，导致教学设计思维零散，缺乏具体性、系统性，教学目标难以实现，美术课堂教学停滞不前。在美术教学设计中应用思维导图，利用思维导图的发散性与层级关联性特点，将原本零散的知识点、碎片化的设计灵感体现在思维导图中，形成一个系统性的教学设计全景图，这种教学设计紧密度高、关联性强，让人一目了然。如，在人教版初中美术《凝练的视觉符号》一课的教学设计中，教师就可以思维导图作为工具。首先，教师需要引导学生掌握标志设计的基本知识点，包括意义、特点、构成要素、类型以及不同的表达形式等。如，我们在购物时可以通过图标辨认品牌，在看电视时可以根据图标辨认电视频道，等等。教师要让学生了解这些图标就是标志，是专门为某一产品设计的，具有特殊性。在学生了解常用标志的基础上，教师要利用学生的发散性思维，如以体育类标志为思维导图的核心，从体育类标志中分别发散出1984年洛杉矶奥运会、2000年悉尼奥运会、2008年北京奥运会的会徽，然后让学生观察三种奥运会会徽分别表现了哪些运动。以北京奥运会会徽为例，其通过图文组合的抽象表达方式，既体现了奥运会举办的地点，又体现了中国汉字文化，突出了奥林匹克精神，会徽中的红色代表了热情、希望、喜庆。通过对“京”字演变过程的讲解，教师引导学生掌握标志设计的步骤，具体为收集设计信息—设计元素综合—设计图形确立—信息准确传达—信息整合应用。在学生掌握标志设计步骤的前提下，教师组织学生开展设计尝试。如，根据班级特点、班级文化设计出具有代表性的班徽，要求表意准确、构图凝练、色彩醒目。

摘要：我国新的教育理念提倡美育，随着新课改的深入开展，教师更加关注学生综合素质的提高。由于美术学科不是高考统考的必考科目，部分学校对学生美术核心素养方面的培养不够重视。因此，如何更好地应用案例教学法提高美术教学质量就显得尤为重要。该文分析当前高中阶段美术教学存在的问题，并提出解决对策。

关键词：案例教学;美术;发展;策略

随着我国教育改革的深入开展，素质教育成为我国教育改革与发展的主题，各级各类学校的教育也更加注重对学生整体素质和能力的培养。《普通高中美术课程标准（2017年版）》提出，普通高中的培养目标是进一步提升学生的综合素质，着力发展学生的核心素养。核心素养的提出，意味着教育思维方式的转变，从而引发了人们对高中教学过程中的课程设置方案、知识内容构架、学科教育理念的重新定位与思考。这一改变，主要表现在我国的教育体系不再仅仅注重考试成绩，并进一步明确了各类课程的学分比例和功能定位，优化了课程结构，为学生提供了丰富多样的课程教育，既满足了学生高考升学的需要，又让学生有了多样化的学科体验，从而培养他们满足个人发展与社会发展需要的必备品格和关键能力，为其适应社会生活和职业发展奠定基础。美术素养是新课标中学科核心素养的重要内容，指人们对美术的感受、体验、评价和能动创造的能力，源于人们对美术作品的欣赏与接受。在高中阶段，美术教育的任务是更好地培养学生的审美鉴赏能力与创造力，提升学生的美术素养。因此，在美术课程教学中，如何让学生喜欢美术、爱上美术课，是摆在教师面前的首要问题。

一、高中美术教学中的主要问题

随着素质教育的不断发展和新课标高效课堂的推进，很多学校愈加重视美术教学，但部分学校的美术教学仍然存在一些问题。笔者根据多年的教学经验和在部分学校的实地观摩，参阅相关资料，认为高中美术教学过程中仍存在一些问题，具体表现在以下几个方面。

1.师资力量不足，课堂形式单一

在美术教学中，师资力量、教学能力以及教学硬件配置都是影响美术教学实施的重要因素，尤其是教师个人的美术鉴赏能力，会直接影响学生对作品的感受和认知。在高中阶段，部分学校对美术教学不够重视，出现了其他任课教师占用美术课堂教学时间、兼任美术教师的现象。这些教师难以把全部精力放到美术课堂教学中，而且术业有专攻，一些非专业美术教师的教学知识储备量有限，在知识、技法的传授中，难以获得良好的教学效果。硬件设施的限制、教师自身水平的差异及其对待工作的态度，导致部分教师在开展美术教学时，依然采用以往的教学方式，过于侧重对知识的讲授，忽视了学生才是课堂教学的主体，师生间缺乏互动、讨论和交流。以往的教学方式虽然具有一些优势，在理论知识的传授上更具备逻辑性且相对高效，但美术课程更多的是感性内容，它重在培养学生的发散思维。因此，在以往的授课模式中，部分学生很难从中感受到美术之美，学习美术的积极性不高，美术教育的核心价值也难以得到有效实现。

摘要：随着我国义务教育事业的不断深化改革，通过美术教育培养学生核心素养成为当前我国中小学美术教育的重要教学任务之一。该文首先分析了中小学美术学科与核心素养的关系，其次分析我国中小学美术教育中存在的问题，最后提出加强我国中小学美术教育、落实发展学生核心素养的对策，旨在切实提高我国中小学美术教育教学质量。

关键词：中小学;核心素养;美术教育;路径

2014年，教育部首次提出“学生发展核心素养”的概念，为今后很长一段时期内我国中小学美术教育指明了方向。美术教育在培养学生的创造能力、审美能力等方面具有重要的作用，是影响学生发展的重要因素。因此，落实中小学生核心素养的培养，加强中小学美术教育显得尤为重要。

一、美术学科与核心素养的关系

1.人文底蕴

人文底蕴指的是学生在了解、学习、掌握、应用人文知识与技能的过程中不断形成的一种能力、情感以及价值取向，具体包含了人文情怀、人文积淀、审美情趣等。在中小学美术教学过程中，学生通过学习教材，了解很多优秀艺术家的生平与作品，并逐渐领悟作品所表达的情感与内涵，这些就是人文积淀的渗透和表现；学生不断学习美术知识，并根据自身所学知识、认知能力与生活经验进行创作，从而体现自身的审美能力和审美感受，这就是美术学科给予学生的人文情怀。在日常教学中，美术教师应当注重引导学生了解艺术，使其逐渐掌握基本的美术创作方法与技能，同时鼓励学生积极应用这些技能，从而在这个过程中不断接受美的熏陶，学会理解美术、尊重美术，逐步提升发现美、创造美的综合能力。综上所述，这些都体现了美术学科中的人文底蕴。

2.科学精神