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中国艺术史论文范文1
关键词：艺术融合与统一景观设计绘画艺术
景观设计的基本表达方式和建筑一样，是绘画。在景观设计学成为独立的一门学科之前，园林艺术（或园艺）和建筑是平行发展的；建筑师不仅是设计建筑，还兼顾园林的设计和室内空间的设计。自从1919年由德国著名建筑家、设计理论家沃尔特·格罗皮乌斯创建世界上第一所设计学院“包豪斯”设计学院，才使现代艺术设计教学有了统一的标准。
一、绘画史的变革
自从人类开始产生意识以来，绘画是最能反映人类生活的一种艺术形式。早在2万年前的石器时代就出现了人类用绘画来描绘对生活的真实记录与感受。随着人类文明的不断进步，绘画的形式也变得更加丰富。从古典主义到文艺复兴，在道立体主义、构成主义、风格派，绘画艺术不仅在表现形式上发生了巨大变化，在内容形式上也通过艺术家们的不断尝试创造出了反映时代精神和人文思想的新作品。
绘画艺术是在历史变革中首当其冲的艺术形式。wWw.133229.COM19世纪以来，艺术资助力量虽资本主义的发展急剧改变，艺术服务的对象不再仅仅是封建贵族阶级，而是富裕的资本家，操纵艺术市场的是画廊和艺术沙龙，艺术家不必画权贵喜欢的题材，而广阔的市场中有自己更大的选择，因此出现了新艺术的探索。对绘画艺术变革最早做出反应的是“印象派”，随着印象主义在绘画技法和题材上的改变，印象派画家开始在绘画中反映时展，利用光学发展的成功，改变固有的色彩体系，创造了一个视觉革命的神话。
当塞尚开始用色块的相互序列来构件物体的空间，寻求各种关系的和谐的时候，“立体主义”这个影响欧洲新艺术变革的绘画形式开始产生，它的出现直接影响了现代建筑、现代产品和现代平面设计的形式基础。随着巴布罗·毕加索和乔治·布拉克的不断交流，探索，最终使“立体主义”在欧洲广为发展。立体主义的产生给当时正处在新城市不断建立，而又想摆脱传统束缚的建筑家门很大的启发。
二、绘画对景观设计的影响
1858年纽约当局希望在城市中央预留一块土地作为城市公园，旨在使城市之中有一片可供市民休憩的绿洲。后来被誉为现代景观之父的奥姆斯·泰德与同伴卡尔弗特·沃克斯的作品“草坪”赢得了组织者的青睐，自此开始了他的公园和景观设计之路。奥姆斯·泰德的设计把城市中的林荫大道、城市公园、城市医院庭园、滨水地带及城市广场以及各其他部分联系起来，使城市成为一个有机整体。奥姆斯·泰德的设计不仅受到英国田园牧歌风格和优美如画风格的影响，还在其作品中充分表达了对空间的理解以及场地分割的处理手法都成为了今后景观设计中的经典。
位于西班牙巴萨罗那得居里公园，是西班牙天才设计师安东尼·高迪的作品，实际上这个公园他只完成了一半，最早的设计构思是有居里提出的，他希望高迪能帮他设计一个英式园林，而高迪则希望把这个公园设计成为和周围乡村环境和谐融为一体的公园。他在这个项目中身体力行，最具特色要数公园里那色彩斑斓的陶瓷镶嵌，高迪借鉴印象派绘画中“点彩”的技巧，运用细小的各色陶瓷来塑造形象、绘制画面，陶瓷片在阳光的照射下会产生混合效果使图案更加立体丰富，而且画面上的各种纯色会因对比关系而显得更加明亮。这种瓶贴方式具有巴萨罗那后来的超现实主义艺术大师胡安·米罗的风格，只不过高迪的画是立体的。有时真的难以界定到底是景观影响了绘画还是绘画影响了景观。
在从立体主义到风格主义、印象派、结构主义一步步抽象的过程中，进一步的发挥了立体主义的理性结构和特色，通过方形和矩形中填充三原色来把形式简化到只有纵横的线条和原色。蒙特里安认为：“黄色是光线运动的象征，蓝色是天空的象征，红色是黄色和蓝色在晨曦时的细语交谈。”彼得·沃克在他的作品中很好的阐释了蒙特里安的绘画理念，不论在他设计的德克萨斯的沃斯堡伯纳特公园还是德国慕尼黑的凯宾斯基酒店前院中，我们都可以看到他用矩阵行列式布置的植物或穿插的道路来强调人工强化的自然已与野外的自然状态的完全不同了，运用色彩的层次来喻示空间的变化，同时运用不同材质色块的区分来强调人工环境对自然环境的升华。
三、结语
现代景观设计可以选择的材料越来越多，创造出的视觉效果也越来越丰富。随着科技的进步投影技术、激光技术、还有声光电等新科技的日益成熟，景观设计师们将有更多的选择。绘画艺术对景观的影响并不是近代才有的，我国古代园林就有将自然山水搬入院中的做法，“清风拂绿柳，白水映红桃。舟行碧波上，人在画中游。”是对绘画与自然景观相互对照的最好描述，那是的园林让人分不清是在画中还是在现实中，一步一景的优美景致和如梦似幻的四季变换中的让人有在画中游得感悟与陶醉。
景观是一门在“大地上作画”的艺术，是艺术家在现实中对理想的表达，随着人们审美水平的提高和新的艺术形式不断兴起，景观设计必将更加迷人。
参考文献：
[1]王受之，《世界现代建筑史》.北京：中国建筑工业出版社1999.p96
中国艺术史论文范文2
数量第二但差距悬殊
据中国科学技术信息研究所2011年底的中国科技论文统计结果显示，2010年我国发表SCI论文12.75万篇(含港澳地区)，排在世界第2位，但与美国同期SCI论文数量相差很大，中国的SCI论文数量在短期内不可能超过美国。
在科学界，“SCI”是一个耳熟能详牵动人心的名词，它是美国科学信息研究所创办出版的引文数据库，是国际公认的进行科学统计与科学评价的最主要检索工具，一个国家在国际科学期刊上发表的论文数量及这些论文的被引用次数，通常根据SCI即《科学引文索引》来统计，是反映一个国家科研水平的重要指标，反映着该国科学研究的质量或影响。
据统计，截至2011年11月，中国热点论文数量为196篇，占世界热点论文总数的9.9%，居世界第5位，比2010年上升1位，但热点论文排名第一的美国，其数量达到1070篇。2011年中国国际科技论文平均被引用6.21次，比上年度提高5.8%，而当年世界平均值为10.71次，比上年度提高1.3%。在这一评定标准上，中国只居于中流。
《科学》拒稿率达98%
中国科学技术信息研究所研究员武夷山介绍，与发达国家相比，中国平均每篇论文的被引用次数仍较低，在中国发表的所有论文中，有35%以上是零被引论文，也就是说，这些论文从未被引用过1次。
英国自然出版集团执行主编Veronique Kiermer和美国《科学》杂志亚太分社主编Richard Stone在访问中国时都谈到，中国学者在国际权威科学杂志上的量近年来呈现激增趋势，但优秀的论文凤毛麟角。Richard Stone说，《科学》杂志对论文质量的要求是非常高的，只有拥有真正价值，并在某些领域改变人们思想的科研论文才会被发表，其中瑞士的用稿率最高，而中国论文的拒稿率非常高，为98%。
人才选拔模式是内因
北京大学生命科学学院教授饶毅曾多次“炮轰”过我国科技论文现状，他认为，论文数量与质量没有同步，两者之差越大，问题也越大，中国当前科学基础不够坚实，发展水平低于世界先进、低于历史纪录、低于经费增长、低于公众需求的水平。
饶毅说，若论重要论文，中国目前可能还不及上世纪80年代的日本。当时他在海外求学，日本科学家已取得了4至6个诺奖级的成果，而中国诺奖级的成果要追溯到几十年前青蒿素这样的原创成果，就生命科学而言，中国目前的科研地位大约相当于1910年左右美国在全球所处的地位。
中国艺术史论文范文3
陶瓷装饰艺术属于中国传统文化，并且是其中非常重要的一部分，是中华儿女勤劳智慧的结晶。中国的瓷器从古代就开始流向海外，宋代之后，瓷器更是作为一种十分重要的产品在全世界范围内流通。陶瓷艺术在作为一种价值交换产物的同时也在源源不断地向世界传递着中国的文化，在这一层面上来讲陶瓷艺术极大地推动了中国文化的发展。陶瓷制作的工艺从古至今可以说是代代相传，同时也在不断地创新。为了满足人民大众不同的审美要求，生产创作了各式各样的陶瓷产品。可以说陶瓷艺术在世界文化的传递及交流方面起到了一种纽带及桥梁的作用。极大地丰富和繁荣着中国的文化与世界的文化。
陶瓷装饰艺术是陶瓷艺术与陶瓷的完美结合，每件陶瓷都是由造型、装饰与材料三个要素构成，包含着物质与精神的两重文化因素。一件陶瓷作品在实用之外还具有观赏的作用。陶瓷装饰艺术大致归纳起来可以分为颜色釉装饰、釉上彩装饰、釉下青花装饰等等。陶瓷装饰艺术有着丰富多彩的图案，明艳瑰丽的色彩，独具匠心的工艺，形成了一种有别于其他的陶瓷文化。从一开始的制作到最终的完成它包含着审美、创造与欣赏几个环节。在人类艺术的发展过程中占据着非常重要的位置。一件完美的陶瓷艺术作品担任着传播陶瓷文化的重任，因此说陶瓷艺术不仅仅是一件蕴含着创作者独特审美情趣的艺术产品，更是一件包含着个人情感在其中的文化产品。中国陶瓷装饰艺术中的装饰纹样早在新石器时代的仰韶文化中就已经出现，我们充满智慧的祖先们细心感受生活，创作出波浪纹、编织纹，将其以二方连续的方式装饰在陶瓷器皿上。西安半坡遗址的那件彩陶纹盆就是比较具有代表性的一件，他们将点线面有机的结合，装饰纹样的独特审美，从侧面向我们展示了他们已经开始对自然和人类有了些许的认识，敢于加进人们的主观想象。
中国陶瓷装饰的形式大致可以分为绘画类与坯胎装饰类。绘画类又可分为工笔画与写意画，不论是哪种绘画形式都是当时中国绘画艺术发展时期的特征在陶瓷装饰上的表现。唐代长沙窑的釉下彩绘花鸟之所以成熟，是因为那个时期正值唐代花鸟画艺术发展的高峰时期，不论是笔法还是技法都是相当的成熟，气韵生动，自然活泼，体现着当时民间绘画的艺术风格。宋代颇为盛行的陶瓷刻划花装饰也是因为受到了当时时代文化的影响，才会达到一种空间精细的境界。因为这一时期唐代较为流行的花鸟画开始逐渐向精细的工笔画方向发展，同时也为之后元代的青花艺术、明清时期粉古彩艺术的出现及发展打下了坚实的基础。陶瓷装饰的形式不管是工笔画还是写意画都是中国传统绘画艺术在瓷器上的展现。陶瓷装饰艺术也从另一个方面展示了中国文人画所具有的历史性特征，逐步演变成了中国陶瓷装饰艺术的一种独有的艺术特征。
中国艺术史论文范文4
关键词：群众文化艺术；美术艺术；可持续
1美术艺术的内涵和特点
1.1内涵
情感内涵。美术艺术以民间工艺美术为切入点，在漫长的历史岁月中，它独具匠心的展现了人类丰富的情感。主要表现为：母亲用机杼为女儿制作陪嫁的衣衫，彰显了慈母之爱；姑娘绣荷包送给心上人，体现了情意；农村孩子们穿戴的虎头帽、鞋，玩耍用的泥哨、风筝；农村的窗花、灯彩，节日的年画；彝族的漆器，贵州布衣族的蜡染，蓝印花布，等等。上述民间工艺品，无不融入了劳动者的深厚情谊，体现了自然真挚的美的创造，彰显了美术艺术的无限魅力。
文化内涵。任何一件工艺品皆蕴含着丰富的思想、文化，是思想和艺术的文化结晶。主要有：民间服饰儿童肚兜上的“五毒”图案，意味着为孩子的平安活泼、免灾去疾祈祷，寓意孩子能够受到图案中动物的保护；民间的大红剪纸，以鱼、鸡、蝙蝠等动物寓意“有余”、“大吉”、“多福”等，以植物象征“石榴多子”、“喜上眉梢”；木偶、皮影戏，面塑、纸玩具，模板年画，等等。上述民间工艺品遍及生活各领域，满足了人们的精神需求，蕴含着深刻的文化内涵。
1.2艺术特点
民间工艺美术不取材于金银，而取材于天然素材，把劳动者的真情美意尽化物中，这正是民间工艺美术的生命力所在。一是智慧的结晶。中华民族在历史发展中，留下了无数智慧的产物。古代民间工艺美术设计集抽象、逻辑思维于一体，如“九连环”、“祖先锁”、“华容道”等智力玩具，在知识经济时代的今天依然影响深远。二是简单中带有深刻。民间工艺品看似简单，却蕴含着科学思维。如河南浚县的“泥哨子”，利用空气、泥胎壁的磨擦而发出声音；老北京的“鬃人”，利用的是磨擦、敲打产生“向心和外离”原理。我们应该从这些民间工艺美术中汲取前人智慧，继承艺术创作中的科学思维。三是开拓创新。之所以民间工艺美术经久不衰，原因就是其不断与时俱进，在继承传统民间工艺美术的基础上，不断吐故纳新，不断赋予民间工艺美术时代特色、民族特色、实践特色。
2群众文化艺术在社会发展中的作用
（1）为社会发展提供精神支持。群众文化艺术有着深厚的群众基础，因而具有强大的传播和整合功能。加快发展群众文化艺术事业，创作更多的群众文化艺术精品，有利于树立共同的理想信念，弘扬和谐精神，促进社会各领域文化的和谐，促使中国特色社会主义理念获得普遍社会认同。群众文化艺术中蕴含着传统道德因素，如“文以载道”、“寓得于情”等，由于其广泛的群众性、娱乐性，成为思想道德建设的新载体。群众文化艺术精品，可以陶冶情操，塑高尚品格，不断提高人的精神境界，为社会发展提供精神支持。
（2）为社会发展提供智力支持。群众文化艺术在普及知识方面有着重要作用，有利于人们认识自然、社会，锻造生活能力，是一种新型的知识经验载体。充分发挥群众文化艺术的交流作用，有助于人们身心愉悦，增长知识和本领。群众文化艺术互动具有广泛、灵活、实用等特征，为人民提供了广阔的学习平台，有利于人民科学素养的提升。群众文化艺术活动作为终身教育体系的组成部分，有效弥补了人们离开学校之后知识学习的滞后，有助于提升公民的整体素养，让人们在轻松活泼的氛围中增长本领，为社会发展提供智力支持。
3促进群众文化艺术可持续发展的对策――以美术艺术为例
群众文化艺术关系公共文化事业发展，关系和谐社会建设。促进群众文化艺术事业，特别是美术艺术快速发展，对于提升群众文化艺术品味、推进公共文化事业大繁荣大发展、促进社会和谐稳定，具有十分重大的现实意义。因此，必须从创作理念、长效机制等方面入手，探索实现美术艺术可持续发展的有效路径。
（1）创新工艺美术作品的创作理念。及时更新创作理念，是推进美术艺术事业可持续发展的灵魂。纵观美术艺术作品的发展历程，不难得出：抓住“文化是根”这个规律，是创作美术艺术作品的根基。一方面，组织有关力量，梳理、总结反映各时代文化特征的美术艺术精品，并采取抢救性手段加以保护，收集和抢救民间美术艺术作品，并对其进行复制保存。这有利于调动美术艺术工作者的创造性，不断开拓新思维，创作更多新的精品。另一方面，创新作品应把握“文化是根”的规律，注重挖掘美术艺术产品的文化内涵；与时俱进，符合当代思想、人情和社会发展；充分反映美学特色，注重人文精神的塑造；引入现代科技，注重传统技艺和现代技术的融合；能经受住市场大潮的洗礼，注重创作百姓喜闻乐见的美术艺术精品。
（2）建立美术产业发展长效机制。完善美术产业发展长效机制，是推进美术艺术事业可持续发展的保障。第一，搭建美术产业发展平台。建立美术产业交流合作平台，加快发展画廊、拍卖行，培育更多优秀的中介机构和艺术经理人，做好美术艺术品的流通和销售环节，实现艺术品的商品属性；第二，促进美术产业和科技结合。强化美术产业和科技的融合，如数字和公共艺术、动漫等，开辟“复制业”新途径，促进美术艺术真正形成产业；第三，注重专业人才培养。加快美术产业人才培养，造就一大批青年优秀艺术家，更加注重培训一批懂经营、管理的艺术经理人，运用市场化来运作美术艺术品，促使美术艺术品产生资本利润；第四，促进美术产业和其他艺术产业的融合。积极推动美术产业和动漫、汽车产业结合，如把“哥窑碎片”放在汽车上或者把黄花梨镶成汽车内饰，通过这些创意产业发展，扩大美术产业的影响力和竞争力；第五，加大政府扶持力度，设立美术艺术基金，关注美术家的生存和发展问题，努力让美术艺术家和美术艺术精品“高贵”起来。
参考文献：
[1] 杨惠.论群众文化艺术在社会发展中的重要作用[J].文学界：理论版，2012（12）.
[2] 莫建文.浅谈群众文化艺术创作的现状及应对措施[J].美术大观，2012（7）：94-94.
[3] 黄辉全.文化创意――传统工艺美术产业发展的新引擎[J].中国集体经济，2011（2）：49-52.
中国艺术史论文范文5
广告作为一种文化现象，被誉为"第八种文化"，广告因为具有明显的大众性，商业性和民族性，因此与本民族自身的文化密不可分。广告只有服从、融汇、折射民族文化，根植于民族文化，运用本民族最为贴切而生动的元素，穿透人类共通的心理和文化因素，打开深藏在人的潜意识背后的“民族记忆”和“种族记忆”，才能被消费群体接受，才能最终达到沟通的目的。纵观广告业发展的百年历史长卷，广告学理论的发展脉络，我们不难发现，从产品的特点定位（USP理论）到品牌形象定位（CI理论）再到受众心理定位（PSYCHLIGICALPISIONNONG理论）直至文化心理沟通，这条主线清楚地反映出在广告诉求重点的转移过程中，广告的文化含量在逐步增加，文化品位的地位日益变得举足轻重。如今的广告早已不再是从前那种叫卖或是告知，而是包含着更为丰富内涵，具有着更多社会功能的社会公器，一则优秀的，打动人心的广告一定包含有某种文化精髓的因素。
在现代设计当中，越来越多的设计师开始将中国传统美学的元素融入到其设计作品中，中国风的设计在国际上越来越收受到欢迎和追捧。中国传统美学广博深湛，有周易的极简之美，委婉的模糊之美，老庄的天然之美，种种美的观点如何附加在现代的设计当中，以表现绝美的中式情怀，而不是单纯的仿古，拜古或是元素的简单堆砌，这对于研究中国现代广告如何形成自我特色，立足国际有着重要意义。特别是中国传统文化影响下的中国传统美学中的审美追求越来越多的在现代广告设计中出现和运用，在中国设计者的作品中，时时流露出传统的美学观潜移默化的影响，中国风的广告设计在让世界耳目一新的同时也给中国人带来了深深地宗族认同感和家国温暖。
在现代广告设计方面，尤其要注意既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。艺术始终要讲内在的延续，在招贴艺术的设计中，我们也要“寻根”，寻找我们民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。
中唐以后，中国美学的艺术观念的显著变化，根本原因是受中国传统文化影响下的中国哲学观念的影响。从总体趋向上可以看中国审美观念的变化和形成：追求空灵淡远的境界，重视古拙苍茫的气象，推崇冷意荒寒的意味；易宁静精澄代替楚莽阔大，易平和幽深代替激昂韬利，易淡逸素朴代替绚丽堂皇，正如理论上对境界的重视，强调妙悟而贬斥技巧等。这些思想和因素都可以在现代广告设计中有所观照。
现代广告是现代艺术的一个分支，可是却有着自己鲜明的特点，广告传达信息鼓动宣传的作用肯定了它的特殊形式。它不同于任何一件单纯的艺术作品，讲求的是在细细审视中的独特品味，他所要求的时效性让它必须一目了然，简洁明快。越来越多的设计师已经认识到这一点，简约是终极的复杂，最简约的设计往往给人以强烈的印象，简洁实用的设计风格已经在中国未然兴起。纵观现代成功的广告往往是构图概括集中，形象简练夸张，用强烈鲜明的色彩突出醒目地表达所要宣传的主题，赋予画面更广泛的含义并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活，感受到新的意义。现代的广告设计越来越走向的是一种简约，大气的表现方式，任何艺术，都不能说明一切，特别是像广告这种特殊的艺术形式，在有限的时空条件下，能使人过目难忘，回味无穷，那就需要做到“以少胜多”“一以当十”。
中国传统艺术，突破了自然主义和形式主义的片面性，创造了不少规范化的程式，这些师法自然，来源于生活但又经过千锤百炼本文转自dylw.net，概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华，是积淀了内容要求的形式之美。正因为如此，它才具有无穷的生命力。“以少用多”和“由此及彼”是艺术技巧的标志，特别是广告艺术，它只能从生活的某一侧面而不是从一切侧面来再现现实。选材（先取最精粹部分）、剪裁（去污存清），夸张（强调形象的特征）、经营位置（构图）、表现（选项用恰当的技法），而这一切，不仅是中国传统艺术讲究均衡和内在的节律，讲究形神兼备，讲究概括与变形的运用和表现，也恰恰是我国广告设计者构思时的主要手段。以静凸现动，以余白凸现主题，是靳先生海报创作的重要表现手法之一。大量的余白使观者产生一种沉静空灵之感，以凸显主题之凝重强烈，使之产生出一种对比与和谐。同时，靳先生“用墨以啬”而使主题“虚而不屈，动而愈出”，获得夺目之感。
现代广告设计中传统文化影响下的中国式设计美学还包括十分广大的部分，东方生活所蕴含包容的设计元素是博大的，绝不仅仅是现今流行的京剧脸谱、大红灯笼，旗袍……中国式的设计美学远没有拿出一些元素那么简单。就像日本的设计是理性、细腻的，德国的设计是稳重而精致的，美国的则大气而开放的，这和各个国家的国情不无关系。挖掘中国文化中的精髓，并顺应世界经济技术发展的时尚审美设计潮流，建立起适合创造和维护这种形象而进行设计的体制和环境，包括建立传统文化专门研究与推广机构，提高传统文化在大众文化的导向地位等等，才是中国平面设计作品中国式设计美学形成的关键。
参考文献：
朱良志.《中国美学十五讲》.北京大学出版社，2006.
中国艺术史论文范文6
本文对现有高校的艺术设计史论课程教学状况进行了初步分析，并提出了改善的几点设想，结合艺术设计项目式教学模式以及艺术设计史论课程的研究分析报告，总结出艺术设计史论课程的整体问题和艺术设计史论课程的未来发展趋势。
艺术设计与艺术设计史论教学的契合模式
“设计”这一词汇在我们的日常生活中经常被用到，诸如“服装设计”、“视觉传达设计”、“工业设计”、“环境艺术设计”等。本文结合许多有关艺术设计著作对设计概念的阐释，将设计的概念试图从设计专业的角度对其进行一番再梳理，使得对设计的概念有更深入的认识。
艺术来源于生活，同时也是生活中的一部分，而艺术设计作为艺术、技术和科学的结合，更是与生活息息相关。随着艺术设计专业的蓬勃发展，全国各大高校基本都开设了艺术设计专业，随着国家对素质教育的加强，艺术设计史论课程越来越受到重视，开设了艺术设计类专业的高等院校也根据自己的学科专业特点，都开设一定数量的艺术设计史论课程，但是还是普遍存在一些问题。结合整体的分析研究数据，总结出艺术设计史论课程的整体问题和艺术设计史论课程的未来发展趋势。
艺术设计史论课程初探
艺术设计史论课程是高校艺术设计专业学生必修的专业理论课程，其中包括了有中外艺术设计的发展历程、艺术设计理论的萌发、分支及其在人类社会发展史上的贡献率等等。艺术设计史论课程自20世纪90年代起陆续在全国的艺术院校和综合院校的艺术设计专业中开设。据不完全统计，全国80%以上的院校开设了艺术设计史论课程，此类课程在开阔设计专业学生的视野，提高其人文素养、树立创新的设计理念，提升设计的品位，形成个人风格等方面意义深远。因其滞后于艺术设计实践，其研究内容和教学方法尚有许多不足的地方，当今国内更是如此。总之，高校艺术设计史论教材田圃中，已由过去的一枝独秀，发展到今天的百花竞放。中国的艺术设计史论研究也将迈进一个较快发展时期。
事物具有两面性，有好的一面，同时也有不足的一面。在艺术设计史论课程的教学过程中，主要存在几个方面的问题：（1）艺术设计史论课程观念需要更新；（2）教学课程设置不够合理；（3）教学方式方法亟待创新；（4）理论教学与设计实践需要更好的对接。
艺术设计史论课程概况以及发展趋势
1.教材的使用
在艺术设计史论课程刚刚兴起的时候，对于艺术设计史论的教学还处在基本的发展阶段，教材有一枝独秀到目前的百家争鸣。在当时只有尹定邦教授著《设计学概论》，尹定邦教授在书中重点介绍了设计学研究的范围、现状，设计的多重性，设计的类型，设计师的职能，中外设计史的源流，设计批评理论的发展、嬗变与多元化等，特别着重强调了设计理论对设计发展的必要性。
经过十多年的发展，艺术设计史论教材层出不穷。李砚祖教授著的《艺术设计概论》得到众多高校的青睐。该书主要介绍了设计的方法、程序与管理、设计的哲学、设计与文化的关系等，提出“设计是科学技术与艺术的统一结合”的观点。目前，高校设计史论的版本逐渐增多起来，如赵农著的《中国艺术设计史》、李立新著的《中国设计艺术史论》、朱和平著的《中国艺术设计史纲》、王受之著的《世界现代设计史》等，都是比较权威的艺术设计史论教材。
2.加强师资力量
当前，我们一些高校艺术设计史论课程教师师资力量基础相对有些薄弱。很多时候，有一些毕业生毕业后选择出国或者到科研机构，能够进入高校的人员较少。可见，艺术设计史论教师的供不应求和教学质量提高速度慢是现代设计教学中面对的直观问题。
3.创新教学方法
国内艺术设计史论课程尚属于发展初期，规模相对较小，因而在教学方法上还需要加大创新。目前基本上是沿袭美术史的教学方法，即：授课+图片+（参观）+论文+部分闭卷考试=结业。艺术设计史论课程的教学现状与国内迅猛发展的艺术设计教育之间还存在着一些差距。因此，尽快改善艺术设计史论教学的现状已是当今艺术设计教育中的一个重要环节。
改善艺术设计史论课程教学的设想
1.制定统一的教学规范和教学理念
制定统一的教学规范和方法要求教育部有关部门组织全国已设有艺术设计学专业博士、硕士点的院校的专家编写供全国高校艺术设计专业教学用的艺术设计史论方法和规范研究，明确该课的教学目标、内容及各章节的教学目的、基本知识点、教学重点、难点、教学方法、课时要求、课后习题、必读书目、必看图录、参阅书目、参阅图录等指导教学，使各地方高校艺术设计史论课教学有纲可循；教育管理部门检查、评估该专业教学状况有“法”可依，就会对迅速提高全国高校艺术设计史论课程的教学水平有很大的帮助。
2.定期组织艺术设计史论课程骨干教师展开研讨会，提高教学质量
鉴于目前一些高校艺术设计史论课程师资力量不足，教学经验和研究能力整体水平需提高的情况，借鉴在该领域取得显著成就的理论课教师，借鉴成功的经验，结合教学实践，组织任课教师探索和交流教学改革经验，对迅速提高艺术设计史论课教师的人文素养，教学能力会很有帮助。
3. 师资力量的储备
艺术设计史论课程按照“高起点、厚基础、宽口径、善创新、高素质”的人才培养方针，培养具备艺术设计学教学和研究等方面的知识和能力，能从事艺术设计理论的研究，高等院校艺术设计理论教学以及有关文博、新闻出版、艺术市场管理、企业形象策划、艺术传播与营销等方面的高级专门人才。
根据专业发展的需求而不断调整和优化教师结构，建成一支知识结构、年龄结构、专业结构合理的教师队伍。组建以老教授指导青年教师的传、帮、带团队，帮助鼓励青年教师积极参与我专业各项教学专项建设，充分发挥学科带头人和中青年骨干作用，提高教师队伍的整体素质和水平，以骨干教师为核心，以专业方向作为纽带，形成具有良好协作精神的教学团队。
要以艺术学科博士点和博士后流动站等高学科平台为支撑，争取学校进一步政策倾斜，加大扶持力度，多层次、多渠道培养与引进高层次专业人才，增强梯队实力。取得以“梯队建设”、“成果建设”为标志的专业建设成果。
结语
