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综合艺术论文范文1
一个优秀的材料艺术家，为了准确表达对艺术的独特理解或社会事件的不同看法，往往要敏锐地捕捉材料特质，甚至启用司空见惯的平常之物。德国“新表现主义”艺术家基弗生于具有沉重历史背景的德国，为了表现痛苦和追索的历史意味，他选择包括油彩、照片、沙子、泥土、石头、模型、版画、稻草和铅在内的有机材料描绘充斥悲怆“德国基调”的废墟般风景。作品《纽伦堡》中，基弗用粗粝的肌理表现满布车辙的焦土和昏暗的乡村小道，远处燃烧的火苗和渐渐消散的烟雾很自然使人联想到刚被盟军飞机轰炸过的德国。另外，他对土地的处理也十分“暴力”，将沙土和稻草用虫胶粘在画布上，使废墟的意向更加物质化和实体化。巨大的画面、复杂的肌理以及“合理”的材料语言赋予作品主题和艺术观念以鲜明的触感。
当他们从麻木和困顿状态中苏醒，经过一番痛苦的抉择，竭力寻找适合自我个性和思想表达的媒材时，其实也是作品的表现力、想象力和感染力拓展与提炼的过程。为了把探索和创新向更深远方向推进，艺术家在确立、完善和发展材料语言中总会遭遇各种困扰：虽然理论上认为只要有利于艺术观念的个性表达，一切材料都可以使用，无论是尊贵无比的黄金还是遭人遗弃的垃圾。但在实际创作中，一旦面对无限自由又漫无目标的材料海洋，他们往往茫然无措。因此，创作中材料的甄选需要结合本人的经历、个性、观念，选择时可从以下几点入手：
一是从材料的感受出发：艺术创作的原始动力本身就是爱好使然，当艺术家的创作思绪尚未明确，恰在此时对某种材料的性能比较偏好和熟悉，莫不如从它入手，虽然纯真本我的创作状态是艺术家的崇高境界，但由个人爱好出发也是作品取得良好效果的前提条件。
二是从艺术形式出发：让材料回到艺术的基础形式与语言元素中，借此突破、丰富、拓展和超越固有的思维局限和传统绘画技法，提高不同材料特性与画面形式结构及色彩结构相互关系的重新认识和处理控制力。
三是从艺术观念出发：艺术家根据要表达的艺术观念进行特定选材，并赋予它新的形式和内涵，达到与精神实质的融合。也就是说，最理想的效果是媒材语境和观念“合理”融为一体，达到臻于完美，如同“材料自己来说话”一般，由此获得对不同材料特性所具有的某种文化意味及精神性的思考与表达。有时，为了作品的形式表现与艺术思想表达，艺术家还会主动放弃传统技法，根据创作需要独创材料的使用方法。尚扬就是这样一位善于运用材料作画的艺术家。在《大肖像》系列中，被临摹在画布上的蒙娜丽莎与印有“品质保证”、“福”、“恭喜发财”、“北京特产”的透明食品包装袋混在一起。《深呼吸》系列则充分释放不同材料的独特性能，如油彩、报纸、彩色喷罐漆、丙烯、石膏等，使它成为医疗教学挂图式的肺部风景。艺术在当代越发多样化、综合化和个性化，“艺术走向综合”已被大众认同，媒介技法风格更是不拘一格。有时，一些互为矛盾的物件碰撞也会产生意想不到的材料情感，使艺术精神得到提升。例如艺术家克莱因的“火画”作品，为了把火焰灿烂的燃烧过程固定在画面上，他选择了耐烧材料“石棉”作画底，又在其上喷涂颜色，经火烧后形成蔚为壮观的火画。在我看来，综合材料绘画创作的最大贡献在于它搭建起艺术感受与视觉表现之间的桥梁。
综合绘画在中国当代艺术中的文化归属
当下，综合材料的运用已不仅仅是绘画技术的问题，它蕴涵的更多意义是“艺术观念”的突破。在中国当代艺术发展中，很多艺术家应用各种材料冲破保守、狭隘和封闭局面，成功穿越传统绘画的樊篱，从侧面推动中国艺术形式与观念不断更新。视觉焦点从“审美”移至“审视”与“反思”，更让我们感受到国内当代艺术创作的多元性和人文价值。国内著名艺术家周长江曾在《解读材料》一书中提到：“材料与表现既是物质材料创造性应用，同时也是人文精神的表现，精神穿透材料，材料才具有生命。”如今社会热点诸如“意识形态”、“生存状况”、“伦理与社会”等充斥着当代艺术家们的视野，如何做到“精神穿透材料”，建立传统与当代文化互动和谐的环境，呼唤心灵的文化阅读,如何反思图像时代的肤浅与失度，重建文化的尊严与深度，这些带有普遍社会意义和文化性质的元素是当前艺术表现中极为重要的精神载体。
艺术家应该对自己生活的时代本质有所领悟，有所感思。只有处于准确的感悟状态，才能从纷繁的世界中寻觅出独特的创作题材及表达方式，用最真诚的图式展现内心世界。在王怀庆的作品中，我们可以明显地感受到他的文化价值取向：“木结构”与“黑白”这两个基本因素构成了作品母题，如《大音有声》、《余音》、《羽化》，“黑”中渗透着东方文化的韧性，这不仅是绘画的颜色，更代表了一种精神。他将西方现代构成元素引入到东方古典人文风格的话语方式中，从根本上改变了传统水墨的画面格局，使我们产生强烈的身份认同感。王怀庆把这种符号和认同感转化为独特艺术语言，传达一种深蕴的文化气息，睿智地实现了传统、国际、当下三种文化的综合。
20世纪末至今，我国许多艺术家在探索既符合创作者内心体验又富有原始能量的材料，以扩大具有象征意味的精神性和文化空间，透出对当下某些社会现象的深刻思考。艺术家张洹曾在一场新闻会上介绍自己的作品时说：“让艺术家讲自己的作品是没有道理的，作品出来就不用再过多解释了，当代艺术的价值就是要提出问题，无论是生活的问题、社会的问题还是文化的问题，这样艺术才有价值。”综合材料艺术作为当代艺术的重要组成部分，我们没有理由忽视它。
张洹利用拆迁后遗留的上海老青砖创作的作品《创世纪》裸地告诫众生，那些承载着文化意味和历史印记的青砖堆是人类在高速建设城市后所付出的代价———对旧事物的摧毁。皈依佛教的他摒弃单纯的东西方当代艺术表现方式，保留了中国传统元素，从各大寺庙收集代表“宗教”、“尘俗”、“人类的虔诚”和“神的虚无”的香灰进行雕塑和香灰画创作，他又将这一创作行为变成影像呈现给观众，使“香灰”这种媒材极致地扩展自身的艺术力量。香灰作品《大运河》和《水库》令我们联想到国家转型为工业经济型社会后，随之带来的问题却是生态系统和自然环境的破坏。《香灰佛》与《香灰耶稣》直指中西方信仰的异同，意义含蓄且耐人寻味。从国内到纽约，再回到国内，从早年的行为艺术到今日的香灰作品，张洹十多年的艺术经历融会着西方的文化和中国的内涵，体现着具有批判性及中国文化内涵与人文关怀的艺术表达。
另外，国内具有代表性的材料艺术家还有和梁铨，他们从艺术创作思想上都是在反叛传统进行实验和创新，在媒介材料上立足于中国文化基础的艺术表达。把装置和中国画融为一体，探索出材料表现新空间：通过堆积粘贴巨幅毛玻璃、麻、电、胶、灯管、光、砖头、精心挑选的树枝、芭蕉、盆景等，创作了综合材料装置作品《山水图》。作品布置得十分巧妙，毛玻璃背面粘着棕、麻等现成品材料以表现山的走势和皴法，树枝则表现远景的树，松紧节奏表现笔法的虚实层次，现代综合材料配合光影传达出极具东方意境的效果，传承了“笔墨当随时代”的文脉。梁铨则令我们所熟知的宣纸功能发生了转换，宣纸不再是绘画的材料，不再用来书写，而成为被表现的对象，用来被书写和被绘画：裁成小条状的宣纸拼贴在画布上，又被着了墨。从根本意义上讲，拼贴成为一门修身的技艺。另外，梁铨一些充满茶迹的作品更让我们敏锐地感受到一种含蓄的抒情，一种同现代的浮躁相悖的舒缓节奏。
综合艺术论文范文2
1.综合性大学音乐艺术教育的现状及开展音乐艺术教育的必要性
1.1综合性大学开设音乐课程的现状
大学的艺术教育是高等教育的重要组成部分，它不仅承担着培养专业艺术人才的重任，而且还肩负着全面实施素质教育的使命。大学艺术教育使高等教育从以往只注重培养专业人才的单一模式扩展到全面育人，成为全面落实德育，实施素质教育的重要一环。[1]
近年来，国家教委对普通高校音乐课程的开设作出了明确的指示。但迄今为止，由于国家有关部门对高校的公共音乐课没有详细的规定，而高校的公共音乐课在课程安排、设施设备和师资力量等方面均得不到落实，使普通高校目前普遍存在着公共音乐课程设置不合理、课程设置随意性大等问题。[2]
当今的许多大学生只喜欢通俗的、不需要多思考的“快餐文化”，只喜欢片面追随所谓的潮流和时尚。而忽略了作为一个大学生应具备的基本审美素质的培养，把音乐只是看成单纯的娱乐手段。因此，公共音乐教学的内容不受一些学生的重视。
1.2开展音乐艺术教育的必要性
高等学校的教育不仅是对大学生文化知识和智力的教育，还是一种情感和道德教育。[3]因此，对于综合性大学的学生来说，音乐艺术教育不失为一种良好的德育教育途径。首先，音乐艺术教育无论是在教育内容，还是教育形式上都是在对学生进行德育教育。其次，学生在对音乐艺术学习的过程中可以陶冶情操，提高自己的思想道德修养，从而树立正确的人生观和价值观。再次，高校把音乐艺术教育作为学校德育教育的重要内容，可以提高学生的德育水平，培养高素质人才，最终有利于推进学校的德育教育工作。
2.音乐艺术教育在综合性大学德育教育中的应用
2.1帮助学生净化心灵，陶冶道德情操
音乐是人类情感的产物，它所传达的情感和思想可以使人的心灵得到净化，情感得到升华。一些积极向上的音乐作品可以传递给人们积极乐观的情绪，使听者的心理产生共鸣，激励学生努力奋斗。有些音乐作品歌颂真善美和弘扬社会正气，可以使学生树立正确的人格和良好的道德风貌。
2.2帮助学生树立正确的人生态度
许多音乐是宣传积极乐观的人生态度和努力拼搏的奋斗精神，通过对这些音乐的欣赏和学习，学生们可以养成活泼开朗的性格，通过这些音乐的鼓舞，学生们可以拥有直面问题并战胜困难的勇气，从而树立积极乐观、勇往直前的人生态度。
2.3帮助提高大学生的综合素质， 达到德育教育的目的
综合性大学开设公共音乐艺术教育，从根本上说是为了进行大学生的综合培养，全面提高大学生的综合素质。通过音乐艺术教育可以帮助大学生完善和发展自身，使其综合素质不断提高，最终达到德育教育的目的。
3.音乐艺术教育对综合性大学德育发展的意义
3.1有利于培养学生的集体意识和团队精神
音乐学习和表演时要求大家以集体的形式进行排练或演出，这就要求学生养成自觉遵守纪律和集体协作的行为习惯，此时学生的集体主义观念就得到了培养。集体音乐的排练让学生学会平等互助、团结共进，体会到集体的力量，这有助于调动学生的积极性和丰富情感，对大学生的德育教育起到积极的贡献。
3.2有利于提高学生的音乐修养和个人气质
综合性大学开展音乐艺术教育提高了学生的艺术鉴赏能力和音乐欣赏水平，通过音乐艺术教育，学生在欣赏和学习音乐艺术的时候自己的音乐修养得到提升，同时对音乐的理解和鉴赏能力也得到锻炼。大学生在长期的音乐熏陶下自己的个人气质也会得到提升。
4.结论
综合艺术论文范文3
论文关键词：先锋小说，形式主义，马原，格非
先锋小说亦称“新小说派”，指的是1985年前后崛起的一种特定的文学思潮与创作形式。代表作家有马原、残雪、格非、苏童、余华等，他们深受到俄国形式主义的影响，认为形式即是内容，强调形式对内容的决定作用。他们迈着形式主义的步伐，进行了一系列的文学创作，作品中的语言肆意嬉戏，结构如同迷宫，叙述随意而不连贯，认为文学本体的意义只在于文本的生成过程和阅读过程，并不在于所谓的认识意义。最早的时候人们对先锋小说的关注是因为它注重叙事，先锋小说家关心的是故事的“形式”，并非故事的“内容”。本文将通过具体作品对马原的叙事圈套和格非的叙事迷宫的分析，粗略的探讨先锋文学作品是如何体现形式即内容的。
一、马原的叙事圈套
马原是叙事革命的代表人物，他认为在文学作品的创作上“怎么写”比“写什么”更为重要，他把“怎么写”推向了极端。他认为传统小说的故事情节并不是那么重要，重要的是叙述故事的方式。他创作的《拉萨河的女神》中，把几个没有什么因果联系的故事拼凑到一起，并不在意故事的内容，关注的是如何去叙述这一故事。在他的《冈底斯的诱惑》、《虚构》等小说中，曾经写过，“我就是那个叫马原的汉人文学艺术论文，我写小说”，通过元叙事打破了小说所表现出的假定真实性之后，又进一步把现实和虚幻混为一体，让读者茫然失措、云里雾里。
马原的《冈底斯的诱惑》，作者采用了独特的叙述方式，就是打碎以后进行的重新组合，即是打碎以后造成时空交错的效果让读者落入他的叙事圈套。他开篇就直白的写到“信不信由你，打猎的故事本来就不能强要人相信的。”说明了他丝毫不在意文本的真实性，这对他来说是可有可无的，跟现实主义文学要求艺术的真实性截然相反。自此，马原为他的叙述拉开了序幕，并在这一过程不断的瓦解作品的真实性和意义。《冈底斯的诱惑》给人的感觉的“看不懂”，因为它没有故事情节上一点都不连贯，颠覆了传统小说的叙述模式，它的随意性特别强，现在的时间和过去的时间随意颠倒、把没有因果联系的几个故事拼在一起。其中叙述了作家自己的故事、猎人穷布捕猎野熊的故事、姚亮和陆高去看天葬的故事、藏民顿珠、顿月这两兄弟的故事，它把一个个不相干的故事拼凑在一个结构框架中，使得读者在阅读的过程中，与作品产生了很强的距离感，造成了陌生化的阅读效果。可以说，马原并不注重在故事情节上的叙述，他说追求的是怎样去叙述故事情节，注重的是在形式上的超越。
《虚构》是马原的又一部代表作品，它的主要内容是一个人到西藏去，误入了一个村子，而这个村子竟然是麻风病村子，在他经历了一些不可思议的人与事后，又出了村子。但是在小说的结尾讲到，“我”是五月三号进村的，明明已经在村子里过了好几天，可是外面却还是五月四号，这一结局说明了整个小说都是虚构的，一切都是马原的想象，不存在任何的真实性。而在小说的一开头，就写到“我就是那个叫马原的汉人，我写小说。我喜欢天马行空，我的故事多多少少都有那么一点耸人听闻。”他用叙述故事的人的身份直接进入了小说，让读者认为这一切都是发生在自己身上的。传统的小说中作者一般都是特别注意隐藏自己，马原却不然，他的小说非常注重引入自我、强调自我。在《虚构》中，他有着两种身份，一是被故事中被叙述的人物，一是正在叙述故事的作者。明明是自己在写一部虚构的作品，但他又极想让作者相信他进入了作品中，发生了一系列的故事文学艺术论文，使得读者在云里雾里中掉进了他的叙事圈套。他讲究的是如何去叙事，如何让读者落入他的叙事圈套杂志网。在《虚构》中，马原说过，“我讲的只是那里的人，讲那里的环境，讲那个环境里可能有的故事。”可见他并不注重小说的内容是什么样子的，而是怎样去叙述小说的内容。
二、格非的迷宫叙事
格非是先锋小说群体中的一个重要作家，他的小说深受阿根廷作家博尔赫斯的影响，有着明显的“形式主义”的特色。迷宫是博尔赫斯对世界存在的一种认识，是他的小说的母题之一，也是他作品中的独特想象。格非同博尔赫斯一样，他的小说中有一个个的迷宫，从而使他讲的每个故事都扑朔迷离。他的小说经过形式主义的改装，凸显了语言技巧和叙事智慧。格非的小说就是以故事体出现的“反故事”，他通过讲故事实行“反故事”的技术操作，来解构小说的“在场”，从而体现了他的故事迷宫里的神秘主义倾向。
在他的《褐色鸟群》中，采用的是两个故事的嵌套，一个故事是“我”认识多年的女人棋来“水边”看“我”，第二个故事是“我”跟棋讲述了自己和另外一个女人的故事。但第二个故事说得扑朔迷离，“我”对那个女人的雪夜追踪开始的时候挺真实的，但在若干年以后，“我”再次与那个女人相逢，但她说“我从十岁起就没有去过城里”，说明整个叙述都是虚构的。而在小说的最后，棋又一次来到“水边”的时候，却又显示出与“我”并不曾认识。作者又一次否定了整个小说的真实性，说明所有的一切都不存在，都不是真实的。像迷宫一样嵌套的结构，这其实是一个本源性缺失的故事，它的出发点是为了证实“在场”，但它最后什么都没有证实，所谓的“在场”者根本就“不在”。格非从文学的虚构性出发，不断的用一个被语言所描述的事实去否定另一个同样是语言所描述出来的事实，让作品中的事实相互否定，从而使文学作品中的真实性大打折扣，努力去突破叙述在文中的支配地位，忽略内容的作用，使得一切都成为一种虚构、一种叙述，成为永远处于在场和不在场之间的滑动。内容并不重要，所有的一切只是一场虚构，那么如何去叙述自然是高于一切的，
《青黄》也是这样的一部小说，让读者在叙述的迷宫中穿梭。整个小说讲的是探访“青黄”到底是什么。作者写了“我”对九姓渔户历史的调查，特别是对其中的一个有争议的名词“青黄”的确切含义的寻找。在调查之前文学艺术论文，“青黄”便有三种解释，一是漂亮的名字；二是春夏之交季节的代称；三是一部记载九姓渔户生活的编年史。然而，通过“我”的调查，非但没有澄清“青黄”的歧义，而且让“青黄”的意义更加迷离了。作者在情节的发展中不断设置疑点，特别是在情节的交汇处留下空白。小说中留下了太多的悬念，比如收留张姓父女的那个老艄公端午节为什么会翻船？张姓男子到底有没有死，是不是还活着？李贵在麦村留宿的那个雨夜到底有没有出去？如果不是“梦游”，那他到底想遮掩什么？而李贵又是谁？这些都是有待解决的问题但最终仍然没有得到解决，让读者在作者的语言迷宫中茫然失措。格非的《青黄》是关于追踪“不在”的故事，而“我”在寻找“青黄”确切含义的过程中，却渐渐背离了主题，离“青黄”越走越远，叙事陷入了悖论，成为了一个永远不能进入、无法到达的彼岸。其实，小说《青黄》的意义已然超越了故事的本身，淡化小说的内容，在叙述的过程中把“形式即内容”展现得淋漓尽致。
总而言之，先锋小说对小说叙述方式和语言形式的大胆探索为中国当代小说的创新和发展提供了可能，它对后来的小说创作有着一定的影响。但是它让小说几乎成了纯形式技巧的把玩，使得读者失去了阅读的兴趣，从而走向了没落。的确，文学需要有新的突破，但这并不是只在形式上去进行研究，去走形式的极端，应该是形式和内容的双重探索。
【参考文献】
[1]王庆生.中国当代文学史）[M].高等教育出版社.2003
[2]余昌谷.当代小说家群体描述[M].安徽大学出版社.2006
[3]王又平.新时期文学转型中的小说创作潮流[M].华中师范大学出版社.2001
[4]马原.马原中篇小说选[M].上海社会科学院出版社.2004
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[6]曾文蕊.限制视角下的先锋——从格非的《青黄》说起[J].云南教育(视界综合版).2007(04)
[7]张文.20世纪80年代探索小说产生的西方文学背景[J].淮北煤炭师范学院学报（哲学社会科学版）.2008（01）
综合艺术论文范文4
多元化社会文化是由各种独立多数的文化现象组合而成，主要包括主导，高雅，大众等文化形式，内容丰富，如果从客观角度出发，可以将其内容分为以下几点，具有一定意愿性符合社会大众需要的是主导文化，强调社会人文关怀和追求个性的是高雅文化，高雅文化主要指的是人类对相关知识学习的理解和欣赏。例如，古典音乐，芭蕾舞和古典音乐剧等等，一定程度上放映了人们生活的情趣和兴趣爱好。都市文化指的是伴随社会的发展而发展的人类需求，个性化和时尚性是它的主要特征。例如，时尚杂志，广告，影视连续剧等等，民间文化的主要特点是地方性和民族性较强，它在一定程度上代表了当地的民族文化和居民对未来的展望，具有温情的感彩。例如，民歌，年画，风筝和京剧等等。如果从时代角度出发，还可以分成现代，传统或者东西方文化等等，这些文化充斥在一起，组成了丰富多彩的多元社会文化。
2艺术设计技术研究的主要内容
艺术技术是人们通过物质和艺术手段，设计出符合人们要求和目的的艺术产品，满足人们的精神和物质世界的需求，艺术设计的本质内容是创造文化，独立性和理智性是它的主要特点，艺术设计使人们创造艺术的过程，是在人类生活的基础上，开展具有一定精神文化气息的活动。例如，我们生活中比较常见的服饰艺术设计，产品外观艺术设计，园林保护艺术设计等等。设计者和设计品是艺术设计技术的行为主体，艺术技术水平是一个设计者全方面高素质的体现，创造艺术的过程中需要设计者的创作灵感和审美能力，创造出符合大众审美，做工精湛的文化艺术品是对设计者的基本要求，艺术设计作为一种生活文化创造的表现形式，它的内容在方方面面都展现了社会文化的多样性和文化特质。
3艺术设计技术教育的多元化发展方向
3.1发扬多元化的艺术设计技术理论知识学习在艺术设计领域中，由于受到不同文化的影响，设计者在设计过程中的设计想法和设计产品的突出特征也有所不同，具有很强的差异性，尤其是在国内外的艺术教育学校中的差异最为明显，培养全能型的技术应用人员是我们艺术技术教育的重要任务，艺术设计专业在我国属于发展中的学科，在课程的综合素质教学和培养人才方法上教学模式都比较单一。学校在艺术学科的课程上，应该以学校的社会文化环境为基础，发展具有自身特色的艺术专业，将学校的艺术学科和专业在多元化的社会文化教育体系中进行结合，让学校的艺术设计学科开设的专业课能够相互影响，相互补充和融合，让学生更清楚地了解各个文化的魅力，在不同的文化特点中找到相同点，从而找出符合自身艺术设计特点的发展方向，加强专业课学习的多样化，提高专业艺术设计技术的整体水平。
3.2发展多元化的艺术设计资源配置多元化的艺术设计资源配置对提高艺术设计专业和艺术学科的发展具有一定的积极促进作用，首先高素质的师资队伍是发展艺术设计技术的根本要求，目前我国艺术设计教育的教师队伍主要是由合同制教师和专职教师组成，专职教师主要从艺术设计的实践，研究和历史发展三方面为主要教学内容，这些教师的自身要求普遍比较严格。例如，艺术实践方向的教师主要是专业的设计师，教学生学习艺术史论的教师是视觉设计方面的史学家等等，而合同制教师主要负责的是学生艺术设计技术方面的研究和学习，此类教师具有丰富的实践教学经验和坚实的技术知识，为学生解决艺术设计中遇到的难题，提高学生的整体技术水平。其次，完善的教学设备是学生将理论技术知识赋予实践的主要手段，现阶段我国很多学校并没有艺术学生专用的工作室和实验室，很多学校对于此类资源的认识不清，资金不足也是主要的一个限制因素，加大我国艺术类学生的动手操作能力是提高艺术设计技术水平的重要条件。例如，可以为艺术系的学生建立一个完善的学习研究教学资源平台，为教师生提供一个创新的教学空间，如图书馆，数字设备，智能电子数据库等等，通过这些手段的实施，来满足学生和教师学习科研的需求。利用丰富的教学手法和高品质的图形资源来提高学生的课外自主学习能力，加强他们的创新精神和实践动手操作能力。
3.3培养艺术设计学生多元化的专业能力艺术设计学科专业性比较强，学生毕业后用人单位对学生的要求也比较高，由此可见，培养全方位的高素质艺术设计学生显得尤为重要，对提高设计技术水平也有较大帮助，多元化的文化模式是艺术专业发展的强大推动力，在多元的社会文化发展环境下，设计艺术的特点根据不同地域和历史文化而发生变化，提高学生的艺术创造能力和思维创新精神是当代艺术学生应该具备的专业能力。首先，教师应该对专业教材进行深度的研究，利用学生的自身情况，发展灵活的教学模式。例如，鼓励学生课外阅读，通过专业艺术论文或者是学习报告来进行竞赛，增强学生的良性竞争意识。其次，教师应该将学生自身知识和多元化的社会文化进行整合，通过留题目的方法，把学生划分为小组形式，让学生根据自身的条件进行分工合作，从而解决问题，这种方法一定程度上锻炼了学生的团队合作能力和自主学习能力，让学生在团队中互相帮助，相互学习，让学生在德智体美劳全方面发展，为以后的艺术学习做好基础。最后，学校可以与相关专业对口的企业和公司进行合作，为学生提供良好的环境和平台，让学生通过实习单位举办的各种活动，增强自身文化学习意识，把理论和实践相结合，从而提高学生的创新能力和动手操作能力。
4总结
综合艺术论文范文5
【关键词】高师音乐教育 教育改革 教育实习
教育实习是高等音乐师范教育的重要组成部分，亦是加强学生理论联系实际的重要实践活动。它一方面能够提高音乐师范生综合运用专业知识及教育理论水平，培养其从事教育教学工作能力；另一方面又能检验师范院校教育教学的质量，从而促使校方有针对性地深化教育教学改革，以适应基础音乐教育发展的需要。当前的教育实习，往往仅注重前者的作用，对教育实习的反馈作用却没有足够的认识。笔者作为本校音乐学院实习生的带队指导教师，曾多次到各队实习生所在的小学、初中及高中学校听课观摩，对目前教育实习中存在的问题做了不完全归纳，简述如下：
问题一：真正“全能”的学生少，校方无奈选择按专业“混编分组”
当前，全国的基础音乐教育正日益受到重视，各地中小学开展的课外音乐活动也随之丰富多彩起来，因此，校方不仅需要能上好音乐课的老师，更需要能组织学生进行课外音乐活动的辅导教师。例如训练合唱团、民乐队、舞蹈编排、音乐特长生的个别课、组织健美操比赛等。而我们培养的学生，全能的毕竟是少数，甚至是极少数，于是按学生专业“混编分组”安排实习，成为校方不得已的选择。
问题二：京剧、民歌不会唱，临时移调慌手脚
中国的传统音乐文化在中小学音乐教育中占有一定比重，尤其新一版音乐教材中的内容更加丰富：民歌、昆曲、西皮、二黄、民族乐器和器乐曲等都融入其中。如初二的音乐教材中就有传统京剧《铡美案》和现代京剧《沙家浜》唱段的欣赏和学唱的内容，这对于“一学期就唱几首咏叹调”的某些师范生来说无疑是个难题。分到这一教学任务的实习学生只能临时跟着录音带学唱，或是依葫芦画瓢学个门面功夫，至于京剧唱腔的韵味、发声方法、吐字、咬字、节奏等就顾不上了。试想，如果老师都是这样的水平，又如何让学生真正体验到中华民族国粹之内涵呢？
另外，中学的音乐教师少，基本上是一个年级配一位音乐教师。假如一个年级有十个班，同一个单元的教学内容就要讲上十遍。中学生正处于变声期，同一首歌曲根据不同班级学生嗓音的情况移调教唱是经常会遇到的事情，而具备当场移调弹奏能力的老师并不多。有位实习生在一堂初一年级的唱歌课上教唱意大利歌曲《桑塔露琪亚》，他按照教师用书上的C大调弹奏，刚唱了几句，有些学生就提议：“老师，唱不上去，换一个调吧……”实习生不由红了脸，顿了顿：“那就低八度唱。”顿时教室里一阵躁动……这堂课的效果可想而知。
问题三：理论和实践脱节现象严重，语言表达与组织能力缺乏
有的学生在校专业成绩很好，却不一定能讲好一堂音乐课。学生在课前积极备课写教案，做好了教学课件，但一站上讲台问题就出来了：不是忘了某个教学环节，就是忽略了与学生的交流；对于“学生”这种课堂资源不善于利用，反觉得他们乱堂；对课堂上的突况没有相应的心理准备和应变能力；教学语言、风格与所讲解的作品风格不相符，等等。这些问题都映射出当前高师音乐教育亟待改革的方向。
改革还应该革新什么？
一、高师音乐教育应当面向全体学生，培养具有全面基础技能的音乐教师
关于师范教育应体现师范性的问题，我国老一辈音乐家早在20多年前就指出“高师音乐专业应尽快拨正办学方向”“注意有些教师鼓励学生面向舞台而忘记讲台的错误倾向”①。据笔者了解，当前一些音乐师范院校还存在高年级开设类似“主修”课程的做法。当然，如果“专才教育”是建立在“通才教育”的基础之上，能够为将来的本职工作服务，起到“锦上添花”的作用，倒也未尝不可。但是对于那些在第四学期考试中技能课达不到分数线的学生，就免去学习这门课的资格，试问这种教育形式如何能培养出合格的基础教育音乐教师？这种做法是扩招不择生源质量、教师奇缺带来的后果？还是只热衷于培养优秀学生的“专才教育”思想理念根深蒂固呢？新课标基本理念之一即是“面向全体学生”。笔者认为，高师音乐教育更应当首先“面向全体学生”才是当务之急，对达不到要求的学生，不但不应该取消资格，相反，校方还应该制定相应的制度，督促其继续学习直到达到各学科最基础的水平（即能胜任基础音乐教学的水平）后方能毕业。
二、审美教育应贯穿于技能教学之中，技能教学应广泛涉及本技能的各个层面，提倡综合性、多元性
1994年，李岚清同志在国家教委艺术教育委员会的座谈会上就明确指出：“艺术教育主要不是技术教育，不能只是教学生弹琴、拉琴、唱歌，而主要是培养学生的审美情趣，提高他们对艺术的鉴赏力。”②这不仅仅是对中小学音乐基础教育的要求，更是对以培养中小学音乐教师为目标的高师音乐教育的殷切期望。就技能课本身而言，注重拓宽学科广度，提倡学科综合性尤为重要。笔者认为，声乐课程应将戏曲、民歌等曲种的唱法及教法都纳入教学大纲；钢琴课程除了开设即兴伴奏与键盘和声以外，看谱视奏、看谱移调演奏的训练也应贯穿在教学过程中；声乐和钢琴相结合的弹唱课应放在整个高师教学的重要位置，以培养学生全面的素质及能力。
三、高师的各学科教学形式应力求灵活多样，给学生提供更多的语言表达、社会交往和提高组织能力的机会
在音乐教育学的范围里，声乐、钢琴、音乐作品分析、乐理、作曲法、曲式学、风格学和音乐史代表的都是教学客体，另一方面，从事音乐活动的人是“多种多样的主体”。③如何将学生这一主体培养为具有健全人格和全面音乐素养的音乐教育人才，是高师音乐教育各科教师的责任。一方面各课程教师要明确“教”与“学”的基本问题和规律，将示范、启发、询问、讲授、系统归纳等多种教学方法运用到教学中来，活跃课堂气氛，激发学生的创新意识和创造潜力；另一方面，学校不仅要举办全能技能大赛，还要定期开展学生演讲比赛、模拟微格教学竞赛、教案评比和中小学教材教法研究性论文竞赛等，为培养学生胜任教学工作的各种能力做好充分的准备。
四、根据我国音乐教育实际，借鉴国外教育实习的经验成果
我国高师音乐本、专科院校一般将教育实习安排在最后一学年的上学期，时间普遍在6到8周。学生往往在实习教学中还来不及做出相应的反思和调整就要面临毕业。世界几个教育大国，如英、法、德、美等则非常重视教师教育和教师教育实践能力的培养。以美国为例，早在上世纪80年代，美国的一些师范院校针对当时“大学教师培养方案脱离中小学实际需要”的情况，和当地的公立中小学联合创办了“教师专业发展学校”，④打破了过去大中小学彼此隔绝的藩篱，在二者间架起了沟通的桥梁。此举不仅使中小学的问题与需要能及时反映到大学及其教师教育的课程与计划中，同时大学也给中小学带去了教育教学的新思想、新知识，促进了双方课程与教学之间的沟通与互动；另一方面，美国各大学教育实习的总时间普遍较长，参与实习的三方（大学、中小学、实习生）都有各自明确具体的目标和任务，实习生的任务不仅仅是教几节课，而是完全参与到中小学的课堂教学、班级管理、教研活动、校园文化等学校生活的各个方面。师范生在教育教学实践中不断地深化对教育本质的理解，逐步获得了教育教学知识、技能、方法和能力的全面发展。同时，实习指导教师注重引导师范生对自己的所学和所教进行反思，使其能将“反思”中的经验再运用到实践中，这无疑是一种良性循环，它帮助实习生在正式走上工作岗位之前，通过“实践——经验——反思——教学”的方式，自觉走上可持续发展之路。
国外的教育实习经验如果照搬过来也不适合我国音乐教育的现状，这是由各高校的生源质量参差不齐、师资力量薄弱、教学管理欠缺和校方硬件设施不完善等多方面因素决定的。因此，各校应结合实际情况有针对性地建立完善的教育实习制度，构建新型的实习框架，与定点的实习学校保持互助合作的关系，对每一周期的教育实习做出阶段性、实质性的总结，并根据实习期间所反馈的问题做出及时的反思，由反思来改进教学中存在的弊端，从而有助于下一轮的实习。这样由教育实习督促教育改革，以教育改革促进教育实习，进而真正形成音乐师范院校教育过程中各环节之间的良性循环发展。
（注：此文曾获国家全国第一届大学生艺术展演活动高校艺术论文评选三等奖）
注释：
①姚思源.中国当代学校音乐教育文选[M].上海：上海教育出版社，2000：91—95.
②杨力，宋尽贤.学校艺术教育史[M].海口：海南出版社，2002：213.
③邹爱民，马东风.音乐教育学[M].北京：人民音乐出版社，1996：318.
④许建美.美国的教师专业发展学校[J].比较教育研究，2002（3）：58—59.
综合艺术论文范文6
一个苹果引发了一场别开生面的水墨画展。
2008年9月，80后画家孙浩到798艺术区的珊和羽画廊参观一个画展，开幕酒会备有苹果酬宾，但没人好意思吃。高大俊朗的孙浩抄起一个啃将起来，画廊总裁张珊宁看得一乐，热情爽朗的她也如法炮制，两道清脆的咀嚼声无邪地在端庄的会场里此起彼伏，两个性情中人因此结缘。
孙浩正和他的朋友们筹备一场画展。2008年金秋11月，国槐如伞，把“珊和羽”的红砖小院映衬得分外雅致，“跨界――当代水墨七人联展”吸引人们把目光投向宁静多时的水墨画坛，7位画家用独特的笔法、迥异的面目重新演绎传统水墨画，业界惊呼这是“放肆的水墨，大胆的跨界”。
参展的7位画家，1980年生的孙浩最小，其余都是70后，青春无敌、朝气逼人。他们都有着长期正统的中国画训练背景，曾经或正在攻读中央美术学院国画系的研究生，阴树雨还是在读的国画博士。虽同属科班出身，但都选择了各不相同的水墨画变革之路。
这七人的作品，烙上了鲜明的个性风采，或精致唯美、或直白放肆、或抽象深刻、或幽默俏皮。早在三年前，台湾地产大享山艺术基金会董事长林明哲已斥重金收藏过其中孙浩、吴雪莲的多幅作品。3年过去，这批年轻画家在艺术上的突破，再一次让林明哲惊叹，台湾山艺术基金会已着手为孙浩筹办个展。而嘉德拍卖公司也紧锣密鼓为七人举办专题拍卖会。
水墨圈的“螺彝者”
作为资深策展人，张珊宁毫不讳言自己“阅画无数，都有些审美疲劳了”。但当2008年9月她第一次走进孙浩的工作室时，只觉得眼睛一亮，“那幅红色的《粉丝》一下子抓住了我的视线。还有一幅《青》看到青花瓷色的人们在飞翔。虽阅画无数，但我没见过这样的画，给我一种挺撞击的感觉。他从小学画，基本功非常扎实，灵魂很干净、高远，画法形式不拘泥。”
“我又从电脑里看了一下其他六人的画作，各有震撼之处。他们从年初就开始筹划七人联展，也谈过不少画廊，孙浩对我感慨：没想到在北京找家画廊作中国画展很难。规矩很多。有的画廊对于画作的市场价值要求苛刻，有的画廊只愿接其中部分人的部分作品，不可能让艺术家充分表达自己的想法，但孙浩他们坚持要七人联展。而珊和羽的政策就是自由，给画家自由生长的空间。于是我对他说：其他人的画室我就不去了，画我也不挑了，选择什么样的画、以什么方式展出，你们自己定。”
在珊和羽画廊亮相的联展，七人都是完全不同的风格，形成鲜明对比。其中李飒和阴树雨的作品位列同一展厅’李飒的《残花图卷》等，是仿山人、徐滑等传统花鸟画家的笔意和构图，用现代的抽象符号重新演绎水墨经典，画面抽象而充满视觉张力：阴树雨的《豆畦香满过春期》等，在外行眼里无疑是最正统的技法，画面具像，但空灵、清雅，有种说不出来的美。
湘潭小子谭军，从中央美院研究生毕业，当过教员的他如今是自由画家，2008年先后在京、沪举办过多场展览，在先锋画家圈已颇具影响力。他展出的《执迷》、《逍遥》等画作，似乎用老庄等中国古代哲学思索当今商业社会中人们的心灵出口。
眉目炯炯的杜小同是陕西关中大汉，展出画作大都是变形的人像。评论界认为他近期作品一类是“枯木浓血式”，让人联想到苍凉岁月、血祭，死亡等，有种直面干尸或凌迟的现场体验，另一类是高士系列，似乎与他最近苦练古琴有关，灵魂悲苦，压抑之中，表现出荡气回肠的坚韧力量和人性光芒。
杜小同1999年从中央美院国画系水墨人物画室本科毕业后，在烟台鲁东大学美术系数国画。目前是中央美院中国画学院的在读研究生，导师唐勇力教授。虽然举办或参加过多次先锋艺术展览，“但我对于美协举办的画展活动一次未参加过，既不引以为荣，也不引以为耻。”
七人中唯一的女性吴雪莲，用绢、水墨、色粉笔、碳条等，勾勒出不同意境的人体，或变形的人体局部残片，画中一种缓慢的、如歌般的气氛，让读画人随之放慢自己的节奏……
王剑的画则几乎全是灰、黑两色，十分抽象，其《等边三角形的坚决立场》可让人浮想连翩，又似乎什么具体内容都没有。他还通过拍摄马路旁的水沟、废墟的对角线，并把不同角度的几何图像叠加，营造“俯拍城市”的意境。画配诗也是他的一大特色，但他写的诗句也是半哲理半朦胧。抽象无比。
“我们七人都知道自己在做什么事，也大概知道别人在做什么，我们思路理得挺清的。西方当代艺术已经很多元化了，中国当代艺术的多元化还远不够。好比大街上突然跑过来一个裸奔的人。大家很惊诧，紧接着又跑过一个穿裤衩的，大家就感到没什么了。我们这七人，就想做水墨画坛上的裸奔者。通过我们的努力，或许能给其他人的摸索当个探路先锋。”
闭关三年
孙浩是一个快乐的人，画画和踢球都是最爱，朋友众多，没心没肺的程度，挺像古龙小说《欢乐英雄》中的郭大路。
他老家山东临沂，是书圣王羲之、书法家颜真卿的故乡，当地民风似乎也沾染了浓厚的水墨气韵。其爷爷、姥爷、父亲都酷爱书法并小有名气，孙浩三岁开始握毛笔习字，自幼接受严格的国画训练，并顺利获得鲁迅美术学院中国画系人物画专业本科学位。
鲁美对于传统十分尊崇，四年本科学习，使他对于传统水墨画的范式有了全面了解，毕业作品在全国首届美术院校学生联展中，成为国画方面唯一的获奖者。随后他来到北京，成为中央美术学院中国画系胡伟教授的材料与表现工作室研究生。
“胡伟教授是中国画专业第一个博士，1988年公派留学日本东京艺术大学，其工作室主要对中国古代绘画的材料和绘制过程深入考察研究。思路非常开阔，鼓励学生创新。他对我的教学是点拨式的，顺应我的个性、画法和我的追求，在我探索绘画的道路上，他是推动力，他把方向盘交到我自己的手里。”
2005年孙浩研究生毕业时参加了成都艺术双年展。闭幕后去九寨沟游览的车上，通过手机短信几番来回，台湾山艺术基金会最终以10万元人民币的价格收藏其参展作品《蔓延》，成为那届参展新人最大的单笔交易。该基金会董事长林明哲是高雄地产第一人，上世纪80年代中期开始到大陆收购艺术品，对收藏投资有敏锐的判断，林明哲断定孙浩的作品将有很大的升值空间。山艺术基金会一口气收藏了孙浩11件作品。当时对孙浩抛橄榄枝的，还有香港前特首董建华之妹董建平等收藏家。
当年的中央美院毕业作品展上，他的
作品也获金奖。他到北京印刷学院谋得一份教职，教综合材料艺术，课余像海绵吸水般读书、作画。“3年前我才25岁，作品还不很成熟。那次成都双年展，突然给我一种社会身份，突然很多人知道我，给我提各种意见，圈子里都在说这事，对我评价似乎有点过高。浮躁之后，我静下心来，这3年我未参加任何展览，潜心看书、学习，理顺思路，摸索应怎么往下走。”
“这3年，我看得多的是中国古代哲学书籍，《道德经》、《画论》、《禅宗》、《周易》等什么都读，从中寻找古人的智慧营养。比如中国古画追求的意境就是一绝，同样‘飞’的画面，西方人画翅膀，而敦煌画的是飘带。青花瓷、豆彩、画像砖、墓室线刻等传统艺术，都给我很多灵感。”
这段静默期，孙浩印象最深刻的是去云岗石窟写生的经历。“石窟就在一条运煤大道的路旁，煤渣使佛像好似被风化，一下雨。灰黑色的水顺雕塑往下流，那种模糊，那种流淌，使我突然明白什么叫天人合一。我悟到，什么叫创新?也许创新就在于创造一种新的视觉观念，回来后我画了《逆形》，找到一种特别的绘画材料，可以顺着人体的结构往下流淌。显示出那控制与非控制间的感觉，进而延伸、来回流淌。”
“传统水墨画，表达了文人和士大夫阶层对遁世生活的想象，崇尚自然、追求空灵的意境。而当代社会的现实是追求人改变自然，喧嚣、热闹，我希望从新的角度来拓展水墨画的表达空间，因为优秀的艺术作品除了挖掘人们美好的情感，还应该更多一些反思。有次我去一个地下酒吧看摇滚演唱会，众多90后的孩子疯狂得有些虚假地自我释放。于是我联想到超女、快男，联想到被过度包装的偶像、年轻人的盲崇，这是一种‘迷’文化，这种迷文化也体现在当代艺术圈里，有些画家的作品市场好，售价高，其他人就跟风去模仿。在这种感悟下，我创作了《粉丝》这组作品，是对当代‘迷’文化的一种反讽。”
儒雅双侠
一袭长衫、戴“五四”经典圆框眼镜的李飒，挺像，说话语速快，笑容满面，待人极友善。而适合中山装的阴树雨，安静内敛、话少意赅。两人虽然都有儒侠气质，但李飒更像唐诗，树雨则如宋词。
他俩都住在望京，画室都在著名的艺术营一索家村，只隔几步路，日常哥俩最爱一起喝茶聊天。2005年同时获得中央美院国画系硕士学位，不过随后李飒执教于北京服装学院美术系至令阴树雨2008年回中央美院读中国画博士。
与画展同步推出的画册，李飒的专辑有一半篇幅是自己反思传统绘画的艺术论文，他读书多动笔也勤，是七人中著名的理论家，七人画册的序言由他撰写。他近年来在北京、重庆等多个城市举办个人画展，今年参加了文化部、澳门艺术博物馆等举办的多场展览并倍受关注。其作品被浙江美术馆、重庆美术馆、澳门艺术博物馆等收藏。
李飒自幼在父亲的指导下，进行了严苛的传统国画训练。“2002年我到中央美院国画系学习时，遇到的最大问题是：临摹了大量的中国传统作品后，再创作时我发现，用传统的绘画语言来表达当下社会的生存经验时，竟无以致用。中国的农业经济处于停滞状态，传统水墨画诞生于超级稳定的社会结构中，建立于逃避现实的态度上。避免激情是传统文化首要特征之一。十九世纪下半叶以来，西方文化侵袭，使传统文化一直处在很深的没落‘焦虑’之中，王国维沉湖自杀就是典型例证。时至今日，传统绘画语言所代表的文化价值观念。与现代人的生存感受之间，表现出来的更多是冲撞、抵触和对峙。”
于是，李飒开始了水墨画的变革之路，“我已经摸索了五六年，有过痛苦的阵痛期。在导师胡伟的材料工作室。我接触了很多新材料，把西方的抽象艺术融入水墨画的创作中。”
他的实验最先得到了一个美国画商的认可。她叫简黎明，租借北京地坛的明代大殿，开抽象艺术画廊。她到李飒的工作室看画，站在《从灰色过渡过灰色》这幅画前良久，然后严肃地说：“你认为人有时是邪恶的么?我在你的画上看到了许多幅面孔。”
李飒的这幅画，借用中国传统花鸟画的构图，用抽象的符号表现一种相互缠绕、相互挣扎的感觉。温和的美国人简黎明从一个个抽象的符号中看到了无数的人脸。
2006年，简与李飒签下两年之约。期间在北京艺术博览会上，希尔顿酒店以5.2万美元买下李飒一幅大画。“简是很棒的艺术鉴赏家，挑画眼光一流，不过她对签约画家的管理也是十分严格，把我们的作品定价都较高，这两年有很多人想找我要画，但我与画廊签了约，不能私自给。今年解约后，我没有急于直接迈向市场，而是先整理自己，把努力的方向认真想清楚再说。”
阴树雨的学院气息更浓厚，是青年画家中“学院水墨”的代表人物之一。本科就读于杭州中国美术学院，那里秉持潘天寿的中西“拉开距离”之说。希望推陈出新创出“中国气派”；硕士、博士北上到中央美术学院，这里的国画系始终坚持着由徐悲鸿创立，并经蒋兆和、李可染、叶浅予等不断完善而成熟的中国画教学体系，承认传统，强调中西画法有机结合，注重对现实生活的表达。
经受南北两大最高国画艺术院校洗礼的阴树雨。师从著名写意花鸟画家张立辰教授，选择了新派写意花鸟作为终生笔耕之路，作品却透露着江南文人画特有的灵性和秀气，鲜活生动。他喜欢下乡，常带干粮住草棚、爬山越岭。带着画夹和相机，搜寻山花野草和飞禽走兽，自得其乐。
阴树雨说，“传统样式的中国书画一直有自己的发展，从未间断过。比如同样画墨竹，蒙古人统治的元代与资本主义萌芽的明代，作品就有很大差异。再比如20世纪的艺术巨匠潘天寿，他所面临的社会变革也是很大的，他仍然坚持了传统样式，并找着了自己的路子。现在也是一个变革时代，如果我们认准了道路坚持下去，应该也能有自己的收获。”
七人联展中，阴树雨的画最受普通观众青睐。作为国画博士，已可预见其未来的教授身份。“不管什么头衔，将来我会坚持画画。我不排斥体制内身份，它给艺术家一个名份，让我们能够生存、丰衣足食，否则会丧失很多机会。”他的妻子也是艺术圈内人，“她作陶瓷小雕塑，比较抒情。”抒情也是阴树雨面作的真实写照。
小师妹
小师妹吴雪莲，准80后，斯文内秀，与孙浩、李飒是研究生同班同学，导师都是胡伟。“我不太会用语言表达感受，想知道我作画的感受，看我的画就好了。一般人看我的画，理解应该不会很困难。至于你问我为什么要这样画，我自己也不知道，就是凭感觉。”
吴雪莲也是自幼习国画，父亲是湖北一中专绘画老师，兄妹二人，哥哥学美术史。她本科在中央民族大学学工笔国画。成为胡伟的研究生后，在新材料使用和抽象画之路开始了大胆探索，目前在北京信息科技大学教设计课。
吴雪莲对导师胡伟充满感激，“很多人认为读绘画专业研究生，会约束创作天才。似乎进了工作室，就会规范自己的思路。不少工作室确实存在这个问题，但对我来
说，是考对了老师，进对了工作室。胡老师对我们的要求是直接画画就好，标准很抽象，创作过程中一般他不会提具体要求。只在中途如果他看到发展方向不太好，可能会点拨一下。他对条条框框、对于选用或不用什么材料，要求不是那么严格。对于我的作品风格，他看后只说比较喜欢，更多的评语，他就没有了。”
吴雪莲这些年在画坛也成绩不俗：2004年她用皮纸、银箔创作的六条屏《唯・一》，获第十届全国美术作品优秀奖：2005年参加成都艺术双年展，作品也被台湾山艺术基金会收藏；近两年在武汉、深圳办个展颇获好评。
燕山隐士
王剑是七人画册的主编，如今住在北京门头沟山区的一个小院里，置身雄浑的燕山山脉，他感到无比舒畅。“我搬来快一年了，每天出门就看山，我喜欢大山里的石头，这么多起伏变化，经亿万年形成恒久不变的姿态，我与山、石交流起来非常地舒服。”
王剑老家河北邯郸，“父亲在铁路上搞工会工作，当年中央美院很多画家下放到那里，父亲就跟着他们学画，也让我学。我爸管我特别严，每天画大量写生。但我文化课不好，16岁当了铁路工人，从火车蒸汽机的司炉到机务段的清洁工等都做过，一做就是8年，当门卫时，我看着单位人变老，于是想一生不能虚度，然后到北京读书，然后做过杂志社美编、图书公司的美术总监，也给电视台拍过纪录片。这中间还经历了一次失败的婚姻，现在我身为自由艺术家，住到山里，真正回到自然，我感觉自己目前的状态最好。”
王剑与杜小同、李飒是十多年的好朋友，以前一起作水墨画方面的展览。4年前，他的传统国画作品《赵氏孤儿》入选第十届全国美术作品展。后来，他也转向水墨画的变革。
在王剑眼里，“传统文化给我们土的印象，而现代都市是硬的。虽然我的作品表现得很抽象，但我内在的东西与传统很近，最主要的体验是人与自然的关系。我住到山里后，对人与自然的关系了解更深入，我希望用一种全新的方式来诠释水墨意象。”
七剑合璧 和而不同
这七人，共性是都接受过最正统中国画的教育，目前在画坛都取得了不俗的成绩。其中五人是中央美院国画院研究生同一届同学，平日经常联席纵酒、评文弄墨，好不快意!
七人联展最初发起者是王剑、谭军和李飒。2008年初，他们仨在北京CBD(中央商务区)的一家麦当劳餐厅碰头，计划一起办画展，并出画册。当年3月，参展人数扩展为7人，“我们都是中央美院的同班同学或师兄弟，除了私交笃厚，更主要是在水墨画的追求上志同道合。”
“第一次全体筹备会在谭军家，我们决定给七人小团体起个别致的、中国化的名字。谭军家门牌号303，于是决定叫‘三――三’(音为‘三杠三’)。‘三’与老庄关系密切，《道德经》有云‘一生二，二生三，三生万物’；‘三’还是《易经》的乾卦，男为阳，六个男生是六个实杠，女为阴，一个女生用虚杠表示。合起来‘三――三’很像《易经》第九卦之‘小畜卦’，说的是‘城西边有雨，还只是一个雨人，正在积蓄力量，马上就要来下雨’。这种描述与我们七人的现状很巧合”，28岁的孙浩很认真地向记者解释七人团体名字的来由，里面包含了他研习中国传统哲学的心得。
李飒说：“眼下办一场画展，包括出画册等在内，开支少说得二三十万元。这些年我们的精力不在卖画挣钱上，为了自由表达艺术思想，我们没找投资人。这次办展、出画册，建专题网站，都是自费。当代艺术市场上，油画比较占优势，中国当代水墨画还没确定市场。我们也不懂市场，我们有的只是信心，对于作品的自信!”
孙浩说：“电影大师赫尔佐格说：‘年轻人你们去拍电影吧，拍电影只须5美元，用来买一支笔和一叠纸，然后写剧本，然后去找志同道合的人。’办画展也是一样，只要找到志同道合的人，可以作很多事。”
