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钢琴演奏论文范文1
关键词：莫扎特演奏风格钢琴作品
沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特(1756~1791)，奥地利作曲家，是维也纳古典乐派第2位大师。莫扎特的钢琴音乐是他创作中重要领域，主要钢琴作品，有20多部钢琴协奏曲，钢琴奏鸣曲20首，还有变奏曲、回旋曲和幻想曲等。
莫扎特的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征。莫扎特在歌剧中表现的非凡旋律天才，也充分显示在钢琴音乐中，如钢琴乐曲中不仅慢板主题气息、宽广、悠扬、婉转，恰似歌剧中的咏叹调，甚至那些轻捷绮丽的华彩经过句，也都是发自心底的歌唱。莫扎特钢琴演奏风格，以典雅，精致，纤巧，细腻而著称于世。莫扎特创造性继承、发展了阿尔贝梯低音写作手法，增强了低音的旋律性，既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的曲雅趣味，又大大地改变了装饰音的形式，使装饰音不再仅仅装饰作用使之为旋律的组成部分。这种新的钢琴语汇创造，不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的纤巧、优雅的风格，而且对19世纪波兰钢琴家肖邦也有很大影响。
《第十一钢琴奏鸣化曲》创作于1778年。1772年莫扎特结束旅行演出后，回到家乡萨尔斯堡任当地大主教宫廷乐长，为了摆脱大主教专横、粗暴、野蛮的压制，希望到别的宫廷谋求职位，于1778年随母亲再度赴巴黎旅行演奏，可是这位当年红极一时的“神童”，如今在巴黎上层社会却受到冷遇，谋求职位落空了，母亲在巴黎又去世了，尽管遭到这种种不幸，但他仍写下了5首优秀巴黎钢琴奏鸣曲，这些乐曲情感内容深刻，大都乐观、明朗，带有一种启蒙时期特有的自信和乐观，然而乐曲中却不时流露出悲哀的阴影笼罩着。这5首钢琴奏鸣曲也标志着莫扎特钢琴奏鸣曲创作的完全成熟。
《A大调钢琴奏鸣曲》就是其中最典型的一首乐曲，而上述莫扎特钢琴音乐创作手法及其特征，也充分体现在这首奏鸣曲中。《第十一钢琴奏鸣曲》，第一乐章，是由“主题和6个变奏曲目组成的变奏套曲”。主题：带有再现二部曲式主题的体裁风格，近似意大利西西里舞曲民谣特性，旋律朴实，明朗富有歌唱性。在性格_L更为内在而抒情，音乐的安详情绪接近了莫扎特的精神，而表现出温暖情感的深度是空前的。主题优美的行板，6/8节拍，A大调，附点的节奏，音乐时值基本上一拍一音，旋律有意简化，同音反复也为后面变奏留有余地。在主题的4个乐句中，前半段为8小节，后半段为10小节：每句前半旋律流畅抒情，每句后半音响加厚是和弦式陈述。而每乐句开始都以西西里舞曲特性节奏开始。主题的呈示部分与再现部分是歌唱性，中间部分主要是舞蹈性。整个主题是歌唱性与舞蹈性相互渗透各有侧重。从总的来看“莫扎特的钢琴奏鸣曲，不能同贝多芬32首钢琴奏鸣曲抗衡，尤其不能同悲枪，月光，热情比肩。但是在今天世界成千上万架钢琴，莫扎特和贝多芬的钢琴奏鸣曲乐谱，永远是放在一起的，肯定还要继续到下个世纪，只要人还是人，保有基本的人性……”莫扎特和贝多芬的曲子总是互补的，就像大阳和月亮、树林和飞鸟、天空和大海、永远是互补的那样。在我们这个星球上，哪里摆着钢琴，哪里就一定有两位作家的钢琴奏鸣曲乐谱放在琴上，这叫做不朽。
演奏他的作品必须把握既含蓄、典雅，又玲珑剔透的音乐风格。具体地说，应当注意以下几点。
1.旋律性极强。莫扎特的作品主旋律往往是简单而极富歌唱性的。弹奏时，应清晰突出，不能草草了事，每一个音符都必须弹得透而不燥，实而不硬，富有一定的韵味。
2.要弹出晶莹透亮的音乐。在指触上要以nonLegato为主，用指尖触键，快速而不生硬，奏出均匀清晰的音粒。
3.注重乐句的处理，强弱的对比。莫扎特的作品很少有大起大落的强弱对比，却差不多每一句都有渐强渐弱的曲线。其作品中很少出现f-PPP的强烈变化，但乐句与乐句之间却经常出现前后照应，强弱对比。有如对话一般，一问一答，错落有致。有时，短短的两个乐句，要弹好都并不容易。首先，每个乐句本身必须要有渐强渐弱的曲线。其次，句与句之间，必须形成强弱对比。如第一乐句可以演奏得稍微弱一点儿，像是在提出间题。第二乐句，可以演奏得较第一乐句稍强，以达到回答问题的效果。当然，还有其它的处理方法，但都必须有所变化，形成前后力度和强弱的对比。:
4.重视谱面上的所有标记。弹奏莫扎特的作品不允许演奏者有太多的自由处理，而应较严格的按照谱面上的所有标记及提示进行演奏。如跳音、连音、休止等。这样，才能较准确的表达作者的意图。
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如果缺乏竞赛演奏的训练，当演奏者突然从一个封闭、熟悉的环境转移到一个开放而陌生的环境中，就可能会因不适应钢琴的键位、座椅等差异而造成感觉不适，并且面对不同的受众，表演者的紧张心情就会显现。所以，舞台演奏经验也是钢琴表演成功的关键因素。由于受到心理和生理反应的影响，演奏者在公共场合表演过程中如果缺乏舞台演奏经验会承受着巨大的压力。在一定程度上而言，舞台演奏经验是成功的关键。在表演的核心阶段，阐述作品的主要元素需要充分掌握舞台状况。而舞台经验丰富的演奏者可以很好地把握舞台演奏节奏、自由控制自身演奏状态，及时掌握自身临场发挥心理状态，可以快速调整各种不良的心理和生理反应。所以只有演奏者不断丰富经验，才能在舞台上学会应对各种舞台环境状况，并能够及时防止给舞台演奏带来的不适。
二、演奏过程中的意外状况影响演奏状态
很多演奏者因为在演奏过程中遇到意想不到的状况，往往就会导致出现大脑空白，无法进行正常的思维而影响到钢琴的演奏。在意外状况条件下，钢琴演奏者如果不能及时处理就会影响自身的演奏效果。在一定程度上说，演奏过程中的意外状况会给演奏者带来巨大的考验。例如钢琴音色的情况发生偏差，舞台与观众的噪音或评分误差等都会影响演奏者的演奏水平发挥。如果演奏者的心理素质强可以正确处理突发事件和灵活改变自身的演奏状态，而对于一些舞台经验较少的演奏者，这无疑会产生不利的影响。当他们遇到这种情况时，可能会导致他们不能进行正常思维，甚至忘记具体演奏过程，形成高度紧张的状态，而这种状况将直接影响钢琴演奏的效果。
三、提高钢琴演奏者心理素质的措施
（一）适度放松克服紧张情绪钢琴演奏中的心理紧张是由多种复杂的原因造成的，但主要的问题是心理素质方面，这将大大影响演奏者的心理活动，使演奏者在演奏过程中的思维灵活性受到心理干预，并且会影响正常的演奏活动，要提高钢琴演奏者的技术水平，演奏者应该在演出过程中应适当放松心情，保持良好的心态，避免过度紧张，明确演奏目标。在演奏过程中，只要有信心，不自我怀疑，不放弃自己，相信自己一定能创造一个好成绩就会正常发挥自身演奏水平。如果一个演奏者没有任何心理负担，集中精力进行演奏，他在演奏过程中就能表现得随心所欲，最终就可以达到美和技巧的完美统一。当然这种自信不是盲目的自信，应建立在通常的高标准严格的实践上，经过许多艺术实践锻炼，在分析的基础上，进行仔细的准备，再抱以完全客观的信心，才能真正实现演奏的理想状态。
（二）加强舞台实践经验积累
在正式演奏前，演奏者可以通过多种途径平复自己的心情，比如可以和自己的亲属和朋友加强交流和沟通。同时，演奏者必须先了解音乐厅，对于观众的数量多少，座位的位置，如果有条件的话可以及时感受钢琴的具体情况，对钢琴的距离，尤其是声反射条件和光的亮度等内环境进行适应。要适应新的钢琴，熟悉具体琴键的音色，检查键盘间距是否均匀，一旦发现问题，应立即请相关人员进行调整。通过这些经验的积累，可以有效地避免不必要的紧张和怯场，尤其是心理素质较弱的演奏者，这确实是一种有效的训练方法。演奏者在进行钢琴演奏之前需要注意心理和生理方面的准备，加强自我激励的表现，及时发挥情感的培养方法，加强舞台实践经验的积累，通过平时训练，模拟舞台表演，在具体实践中不断完善自己的心理状态，消除心理障碍，实现自我调整。
（三）帮助演奏者建立良好心理预期
指导教师应该帮助演奏者建立起良好的心理预期，要积极与演奏者进行沟通，为他们做心理辅导。心理辅导可以帮助演奏者建立良好的心理素质，让他们知道失败是在所难免的，成功需要反复的尝试和努力。一些心理素质较差的演奏者往往会在一两次的失败后就会对未来的演奏过程缺乏信心，使得他们没有信心，产生情绪障碍，从而导致演奏水平的发挥失常。对于心理素质相对较差的演奏者，指导教师必须让他们树立正确的态度，鼓励他们在不断的失败中寻找自己的信心，帮助他们建立起良好的心理预期，才能取得最后的成功。只有让演奏者养成正确的心理认知，建立良好的心理预期，才能让他们进一步提高自身的绩效水平。同时如果比赛前感到紧张，可以用深呼吸的方式减少紧张情绪，不断增加自身演奏过程中的轻松感，也可以在演奏过程中加强积极的自我心理暗示，鼓励自己放弃消极的态度。提高演奏效果的好方法就是避免紧张感的出现，演奏者要不断提醒自己冷静和勇敢，加强自我心理暗示就可以克服演奏过程中产生的恐惧和害怕。
（四）在日常训练中注重心理素质的培养
钢琴演奏者在日常训练中需要不断注重对自身心理素质的培养，通过有效的方法不断提高心理素质。训练模式需要针对不同的演奏状况进行技巧培训。在具体训练中，不仅要求演奏者针对不同的要求完成演奏效果，还可以设置一些意外情况，如突然的噪声和人群的干扰等，进而可以考验演奏者的心理调节能力。在日常训练中，演奏者可以通过调整呼吸，培养耐心，通过不断的训练，培养良好的心理素质，以实现演奏效果的提高。注重培养演奏者的良好心理状态，加强对演奏者的意志和冷静进行控制训练，培养演奏者适应环境的能力，克服不良情绪的干扰。同时由于器乐演奏会受到诸多因素的影响，所以每个演奏者必须结合自身状况找到适合自己的方法，这就要求演奏者具有丰富的知识和想象力，学会表达音乐内容，并且要学会再创造，才能更好的提高心理素质。
四、结语
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（1）钢琴即兴演奏教学内容涉及多学科的知识，属于综合学科范畴。对此，作为教师在教学过程中应强化学生的创造性思维的培养，要从多方面、多角度来锻炼学生的思维，让学生熟悉并且掌握几种伴奏音型和正确的弹奏方法，教师可以根据学生不同专业的需求，为他们提供一些适合他们的歌曲进行练习，多为他们提供展示的舞台，同时，还要鼓励学生之间多多交流，大家把自己学习过程中的问题以及自己认为比较好的学习方法说出来，大家共同讨论，共同进步，让学生不断地在实践中提升自己的钢琴即兴演奏能力。
（2）能够培养学生的创造性思维，最大限度的激发学生的潜力。钢琴即兴演奏作为一个综合性非常强的课程，不但要求学生具有敏捷的思维，充分掌握和声配备的理论知识，而且还需要学生具备灵活的手指能力，能够将自己脑海中的想法以伴奏的形式表现出来。创造性思维是推动学生钢琴即兴演奏能力培养的不竭动力，是学生的精神力量，对学生以后的发展也有着巨大的影响。培养钢琴即兴演奏能力不是一件容易的事情，学生在学习时会有一定的压力，也正是这种压力能够激发学生不断的学习与练习，激发出学生的潜力，从而提高学生的钢琴即兴演奏能力。
（3）钢琴即兴演奏应用广泛，灵活性、实用性较强。钢琴即兴演奏在实际生活中的应用是十分多的，大部分都是运用于基层的社会音乐活动中，大学生如果掌握了钢琴即兴演奏能力，在大学毕业后找工作的时候也比较容易好找工作，也可以把这个作为一种技能来当教师教学生，从而把钢琴即兴演奏技能更好的传承下去。由于钢琴即兴演奏需要学生具备各种各样的素质和能力，所以学生一定要重点培养自己的综合素质能力，提升自己的创造性思维，掌握好钢琴即兴演奏的灵活性，真正提高自己的钢琴即兴演奏能力。
2在大学的音乐钢琴教学中如何培养学生的即兴演奏能力
（1）激发学生学习钢琴即兴伴奏的兴趣。钢琴即兴伴奏需要多方面的素质能力，包括：过硬的钢琴演奏基础以及较高的音乐理论水平，快速的反应能力以及创造性思维等。因此，学校应该将钢琴即兴演奏放到与其他课程同等重要的地位，让学生充分掌握一定的钢琴即兴演奏能力。“兴趣是最好的老师，”兴趣也是推动学生深入学习的最佳动力，如果想要提升学生钢琴即兴伴奏的能力就必须要激发学生学习伴奏的兴趣，所以，作为教师在钢琴即兴伴奏教学中应该充分利用课堂时间，选择合适的教学方法，激发学生的学习兴趣，引导学生掌握一定的钢琴即兴伴奏思维方式，注重对学生创造思维的培养和提升合理，还要安排学生课后多多进行练习，使学生在不断的实践中逐步提高自己的钢琴即兴演奏能力并且养成一个良好的学习习惯。教师可以通过自己演奏或者是通过多媒体播放演奏来让学生对钢琴伴奏有一个初步的认知，同时教师还要为学生构建一定的艺术想象氛围，来强化学生学习伴奏的动力。教师作为学生的引导者，要充分扮演好自己的角色，让学生掌握好钢琴即兴演奏能力。教师要培养学生积累学习资料的习惯，让学生学会自己主动动手去学习，还要让学生在上课认真听讲，做好笔记，课后对笔记进行整理总结，使学生充分掌握好课堂上面所学的知识，对于课堂上不懂的问题，课后要积极的询问老师来解决问题，这样，既能够激发学生的学习兴趣，让学生带着问题去学习，还能够让学生掌握一定的钢琴即兴演奏能力，从而达到事半功倍的效果。
（2）加强学生音乐钢琴即兴伴奏实践练习。音乐钢琴即兴伴奏课程本身就是属于理论与实践、技能与技巧相结合的学科，学生只学习理论知识不注重实践的话，就不会掌握音乐钢琴即兴演奏的技巧，不能真正提高自己的钢琴即兴演奏能力，只有通过亲身实践才能够真正深化学生对钢琴伴奏知识与技能的认知和了解，也只有通过加强学生的钢琴即兴伴奏实践练习，才能使学生真正开发和强化自己的钢琴即兴演奏创造性思维。钢琴即兴伴奏的有效表演需要表演者有着很强的临场发挥能力。同时教师还可以充分利用课间、课外活动时间，让学生轮流进行伴奏表演，为学生提供足够多的临场发挥练习的平台，让学生之间可以相互沟通和交流自己的钢琴即兴伴奏心得，真正提高自己的钢琴即兴演奏能力。
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音乐领域中的内心听觉，越来越受到人们的关注与重视。本文从内心听觉的特征开始论述，分析内心听觉在钢琴演奏中形成的心理过程及具体表现，阐述了内心听觉在钢琴演奏中发挥的作用。本文着重论述了内心听觉如何在钢琴演奏中培养出来，揭示了内心听觉在钢琴演奏中的重要性，通过论述钢琴演奏中内心听觉的心理活动和训练方法，有助于钢琴演奏的学习者在实践中借鉴和发挥内心听觉的作用。
关键词：内心听觉；钢琴演奏；听觉意象
ABSTRACT
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关键词：钢琴，学习，问题
钢琴在音乐王国中被称为“乐器之王”，每一位钢琴演奏者都想尽自己所能，弹奏出一首又一首优美流畅的乐曲。那么，怎样能够顺利并且高质量的完成一首钢琴曲的演奏呢？这不仅要具备良好的音乐素质及优秀的演奏技巧，同时还要有正确的练琴方法。下面我就钢琴学习过程中需要注意的几个问题加以探讨。
一、准确读谱的重要性
全面而准确的读谱是钢琴演奏的基础，这个环节往往被学生忽视，通常的习惯是把谱子粗略的看看就拿来弹奏，结果直到乐曲已经练熟后仍有许多标记没有看到，导致演奏漏洞较多。怎样做到全面而准确的读谱呢？我们可以把曲谱上的符号分为三类。第一类是乐谱符号：如谱号、调号、升降记号、各种时值的音符等，足够的耐心与细心是保证把每个音符读准的基本要求。第二类是常见记号：如连线、跳音、重音、顿音等，这些符号对于音乐的分句、语气、情绪处理有重要作用。如不注意跳音的使用，会使原本轻松、欢快的语气变得呆板沉重，又如不注意连线的使用，会使原本如行云流水般的乐曲变得生硬急促。第三类是力度、速度记号和表情术语：如弱、渐强、渐慢、优美的、活泼的等，这些记号直接关系到作品的风格及音乐表现力，如果不对这些记号进行仔细研究，会使作品失去生命力。因此，在最初对作品进行视奏时就要认准这些符号，否则不仅会给学习带来不必要的麻烦，而且会造成背离作者意图的演奏。读谱除了读准各种记号、符号外，对于不同类型的作品也要根据其特性进行研究。复调作品应按声部将主题、对题、自由声部用符号表示出来，注意各声部发展的区别。对于大型作品则要根据作者在艺术上的总体构想把每个段落不同的情绪和各段之间的联系很好的把握、结合起来。所以读谱是一个看似简单实则复杂的问题，演奏者从谱中读到的东西越多，内心的音乐就越生动。
二、加强视唱训练
视唱是音乐教学中的一项重要内容，它既是声乐教学的基础，也是钢琴教学的基础，很多学生认为它与钢琴学习无关，这种看法是错误的。在钢琴演奏前要先让学生对乐谱进行视唱练习，尤其是对旋律性较强的作品更为重要。因为音乐作品的旋律不仅是由不同高度的音符组成，还有长短变化的节奏，我们只有通过视唱练习把乐谱唱熟了，才能准确而快速的弹奏作品。比如：在演奏钢琴曲《北风吹》前，如果我们能够熟练的视唱乐谱或者能够有表情的演唱这首歌曲，那么在弹奏右手旋律部分时就能变的轻松而流畅，同时作品的内在韵律感也能体现出来。因此，加强视唱训练对我们进行快速地视奏有极大的帮助。论文格式。
三、学会慢速弹奏
俗话说：“欲速则不达”。钢琴的弹奏是一项复杂的运动，其中很多技巧必须经过专门训练才能达到熟练程度，因此只有通过慢速练习才能准确、流畅、完美的演奏音乐作品。有些学生在弹奏新的乐曲时，刚开始就按照原速弹奏，结果感到很吃力，并经常出现错误和停顿，使乐曲的视奏变的支离破碎。慢练则是解决这个问题的重要办法。慢速的视奏，可以使我们有时间把正确弹奏的所有因素都想清楚，复杂的乐谱也就变的简单多了；慢速的视奏可以使所有的技巧动作做得更准确、规范，声音更到位。因此，慢速练习是我们正确弹奏的途径，是达到准确、快速、自如、流畅、完美演奏乐曲的很重要的练琴方法。
四、正确理解音乐作品
有些学生琴弹得虽然流畅，但总觉得不够完整，这是因为他们对所弹乐曲的内容与形式一知半解，这难免会影响到作品的再现。因此，在每学习一首新曲子时，我们要分析理解作品的内涵及外部表现形式。比如作品所反映的社会生活、所表达的思想感情、所塑造的音乐形象、所采取的结构形式、所运用的表现手法和风格特征等，只有这样才会为作品的二度创作打下一个良好的基础。比如在教学生弹奏钢琴曲《牧童短笛》时，应先将曲子所表现出的农家即景、田园风光加以描述，进而再将几个乐段分别加以说明。第一段要展现给听众的是：牛背上的牧童悠闲地吹着笛子，在田野里漫游的画面；第二段的快节奏则是描写牧童与老牛嬉戏玩耍的情景；第三段变化再现第一段主题音乐，可想象为夕阳西下牧童在回归的乡间小路上。只有让学生对作品深刻理解，对音乐形象准确把握，才能将理性的分析变成感性的形象并转化为美的形态，才能把作品中蕴含的作曲家的思想情感更好地再现于听众。
五、加强作品情感的传达
我们知道，音乐的特殊功能在于它情感的传达，没有感情的作品是没有感染力和生命力的。感情来自丰富多彩的现实生活，平时我们要积极的感受与体验大千世界给我们带来的自然美、现实美，从而帮助我们开拓心胸，增长审美感情。怎样在钢琴演奏中调动学生的情感呢？我认为，教师在教学过程中生动形象的讲解和富有激情的示范演奏，是学生获取艺术再创作的源泉和关键。比如：在教学生弹奏贝多芬的作品前，老师应先把作曲家的背景资料、作品的风格给学生进行讲解，然后再充满感情的范奏，这样不仅可以充分调动学生的学习兴趣，同时学生被深深感染后也能将这种情感融入到自己的演奏当中。
六、重视心理素质的调整
很多学生在回课、考试、比赛的时候比较紧张，身体僵硬，音弹得不均匀，经常出现错音、断音，甚至连背好的谱子都忘了，不能发挥正常水平。论文格式。这些学生由于心理负担过重，想取得好的成绩固然重要，但在演奏时绝不能顾虑重重，背上沉重的思想包袱，以致感情不能完全投入。怎样有效的解决这个问题呢？一是老师要注意到学生的心理障碍，边教学边启发，调整学生的情绪，唤起他们学习钢琴的兴趣，消除畏惧心理；二是学生要做好自我心理调整，要充满自信、放下包袱、轻装上阵；三是给学生增加锻炼的机会，逐步提高心理素质。另外，耐力与毅力的培养对钢琴的学习也是至关重要的。
总之，钢琴学习是一个复杂而长期的过程，不能急于求成。论文格式。我们只有掌握了正确的学琴方法，刻苦训练、日积月累，才能逐渐提高自己的钢琴演奏水平，实现心中的梦想。
钢琴演奏论文范文6
关键词：钢琴演奏；触键技巧；音色；效果钢琴音乐的发展历程以及演奏法的演变一直在影响着钢琴触键和音色的发展，不管是大键琴，还是维也纳钢琴都对钢琴的触键和音色产生了较大影响，加之，随着钢琴的制作工艺及发展原理等的发展，音乐风格以及人民的审美情趣都发生了变化，比如在法国大革命爆发之后，音乐风格便一改古典主义讴歌全人类的命运的主题，转而更加关注个人的命运，强调个人感情的抒发，新的音乐内容以及新的音乐表现形式，都在很大程度上推动了钢琴演奏中触键技巧与音色效果的变化。
1钢琴演奏中触键技巧与音色效果的关系
钢琴演奏中不同的触键方法会给人们以不同的音色效果，不同的触键力度导致音响的强弱变化，触键速度和触键角度等都影响了曲目的音质。也就是说，在整个钢琴演奏中触键技巧和音色效果之间是密切相关的，钢琴演奏者要依据钢琴曲目的不同，选择想要表达的理想音色，并通过相应的触键来实现。大部分的钢琴作品中都包含有多种不同的触键方式，每部钢琴作品会因为其创作方法的不同都采用多种不同的触键方法，而音色的效果主要是由触键方法决定，比如，演奏者在弹奏渐强部分，会使用指力触键进而自然过渡到手力、前臂、全臂，为此，演奏者的演奏训练中必须让自己手指可以随时依照音色变化的需要改变触键面积和速度，在西方浪漫主义时期的很多钢琴作品中大都需要丰富的触键变化，以获取更多的音色，需要演奏者熟练的运用各种演奏技巧。当然，对于一次成功的钢琴演奏，需要舞台表演者加强平日的钢琴演奏训练，以在舞台演出过程中，让自己沉醉在钢琴演奏中的同时感染全场的听众。
2钢琴演奏的触键方法分析
钢琴演奏的弹奏方式包括压力触键法、锤式触键法、重量弹奏法，重量弹奏法成为钢琴演奏中最重要的演奏方式，在重量弹奏法的运用中，通过对重力的科学应用，弹奏着可以以更加放松的姿态投入到钢琴演奏中，以不断提高演奏效果。然而，在钢琴演奏的发展过程中，不同的演奏者往往会依照自己的喜好不断变更钢琴演奏技巧，这就使得钢琴触键的方法也存在很多种。钢琴触键主要是依靠人的身体、胳臂、手腕、手掌以及手指的协调配合，传统的触键方法认为钢琴触键中主要是依赖于人的肌肉力量，这就导致出现了很多滥用手指的现象，因为在钢琴触键中仅仅依靠手指上的力量，是难以较好驾驭钢琴演奏的。为此，在新的钢琴触键方法中以重力为主要特征的触键方法逐渐被演奏者所接收，笔者在本文中简要介绍以下几种触键方法：
其一，高抬指弹奏法。这种演奏方式主要应用在抒情类的钢琴曲中，高起高落，最大限度地抬起手指，钢琴演奏者在演奏中应该尽量坐直，让手臂自然下垂到手腕，手指抬起并放松，右手的手指在2指弹的时候，其他手指也应该一起抬起，指关节处也应该带有弧度，在下键时，必须注意将第一指关节有弧度的弹在琴键上。高抬指弹奏法的工作幅度相对较大，不能快速弹奏，可以帮助演奏者放松手指的紧张感，但是，还必须注意手腕的平稳，用手腕移动带动手指和手掌，放松肩膀，切忌不可出现手腕上下起伏、肩膀抽抬等问题；对此，演奏者在日常的练习过程中，可以在手腕上放一个可以参照的物体。
其二，不抬指弹奏法。这种弹奏方法是钢琴演奏中最常见的弹奏方式，钢琴大师以及初学者都会在钢琴演奏中不自觉的用到，比如在演奏较为舒缓的曲目时，弹奏的手指会完全放松，即这一弹奏方式的采用。不抬指弹奏法中还可以有手指的自然反弹，即使在一些较快的钢琴曲的演奏中，也可以通过熟练的不抬指弹奏，通过手指的自然反弹，实现音与音之间的转
换。在不抬指弹奏弹琴时必须注意弹奏着的手指要自然地落在琴键上，并利用自然重力放下，通过多次联系和控制，稳定手指的力度，熟练进行力量的转换。
其三，单一高抬指练习法。所谓单一高抬指练习法是在高抬者弹奏的基础上的，演奏者将某一个弹奏的手指抬高，其他手指不离开钢琴键，自然的放在键面上，以培养手指的独立性以及整只收的协调性，但是这种弹奏方式大都只用在钢琴练习的演奏中，在钢琴演出时很少使用。
3钢琴演奏中的触键技巧
钢琴演奏要想取得较好的听众反馈，演奏者必须掌握基本的触键技巧，笔者在本文中从以下六点分析钢琴演奏的触键技巧：
（1）琶音。琶音中包含二十四个大小调琶音，主要用于练习钢琴演奏者的手指扩张和伸缩能力，控制手指准确地弹好三度以外的音。由于琶音在钢琴曲的演奏中占有很大一部分比重，所以钢琴演奏者必须加强琶音的练习。
（2）八度。八度主要分为旋律走向八度和弦走向八度，通常情况的弹奏方法又分为两种：一种是用手腕的技巧完成八度弹奏，另一种则是利用手腕与手臂结合，共同完成八度弹奏，在弹到曲目长度较长的八度旋律时，尤其需要演奏者手腕技巧，用手腕去带动手指和手掌，比如，在弹奏李斯特的匈牙利舞曲第六号时，在弹到结尾八度时，必须用手臂的利用来带动；再比如在《英雄练习曲》中的结尾处，两只手同样的八度片段，手臂和手腕应该协调使用，运用合适的跳跃，表现出创作者想要表现的音乐境界。
（3）音阶。如果一个钢琴演奏者连音阶的弹奏都会出现轻重混乱的情况，就不可能表现出钢琴作品中的感情。音阶包含有二十四个大小调音阶和半音阶，钢琴演奏者要想演奏一个曲目，就必须加强音阶练习。音阶的弹奏的关键在于，必须让所有的音弹出来之后都保持一致，不能出现声音忽轻忽重的问题，需要加强手指的控制能力和协调能力。
（4）轮指。轮指的弹法对演奏者的要求较高，经常用到的轮指有三个手指弹的，也有四个手指弹的，比如在贝多芬的《献给爱丽丝》、李斯特的《侏儒舞》中有这样的片段演奏，演奏者必须具有较高的手指灵活性，减少任何模糊音效混合在旋律中。
（5）和弦。和弦包括三和弦和七和弦，跨度由五度到十度甚至更多，要求不管是几个音的和音，在弹下去时都应该是整齐的。和弦并不等同于波浪音，因为较重的和音会是一种较为浑厚的声音，较轻的声音则更加轻巧、利落，相比其他演奏技巧，和音的演奏难度较大，但是只要演奏者加强训练，在注意琶音练习的同时加强和弦的搭配练习，肯定会取得较好的演奏效果。
（6）跳跃。跳跃分为大小跳跃，弹奏这类音乐大都是一些较为机械的动作，比如超过八度以上的大跳等，都是考验演奏者的肌肉记忆，要求演奏者在练习中形成一种稳定记忆，以便在演奏时可以更加准确的跳跃到需要的琴键上。为此，在练习过程中，练习者可以通过对弹奏力度和音色效果的反复比较，慢慢地提高演奏速度，达到完美的作品表现效果；此外，演奏者还应该注意大跳除了要求其具有一定的肌肉记忆之外，也是对其肌肉承受力的一种考验，比如在一些跳跃片段相对较长的演奏中，如果没有有效控制手臂力度，就会引发肌肉紧张，进而影响整个弹奏曲目的音色的准确性。
4钢琴演奏音色效果的处理分析
对于钢琴演奏者来说，要想让自己的弹奏感染听众就首先必须学会自己聆听欣赏自己的弹奏，合理处理钢琴演奏中的音色，以不断带给听众以美好的听觉享受。笔者在本文中从以下几方面分析影响钢琴演奏音色效果的因素，以帮助钢琴演奏者不断提高钢琴演奏效果：
（1）钢琴演奏者的心理素质与音色效果。心理协调能力是每个钢琴演奏者必备的心理素质，如果没有良好的心理素质，即使拥有再高的演奏技巧也都可能会降低演奏者的舞台演出效果，为此，钢琴演奏者的心理素质对音色效果具有重要影响。首先，良好的心理素质有利于演奏者更好的发挥自己的钢琴演奏实力，提高演奏效果。所以，在钢琴演奏的练习和正式出演时，都应该学会如何进行心理调适，放松自己心情。其次，良好的心理素质可以帮助演奏者提高对乐曲的理解能力，更好地表现出音乐创作者要表达的意境，充分挖掘音乐的本质。对于钢琴演奏来说，并没有绝对的紧张和绝对的放松，过度紧张和过度放松都会影响曲目的演奏效果，为此，演奏者一定要处理好“松中有紧、紧中有松
的尺度。在练习时就应该学会如何适应精神放松和躯体放松去调节自己的心境。
（2）钢琴演奏者的踏板与音色效果。钢琴的踏板对音色效果也具有十分重要的影响。通常情况下， 钢琴都有左右两个踏板，左边的为柔音踏板，右边的是延音踏板，延音踏板的作用是钥匙共鸣音色，如果踏板没有踩够就会出现作品音色的断断续续，降低演奏效果，相反，如果踏板踩的过多，也会使音色变得不明显，给整个演奏造成负面影响。此外，对于不同的钢琴曲目，踏板的使用也会有很大区别，比如，在贝多芬的作品中，包含有很多踏板标记，而莫扎特的钢琴曲目中则较少使用踏板；还有一些钢琴曲目的延长音踏板会较长，演奏者应该注意只踩1/2，以使整个音色饱满。在近代钢琴音乐演奏中，踏板依然是影响钢琴演奏中的音色效果的关键因素之一，为此，演奏者在日常的练习训练过程中就应该不断加强对自身能力的训练，注意演奏中的每个细节，总结每次演奏的失误和经验，以不断提高钢琴演奏的效果。
（3）钢琴演奏者的个人表现与音色效果。在一场成功地吸引听众的钢琴舞台演出中，演奏者个人的表现力对钢琴演奏音色效果至关重要。比如，钢琴演奏者在钢琴演奏中的肢体语言会不自觉的影响和感染听众，在乐句换气以及旋律强弱对比时，大都需要演奏者用自己的肢体语言区带动听众，让听众在自己的肢体语言中感受到乐曲的节奏以及情感波动。此外，钢琴演奏在个人表现时还应该注意以下两点，其一，自我身心的放松，不管是钢琴曲目活泼还是严谨，悲壮还是沉稳，都应该放松身心，不要因为过度紧张而做出一些很夸张的肢体动作，影响整个演奏的音色效果。其二， 注意处理好每个乐音。钢琴的声音是由手指、加上外在的琴键等介质共同发音的，所以声音的大小强弱都应该集中处理好每个乐音，以避免出现噪音。为此，只有通过不断的练习，掌握过硬的演奏基本技巧，才能更加娴熟的驾驭钢琴演奏。
5结语
