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现代设计史设计师总结范文1
关键词：建筑设计；地域性；文化因子；表达
年限比较长的建筑具有一定的历史意义，其可以反映出当地的历史文化，还可以体现出当地的风土民情。建筑有时像一面镜子，去可以反射出地域文化的差异性，在我国一些古建筑已经成为非物质文化遗产，从这些建筑的结构与外形可以看出设计师独具匠心的设计理念。建筑是地域文明的象征，随着现代城市发展速度的加快，一些具有历史意义的建筑遭到了拆除，其被一些风格雷同的现代建筑所取代，这对传承当地的历史文化造成了不利的影响，不同地区的建筑应该具有当地的特色，这样也可以增加辨识度，否则会引起人们的审美疲劳。
1 建筑设计中地域文化因子的概念
建筑在人们的生活中随处可见，一些具有历史价值的建筑也是人类宝贵的财富，建筑设计具有多样性与丰富性，其可以体现当地的风土文化，也可以体现出当地独特的地理环境。建筑设计的过程中，需要考虑当地的地理环境与水文环境，还要结合当地的、生活方式以及社会行为，优秀的建筑设计方案，体现了设计师的聪明才干，其具有创新的意识，这样才能避免出现设计雷同的现象。将地域文化因子引入到建筑设计中，可以体现出建筑的地域特色，也可以充分的展示出设计师才能，建筑是人类脑力与体力结合的成果，也是人类智慧的结晶。建筑的地域特色，使其更具辨识度，而且外形特异的建筑可以给人留下深刻的印象，使其成为当地的一大特色景观。
建筑还蕴含着丰富的内涵，受到当地居民思想、心理、行为潜移默化的影响，建筑可以体现出更多的地域文化因子，设计师根据人们的需求可以设计出具有特殊功能的建筑，从而满足人们对其特殊的要求。建筑设计与地域文化具有相辅相成的关系，其的推动建筑不断发展与演进的动力。建筑内涵在各自的领域中都有着与众不同的特殊性，这些特征是动态的、是发展的，用建筑的方式来展现地域文化的风采，这不仅对建筑，也是对地域文化的一次生动而又形象的完美诠释。
2 建筑设计中增加地域文化因子的作用
随着建筑行业的发展，建筑的结构与类型越来越多，施工难度也越来越大，随着人们审美的提高，建筑设计的类型也越来越偏重于现代化的风格。在有的地区，由于经济比较落后，在城市发展规划的过程中，一味的模仿发达城市的规划方案，忽视了自身地域的特色，使得我国建筑趋同现象较为严重。建筑与当地的历史文化有一定关系，在设计的过程中，可以借鉴创新的理念，引进先进的设计技术，还要多引入当地的地域文化因子，设计出具有特色的建筑方案。改革开发以来，我国建筑风格出现了较大的变化，引用了大量国外的文化与建筑风格，虽然城市的形象得到了提升，出现了焕然一新的面貌，但是却缺少了我国民族的特色，当地的地域文化受到了压制，建筑雷同的现象非常严重。
在建筑设计中加入地域文化因素，可以更好的发扬与传承当地的历史文化，还可以增加建筑的特色与个性，使外地游客更了解当地的地理信息与历史进程。地域文化是建筑设计的精髓与灵魂，具有特色的建筑也是当地文化的标志，可以成为一大旅游景点，有的年限比较长的古老建筑已经标记为我国的非物质文化遗产。我国是有着五千年灿烂文明的大国，56个民族里个个都拥有着自己独特、深厚的文化，将地域文化融入到建筑设计当中，就是一个完美的举措，优秀的建筑可以代表一个地域的精神面貌、文化内涵，将不同的地域风格，不同的历史传统，不同的民族背景用建筑设计者的大画笔可以体现的淋漓尽致。建筑设计师要保护各地方的文化遗产，设计要彰显个性，突出特点，让宝贵的地域文化依附建筑世代传承。
3 地域文化因子在建筑设计中的表达措施
3.1 找准切入点
关于地域文化建筑的切入点，顾名思义，就是要注重地域与文化。中国的文化历史源远而流长，一方水土养育一方人，不同的地方造就不同的建筑特点。随着时代的发展，社会的进步，人们对美的概念要求越来越高，处于全球一体化经济的今天，国外现代建筑的各种理论思潮、流派如洪水般的涌入，建筑设计主题也是空前的活跃。那么，如何找准地域文化建筑的切入点，如何继承并且汲取先进建筑文化的精华而又不失对原有文化的保留，这是每一个建筑设计师值得认真思考的问题。
3.2 突出重点、表达准确
地域文化在建筑设计的表达，不是对躯壳的塑造，而是注重感情的抒发。建筑设计者在对地域文化建筑的创作过程中，要将人们的价值取向、生活方式、风俗、心理需求、思维模式等因子融入到建筑构造中去，同时，对地理环境、民族风情、经济基础等方面也要进行综合、全面的分析，注意环境问题和生态问题，从根本上、深层次找到建筑灵感，从而创建新的思路。地域文化建筑的特点就是民族、民间特色性，过于注重表面形式而忽略建筑内涵和地域文化的设计是没有生命力的，也是经不起时间考验的。建筑设计师不能随波逐流，不要只会复制和粘贴，民间文化是一切艺术之根本，每个地区和每个民族都要形象化、现实化的表现建筑艺术，创造出与地域文化相结合，反映地域特色的建筑。
3.3 总结经验，选学得当
建筑设计者就像一位优秀的裁缝和艺术家，可以将人们所想、所看、所表达的用形状建筑体现出来。所以，每一件有关地域文化的建筑作品都要细细斟酌、尽善尽美，要充分考虑与环境的相融合，尊重当地的地理特征和生态环境，灵活地运用当地的地方性材料，因地制宜，就地取材，适应当地的文化特征，总结以往建筑经验，搜集民间特色信息，使得地域文化在建筑设计中得以充分释放与发扬。
结束语
在建筑设计中加入地域文化因子，可以起到传承与发扬当地文化的作用。建筑设计的质量与设计师的素质与水平有很大关系，建筑的构思来源于生活，设计师需要结合当地的地理信息、气候条件以及当地居民的需求进行综合设计，地域文化是建筑设计的核心与基础，随着建筑行业的发展，建筑单位引进了大量外国先进的理念，在应用的过程中，要取其精华去其糟粕，还要注意弘扬我国的历史文化，使建筑体现出地域特色，这样才能真正提升我国建筑设计的质量。
参考文献
[1]解运利.论传统建筑对现代建筑设计的影响与借鉴[J].才智，2011（09）.
现代设计史设计师总结范文2
菲利普・约翰逊是个极端敏感、非常智慧的学者，他在担任现代艺术博物馆建筑与设计部的主任职务之后，和阿尔佛列德・巴尔(Alfred H.Barr，历史学家，纽约现代艺术博物馆第一任馆长)、理论家亨利一卢梭・希区柯克(Henrv-Rusell Hitchcock)到欧洲对现代设计做了一次详尽的考察，深感现代设计是未来文明的核心，因此策划了第一个大型展览，就是1932年在纽约现代艺术博物馆举办的“国际主义风格：1922年以来的建筑”展，第一次向美国民众展出了勒・柯布西埃(Le Corbusier)、沃尔特・格罗比乌斯(Walter Gropius)、密斯・凡德洛(Mies van der Robe)这些大师的建筑和产品设计，也同时展出了美国设计家佛兰克，莱特(Frank Llyod Wright)的设计作品。约翰逊和希区柯克合作撰写的这个展览的手册中，第一次提出了现代建筑的主题和特征，他总结出三个基本的原则：1，空间重于实体(volume over mass)：2，不沿用对称方式，3，反对设计中使用装饰；这三点后来在建筑、设计上被广泛的沿用。而这个手册，也成了现代设计的经典文献。
这个展览促成了纽约现代艺术博物馆对设计作品的收藏，在上面提到的这个展览结束的时候，现代艺术博物馆开始第一次的收藏，目的是旨在收藏有影响力的建筑设计作品――包括设计图、照片、模型，设计作品――包括平面作品、应用艺术作品(applied art)，当时提出的是相互关联的艺术作品(jnterdependent arts)，所谓相互关联的艺术作品，其实就是指系列设计作品，比如一个家居的整体室内用品，包括家具、台灯、室内装饰品系列，有时候还包括窗帘、地毯、挂毯这些纺织品在内。1932年现代艺术博物馆在菲利普・约翰逊的指导下，一次性收藏了28,000件设计作品，是全世界单一收藏量最大的设计作品集。这批收藏的依据是从19世纪中叶开始以来，到20世纪30年代为止的最具有影响力的设计师、建筑家的作品，这些被收藏的设计师，是当时在设计史上的地位得到了确定的一批人物。其中“工艺美术运动”(the Arts and Crafts)运动、“新艺术”运动(Art Nouveau)和“装饰主义”运动(Art Deco)的作品最多，这28,000件作品中包括家具、日用品、餐具、工具、纺织品，也有一些比较大的作品，比如汽车中的跑车就收藏了好几种，甚至还收藏了一架早期的直升飞机。至于建筑类的收藏，则主要是模型、手稿、建筑设计图、摄影等。德国建筑家密斯・凡德洛1932年前的全部设计资料都在这个收藏中。平面设计作品收藏特别多，大量的书籍、海报、广告册页，数量庞大。
从现代艺术博物馆的这个设计收藏，可以看出理论力量在收藏中的重要性，因为这部分收藏在当年基本上都是当代作品，如果没有设计史上的定位，博物馆是无法找到收藏的依据的。
现代设计作品的范畴虽然很大，但是如果从历史发展来看，还是有准确的收藏对象的。以家具设计为例，阶段的划分和具体的设计师都很确定：工艺美术运动(the Arts and Crafts)、新艺术运动(Art Nouveau)的作品现在都非常稀缺，藏一件是一件。我这些年经常看艺术交易会在美国不少城市会每年举行一次，一般叫做art show，或者商业一点，叫做art expo，很注意设计产品的拍卖情况，工艺美术运动、新艺术运动、Art Deco的产品偶有出现，价格都相当不错。作品少，保存状况一般比较良好，专业的收藏家喜欢，博物馆也喜欢。
从1932年纽约现代艺术博物馆的收藏开始，美国和西方不少艺术博物馆都建立了设计部，收藏设计产品，收藏的范围也逐渐扩大，包括现代各个时代的重要作品，比如荷兰“风格派”(de Stijl)，维也纳工作同盟(Wiener Werkstate)、维也纳“分离派”(Viena Secession)、德国包豪斯都是收藏的对象，包豪斯的马谢・布鲁尔(Marcel Breuer)、玛丽安・布朗特(Marianne Brandt)的作品最受青睐：而美国流线型风格时期的设计作品也很热络。20世纪50年代前后，采用蒸汽定型技术的夹板家具涌现，也立即成了收藏的新对象，查尔斯・伊姆斯夫妇(Charles and Ray Eames)、保罗・麦克伯(Paul McCobb)、佛罗伦斯・诺尔(FIorence Knoll)、哈里・贝尔托亚(Harry Bertoia)、埃罗・萨里宁(Eero Saarinen)、哈维・普罗博(Harvey Probber)、弗拉基米尔・卡冈(Vladamir Kagan)、芬恩・祖尔(Finn Juhl)、阿尼‘雅克布森(Arne Jacobsen)的家具作品全部成为收藏对象，在各个大博物馆中都可以看见。
20世纪70、80年代的后现代主义设计也很快成为经典，意大利重要的设计集团“孟菲斯”的作品，特别是艾托尔・索扎斯(Ettore Sottsass)的设计，格外受到收藏家和博物馆的关注。我是在1989年见到索扎斯的，那时候纽约现代艺术博物馆已经收藏他设计的家具和陶瓷作品了，连他设计的奥利维蒂打字机也是收藏的对象，我问他的感受，他笑笑说：一个人还活着就进了博物馆，多好的感觉啊!因为设计是生活用品，因而收藏的对象永远都是身边的用品，有些时候觉得真是垂手可得。在美国，我看见过有专门收藏苹果电脑古董的收藏家。我自己在1990年前后曾经有一部早期的苹果电脑，后来用坏了，又搬了几次家，也不知道扔到哪里去了，若保留到现在，大概也是经典作品。
设计产品的数量比较大，界定什么是值得收藏的，什么不值得收藏，这个度的把握不容易。我的看法是，大凡进了设计史的基本都有收藏价值，因为那些作品总是或多或少的在设计发展过程中起到过重要的影响作用的，有历史的价值，设计的价值。翻翻设计史，从19世纪中期到现在，来来去去，大概有500多个重要的设计家，他们的作品我看都有一定的收藏价值。
有些人以为只有过去的设计家的作品才有增值的空间，从我自己观察的情况来看，倒不尽然，一些现在还很活跃的设计师，比如马克・纽逊(Marc Newson)，朗・阿拉德(Ron Arad)、菲 利普・斯塔克(Philip Starck)这样的明星设计师，他们早期的设计品被收藏后增价数十倍，价格远远超越了一般设计产品。
有人会问：设计收藏的对象应该有些什么界定的标准呢?我想，首先可以参考博物馆级别的收藏标准。前面提到过的纽约现代艺术博物馆，其收藏标准是对设计发展有影响意义的作品，并且是设计史论上确认的重要设计师的作品。这个提法，也实在很靠谱，是因为设计史是比较固定的，设计理论的形成和阐述并不太受商业的影响，因而，从设计史来确定对象，比较可靠。设计史的定位，不仅仅局限在过去的设计作品，也包括了具有历史意义的当代作品。一些重要的当代设计师，他们的一些设计作品，在设计史上是具有里程碑的意义的，因此也都进入收藏的范畴。比如德国的康斯坦丁・格里克(Konstantin G rcic)、意大利的乔凡诺尼(Stefano Giovannoni)、美国的约纳森・艾佛(Johathan Ive，苹果电脑总设计师)等。
什么样的日用品具有收藏的价值呢?我认为首先是限量产品，如果是持续批量生产，是难以成为收藏对象的。其次是作品本身具有比较强烈的艺术倾向，这一点，可以从英国设计家阿拉德的作品中看得比较清楚。朗・阿拉德(Ron Arad)是现代设计中一个很有分量的设计师，他的作品都有一种克制的雕塑感，因此，不但是用具，同时也是艺术品。把握艺术和设计之间的这个“度”，并不容易，很多人要炫，作品缺少了使用功能，难以普及，是一个过度艺术的倾向；也有人过于从理性着手，却失去了作品的个性特征，也难以成为经典，这个度的把握，是成功的关键。阿拉德的作品在这一点的把握上就比较精准，比如他设计的Tom-vac椅子，就好像流动的雕塑一样。他的作品已经引起国际收藏界的注意，巴黎蓬皮杜艺术中心、纽约现代艺术博物馆曾先后举办过他的《无规则》(No Discipline，2009)设计作品展，他的作品还在东京做过专题展出。连展览的场地也设计的相当独特――看上去像是由两个扭曲的不锈钢大环组合成的建筑结构。“No Discipline”展出了他所有独特并具标志性的作品，很多是他在ONE-OFF工作室里创作出的作品。因为每一件展品都是手工制作的，因而作品具有独一无二的特点，这样就造成作品的收藏价值。这里展出了他的1992年设计的“Narrow Pappardelle”――把用整片金属弯曲加工后制成的躺椅。显示了阿拉德造型控制力和对材料掌握技巧之娴熟。阿拉德的作品优雅、流畅，他手工着色的作品“新奥尔良椅”，还有用弯曲的焊接钢铁和碳素纤维制作成的沙发椅“BigEasy”；由盒子演变成的椅子“四个乐章的盒子”(Box in Four Movement)都很独特，而他的新设计作品“奇偶球”(Eyen the Odd Bails)是用两把由数百个闪闪发光的小圆球组成的巨型椅子。每把椅子上有200个圆洞和球形，正负对称、均匀统一。一把椅子上的凸出的球形对应另外一把椅子上凹入的圆洞，互相呼应。这样的产品设计，有如雕塑作品，然而确实有坐椅的功能，出来之后就是收藏对象了。阿拉德一直非常追求形状、结构、技术和材料(Form，Structure，Technology and Materials)的统一以及各自的展示，他在设计中亦努力地做到了这一点。
我们看看纽约现代艺术博物馆设计部的展览，大概就可以知道收藏走向了。他们的展览中，建筑设计占了一个很重要的比例，汽车设计占了另外一个比较大的部分，密斯・凡・德洛、阿尔瓦・阿尔托，阿奇尔・卡斯利奥尼(Achille Castiglioni)等大师的设计也占了很大一部分。这些都是经由设计史来确定位置的作品。在探索新的方向上，现代艺术博物馆比较小心，他们举办过名为“当代设计上的材料突变”(Mutant Materials in Contemporary Design)的展览，还有一个叫做“当代荷兰设计”(Contemporary Design from the Netherlands)的展览，都有很强力的设计依据和实力的支撑，不是简单的鼓吹或炒作可以做得到的。细心地观看这两个展览的作品，可以清楚地体会到策划的道理和依据所在。当然，纽约现代艺术博物馆的功力很强，不是一股博物馆可以做到的。
现代设计史设计师总结范文3
【关键词】中国概念;时尚;传统文化
在当今中国社会,设计受到了从所未有的重视。作为设计师,我们不仅获得了巨大的机遇,同时也肩负着特殊的越来越重的责任。关于设计问题的思考是我们设计师们不容忽视的问题。设计是应人和社会的需求而产生,最简单的关于设计的定义、就是一种“有目地的创作行为”。而设计中的当代设计,也叫现代设计,是上世纪30年代包豪斯运动以来,在欧美后来扩展到全世界的建筑设计,工业设计,环境艺术设计,展示设计,动画设计等设计方向。我国当代设计现状是学习外国。将来的主要趋势有两种: 1,继续学习外国。 2,独立自主。
设计服务于人,而人的基本生活不外乎“衣食住行”。“衣”作为基本生活中首要部分。毫无疑问,产生服装设计这一设计行业也是必然。服装设计是当今世界上潮流改变最快的设计行业之一。服装设计这门十分特殊的职业,既强调艺术性,又强调实用性和商业性,不是纯理论研究,不是孤芳自赏式的艺术创造,而是想象力、实用性、市场化的综合。其中中国服装设计概念的出现是在20世纪80年代,真正崛起则是在20世纪90年代初期。恰恰在此时,中国纺织报创立了有关服装的版面,尽管涉及面相对不宽泛,但已成为在此时期开始腾飞的中国服装业的喉舌。也是在此时,对于中国服装设计界来讲,时装设计师只是一个名词,还没有明确的职业内涵。在1993年之前,中国甚至没有真正意义上的时装设计师,只有裁缝。随着国内市场风云变幻,国际思潮层出涌现,中国时装设计师群体开始分为两类,一类追求纯艺术化,离市场很远;一类纯商业化,湮没于市场中。在设计师徘徊期间,服装产业却如飞发展,如今企业已达近6万家。由于企业设计人才稀缺,多数设计师开始转轨,服务于企业,时装设计师队伍不断壮大,注册设计师增加到1100多人。
从经济的发展和产业的国际化促进了国内市场的繁荣和时装专业教育的发展,随着国际时装概念和市场经验的引入,1993年至1997年时装设计师群体规模迅速扩大。此时的时装设计师虽然还是一个缺乏职业内涵的、自由松散的群体,但已初步形成了职业概念和职业表象。然后从1998年至现在衣着消费的成衣化和时尚化促进了服装企业的品牌经营,为时装设计师提供专业技能、道德规范等职业内涵得到检验和充实,时装设计师群体的职业素质迅速提高。今天,随着服装业的发展和时尚产业的兴起,时装设计师已经成为外延广泛而又内涵充实的社会职业,而服装设计则成为年轻人向往的职业。从世界范围看,时装设计师经历了手工业、生产和贸易从属、品牌化的职业演变过程。从裁缝手工艺和工业化初期从属于生产部门的成衣设计,发展到服务于流通部门的衣着商品设计和工业化后期的设计师品牌化,时装设计师的职业内涵随着工业化和信息化的进程不断发展演变。目前中国的服装业正由加工贸易向品牌经营转型,在国际市场上我们是一个加工业头号大国,但品牌还没有走向国际。我国的营销网络、营销手段、设计、市场衔接方面和国际水平上有差距。设计上的差距,市场营销经验的不足比较明显。
回顾这20年,服装业依然是全球化程度最高的产业之一,而我国服装业的现状却着实令我们尴尬甚至无奈。在纺织服装的产业链中,国外企业控制了上游的织造开发及下游的服装设计,在市场上形成了强有力的品牌效应。打造品牌的理念一经提出,服装设计作为产业链的关键一环就被提到了前所未有的高度。我们社会的变革反映到服装产业中,可以归结为产业的转型与市场的转型。这个过程本身就为我们创造了很多的机遇。面对"两个转型"为我们带来的发展空间,作为设计师怎样才能迅速跟上去呢?首先,要树立服务意识,强化职业道德。设计师要用自己的内心感受来表现客观对象,而不是一味表现自我。每个设计师都应该找到自己的服务对象,了解他们的需求,然后用对艺术的理解和内心感受来满足他们的需求。服装设计师在不同文化间的相互碰撞与照映下,要会在某种程度上比静态条件下更能延续自身更能强烈地激发起传承传统的迫切感。也由于不同文化体系的相互激荡,不断地提示着我们在面对着西方现代文艺思潮的强势浸入,现在很多中国的本土服装企业,从品牌命名到宣传推广,都喜欢把自己包装成国外的品牌来运作经营,这已经成为服装业界一种普遍的现象。面对这样的境况我们应注重现代创新服装设计将传统文化内涵根植于设计艺术语言之中,用当代的知识体系重建传统意识、重新观照传统和弘扬传统,构建中国现代设计服装语言――(中国概念)。
中国概念,不是一时的流行,而是中国服装设计师、品牌、产业存在和发展的根基。
在中国服装行业,将影响向世界时尚领域蔓延的努力从来也不曾停止。但是,我们是否做出了能代表中华民族的服装?是否做出了能代表中国的品牌?是否真的在世界时尚领域占有一席之地?面对这些问题,我们底气不足。因为没有“民族的”,所以我们无法成为“世界的”。因此,我们必须花更大力气去挖掘“民族的”。于是,我们听到了 “中国概念”这样的字眼。
“中国概念”,既有中国也含世界,既有历史也含当代。这已经得到中国服装行业的普遍认可。“中国概念”的内涵可以总结为“一个中心两个基本点”。
一个中心是指以中国的“神”为中心。
白领总设计师付奎:“对中国概念的(下转第100页)(上接第99页)理解,我也认为神似更重要,不在乎具体引用的是什么。”
两个基本点则包括中国的历史、现代与国际时尚流行趋势两个方面。
欧迪芬集团董事长王文宗:“我们常常把中国概念低估了,简单化了。中国有几千年的历史,56个民族,不是那么容易提炼总结的。而且提炼后还要结合当代国际时尚进行再创造。”
著名设计师计文波:“中国概念不能停留在形式上,应该切入到生活中、切入到社会中去,为人所用。中国概念要思考:怎么在原有文化、现代文化的基础上去挖掘,去变成现在的实用?”
中国概念,并非一个公益概念,而是一个商业概念。所以,对于设计师和品牌企业来说,空有热情是绝对不行的,必须踏踏实实地站在有消费者需求的市场土地上。
当中国概念不再局限于设计一个层面,那么在操作的过程中,我们也就必须从整体着眼。毕竟,设计是要服从于一个品牌的,而品牌也要服从于一个产业。中国概念应该渗透到产业、品牌的整体规划中。
Caravaggi:“中国概念应该是一个从理念到模式的建立的过程,是理性与感性的完美结合,其次才是具体产品的深化设计。”
总之,我们今天提出中国概念,做中国概念,绝对不是为了寻求一时的流行,不是让中国甚至世界刮起一股中国风,彰显中国一时的威风;而是从产业发展、企业发展的长远去考虑,为中国服装品牌、中国服装产业寻找自己的根基和特色。所以,除了坚持,还是坚持。
服装是时代的一面镜子,服装设计作为大视觉艺术中实用艺术的重要组成部分,不仅涉及政治、经济、社会形态、地域、民俗等文化因素,同时也蕴涵着强烈的审美因素,永远会受到人们和社会的关注。
参考文献
[1] 杜鹏《关于设计实践的思考》
现代设计史设计师总结范文4
设计一词来源于英文"design"，包括很广的设计范围和门类建筑：工业、环艺、装潢、展示、服装、平面设计等等,而平面设计现在的名称在平常的表述中却很为难，因为现在学科之间的交壑更广更深，传统的定义，例如现行的叫法“平面设计”（graphicsdesign）视觉传达设计、装潢设计……，这也许与平面设计的特点有很大的关系，因为设计无所不在、平面设计无所不在，从范围来讲用来印刷的都和平面设计有关，从功能来讲“对视觉通过人自身进行调节达到某种程度的行为”，称之为视觉传达，即用视觉语言进行传递信息和表达观点，而装潢设计或装潢艺术设计则被公认为极不准确的名称，带有片面性。现在，在了解了对平面设计范围和内涵的情况下，我们再来看看平面设计的分类，如形象系统设计、字体设计、书籍装帧设计、型录样本设计、DM杂志设计、新闻报刊设计、包装设计、海报/招贴设计……可以这样说有多少种需要就有多少种设计。另外，商业设计与艺术设计很显然是存在的。设计是有目的的策划，平面设计是这些策划将要采取的形式之一，在平面设计中你需要用视觉元素来传播你的设想和计划，用文字和图形把信息传达给观众，让人们通过这些视觉元素了解你的设想和计划，这才是我们设计的定义。从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、民族文化的发展，要想经久不衰，就要勇于各种文化之间相互碰撞，相互借鉴，相互吸收。无论是从我国早期华夏文化的萌芽还是直至达到汉唐文化的顶峰，还是盛唐文化受到外来文化冲击的影响而发扬光大。无不表明，只有勇于学习外来文化，才能博采众长，只有继承交融才能最终成为自己文化的主人。在我国，平面设计历史悠久；战国时的“矛与盾”口头广告—“韩非子”中所论述的“悬帜甚高”中的“望子”；两宋时期伴随着印刷雕版而产生发展的“传单”等，都可以看作是平面设计的雏形，是我国广告历史久远的例证。但是，平面设计真正成为一种专业性活动并发挥其巨大作用却是由于资本主义社会的大生产才开始的，在这个层面上讲，我国的平面设计艺术可以说是引进西方的。西方设计已经有了百余年的发展历史的，而在中国，真正意义上的设计发展只有不到二十年的时间，随着全球一体化进程的跟进，众多外来西方艺术设计家来中国的发展在一定程度上极大地强化了中国设计师的竞争意识，参与国际平面设计竞争和交流已经是家常便饭，中国设计师在国际设计大赛中获奖也已经不是凤毛麟角的事情了。中西文化的交融碰撞使多元化的国际并存思想已经深深地融入中国设计师的作品意境中，这是中国平面设计事业成熟的表现。然而，正是由于西方文化的渗入，中国现代设计中充满了受西方平面设计思想影响的视觉语言，甚至出现了充满浓郁西方特色的符号，在“国际设计风格”潮流之后，如何开创多元化的设计潮流成为新一代设计师们所面临的共同课题。这必须建立在对传统文化表现方式充分理解的基础上，对传统的元素加以改造、提炼和运用，使现代设计在富有现代特色的基础上充满历史色彩。
2、中国传统工艺美术与现代平面设计融合的必然趋势
当代中国发展日新月异,中国制造已经成为中国创造,传统工艺美术发展的路线始终要遵循市场规律和生活发展的需要。现代设计需要民间艺术来充实和丰富其底蕴，同时又要创新，使设计作品既有民族感，又兼具现代感。经济已步入全球化时代，时尚也不例外。当中国经济在世界经济中发挥的作用愈加重要时，一向引领风气之先的时尚领域更是融入了越来越多的中国文化元素。时尚界从来不放弃对任何一种可能带来话题、吸引眼球的灵感。民间的东西质朴而贯穿着浓浓的生活气息，既给设计的想象带来巨大张力，也容易带来心理认同。因此，作为设计师必须掌握中国传统工艺美术与现代平面设计的融合。在这个多元化的时代，既要前卫、时尚的元素，也不能我国优秀的传统元素。中国是世界不可分割的关键部分，同是中国也不能离开世界这个大家庭。中国文化是东方文化的代表，是一处独特景观和宝贵财富，它内涵丰富、题材广泛、流传久远、形式多样，是外来文化难以汲取和替代的，在世界艺术的宝库中，它以它那独特的东方文化魅力正吸引着众多外来文化前来交汇、融合。因此，我们应取民族的文化的精华、去其糟粕，使中国优秀的传统文化艺术在现代设计中得以保留发展，在与外来文化的冲击交汇中打造新的民族形式，将中国传统文化的精粹用现代化国际化语言表达出来，把代表中国精神符号的传统元素融入现代设计之中，让民族的文化精神和世界的设计语言两条小溪共同汇成一条不会干涸的大河，共同融汇成现代设计艺术的主流，以此，让世界了解中国，让中国走向世界。随着时代的发展与人们生活水平的不断提高，人们的审美要求也变得越发“苛刻”了，因此，要避免人们审美疲劳现象的出现，也为了吸引到人们关注的眼光，设计师的设计理念就需要体现其独具一格的特点，也只有拥有独特风格的平面设计才能够在这个竞争激烈的设计市场中获得生存与发展的机会。放眼现今的平面设计市场，平面设计表现形式的创意更新不断冲击着人们的眼球，使人们在感受到其中的设计内涵的同时饱尝一顿设计大餐。在这个不断变化的设计时代中，成功的平面设计就需要在这种竞争激烈的形势下，拥有一枝独秀的平面设计创意并逐渐形成大众所能接受的独特风格。在实际的日常生活中，丰富多样的中国传统工艺美术，为平面设计创意提供了思想源泉，可以说，离开了传统文化的平面设计就如同无源之水、无本之木。
3、中国传统工艺美术与现代平面设计的融合方式
传统文化和现代设计的完美融合,不是简单的照搬照抄,好的设计应着重于人与人、人与空间和人与自然的融合上,再对传统的东西进行再创造。这种再创造是在对传统文化理解的基础上,加以现代的审美观念对传统的一些元素加以改造、提炼和运用,使其富有鲜明的时代特征。或者用传统的造型方法与表现形式来表达现代设计理念,同时也彰显了民族个性。现代设计师将中国传统的平面艺术和造型艺术与现代平面设计文化的结合,不仅传承了中华传统的艺术精神,更推动了中国传统艺术走向世界的进程。设计师们只有深入了解千年沉积下来的民族文化瑰宝后,才能充分改造提炼和运用传统的元素,从而更好的利用它。而如何利用传统的造型艺术和平面艺术特点来表现现代商业社会的时代潮流,如何在新的信息时代推动传统艺术的更进一步的发展并赋予它更新的生命力和艺术活力,并创造新的富有特点的中国现代平面设计理念,是摆在设计师眼前的一个具有挑战性的问题。大众普遍认为的中国传统文化元素应用于现代设计的普遍方式有以下四种：“意识”的承前与启后、“形态”的变化与继承、“色彩”的感悟与升华、“质感”的传承与锻造。（1）“意识”的承前与启后儒、道两家的哲学观点对中国古代文化及东方文明发生过重大影响并持续至今，兼收并蓄的历史传承与自然无为的思想观点深入人心。产品的形态、色彩、功能无不追求“天人合一”的至高思想境界，强调与自然的完美和谐统一。（2）“形态”的变化与继承形态伴随着古代文化的历史沿革，在不同时代有其特定用途，从盛物的器皿到祭祀的圣物，形态结合了当地的文化特点并被赋予了特定的历史含义。古代人认为天圆地方，所以方与圆元素在众多钟鼎、器皿中交相呼应。在现代产品设计的理念中，根据产品的功能特性，通过科学合理的设计充分表达出产品的功能定位与美学思想，这是现代产品设计对传统精神的深度创造，这种创造是以设计者对现代审美观念与传统造型手法完美结合、提炼、运用的呈现，并使得现代产品富有时代与民族文化特色。（3）“色彩”的感悟与升华人类在完善自身进化的同时，也在不断的认识物质世界，人们对美的追求和向往，促使了色彩的产生和广泛应用，从而创造了一个人类感知的精神世界，中国古代色彩观从崇尚单色运用再到五色体系，包含了阴阳、五行、中庸、感悟的精神内涵，理想主义成分充斥其中，在精神层面意象传神“随类赋彩”。在现代社会的产品色彩应用中起到了深远的影响。（4）“质感”的传承与锻造中国造物历史源远流长，随着生产力的发展和生活领域的开拓，创造出的器皿品类众多，功能愈加完善。从原始石器的简单到陶器的粗放，再到瓷器的细腻通透、金属器皿的独具匠心，无不体现着中华民族悠久历史文化的灿烂辉煌。随着现代科学技术的不断创新和发展，现代社会的产品生产不仅要满足其使用功能，更多关注的是其思想与意境的传达，只有深入领悟传统历史文化，才能将传统与现代完美结合，创造出更加契合现代人类社会需求的艺术产品。
4、总结
现代设计史设计师总结范文5
关键词：民族传统图形；现代艺术设计；世界性
中华民族有着几千年的文化传统，有着属于自身的历史、文化和图形，以及对各种图形的不同理解。它所体现出的民族特征与文化习性，正是该民族在几千年的历史长河中不断发展变化中发育成长，并最终形成为具有本民族特征的文化心理结构及其外在表现——该民族的传统图形。这是属于本民族传统的东西，虽然在不同的时代表现出不同的局限性和保守性，需要在与外来文化相碰撞中，只有在碰撞中变革和发展，才能形成本民族文化和图形内在生命力。现代艺术设计和现代产业紧密的联系在一起，既是对经济的支撑，又是对文化的反映。现代产业要想和中国传统文化融为一体，就必然要产品的设计打上中国传统文化的烙印，这是文化发展的必然。所以研究中国民族传统图形，并在现代艺术设计中加以应用是我们急需解决的问题。
1 图形的民族性与现代艺术设计的世界性的矛盾分析
图形的原始形式，可以追溯到早在洪荒的旧石器时代，人类的祖先就开始用树枝或石头在他们居住的洞穴岩壁上作画。这不仅仅是记事的需要，也是他们相互交流传递信息的一种方式。这些图形就是早前人类在生产劳动和社会生活中进行信息传递的媒介，这就是现代图形的原始雏形。不同地域、族群对图形的理解和认识有其不同的特点，所形成的艺术上的特征也是不一样的，这是由各民族的地理情况、生活状况、文化背景、风俗习惯多种因素决定的，反应出该民族的审美思想和审美需要，总的来讲源于本民族的社会经济基础生活。图形的民族性不在于艺术作品中是否具有民族特征的图形，不是简单描写民族图案、服饰和风俗，而在于能不能体现了民族精神、是否用民族精神去表现事物（即能不能反映本民族图形文化特征）。现代艺术设计是一门综合性的学科，讲究现代技术和传统图形的综合运用，达到具有国际化的特点，在视觉上也就是综合现代科学技术把民族传统图形提炼出来，加以艺术化处理，以形成一种特殊的符号效果。“民族传统图形”给予工业结构、工业构造、机构部件以美学价值。当今世界是一个多元化的世界，图形的民族性、世界性正日益受到人们的重视，在世界的设计舞台上发掘民族图形的特性，用民族图形独特的艺术语言为现代艺术设计服务。由于受诸多方面的影像，当前我国现代艺术设计与欧美发达国家相比，在某些方面依然有着一定的差距。我国的现代艺术设计在借鉴那些优秀设计的同时，应注重对本民族优秀传统文化的学习。因此，如何把我国民族传统图形运用到现代艺术设计中，这是我国现代艺术设计发展的必然思考。
2 现代艺术设计对民族传统图形的延续和发展
（1）对民族传统图形的继承和革新是促进现代艺术发展的重要因素。继承性是艺术的发展是有其内在需求，这种继承性，是前代艺术对后代艺术的巨大影像和感染，以及后代艺术对前代艺术的积极成果的传承和保留。反映着不同历史时期的社会意识形态和审美观念的延续性和革新性。正如马克思所说：人们自己创造自己的历史，进而来改变历史，传承历史。同样，艺术设计也在以延续历史的轨迹发展着。现代艺术设计对民族传统图形的延续和发展会随着时间和特点环境的变化而变化，这是艺术自身发展的一个普遍规律。
（2）民族传统图形和现代艺术设计辩证统一的，正如画家吴冠中所说“风筝不断线”，形象地说明了艺术必须立足于本民族的土壤，用本民族人民喜闻乐见的、容易接受的方式来进行艺术创造。同时我们也看到，艺术本身是无国界的，其民族和国家的优秀文化和艺术成果，既是其本民族的也是世界的，因而现代艺术设计也是对民族传统图形的传播和发展。东西方各民族很早就已经开始了文化艺术交流，历史上著名的“丝绸之路”，不仅是横贯中西的贸易之路，而且也是中外文化艺术交往的通道，图形作为艺术的语言在相互交流传播着。
（3）民族传统图形在现代艺术设计的应用，既是建立在批判的继承原则基础上，还要坚持在艺术的思想内容、表现形式、设计语言、创造手法等方面的塑造，不断的适应不同阶段不同时期人们对于在现代艺术设计中民族传统图形的发展需求。在现代艺术设计中图形成为各民族间交流的语言，这些我们可以通过一些标志、招贴广告以及产品的符号中不难看出。民族传统图形在现代艺术设计中的寓意，超越了图片的画面范围，其不仅仅局限在设计作品的形态和结构元素上了，而是上升到图片所反映的民族内涵和民族精神。
纵观历史，在现代艺术设计发展的历史长河中，继承、借鉴是手段，创新是目的。人类的民族传统图形正是在艺术潮流中不断更迭、不断的发展、不断的创新。
3 民族传统图形如何走向世界
在信息交流快捷频繁的今天，封闭发展已不可能，生活方式趋同、价值观趋同、审美趣味趋同，因而艺术创作受到国际化的影响也是难以避免的。但是，在任何时代，本土文化都是在国际交流中发展的，民族性与本土文化在世界交流中不断生成新的内容，带有本时代的新特点，本土文化和艺术并不在历史中凝固，而总是在当下的时代中演变延续，形成人类文明和民族艺术生生不息的脉络。由此可以得出，民族传统图形与现代艺术设计的接轨应该是在合理的利用现代科学技术的同时，保持、弘扬民族传统图形文化精神。不难看出，在众多优秀的设计当中，都或多或少的留下了本民族文化图形的痕迹。
如何在现代艺术设计中将中国民族传统图形运用到来，不是简简单单的将民族图形的某些元素套用到现实设计中去，也不是简单将民族服饰、美食和风俗简单的堆积到设计作品中，更不是对图形的拼凑，而在于是否表现了民族精神、是否用民族精神去提炼图形引领现代艺术设计。 这不仅依赖当代的科学技术水平，还必须依赖设计师丰富的想象力和随之产生的创作灵感。在当今国际化的设计背景下，后者更能够帮助设计师取得胜利。一旦明了了民族传统图形和现代艺术设计的真实关系，设计师在进行艺术创作的时候，也就有了更广阔、更明确的创作思维空间。
现代设计史设计师总结范文6
我国是一个具有上下五千年悠久历史的文化古国，虽然时代一直在发展在进步，但传统文化一直深深刻画在其中。所以将地域文化元素应用到园林景观设计之中，有利于加强园林景观设计中的人文情怀和艺术情感，并充分体现我国优秀的传统文化，这既是对中国传统文化的传承，又是对现代人们的激励。
1 地域文化与园林景观设计的关系
二者之间的关系主要总结为以下2点：①园林景观设计有助于促进地域文化的进步和发展。园林景观设计能够彰显出独特而强大的表现力，展现着人们的生活方式和思维方式，扩展了地域文化发展的空间。设计师们能够融合现代文化理念与地域文化元素，让园林景观呈现出具有时代性和历史感的地域文化特色。通过这个方法吸引更多的游客，以园林景观为了解地域文化的切入点，进而让人们感受到地域文化独树一帜的特色和魅力，并以此为基础展开对地域文化的研究，促进其可持续发展。②地域文化为园林景观设计提供重要素材。园林景观设计这门学科中包含了人文艺术科学以及自然科学，主要的设计方式和设计对象会根据地域的变化而变化。所以，地域文化能够在设计师们进行园林景观设计时提供设计素材，随后再通过园林景观展现地域文化，例如风土人情、历史文化等方面，进而加强园林景观的设计水平。设计师们在对地域文化深入理解和挖掘后，还应寻找在自然环境特征以及人文特征中隐藏的独特地域特征，这样就能够在设计中保持源源不断的设计灵感，进而为当地设计出能够充分展现地域文化特色的园林景观设计。
2 园林景观设计中地域文化的表达方式
2.1 保留传统地域文化
在园林景观设计的过程中，一定不能改动当地地域文化，要保留传统的当地文化特点，而对一些闲置的建筑，可以进行一定的修葺，保留原建筑的外形以及房屋空间，在这个基础上从简去繁，删减建筑构架，能够更好地展现地域文化，这样不仅对环境影响较小，也能在修葺过程中加入园林景观设计的一些思路，增加建筑的观赏性。但是对于具有较高历史意义的一些建筑，则要尽最大可能保留完整，以充分体现历史。
2.2 突出地方特色园林设计与周围环境、人文风俗有着紧密的联系，文化的不同造就了城市环境空间设计风格的迥异性。随着时代的发展，人类步入了一个崭新的时代，科学技术的进步拉近了人与人之间的信息，世界逐渐朝经济全球化、文化融合化的方向发展，在这种背景下，外来文化纷纷涌入我国，很多城市园林设计也吸收了国外的设计风格。很多城市空间环境建设的过程中，一味地模仿其它设计风格，失去了自己城市的特征，为了突出城市地域性的特征，在园林设计建设中必须要具有浓厚的地方特色。
2.3 再现历史文化
在保护历史文化遗产的同时，还要创新，单纯的保护只是慢慢淡化历史文化中所蕴含的内涵。所以要利用恢复景观的方法重现历史，保留历史文化产物，同时让人们可以更好地欣赏园林景观中，体会到历史文化中所蕴藏的意义。设计人员需要充分熟悉当地历史，才可以在景观设计过程中重现历史。不但要模仿原景观的建筑风格和形状，还要利用各种不同的艺术表现形式重现历史。
2.4 地域文化与现代表现手法的融合
作为创作素材，不能否认地域文化的深刻意义。可是园林景观艺术发展到如今，特殊的时代背景对园林景观的设计意图带来了对应的标准。一味的盲目抄袭、并无创新的创作无法满足当今社会人们的审美需要，要在这样的前提下，根据全局性和独特性，加上现代先进的表现形式，可以打造出满足人们当代审美需要的景观。
