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中国绘画鉴赏论文范文1
论文关键词：地方高校，公共艺术选修课，课堂教学，改革
公共艺术选修课主要是在专业教师的指导下，初步了解与我们日常生活具有紧密联系几种主要的艺术表现形态，例如音乐、美术、书法等，对古今中外优秀的艺术作品进行学习和欣赏，把握不同艺术类型的特点和审美要求，从而达到提高学生的文化素养，促进学生素质发展的目的。所以教育学论文，目前全国高校普遍都开设了公共艺术选修课，把开展艺术教育作为深化教育改革，全面推进素质教育的重要举措之一，并且取得了很好的效果，艺术教育的重要性正逐步被全社会认可和接受。
但是，我们同时看到，目前高校中开设的选修课还存在一系列问题，需要进行深入研究和认真探索。例如，相关教材缺乏，教学难易程度很难把握；教学手段单一，难以调动学生学习的积极性；教学监控体系不完善，教学效果难以保证等核心期刊。尤其是对于地方性高校来说，除了面临上述问题之外，还存在着教材缺乏针对性、艺术教学中的地域性内容不突出等问题。而课堂是学生学习的主要场所，也是教育教学目标得以实现的主要阵地。要想解决目前地方高校公共艺术选修课中存在的问题教育学论文，我们认为，可以从课堂教学改革这一角度入手，积极探索提高公共艺术选修课的有效途径。
我们认为，地方高校公共艺术选修课的课堂教学，应该从以下环节来进行改革：
1．努力改变专业课课堂教学中以传授知识和技巧训练为中心的教学目的，引导学生在轻松自由愉悦的状态下感受艺术的魅力，提高审美修养。
选修课与专业课的教学目的不同，选修课主要是针对非艺术专业的学生开设的，是通识教育，不注重专业技能的提高和训练，主要为了扩大学生的知识面，满足部分非专业学生的兴趣爱好，或者发展他们某一方面的才能等。在现阶段，很多高校公共艺术选修课的教学，普遍使用的是艺术史论方面的教材教育学论文，这就造成了过于专业化而忽视了非专业学生的知识结构，影响到选修课的教学效果。所以，我们认为，公共艺术选修课应当以欣赏具体的中外经典艺术作品为主要内容，在老师的引导下，调动学生学习和了解艺术作品的兴趣，使学生在轻松自由的状态下深入领会艺术作品内在的文化精神和人文思想，获得美的享受和感悟，提高审美修养。
2．广泛运用现代多媒体手段，包括声像资料和影视艺术等形式，激发学生的学习兴趣。公共艺术选修课的教学活动，必须要兼顾不同专业学生的心理特点，要切实调动学生学习的积极性和主动性，吸引学生主动参与到教学过程核心期刊。在这一过程中，仅凭老师枯燥的讲解显然无法实现上述目的教育学论文，这就需要借助声像资料等多媒体手段的优势，对艺术作品或艺术现象进行全面而精准的展示和解读，加深学生对艺术作品和艺术发展规律的理解。例如，在中国绘画作品鉴赏中，采用幻灯片的形式进行讲解，可以极大拉近学生与美术作品的距离，提高学生对于绘画作品的兴趣。
3．加强具有地方特色的民间文化艺术的普及和教育活动。目前，国摘要举措。可以采取与本地政府文化部门、博物馆、展览馆、文化艺术院（团）、风景名胜区等机构共建审美（艺术）教育基地，实行多样化的开放式的实地教学，采取实地参观、考察、研究、赏析等方式，加强本地民间文化艺术的普及和教育活动，丰富和扩大学生的视野。
4．通过撰写论文、课堂讨论等形式，培养学生学习的积极性和，提高学生自主学习的能力。为保证教学效果，应重视对艺术作品欣赏的实践能力的培养教育学论文，注重对艺术作品和艺术现象的个性化解读，充分激发学生的想象力和创造活力，要尝试借助布置平时作业或者安排课堂讨论等形式，努力调动学生的学习兴趣和创造能力。在论文写作和集体讨论过程中，不追求标准答案，通过学生自己在课后收集相关资料，经过讨论、辩论等形式，培养学生的审美感受力、鉴赏力和创造力。
5．注重学生想象力与创造力的培养，加强课堂教学内容与学生生活经验、文化背景和专业技能等之间的联系核心期刊。要引导学生从不同角度分析艺术作品，尤其是从自身所学专业的角度来理解艺术和艺术作品，培养学生的想象能力和创造思维。作为跨专业选修课，上课的学生都分别来自不同的专业，在课堂上要调动学生的积极性，使学生把选修课知识与日常生活经验，尤其是专业技能结合起来教育学论文，使学生从不同的角度来欣赏艺术和艺术作品，锻炼和提高他们的思维能力。例如，经济学院专业的同学可以从经济的角度对于清代中期“扬州画派”进行解读，进而进一步明确政治环境和经济条件与艺术市场之间的紧密联系。
所以，公共艺术选修课对于提高学生的综合素质，树立正确的审美观念，培养创新精神和实践能力具有十分重要的意义。但是，目前地方性高校开设的相关课程还存在着不可忽视的问题，因此必须从课堂教学改革这一角度入手，积极探索提高公共艺术选修课的有效途径，努力提升广大学生的审美能力及鉴赏水平，完善知识结构，促进学生素质的全面发展。
参考文献：
[1]郭原.高校美术教育现状与改革的思考[J].艺术教育,2009,(04):46-47.
[2]吴金铭.美术鉴赏教学之我见[J].教育探索,2007(8):72-73.
[3]韦静涛.论高校美术鉴赏课创新教学[J].中国成人教育,2007(20):132-133.
[4]庞侃.浅谈美术鉴赏作为高校通识课程的课堂教学构建[J].美术学刊,2011(3):62-63.
中国绘画鉴赏论文范文2
关键词： 动漫专业 审美素质 审美能力 审美创造
审美素质是指审美主体观察美、认识美、创造美的综合能力。审美素质的优劣取决于审美主体的审美文化素质和艺术修养的高低。动漫设计是“朝阳”产业，动漫产业的重要组成部分包括动画和漫画。
一、通过美术鉴赏，提高动漫专业动漫专业的学生的审美能力
在动漫专业教学中，我们可以通过开设《美术鉴赏》课来提高动漫专业学生的审美和审美再创造的能力。
审美文化素质的培养包括动漫专业的学生的审美感知，审美情趣和审美能力的提高，审美感知有与生俱来的一部分也有后天培养出来的一部分，同一物象，为何不同的人有不同的审美结果，是因为他们的审美感知的差异。例如秀才和卖烧饼的农夫他们同时看到月亮，秀才会被月亮的审美特征所吸引，处境生情地吟诗感伤，而卖烧饼则会联想到他要卖的烧饼怎么还没卖完。这就说明不同文化素质的人的审美感知是千差万别的。动漫设计的审美包括内容美和形式美。
首先，我们应通过提高同学的文化素质，帮助他们理解动漫设计的内容美的真正内涵，内容美的内涵很宽泛，有社会美、精神美等，主要是弘扬真善美，摒弃假恶丑。内容美不仅仅指你表现的人或物是美的就可以了，关键是你表现的主题是否是向上向善的。毕加索的一幅油画表现了一位瘦骨嶙峋的老妇，仍然很美很震撼，这是一种凄美，又凝聚了强烈的人文关怀，比很媚俗的性感的女体可能更触动人的心灵。因此，动漫设计要注重内容美的表现，创意上要弘扬社会向善向上的主旋律，中国的许多动画片都是表达惩恶扬善主题的，比如，上海电影制片厂的《九色鹿》弘扬的就是善良和正义终究会战胜阴险和邪恶，九色鹿出于善心救了溺水人，而溺水人后来在利欲的驱使下，恩将仇报出卖九色鹿，九色鹿据理力争，说服了国王，赢得了正义。这样的动画片是以一种视觉语言诉说正义和善良之美。因此，动漫设计的教学要注重创作内容美的表现，选择内容和主题健康的作品让同学来欣赏，使动漫专业的学生形成健康向上的创意理念。现在有些动漫专业的学生喜欢在动画作品中表现血腥和暴力，这是应该坚决制止的。弘扬动漫创作的内容美决定了我国动漫设计的品位和精神境界，所以，高校教师应倡导动漫专业学生在动漫设计中凸显内容美。
其次，美学是以认识美和评价美为核心的科学。美学是有关认识美和创造美的科学，能提高人文素质。为了提高高校学生的审美素质，许多学校开设了美育课，以提高学生的审美素质，对于高校动漫专业学生而言，审美素质的高低直接影响了动漫产品的审美品位的高低。因此，美术鉴赏是动漫设计专业学生提高审美能力的直接有效的方法。美术鉴赏是人类特有的精神活动，审美客体美术作品可以把欣赏者带到一个特定的艺术境界，审美主体可以根据自己的审美经验、知识及艺术修养拓展艺术形象的内涵，使艺术形象更饱满，更具内涵。美术鉴赏是一种审美再创造，是培养学生审美再创造能力的重要途径。美、美感和艺术是美学的重要问题，美术鉴赏是提高学生美感体验的重要方法，美术作品欣赏得越多，审美能力提高得就越快，“操千曲而后晓声”讲的就是这个道理。美术鉴赏是将抽象的审美理念通俗化的重要途径，因为直观的美术作品可以将抽象的审美理念变得通俗易懂、生动形象，有利于提高动漫专业学生的审美素质。
美学的理论是抽象的，其中有关优美和崇高的解释是学生难以理解的问题，通过作品比较提高欣赏能力最有效果。比如，将有关维纳斯的作品在一起比较鉴赏，以便充分理解优美和崇高的含义。“端庄杂流丽，刚健含婀娜”，这种审美典范是古今中外、男女老少共同的审美理想，《米罗斯岛的维纳斯》的震慑力来源于雕塑的优美和崇高，她的形体的曲线是有韵律感的，螺旋上升中又寻求着力的均衡，表象既有西方女性的活力四射，又有东方女性的内敛和矜持。上身的和下身衣裙形成和含蓄的对比，人们看到这一雕塑，已经忘却它是冰冷的大理石，而感到它的温度感和生命力。相比之下，《克尼多斯的阿芙罗底德》虽然自然优美，但缺少活力与生气；《昔兰尼的阿芙罗底德》虽然竭尽全力地表现女性的人体美，丰满的肌体婀娜多姿，但妩媚有余，端庄不足；《巴特列的阿芙罗底德》妩媚迷人、朦胧含蓄，内在的灵性与睿智却微乎其微。它们只能给人以兴趣的玩味、纯粹的感性的形式美，这也是它们与《米罗斯岛的维纳斯》的天壤之别。通过作品比较，学生懂得内容美与形式美的区别，明确真正的艺术美是内容美与形式美的高度统一，从而进一步理解艺术的真正内涵，理解美学中的抽象理论，并将美学理论与艺术实践――美术鉴赏紧密相连，使美学不再是玄学，而是指导人们艺术实践的重要学科，美学理论也成为对各艺术实践具有指导意义的理论基础，提高动漫专业学生的审美能力。
通过作品比较进行教学，动漫专业学生清楚地认识到：“有比较才有鉴别。”马克思曾说：“艺术对象创造出懂得艺术和能够欣赏艺术的大众。”这就是说：按照美的原则创造出来的艺术品，反过来又会对人起着美的教育作用，从而提高人们欣赏艺术的能力。这种欣赏艺术的能力的积累，就是人的艺术素养和审美能力。而这种审美能力的培养，主要是通过艺术鉴赏的实践。欣赏艺术作品愈多的人，就愈能鉴别和欣赏艺术。“凡操千曲而后晓声，观千器而后识器。”就是讲的这个道理。因此，多鉴赏一些古今中外有代表性的美术作品是提高艺术素养和审美能力的重要途径，正是本着这样一种精神，我们在高校美术鉴赏教学中，应该多运用作品比较分析，使美学中的深奥理论形象化，使动漫专业学生在艺术实践中认识掌握美学的相关理论知识，因为美术鉴赏本身就是一种审美再创造，人们在欣赏的过程中，可以进入一种特殊的审美境界，并根据自己的审美经验、知识及艺术修养，从艺术作品中获得不断更新的审美经验和审美享受。这无疑是提高审美能力的最佳途径，也是学好美学的重要方法，更是使美学理论成为指导艺术实践的关键。美学教学还应该注意精心选择作品，适时进行启发、引导，讲究科学性、典型性和艺术性，这样才具有强烈的美感和审美再创造的可能性。因此，运用作品比较的方法，有利于动漫专业学生理解美学中所讲的三大核心问题：美、美感和艺术。因为美学的研究对象就是人对现实的审美关系，美术鉴赏的过程本身就体现了人对现实即美术作品的一种审美关系，而对于这一关系的理解和把握更有利于动漫专业学生审美能力的提高。当然，普通高校的审美教学，进行作品比较的范围很大，只要我们去探索、去实践，就能更好地发挥这一学科在当前审美教育中的优势，在素质教育中发挥更积极的作用。
二、引导动漫专业的同学表现动漫设计的构型美
动漫设计专业学生应深刻理解和灵活运用构型美。美术作品的构型包括以线构形和以面构形两种形式，对于动漫设计专业学生来讲，这两种形式都应理解它们的审美特征并加以灵活运用，这样才可以得心应手地创作动漫角色。
理解以线构形和以面构形两种构型形式的不同审美特征。
第一，以线构型具有浓厚的东方情结和中国元素，因为中国画的基本特征就是以线造型，线条在中国绘画中是有意味的形式：画家通过线条的长短、曲直、疏密、起伏来表现画家的心境和对生命的体验，甚至可以表现他们对社会的评价。比如：坡的《枯木竹石图》就是利用粗犷的曲直对比强烈的线条来表现怪石和枯树，从而抒发他磊落不平的心境和疾恶如仇的人生范式。我国初唐“画圣”吴道子的线条更是随心流转，在他的作品《送子天王图》中通过线条来表现人物的情态，天王的威风凛凛，皇后的端庄秀丽，侍女们的婀娜多姿，甚至可以表现火光的流动。线条在中国绘画中具有无穷的生命活力，创造了意味深长的意境。动漫设计专业学生应发扬中国绘画线条的表现魅力，创作具有浓厚中国情结和彰显中国元素的动漫设计作品，例如，用方直的线条来表现刚毅坚强的性格，用柔和的曲线来表现温顺善良的性格。
第二，从事水墨动画设计的学生应掌握运用中国线条的独特韵味。通过线的流转，墨色的浓淡表现不同的意境。中国早期的水墨动画《小蝌蚪找妈妈》就是成功运用中国画线条来构型的成功例证。
三、启发动漫专业的同学展示动漫设计的色彩美
动漫设计专业学生应巧妙运用色彩美。色彩在动漫设计中起着举足轻重的作用，人们对动画片中色彩缤纷的《九色鹿》记忆犹新，对色彩鲜艳的《挪扎闹海》难以忘怀，都是色彩留给观众的余味无穷的艺术表现。中国动漫创作非常注重色彩的装饰美，在装饰色彩的表现中，可以打破常规色彩的约束，随意创作，比如土地可以不是土黄而是蓝色，天空可以不是蓝色而是黄色，根据场景意境表现和角色塑造的需要主观地表现色彩。中国动画片中色彩的运用和中国传统的艺术理念息息相关，譬如，在中国的京剧艺术中白色象征阴险狡诈，黑色代表忠诚正直，红色代表刚烈勇敢，中国动画片中角色的色彩设计也运用了这样的色彩象征意义，动画片《骄傲的将军》就是成功的例证。动漫设计专业学生要理解色彩的情感表现特征，在具体的场景和角色塑造上要根据不同的场景需要，选择恰当的色彩表现，比如表现阴森的带有宗教色彩的场景需要用蓝、绿等冷色来表现，表现欣喜热闹的场景应用红、黄等暖色来表现。
综上所述，无论是通过美术鉴赏还是表现动漫设计的构形美和色彩美，目的都是让动漫设计专业学生在欣赏美和创作美的同时，提高审美情趣和审美能力，从而提高动漫专业学生的审美素质，提高我国动漫设计的审美品位，丰富动漫设计的艺术表现技法，促进我国动漫产业的发展。
参考文献：
[1]张立双.动漫产品的价值延伸策略研究[J].中国市场，2011，（1）.
[2]贾秀清，孟宁.解析影响我国动漫产业发展的几个问题[J].现代传播，2009.
中国绘画鉴赏论文范文3
【关键词】绘画；线条；研究
线条是构成绘画艺术视觉艺术形象的最基本的语言，无论是中国画还是西方油画，最初都是用线条造型。无论是最远古的岩洞壁画，还是现代所谓的前卫艺术绘画，我们都能够在绘画语言中发现线条的存在。线条，是大自然的事实，激发了人类的创造，千万年来启发了人类的艺术，影响了人类的思维，改变着人类的生活。线是既古老又现代的艺术表现形式，线是最简单最直接地能用来划定范围和组成形象的手段，是能将物象转换出意味并能直接体现情感的符号。线条在绘画中的具体运用，是千变万化的，反映了画家们的各种品性、旨趣，同时也能传达出细腻而又丰富的意蕴和情感。
一、线条的形式
线条的基本形式是直线和曲线。直线又可分为水平线、垂直线、斜线三类。水平线常用来描绘舒展、开阔、深远的场面，表现宁静、平稳的感受；垂直线令人产生伟岸、挺拔、庄严、宏大之感；斜线则表示激荡、运动、危急、冲突，等等。曲线有圆线、螺纹线、波线等，曲线与直线相比，具有柔和、流动、变化、优美等特征，圆转、流畅的曲线，给人秀美、典雅、和谐的视觉美感。
二、中国画中的线条语言
中国画是一向强调线条的审美价值的，把线条作为造型的最基本的手段，并积累了丰富的经验。历来的中国画，可以说都是线条画。现代著名画家潘天寿说：“画者，画也，即以线为巢，而成其画也。”在中国画里，线条的长短粗细、疏密干湿、刚柔肥瘦、轻重缓急、曲直畅涩……各有奇妙，传达出无限丰富的感情层次。
中国画的质感、明暗，也都是用线条来表现。中国画家重线不重形，重墨不重色，以水墨线条来表达画家的个性、气质、人格和风度。水墨线条中贯注了中国艺术的精神。中国画讲究“骨法用笔”，骨法是指物象的轮廓，用笔主要指的就是线条。宗白华解释说：“骨法用笔，就是运用笔法捕捉物的骨气以表现生命动向。”也就是用线条描画出图像，以表达万物的节律、艺术家的心灵。
在中国，绘画理念出于文字、书法、哲学、心灵感悟与绘画层层的融合，使得绘画更加“综合”起来，同时表现出诗意化、哲理化、书写化、写意化，等等，不断地提炼着、升华着绘画的智慧性和抒情性。下面就在线条是运用的比较出色的吴冠中绘画为例对线条的艺术美进行分析鉴赏。
吴冠中《双燕》
吴冠中的绘画线条在传统与现代以及中西融合方面都达到了前所未有的艺术成就，吴冠中的线，时而在风中自由飘荡，时而又像空中迅即拂过的轻烟。在他的某些老树作品中是用交错重叠的毛笔线条构成的形象；在他的一些讲究构图的作品中线条把通常是正面描绘的平块而连接起来。在这类作品中如《双燕》及《邻屋》，画面上准确的直线与精致的构图比例产生了有条不紊的排列效果。又如《小巷》的线条，走向更为奇特，使平面扭曲。这种中国式的变形更接近于欧洲的表现主义派。
三、西方绘画中的线条语言
伟大艺术家达芬奇曾经这样概括绘画中的语言形式：“绘画科学首先是从点开始，其次是线，再次是面，最后是由面规定着的物体。在点、线、面、体中，线具有特殊的地位。”法国古典画家安格尔更是认为：“线是绘画的主角。”他的绘画中非常重视线的运用。
众多的绘画大师在运用不同线的基础上向再现生活的艺术形式演进，把线条当作再现对象特色的一种手段。例如绘画大师波提切利的作品中线的作用非常的明显，运用比较清晰的线条来表现轮廓、衣纹和结构，他注重运用线条的形式、韵律表现内在的情绪，所有的线条都充满了动感，形成一种形式趣味，强化了线条在形式中的表现力；如图《维纳斯的诞生》，画家独具匠心的安排人物的布局，充满曲线妩媚的维纳斯与连绵不断的线条组成上扬的头发、随风飘逸的纱衣产生有连续的呼应，略带忧伤的女神在波浪起伏的线条中被充分的表现。波提切利作画时的强烈情绪赋予每个形体以独特的气韵和生命，每一根线条都充满了活力。
波提切利《维纳斯的诞生》
四、绘画中线条的情感因素
艺术从它的怀胎之初就已经将线条作为绘画的表现形式之一，绘画艺术经历了种种风格与形式的变换，线条也从原始的洞窟壁画开始经历了从记录事件到刻画物象的形体，再到完全“解放”自在地传达艺术家的思想情感，其表达情感的功能在缓慢而又不断的拓展之中。
看似简单的线条竟然有着如此的情感表现力，在现代艺术理念赋予线条更多的美感和时代感的今天，当代画家应该以更多的热情和思考关注线条与其构成的视觉图式，探索出更具表现力的线条来传达我们人类多彩而又丰富的情感生活。
参考文献：
[1]陈世雄.《线条的语言》，上海交通大学出版社，2010.1.
中国绘画鉴赏论文范文4
关键词：中国画，临摹，写生，创新能力
中国画是中华民族传统的绘画艺术，以人物、山水、花鸟为表现内容，高度概括、洗练为特征，有着鲜明的艺术风格、独特的审美规律及特殊的笔墨语言和表现技法。学习中国画要“师古人”与“师造化”，即向古人学习，拜大自然为师，中国画的教学从临摹开始，写生、创作循序渐进，在中国画的教学中要与时俱进，注重学生创新能力的培养与提高。
临摹是学习传统的有效方法之一，是中国画教学的一个重要组成部分。科技论文，临摹。通过分析研究前人的绘画作品，提高学生的认识能力和鉴赏能力，在这个过程中要分清精华与糟粕，吸取其精华，去其糟粕，学习用笔、用墨、设色及构图的各种技法与表现方法。精心选择好的画本，认真“读画”，研读作品的意境情趣，分析表现内容、造型语言与形态结构；进而研究用笔用墨、着色技法以及场景的气氛渲染，在仔细分析画面的意境、构图、造型、色彩、技法等因素后，方可动笔。中国画的临摹实践，是认识上由“心读”到笔临的过程，这个过程学生主要掌握造型、笔法、敷色、章法四个方面，同时领悟作品的内含与精髓，而不是表面地模仿其面貌。
临摹是中国画学习的初级阶段，在此基础上要逐渐地学习对物写生，拜大自然为师，即要“师古人”，更要“师造化”，写生的过程是一个认识与研究表现对象的过程，也是提高造型能力和表现能力的过程，同时，也是一个创新的过程。历代的中国画家，十分注重对表现对象的观察与研究。隋唐五代时期的人物画、宋代的花鸟画，元明清的山水画以及现代的绘画作品，都是画家对生活的观察、体验之后的提炼与升华。无论是古代的还是现代的画家，他们都把真切具体的形态描写与意境表现放在重要的地位，他们认真选择表现对象，同时认识、分析研究所要表现的对象，由表及里，由外到内，多角度地选择，做到胸有成竹，有感而发。
对表现物象进行深入地观察，是深刻认识客观对象的第一步。任何对象，要表现它，首先要认识它，了解它，弄清它的特性。画人物，不仅要研究人的基本比例结构、外貌特征，还要研究其精神气质与个性特点等等；画山水和花鸟，就要到大自然之中去领略，要认真地观察与研究，了解其外部特征与内在精神以及文化内涵和寓意。这个过程的观察首先要从整体到局部，研究其共性、个性等特征，认清其本质面貌，然后对各个细节进行分析研究，做到真正认识它。自然的形态生动丰富，但同时又显原始、粗糙，因此，写生的过程是一个高度概括和提炼与加工的过程，写生时既要忠实客观对象，又不能是简单的直观描绘，要表达对生活、对表现对象的整体美的感受，既要遵循自然形态的基本规律，又要调动主观能动性，要用提炼取舍等手法，创造性地进行艺术加工，变自然形象为艺术形象，这个过程中是一个创新的过程。学生可以创造性地构成画面，既要抓住客观对象的本质规律，又要运用艺术手法来表现大自然中美的形态，这种灵活的画面组织方式不仅可以使所表现的对象变得更完整，同时也培养与锻炼了学生的形象思维能力和想象能力，提高了画面的组织能力和创造能力。
中国绘画精于形象而意味横生，植根于悠久的民族意识和美学传统，在长期的绘画实践中逐渐形成了其独特的表现风格与特点。中国的绘画艺术，在表现客观世界时不是简单地再现，也不是可视物象的真实复制，而是画者对客观世界“物象”的“意象”表现，意象造型使画家能够根据需要，选择和利用形象的各种因素，自由地组织画面。表现对象时，适度地概括，夸张和变形，同时移入画家个人的情感、意趣、个性，使中国绘画的写意性、抒情性、表现性和艺术性得到充分的体现。
绘画大师齐白石先生说：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”。科技论文，临摹。科技论文，临摹。①中国画的审美特征是在表现物象时，既不轻视造型，也不拘泥于“形似”，而要求画出能“传神”的，体现审美理想“传其真”的艺术形象，从而使得中国绘画作品“象”有尽而“意”无穷。“外师造化，中得心源” ②唐代画家张躁的这一不朽名言，概括了中国画艺术形象创作的全过程，是中国画家特有的感受生活的方法和创作情态。
优秀的中国画作品，都是经历了由外至内，因物动情，进而由内向外、寄情于物的思考酝酿过程。科技论文，临摹。所呈现的是天趣与人的精神，是在不知不觉中把自然纳入自我，而自己又消融在景物之中，创造的是无我之境。在我们看到的宋人花鸟画作品中，那些亲切可爱的花与鸟的姿态以及魅力均是画家观察生活后的创造所得。无论是格法严谨的黄家体，还是徐熙的野逸旷达，以及崔白的萧散风骨，虽风格各异，但呈现出大千世界中生生不息的生命，都能使我们在这些画中感受到理想的欲望和对生命的爱恋之情。画面中那一笔一墨和色彩的节奏正是画家饱满的情绪与理想的追求，既是大自然生命的律动，也是诗情的荡漾。画家感情的流露、精神的物化，在山川与花卉禽鸟中，潜流着无穷的意趣与情思。
绘画是一种创造，要透过物象的外貌观察研究它的内在本质，画家一方面要研究具体形象，另一方面又要集中概括，表现其内在的神韵。唐代张彦远曰：“古之画或能移其形似，而尚其骨气。以形似之外求其画，此难可与俗人道也，今之画，纵得形似，而气韵不生，以气韵求其画，则形似在其间矣。”③中国绘画气韵生动，以形写神，不是简单地对物象作纯客观的描摹，而是要赋予物象感情，渗入作者气质与品格，达到“形神兼备”的最高艺术境界。
借鉴运用传统技法，目的还是在于表现自己对现实的感受，反映时代精神，创作出有自我个性的绘画作品。宋代郭熙饱游饫览，“胸贮五岳”；元代赵孟頫“久知图画非儿戏，到处云山是吾师”；明代董其昌读万卷书，行万里路，方可作画；清代石涛“搜尽奇峰打草稿”；近代画家齐白石案头养螃蟹，日夜观察，画出了栩栩如生、姿态多变的螃蟹。学习中国画离不开传统文化，脱离不了自然造化，美学思想与审美要求的与时俱进，方可以创作出具有时代气息的绘画精品。
宗白华先生说，中国画家是以即高且远的心灵眼睛，以小观大俯仰宇宙。中国画家对美的观照是全方位的，“胸有成竹”，“胸中自有丘壑”，“一气呵成”等都是这种审美整体性思想的描述。科技论文，临摹。中国画的审美基础孕育了中国传统文化，临摹不仅仅是学习中国画的表现技法，更重要的是学习中国传统的美学思想和审美要求；写生及对自然的研究是创造“天人合一”理想世界的前提之一。随着时代的发展，中国画的内容和形式不断创新，表现力也更为丰富，中国画的教学，临摹是手段，创新才是目的。科技论文，临摹。在学习与继承传统的同时注入新的美学因素，使学生的审美能力、实践能力和创新能力不断提高，从而创作出具有时代精神的中国画作品。
参考文献：
①汪流等编《艺术特征论》第20页，文化艺术出版社1884年6月
②王伯敏《中国绘画史》第211页，上海人民出版社1883年
③唐·张彦远《历代名画记》第13页，人民美术出版社，1983年
中国绘画鉴赏论文范文5
关键词：高校，美术学，培养方案
美术学专业以培养具有较高艺术素养的高级美术历史与理论人才为教学目标，努力使学生成为具有系统、扎实的美术历史与理论知识、较高的艺术鉴赏、艺术评论及写作能力、良好的人文素质、富于艺术洞察力和学术敏感性、突出的写作能力、诚信务实的学风，能够胜任适应社会发展需求的教学和科研、文博收藏、新闻出版、艺术评论、艺术鉴赏、艺术管理、艺术策划、艺术编辑等方面的工作。具体地说，其教学目标应使学生通过学习达到以下几方面的基本要求。在任何情况下，德育在教育中应放在第一位。在中国从古至今的教育思想中一直都非常重视德育，讲究“德才兼备，以德为先”。现代教育观念特别强调以人为本，突出情感教育和人文关怀中的作用。美术学专业学生就业的主要方向是当教师，毕业生更应具备完善的人格、拥有爱心、热爱生活、真诚善良、身心健康等素质，以便在未来的工作中更好地以真、善、美来关怀和塑造新一代学生。
美术学专业毕业生应掌握教育学、审美教育学、心理学、美术教学法、多媒体应用等方面的知识；要有能适应中、初等美术教学、研究或进一步深造的专业理论知识与技能，包括美术史论、艺术概论、绘画、雕塑和工艺基础知识以及绘画和工艺制作基本技能等；要有较广泛的科学文化知识，包括其他艺术门类的知识、社会科学与自然科学等方面的知识。
崔卫在博士论文“学校制度下中国美术教育的起源与早期发展”中认为，我国目前的美术教育中存在着教育目标不明确、课程系统性不强、师资力量参差不齐等诸多问题。教育目标不明确，表现在教学计划、课程安排、教学大纲以及教学方法和教学管理等方面，基本套用了过去美术学院的教学模式，未能充分体现美术学的学科特性，学生难以形成适应美术教育实际需要的系统知识结构，很难满足以普通中学为主的学校基础美术教育的要求。课程系统性不强，表现在课程体系中对美术学学科基本理论、学科教学法、学科发展历史等方面的教学内容显得有些单薄；美术学教学研究、开发以及评价的机制和机构不够；片面追求绘画技巧训练、轻视美术教育学科的基本理论教学；更多地把绘画技能的高低作为衡量教学质量的标准，忽略学生全面素质的培养。事实上，美术学是属于艺术文化范畴的学科，缺乏文化理论修养的人，很难真正在技能上达到较高的境界。师资力量参差不齐，不仅表现在合格师资数量的有限，更表现在高水平师资的严重匮缺。
中国绘画鉴赏论文范文6
关键词：美育；审美；高校；公共美术；文化艺术
从人类发展最早的活动上来讲，审美活动是属于全民的。早在洪荒时代就有了“首饰”，古人类将每一颗彩色的石珠手工打磨并对穿打孔，用细绳索串联挂在手臂、脚踝、颈项上。这一行为已经与最初的将猎物利齿打孔串联佩戴以彰显“勇敢”有了本质的区别。当古人类对石珠的形状、大小有了取舍甚至对颜色有了涂绘装扮、搭配选择之后，这件挂饰已经与彰显“勇敢”的功利性质渐行渐远，直至完全成为一种“审美”的需求。人类在长期的造物活动中，同时也创造了艺术，创造了美。类似于“首饰”的例子颇多，如原本只是“蔽体御寒”作用的衣服在材质及颜色、款式上的发展；原本只是储物作用的陶器在造型、色彩、图案上的发展等。这些资料都可以从民俗社会学中找到，足以证明审美活动是一种全民的活动。正如美术教育家丰子恺讲过的“有生即有情，有情即有艺术。故艺术非专科，乃人所本能；艺术无专家，人人皆生而知也。”社会的大发展不断给文化艺术冠上的高贵的光环使得其与大众日常生活愈加脱节。与文化艺术的接触在今天成为研究、成为鉴赏、成为具备高层次文化素养的人群才有资格讨论的素材，普通市民阶层则选择了自动疏远的态度。德国古典文学美学家约翰・克里斯托弗・弗里德里希・冯・席勒在其著作《美育书简》中也提到，人最初的天性是完整和谐的，是具有完美人格的。而工业社会的大发展促就了一系列社会矛盾和人性的矛盾。社会大工业的快速发展对人才分工的需求间接引导了高校专业人才培养方案的出现，但却误导了当代大学生接受教育的内容。这不仅使社会和个人之间产生了严重的分歧，也使得原本完善的人格出现了严重的缺口。席勒在当时便极力主张通过“审美教育”来弥补人性发展的这种遗憾。
审美活动是一种文化活动。文化与文明是人类社会发展中相辅相成的两个内容，文明是文化的升华体。考察人类各个国家、社会的发展，其文明都是全民普遍文化的积累，是文化沉淀的继承和创新。
原始未经涂绘或上釉彩的素陶与釉陶、彩绘釉陶是大不一样的。一般性的因为某种需要而创造物品与在这个物品实用性基础上进行加工美化是完全不同的两个需求层次，如果人民群众普遍认为任何物品的装饰美化都与自己无关，那是专业人才的分内之事，甚至发展到对美化内容不予理会，那么群众的整体层次就会降低，由普遍群众文化组成的社会文明程度也将降低。物质文明和精神文明发展的需要决定了审美教育的重要性。全面的素质教育是完善人生的重要基础，当代大学生的文化素质教育是当前全面发展素质教育的重要环节。“审美教育”是文化素质教育的重要内容。如果陷入现在高校的专业分科而罔顾“审美教育”，这不仅是对人类文化沉淀的漠视，也是个人完善人格养成的障碍，更会造成全民文化素质的降低、衰退以及社会发展阶段文明的低迷。
人的思维主要有抽象思维和形象思维两种形式，任何事物的成功创造都不是其中单一思维形式的最终成果。进行文化艺术活动主要侧重于形象思维，形象思维的熟练运用只有通过广泛的审美活动才能完成。期间，著名的教育家曾提出“以美育代宗教”，这里的美育范畴就包括美术、文学、音乐、舞蹈等一切能够引起人们进行审美思维、审美活动的“术”。“美术”是美育内容的一个部分，美术鉴赏课的意义和不可缺失性，就在于培养“发现美的眼睛”，通过艺术作品使观者感受到形形的和谐。丰富的感官，使人的本质力量一部分发展起来，一部分产生出来，最终造就敏锐的形象思维能力。
美术的诸如教育、认识、审美、娱乐等这些社会功能，使得美术活动必然是文化活动的一种形式，是人类社会发展的一种独特的记录形式。在人类社会发展过程中，不同阶段的文明都在美术作品中得以形象的记录。进行《美术鉴赏》课程教学以来，笔者发现直到今天刚接触这一课程的学生还是普遍地认为“美术”就是“画画”，这是一个非常狭义的理解。随着“以美育代宗教”提出以来，“美术”就有了更为细微、广泛的概念。所属造型艺术的绘画、建筑、雕刻、工艺美术等，以及书法、摄影等视觉艺术统属于美术。例如，代表史前文明的岩画、彩陶；代表奴隶社会文明的青铜器，陵墓等，这些都成了阶段文明的载体。社会经济文化的持续发展，“美术”的内涵和外延也将更加丰满。
作为“美育”内容之一的《美术鉴赏》课程，其重要意义着重体现在它的教育、审美、认知、娱乐这四个社会功能上。它可以通过非常直观形象的艺术作品给人以美的享受和道德修养的启迪教化，如东晋时期画家顾恺之的中国画作品《女史箴图》、法国画家库尔贝的油画作品《碎石工》、法国雕塑家罗丹的《思想者》等。以《女史箴图》为例，作品虽取材自当时文学家张华的文学作品《女史箴》，但在当时人们识字率低的社会现实局限下，其社会影响力以及产生的教化作用却远远高于文学原著。这也是美术作品在美育的一切内容中最独特的功能体现。艺术家以自己的生活高度感受生活、理解生活，并将这种深刻的感受融入作品之中，以寄情于物的方式感化观者，以期达到共鸣，正如鲁迅说的“美术可以辅翼道德”。作品中规劝女性恪守“妇道”的封建伦理教育理念在当今社会虽然已经失去了光环，但画面人物形容生动、衣裙款款；线条流畅婉转，设色典雅秀丽，作品本身无时无刻不在彰显它的审美价值。即使我们因为时代性或者各种其他原因不能认可艺术家的精神立场，无法体会作品的教育性和认知性，也依然不妨碍我们对作品本身的欣赏和品读。画家以日常生活为场景布画，又为历史学、社会学、民俗学等提供了直观的考证资料。这种长期的、潜移默化式的美育过程，是我们全面发展素质教育，进行精神文明建设的重要环节。
“美术”在这里所代表的绝不仅仅只是一副“画作”，或是观者对这幅画作的视觉接收。这个对艺术作品品鉴、解读的审美过程，就像梁启超说的：“把我们卑下平凡的境界压下去”，我们的精神世界就得到了一种救赎。
如果此时的美育仅仅只是培养人们欣赏美、创造美形成一种审美观或者美学素养，那不免又陷入狭义。将美育融入人生的美学趣味和全面教育的审美境界中，强调美育对人生的促进功能才是现代美育的核心。
参考文献：
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