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服装设计技巧范文1
服装材料作为服装设计的重要组成之一，也是其中最基本的要素，是服装造型的物质基础，也是艺术表现形式的重要载体。时代的发展给科技革新带来了巨大的发展空间，也让人们的知识体系和审美风格发生了不同程度的变化，这也丰富了不同服装表现形式的受众群体。以各种材料、各种塑造技巧而表现的形式丰富设计元素，给服装设计带来了无穷的艺术魅力。通过给设计师提供丰富素材的方式来激发其创作灵感和艺术激情，不断地推动服装设计理念创新。因此，充分掌握不同服装材料所属的种类、具备的性能、所表现出来的质感，并对这些属性进行灵活而富有创造性的运用，将各种设计理念与材料相结合创造出更加艺术化的服装变得尤为重要。所以，以材质为构思的创作特点将会成为时展的主流，材料的塑造在服装设计中变得越来越重要了。
一、服装材料的分类和应用
时代的发展给人们的生活带来了巨大的改变，科技进步也丰富了服装材料的选择范围和种类，传统服装材料制造工艺经过不断的创新之后，具备了更加优良的品质，更有新型服装材料不断被应用于服装材料。一个优良的设计离不开专业的服装材料知识、合适的处理技巧以及合适的剪裁手法，这也是进行材料塑造所必须具备的知识基础。通常的服装适用材料主要有织物、皮革以及创新材料，或者说是高科技材料。
1.专用于服装的织物
这类材料指纤维制被纺织而成的成型片状物体。这类可用于服装的织物种类比较丰富，这也是现代服装设计师所运用的常用材料之一。通常这类材料可以被用来制作服装、装饰品以及工业用途。按照生产成品来进行分类，主要是线类、带类、绳类、机织物、针织物、非织造物六大类。
2.专用于服装的皮革
就人类的服装起源而言，总是离不开动物毛皮这一重要分类。在长达几百万年的人类发展历史中，动物毛皮作为人类服装的主要材料之一被沿用至今。随着当今社会科技的飞速发展，毛皮的制造工艺有了很大程度的进步，同时毛皮仿制品的技术和运用也有了很大程度的突破。现代服装用皮革由外观不同可以分为裘皮和皮革两大类。皮革可以分为天然皮革和人造皮革两大类。
二、材料塑造技术对服装设计中的影响
1.服装材料的塑造技术是服装设计的根本
服装设计是一个很丰富的概念，其包括了材料、色彩以及造型三大重要的元素。虽然服装的风格很大程度上是依赖色彩和造型而形成的，但是材料作为色彩和造成风格的载体，其风格都是在材料的基础上形成的。在确定了服装之后，便是进行对应材料的选择，才能将设计的效果发挥出来。除此之外，服装设计思维很多是由材料塑造技术激发出来的，创新型的服装材料塑造技术可以让设计师换一种思维去进行创作。
2.服装材料塑造技术能够有效突显服装的设计风格
所谓服装设计就是通过不同的意义突显或者风格突显进行区分，然而这种风格化的设计是离不开材料塑造技术的支持。首先是面料本身的特性和触感，这是形成的最初层次的服装风格，这是基础的作用，也是关键作用。然后是通过对材料进行塑造，利用各种技术进行一定程度塑形，这便是服装设计过程中最具决定性的功能，会对最终服装造型形成影响，这也是设计中材料的材质美感突显所必不可少的关键因素。
三、服装材料塑造技巧的应用分析
服装材料的塑造是极具开放性和创意性的工艺，可以让设计者充分吸收现有材料的特性，发挥自己的想像力，以开放的思维对事物进行细微的观察、获得灵感，然后进行换位思考。灵感可以通过冥想获得，也能是外力刺激而激发的奇思妙想。许多新型材料地出现极大的丰富了设计师们的设计空间，例如内衣行业的材料新宠儿“彩棉”就是其一，其作为现代培育技术的结晶，也契合了当代社会关于绿色和环保的主题，备受消费者的青睐。除此之外，还有一种超纤维面料“珊瑚绒”，其细腻的触感也是极大的丰富了设计者的想象空间。诸如之类的新型材料还有莫代尔、竹炭纤维、大豆纤维以及牛奶纤维等。
有了灵感，还要利用各种制作技巧和手段来进行材料的塑造。利用各种技术进行可行性实验，强调系统性与随意性相结合，从而达到创新的目的。这种技巧主要是通过利用现有材料的品种、材性等一系列专业知识及必备经验的基础上，勇于打破现有概念的局限，发掘材料的内涵潜质，并在深刻理解材料性能的情况下，采用各种技术处理手段，赋予材料全新的意义。这种材料塑造的关键在于设计者不带任何偏见地放手试验，在实际操作中锻炼感受能力及试验能力。通过对材料的反复试验，体会材料对人的心理作用，感受材料因构成而出现的肌理效果，从而发现材料所具有的表现潜力。并通过材料特有的构成形式表现抽象的概念，突破固有观念，独立思考，养成在各种生命形式及生活方式中发现、提取可用素材，进行改造、重组、多元复合或者单元并置的能力，在进行多种可能性的试验之后，选出最佳方案。
四、结语
未来服装设计离不开服装材料及其塑造技术，然而随着面料发展，不断的融入高科技和人性化的因素，将功能作用发挥的更加完善，为服装设计师们创造了更加宽广的运用空间和设计载体。服装材料塑造技术的应用给社会、审美以及流行都带来巨大的影响，是具备社会缩影的重要元素，反映了社会文明的发展水平。
参考文献：
[1]刘艳.服装材料艺术设计应把握的时展趋势分析[J].艺术品鉴，2015，06：60.
[2]田姝娅.试析材料在服装设计中的艺术表现[J].美术教育研究，2015，08：75.
服装设计技巧范文2
【关键词】摇滚乐 街头元素 天桥 时尚 主流文化
半个多世纪以前，时装从达官贵人的专属变成了潮流文化的重要势力，摇滚乐的力量功不可没。摇滚乐所带来的新鲜叛逆与服装设计的诉求不谋而合。上世纪50年代，当猫王
（Elvis Presley）露出诱惑的胸膛，拨动吉他，全世界为之疯狂的时候，便宣告了摇滚时代的到来。此时，伊夫・圣罗兰（Yves Saint Laurent）这位时装才俊正在迪奥的工作室里挥刀裁剪，以摇滚风格为灵感的“垮掉”系列正在孕育而出。这股强劲的“垮掉一代”文化风潮越演愈烈，却未能打动主流阶层。伊夫・圣罗兰收到了大批贵妇客户的投诉，认为他的设计有失优雅，不符合迪奥一贯高贵的传统。然而，一切只是开始，摇滚与时装的合谋，街头文化与天桥时尚的碰撞，从圣罗兰敏锐的捕捉开始，一切刚刚起步。
上世纪70年代，朋克时代到来。朋克音乐为时尚界带来了丰富的灵感元素，直至今日，仍启迪着众多设计师。我们不得不从一支朋克乐队说起。几个伦敦年轻人组成了一支名叫“Sex Pistols”乐队，配合着简单的三个和弦，高唱着无政府主义、和平和爱，就这样走上了舞台。没有太多的音乐技巧，只是尖锐的立场和叛逆的唱调，足以让人惊艳，一如他们的穿着打扮：撕破的T恤、缠绕的铁链、大面积的铆钉、高高挺立的莫西干头，这一切标示着“朋克”时代的到来，而这些不可思议的造型的设计者便是维维安・韦斯特伍德（Vivienne Westwood）。英国评论家Jon Savage曾经说过：“历史是由那些说‘不’的人创造的”。这个时期，没有比朋克摇滚唱出的“不”更大的声音了。此时战后英国经济萧条，失业率居高不下，社会景象低迷，理想与现实的差距，发泄与控诉的欲望，便孕育了朋克的诞生。简洁有力的和弦，直白强势的歌词，使得朋克迅速得到大众的认同。街头出现了大批高耸莫西干头发的“朋克”们，他们身穿紧身裤，搭配马丁靴或者帆布球鞋，穿旧的甚至是二手的皮衣，或者直接剪掉袖子露出粗糙毛边的牛仔坎肩，用腰带、裤链、肩章，无处不在的金属链条以及铆钉装饰自己。由于朋克诞生于平民阶层，又正值社会萧条时期，他们无法置办昂贵的行头，于是进行了很多的DIY。比如在衣服上画上自己喜欢乐队的Logo，利用徽章组合对服装进行再设计，当然还有不同金属铆钉的组合排列。混搭、破损、金属铆钉、叛逆、反传统等成为了朋克风潮的代名词，这些来自平民阶层的新鲜元素，表达朋克反叛内核的服装服饰，完全颠覆了主流阶层审美观。
而此时，同是摇滚小青年的维维安・韦斯特伍德大胆的开启了她的设计生涯。被时尚界所不啻的朋克风潮，被上流社会认为是平民阶层自娱自乐的朋克风格被维维安大胆运用。她利用不对称裁剪，扭曲的缝线，还有刻意保留的毛边来表达她对于摇滚精神的理解。她坚持直白的性感，在服装臀部填充里料，将文胸内衣外穿在大衣之外，甚至将缝制好的服装再次撕扯开来，呈现破损的美感。在维维安反传统的代表作中，有这样一条裙子，19世纪典型的宫廷式裙撑裙，裙摆里面却组合了一条紧身牛仔裤，这样矛盾冲突的设计，传递出维维安的创新精神，充斥着摇滚乐为她带来的永远打破，永远叛逆的设计风格。维维安・韦斯特伍德早在上个世纪就已经成为了一代设计大师，她的个人品牌也早已跻身世界一线品牌之列。而在每一季的新品中，我们都能看到品牌延续的摇滚精神和摇滚元素，无论是铆钉、皮革装饰，还是做旧皮衣、混搭等，这些昔日不能登“大雅之堂”的元素早已成为时尚界的宠儿，几乎每一年的四大时装周都能见到朋克元素的回潮。
随着摇滚乐的推进，上世纪70年代末，朋克音乐走入了转型期，混合了重金属和后朋克风格的哥特音乐成为了乐迷的新宠。同时，伴随着暗黑风格的恐怖电影以及以吸血鬼为素材的恐怖小说的风靡，哥特风潮全面来袭。13到15世纪，欧洲便盛行哥特风格服饰，那些是深受哥特建筑影响的传统哥特美学。而此刻所讨论的哥特与原始哥特文化没有太多相似之处，是上世纪70年代末80年代初强烈来袭的哥特文化，特别是哥特摇滚音乐。哥特音乐中充溢着死亡美学的气息，节奏缓慢、曲调悲伤，甚至传递给听者恐怖的感觉。哥特乐队的主唱沉浸在恐怖小说的角色中，穿着黑色高领，佩戴着及其繁琐的银色配饰，最具标志的便是那一张张画着浓黑眼影的惨白面孔，配合着悲伤麻木的表情，传递着哥特忧郁、超自然以及神秘的精神内核。而台下的听众则会用同样风格的装扮来回应自己心爱的乐队，共同膜拜着另人着迷的暗黑之美。
这一次，将哥特这样不入“大雅之堂”的街边元素带入顶级时尚的便是设计天才亚历山大・麦克奎恩（Alexander MacQueen）了。哥特风格所传递的黑暗的性感、迷人的恐怖、高贵的复古，甚至死亡的美学为设计师带来了前所未有的灵感源泉。在亚历山大・麦克奎恩的秀场上，哥特风格的设计屡见不鲜，比如2007年春夏，一件黑色长款套装，黑色天鹅绒花朵镶嵌在黑色上衣的前襟，黑色丝缎从头部覆盖过肩直至手臂，最点睛的便是脖颈上银色尖刺项链装饰，这样的设计是哥特风格的典型作品，全身暗黑，银饰相配，神秘又冷峻。同场的还有一套由黑色和绿色真丝塔夫绸制作的连身礼服裙。塔夫绸面料自身散发着低调却高贵的光泽，裙身腰间刺绣了十字架纹样，刺绣纹样中再嵌以红蓝宝石。这件设计所传递的信息不言而喻，同样的暗黑墨绿，哥特的标准色系，点题的十字架刺绣，配合宝石镶嵌，表达华丽的死亡气息及哥特的阴郁之美。亚历山大・麦克奎恩类似这样的哥特风格设计还有很多，笔者有幸在伦敦观赏过伊莎贝拉・布罗（Isabella Blow）的回顾展，她是亚历山大・麦克奎恩的伯乐。是她在亚历山大・麦克奎恩的毕业展上发掘了这位天才，并当场买下他所有的作品。因此，在这次展览上，笔者观赏到了很多亚历山大・麦克奎恩的作品，其中最难得的便是他的本科毕业作品和研究生毕业作品。笔者发现，亚历山大・麦克奎恩并不是在成名后才深深爱上哥特风格，而在他学生时代的作品中就已经呈现了浓郁的暗黑美学风格。他的本科毕业作品便是黑色绸缎裹身长袍，高领紧缚，前片正中位置点缀银色装饰物，银粉与银色颗粒的混合物附着于衣物表层，整体设计完全吻合哥特风格的要素特点。亚历山大・麦克奎恩这位设计天才在他短暂的生命历程中，一次次地将哥特风格带上“天桥”，将街头兴起的，准确的说是“地下摇滚”兴起的暗黑死亡美学应用在了那些价值不菲的高端礼服设计之中，并使得主流社会如获至宝，争相追随。直至今日，哥特风格仍然吸引着众多的设计大师，让・保罗・高缇耶（Jean Paul Gaultier）、约翰・加里亚诺（John Galliano）等人都在不断的推陈出新，为我们展现另类的哥特之美。
最后，我们要谈谈油渍摇滚（Grunge）。上世纪50年代，伊夫・圣罗兰设计了“垮掉”系列，进而开启了摇滚与服装的合谋之旅。现今，伊夫・圣・洛朗（Yves Saint Laurent）秋冬男装秀场，男孩们伴着LA乐队的经典歌曲鱼贯而入，纤细消瘦的身材，看似无章法的叠穿，蓬勃中却透着叛逆，这就是圣罗兰的“Grunge”坏男孩。这样的经典老品牌没有在传统中墨守成规，而是时不时的“使坏”，比如“Grunge”。
Grunge被称为垃圾摇滚或者油渍摇滚，乐曲嘈杂并伴有吉他失真的音效，可以称为重金属和朋克的混合体，起源并盛行于上世纪90年代。Grunge风潮带来了强烈的反潮流意味，凡是流行的必反其道行之，凡是传统的必打破，反映在服饰风格上，最显著的特点便是层叠混搭，在波西米亚风格里加入重金属，在朋克风格里揉进嬉皮，这些混乱甚至邋遢的混搭，却如同青春一样爆发着狂躁的生命力。Grunge风潮不仅带来了摇滚音乐的变革，更是为时尚界带来了新风。摇滚乐迷和街头青年大胆创新进行款式混搭以及服饰撞色。他们对于时尚的反叛却恰恰成为最时尚的行径。设计师从中获益，就像一本免费的灵感书籍。街头每天都上演着Grunge风格带来的惊喜。机车靴搭配渔网袜，黑色迷你裙搭配肥大的机车夹克，所有这些都被设计师搬上“天桥”，并辅以更精致的面料，更得体的廓形。这样完全街头化、市井化的Grunge风格成为了一件件时尚单品，悬挂于橱窗货架，虽价格不菲，却炙手可热。
以上提到了多种摇滚风格对于时尚界的影响。多种街头摇滚元素对于服装设计风格的影响，通过设计师对于摇滚元素和“非主流”文化因子的提炼和再造，最终使其走向了顶级时尚舞台，成为主流社会追捧的潮品。上文仅以摇滚音乐文化作为论述范例，但同样的波普文化、涂鸦艺术等这些源自于街头的、地下的、市井的原生文化都为服装界、时尚界带来了变革与发展。可是众所周知，时尚界一直尊崇的是阶梯式传播模式，即时尚元素在一定范围内，按照社会阶层的高低顺序进行传播，也就是说吻合人们对主流高阶层的向往心理。可是一些源于街头的平民的文化风潮，却最终成为了高级前卫的潮流，那么这样一条从“街头”到“天桥”的看似反向的时尚通路是如何形成的呢？
街头是最多彩的秀场，没有灯光音乐，可每个人都是模特，张扬个性，展示自我，社会的表情最大化的展现在了街头每一个人的穿着上。在不同街头文化的笼络下，作为追随者便开始了与其追随文化所呼应的、自发的自我形象设计，以及相互之间模仿借鉴，从而形成了特征鲜明的组群划分，例如满身铆钉的朋克，暗黑包裹的哥特还有“邋遢破烂”的Grunge。这就像一本天然的流行趋势报告，其中有取之不尽的灵感元素，这些街头的不受限制的天然碰撞为设计师提供了第一手的资源和灵感。这些新鲜的、原生的街头元素正是设计师和时尚界所渴求的。其次，一些地下音乐和街头文化表现在服装上起初都源于对时尚的反斥，而时装的精髓就是创新，对现有的突破和持续的创造，由此可见，那些叫嚣着反时尚的风潮却最大化的成全了时尚，成为设计师的利器。街头文化不断的打破和反诉反倒成就了一件件“天桥”精品。除此之外，其所带来的话题性成为了时尚产业的免费广告。优雅、简约、浪漫等字眼已经成为时尚界永恒的主题。那么另类的街头元素带来的新闻性、舆论性，都会为品牌带来流传度和知名度，以及附加的文化价值。
作为设计师，在这条从“街头”到“天桥”的通路中，担任着不可或缺的采集者的角色。通过设计师专业的审美视角，敏感的时尚嗅觉，将街头元素采集提炼，去糟取精。从群众中去采集，从生活中去发现，选取新鲜灵动的包括街头素材在内的一切一手素材，进而应用到设计中去，而不是一味地借助媒介，直接运用二手信息，或者盲目的跟风模仿。这样，时装界才会有一个健康的未来。笔者认为，设计师除了是自下而上的采集者，也应该是自上而下的传递者。最新的流行元素总是出现在高级时装的秀场上，进而展现在高级成衣的橱窗中，而作为大多数普通成衣消费阶层，很难在第一时间获得高品质设计，特别是在国内品牌市场，总是衍生出“大牌”的抄袭改造款，并没有自己原创的灵感元素。设计师特别是大众中端品牌设计师，应当摒弃对于高端品牌一味的模仿，以及对于高端品牌采集的一手素材灵感进行抄袭，应当做好自身的探索和采集工作，进而将元素运用到适合自己目标客户群定位的设计当中。不仅是让高端客户享受到一流的新鲜设计元素，而是让全体消费者都能享受到适合自我消费层次的、有灵魂的设计作品。那么，设计师便成为一位贯穿高端消费者和底端消费群体的传递者，赋予了人人享受美的机会。
参考文献：
[1]Mablen Jones .Getting It on： The Clothing of Rock 'NR' oll[M].Abbeville Promotional， 1990.
[2]Rin Tanaka.My Freedamn！ 9： 1960s Hippie to 1970s Punk Fashion Vivienne Westwood[M].Cycleman Books； First Edition，2010.
服装设计技巧范文3
关键词：服饰设计；素描基础；专业技能；教学
一、服装与服饰设计专业教学模式现况
1.教学过程中不重视素描基础教学
大多数院校的服饰专业学习采用的是传统的灌输型教学模式。仅围绕服装设计效果图和基础绘画下大功夫，不重视素描基础的教学。一位服饰设计师必须要具备细腻的观察力和手头实践能力。这些都是素描教学能够赋予学生的能力。服饰设计专业教学想要缩短学生与企业对人才素质的要求的差距就必须进行教学内容的改革，将素描基础教学准确地运用在服饰设计专业教学中，确保教师与学生摒弃浮躁的心态，踏实地进行素描基础的学习。
2.教学过程中不注重实践创新
一位优秀的服饰设计师不仅能够使自己的观念想法一直与流行元素、流行色彩密切保存一致，还应该用自己的这种观念引领大众服饰的流行方向。而大多数院校的服饰设计专业教学在这一方面是欠缺的。这些学校教授专业课的教师无疑是专业功底深厚的教师，但是一味教与学并不能满足经济高速发展的社会的审美要求。因此，在服饰设计教学过程中，我们既要注重基础教学，又要引领学生去大胆想象，让学生观察不断变化的社会文化，把握流行的发展趋势。同时，也要抓紧素描基础的教学，使得学生更好地利用基础美术知识，再将知识运用到具体的服装设计和工艺制作上来。
3.教学过程中对素描基础教学的作用不够明确
我国设计类教学起步较晚，因此，我们的服饰设计专业的教学存在很多不足的地方。最严重的一点是教学目标不明确。服装设计专业基础素描教学的研究重点应该放在对人的身体的研究以及服饰、服装的表现上，在使学生打好基础的同时提高学生的审美能力。因此，服装设计素描的教学目的主要有以下几个方面：
（1）认识表现的对象，即研究不同年龄、性别的人的人体比例、结构及透视规律。
（2）学习表现方法，即学习用素描表现人体、服饰的方法。
（3）认识、体悟基础之上的再创造，培养想象能力和自由表达能力。
二、素描基础和服装与服饰设计专业桥接的教学模式研究目标与方法
1.创新素描基础和服装与服饰设计专业桥接的教学模式
素描的学习过程很枯燥，因此，在教学过程中，教师们应该从服装专业性入手，勇于创新，将素描基础更合理地运用于服装设计教学。要找出素描基础与服饰设计专业教学的融合点，将这个融合点上的东西传授给学生，高效地完成教学任务，从根本上改变服饰设计专业传统教学思想与方法。
2.提高学生服装设计的能力和动手能力
很多服饰设计专业的学生审美能力高，但是专业能力不一定强，因此，教师在教学过程中应注重学生的全面发展，实现理论与现实无缝过渡。例如，关注各类等级的服装效果图大赛、服装设计大赛信息，有计划地组织教师和学生参与比赛。在参加比赛的过程中，可以尝试着与一些时装店的老板合作，给他们设计一些衣服，这样能够明确地知道市场需求，也能让我们更加了解市场，迎合市场设计出好的服装。
服饰专业人才的培养是一项不小的工程，这是一门既注重理论又注重市场实践的学科。在这个教学过程中，我们首先要注重打下坚实的基础，即完成素描基础的教学，然后要重视学生审美能力的培养，完成教学的创新，将素描基础的教学与市场的需求结合起来，培养出高规格的服饰设计人才。
参考文献：
服装设计技巧范文4
关键词：人体工程学；啦啦操服装；应用性研究
1前言
当今社会愈加关注人类健康与环保的生活方式，响应全民健身的号召，中国掀起一股啦啦操浪潮，在校园、广场、健身房或比赛现场它的身影无处不在，啦啦操作为一种积极健康的生活方式得到普及。现代服装设计理念强调的是服装设计中把人、物、环境这三大要素融合于各类设计中，在满足人的生活及心理需求的同时，强调产品设计的功能性与舒适性是当代设计的主题。如何根据啦啦操特点结合现代设计理念，设计出功能性强又符合人体工程学特点的啦啦操服装成为当前急需要研究的课题。
2人体服装设计
服装可以理解为人所处的生活环境中，离人身体最近，能穿着，能感觉得到东西。服装设计就是指把服装的各种构成要素合理运用，根据服装制作的目的，把各种必要条件综合后制成服装生产计划的系统。服装设计是一个系统化的过程，可以避免一些考虑不周和主观因素造成的失误。要实现服装设计的合理化，首先，要以考虑穿着的目的为前提，通过对市场，穿着者的层次和所处的各种环境，从人的因素和服装的组成要素两个方面来进行调配研究，并以此基础来调整服装构成要素，逐渐形成服装款式。
3啦啦操与啦啦操服装
啦啦操按照运动类别可以分为技巧和舞蹈两大类。技巧啦啦操运动的动作包含翻腾、托举、金字塔、抛掷四类难度动作。其动作特点表现为手臂动作在身体冠状轴前、动作快、定位准确，对手臂爆发力要求较高;舞蹈啦啦操:西方式的啦啦操主要体现于健美与性感，而中国式啦啦操是有别于西方啦啦操的，它融合了中国的传统文化及思想内涵，目前在我国比较推广舞蹈啦啦操。舞蹈啦啦操主要是由转体、踢腿、跳跃等难度动作和手位对比以及个性舞蹈等组合构成，通过多种空间，方向与队形变化展示舞蹈啦啦操的团队风采。啦啦操的审美要素主要体现在身体美、技术美、难度美、音乐美、节奏美、道具美和口号美等方面，它所产生的基本动因是煽动别人，激励别人。啦啦操表演讲究服装和舞台效果，动作美和视觉美效果，具高度的时代感和艺术性。啦啦操特点决定了啦啦操服装应该具有以下功能:(1)由于啦啦操练习的运动量较大，练习者的体温升高较快，排汗较多，服装应具吸汗效果好的特点;(2)啦啦操的动作幅度较大，应选择弹性好的紧身运动衣裤;(3)如参加正规比赛，全队服装应统一，自然大方。
4人体和服装设计要素的关系
人体与服装设计可以同时融合于一件衣服上，在穿着效果上和整体上不可分离。虽然说服装设计是自由的，但是还是要避免功能和装饰两者之间侧重点不同的问题，啦啦操服装属于运动装是侧重于功能性的。
4．1设计中人体的形态处理
可以将设计中的人体归类成以下三种形态:(1)人体静的形态;(2)人体动的形态;(3)人体美的形态。人体的形态系列:即人体的姿势。是人体的形态和服装的造型关系。人的形态系列是指人体静态时整体的形态，而功能系列是指人体各部分功能形态和运动动态所引起的人体的变化对服装结构形态的作用。它们之间都希望与服装达到美的效果。
4．2人体运动产生的形态变化
人体运动会引起的变化，它主要体现在:(1)关节运动会所引起的长度，高度的变化;(2)运动所引起的肌肉隆起和变形的部位变化;(3)在支撑服装部位所引起的知觉感受变化;(4)运动产生的皮肤伸展方向和程度的变化;(5)运动过程中服装滑移部位的变化;(6)还有变化而引起的脂肪变体和变位的变化等等。在进行啦啦操服装设计时要充分考虑到变化所带来的服装结构变化，在满足设计目的及功能性的基础上进行再设计，秉持“以人为本”的理念，坚持“衣人合一”的原则。
5人体工程学在啦啦操服装设计中的应用
5．1人体工程学在技巧啦啦操服装设计中的应用
技巧啦啦操系列动作对前肢轴线以上部位的服装设计要求很高，简单来讲是肩部和手臂部位的设计。分析动作及结构变化发现:手臂在人体上半身部分，要满足手臂快速变位的动作，便涉及到如何减少服装对手臂及前肢轴线部分所产生的压力及阻力问题。无论是翻腾、托举、金字塔还是抛掷等肢体动作，其无一没有使用臂力。通过人体的研究找出其发力点及人体对服装的支撑点，融合于服装结构设计中，以达到合理减少压力和提升爆发力的目的。根据目前的市场调查，技巧啦啦操服装一般以无袖设计或工字背的结构设计为主。当手臂进行向上拉伸，左右扭转、变曲时，人体三角肌位置的肌肉鼓起，身体上半部分的皮肤被强烈拉伸，如果是带衣袖设计的设计，应考虑到在手臂位置增加放松量或通过弹性大且轻薄具有吸汗性的面料来实现。
5．2人体工学在舞蹈啦啦操服装设计中的应用
舞蹈啦啦操有别于竞技啦啦操，其偏重于运动体态的观赏性。在进行服装设计的时，首先要考虑其动作会产生的体态变化，通过分解其动作。如转体、踢腿、跳跃等来对服装进行设计。该运动的人体美主要体现于腰部周围及腿部连接部位在运动中产生的美感，通过以衣服为媒介形式而表现出来。因此，对该服装设计应考虑如何去体现这些部位的美感问题。啦啦操的服饰美在表演中占有很重要的地位，它属于一种情感的直观表达，在人体与服饰的融合，并配合其运动道具，音乐等场景而达到“天人合一”的效果。而且能够做到刺激观赏者眼球，带动观赏者情绪的目的。真正做到设计中人、物、环境的完美结合。
6结语
关于啦啦操服装设计，已不单纯是追求结构造型及色彩搭配的表相设计，而是本着“以人为本”、“天人合一”的设计原则。是一种由内到外的，以服装为媒介的，充分结合人体工程学中人、物、环境三大要素的设计活动。由此而知，人体工程学在啦啦操服装设计中应用的重要意义。
作者:陈小葵 单位:吉林体育学院
参考文献:
［1］朱一帆．论服装结构设计中人体工程学的作用与影响［J］．新西部，2011(04)．
［2］陈晓玲．服装设计与人体工程学的功能关系［J］．消费导刊，2010(08)．
［3］一心．舒适的人体工程学设计［J］．个人电脑，2010(07)．
服装设计技巧范文5
［关键词］中职学校；服装设计；教学创新；措施
中等职业学校的教学非常注重实用的技巧和人事培养，而在服装设计专业方面也是奉行这样的理念，而培养的方向则注重车工、烫工等方面，课程设置上过于传统，使得课程不能吸引学生，导致这个专业人数下降，资源流失，进而导致学校更加不重视、学生更加不愿意学的现象。因此，在中职服装设计专业的教学中应该从新思路、新观念、新理论和新方法等方面提出创新性的教学，并以此促进该专业的教学有针对性、先进性和科学性，这样才能真正培养出人才。而面对上述的不利局面我们在服装设计教学方面应该如何做呢？笔者认为应该从课程开始，根据市场的需求情况，把职业学校服装设计专业的课程和技能训练相结合，然后在学生思维方面加以创新培养，用使用的教学技巧和材料，从职业学校教学观念开始创新，把握市场的流行元素等方面，综合笔者教学经验，现在提出以下几点创新措施。
一、学生想象力应该在专业特色的海洋中无所顾忌地发挥
中职学校服装设计专业是综合了多种要素，交叉了很多方面的一个比较和市场相连、和时代紧密结合、与时尚前线密切相关的既有艺术性又注重实际性的科目，因此这个科目的教学中不仅要让学生在理论知识上做重要的突破，还要求学生要在学习之余到市场上观摩，用自己的课余时间关注时尚前线，从各大新闻媒体了解和自己专业相关的课外知识。学生学习的能力比较欠缺，因而传统的教学方法已经不可能让学生有所进步。所以教学需要在方法技巧等方面创新改革，发挥学生的想象力则是发展其创新力的关键。教师在教学中也应该充分了解服装设计的基本特色，然后引导学生在专业特色的影响下发挥创新能力。只有在发挥学生想象力的前提下，把市场和时尚等元素融入教学中来，才能让学生的创新和教师的努力在未来有机会进入市场，以满足广大群众的审美需求。传统的教学中教师的教学几乎是停留在自我讲解的圈子中，学生不可能有机会发挥自己的想象力，有的教师甚至强制灌输一些理论和设计的套路理念，从而限制了很多学生的积极创新力。因此笔者认为，在中职服装设计教学中应该紧随时代脚步，改变自己的教学理念，鼓励学生在学习设计中提出问题，用创造性的思维解决设计问题，把时代气息融入课堂的学习中来。
二、用实际可操作的教学任务进行实践教学教学的任务
需要从传统的教师设定转变为根据实际学生的需要制定可操作的教学任务，并要求学生在学习理论知识的同时努力提高实践水平。而这需要在中职学校的教育目标方面做进一步的改进，传统的教学目标改变为用实际操作培养符合市场需求的，能把握市场的，敢于用创新思维设计的服装设计人员。那么，在服装设计教学中就应该让学生充分发挥创造能力。只有在服装设计者的思维中有创造性的艺术想象力和实践能力，才能真正发挥出服装设计专业的优势。比如：对面料、材料和制作手段的掌握等都是需要很大的艺术创造灵感的。明确的操作任务在中职学校服装设计专业课教学当中是非常有利于把握好纯艺术和纯经验的，同时也是非常有利于手工技艺实践锻炼的。
因此在教学计划中，应该明确初级阶段是什么任务，技能与知识相结合的阶段是什么任务，知识理论熟练，技能娴熟实践阶段又是什么教学任务，只有这样才能让教师在教学中掌握教学的难度和发展学生能力的方向。比如，在服饰理论知识学习时，初级教学任务可以定为让学生了解中外艺术史、设计史、服装史和服饰美术等理论知识，然后进一步将教学任务定为培养学生的审美鉴赏水平，再让学生开阔眼界、提出设计思路，进行实践创作。
三、时尚元素和流行信息广泛纳入课堂，探究发展规律
时代的发展使得人们在服装审美的角度发生了很大的变化，人们的流行意识在快速增强。在教学中，大多数传统服装设计课堂是很少纳入流行元素和时尚气息的教学材料的，因而很多学生没办法在学校学习中把握住人们今年喜欢的流行装是哪些，也不能很好地预计明年的服装上会有什么样的变化。服装设计课堂想要把学生打造成符合市场需求的佼佼者，必须在教学中学会分析传统服装的优，现代服装的好，未来服装的变。这样才能掌握服装流通变化的基本规律，进而设计出新意的服装投入市场。另外，还要在设计中考虑诸如经济、文化、宗教等因素对服装的制约，结合设计者的思想和生活环境、艺术环境进行合乎大众口味的创作。
总之，在服装设计教学中教师应该做一个合格的引路人，把学生的创造性思维引入设计创作的理念中，使得学生学习有成后能打造自己的流行前线。
参考文献：
［1］施捷.基于校企合作的中职服装设计专业教学多维结构探索［J］.职教通讯，2013（36）.
服装设计技巧范文6
一、服装原创性设计造型与结构的关系
在目前的服装设计行业中，经常以多元化的表现形式追求服装的艺术性，因此对于服装设计来说，只靠款式设计突出是不够的。2011年法国时装品牌迪奥的春夏服装会，展示了运用不规则的表现形式设计出的服装样式，从肩部至裙摆对角渐变，宽大的荷叶褶皱裙令腰身显得更加纤细修长，使用大量的纱质面料在服装的部分区域叠加，创造出水粉画的视觉效果；在服装的结构设计上选用了一体连身袖，衣袖呈现出柔和、不刻板的形态，以此维持上衣的平整；并在服装的腰部通过折叠面料营造出立体效果，增强了塑形感，使腰部的线条看起来更加纤细。服装简约的线条、纤细的腰身及纯粹的色彩，完美地展示出20世纪50年代的新古典主义风格。虽然款式造型是服装设计的主体，但是在服装设计中还是要重视服装结构设计，必须利用服装结构支撑款式设计。如果说款式设计是服装设计的外在表现，那么结构设计则是服装设计的内在体现。服装结构设计的任何一处省道、褶皱及分割线，都会对服装的总体形象造成影响。因此，在服装设计教学中，必须将服装款式设计和结构设计结合进行，由于二者相互影响、彼此依靠，忽视任何一方都会让设计出来的服装黯淡无光。
二、服装原创性设计造型与结构的设计技巧
对于服装款式设计而言，结构美是关键，而想要表现出服装的形态美就必须进行结构设计。无论服装的款式设计如何精美，若没有了结构美，其审美价值也会大打折扣。服装的结构设计即服装的内在款式设计，如何把结构设计形象化是服装设计的实质内容。服装的款式造型需要通过结构设计去检验，此外，结构设计也是服装的关键性设计，给予了服装丰富的表现力与内涵，为服装款式设计开拓创新思维，启发设计灵感。服装的结构设计能够让服装的款式类型具有丰富多彩的变化，因此对服装设计而言十分重要，这也是国内部分服装公司宁愿聘用有工作经验的服装制版师来制作服装，也不选择聘请服装设计师的根本原因。不过，尽管制版师通过不同的结构设计让服装拥有了更多的款式类型，却无法赋予服装灵魂，这是因为进行服装结构设计时需要有充满艺术思维的设计师将服装结构设计的实质展现出来，这意味着不管是服装制版师还是服装设计师，都必须具有较高的艺术涵养与创造能力，并且要充分掌握服装的设计手段，才能够展现出服装的原创性设计理念。作为一名服装设计师，如果没有掌握娴熟的设计方法，就无法将服装设计所拥有的技术性与艺术性融合在一起，设计出高质量、高水准、有特色的作品。
三、服装原创性设计造型与结构的表现形式
在进行服装设计的时候，服装的款式类型设计是通过服装结构设计的型与量进行配合或分解来实现的。款式设计能够更有效、精准地表达出设计作品的内涵，让设计师的思维与理念获得更多的启迪。如果服装结构设计没有了革新与突破，将无法充分展示出服装款式类型的独特魅力。服装设计师约翰•加利亚诺为了庆祝迪奥成立60周年，曾经在法国巴黎的凡尔赛宫举办了2007-2008秋冬季高级定制女装会，该系列作品的灵感来源于设计师克里斯汀•迪奥于20世纪40年代的经典设计，充满了回忆的气息。加利亚诺带领观众回顾了1947年的新风貌时尚革命（NewLook）。服装设计师完美地将艺术形象和架构技巧应用于服装，使其保留了“NewLook”精致的轮廓、细致的肩线、经典的束腰及过膝的长裙等，衣服的胸口处配着亮丽夺目的铃兰花饰品，并且在一些部位使用了精致的蕾丝作为搭配，让服装看起来更加层次分明。在服装的结构设计上，设计师使用了四开身设计把衣身的省位转移到前衣身，从而进行了分割线的处理，为了让腰身的纤细程度更加突出，在腰部的侧面进行了立体设计。此外，设计师通过绣花工艺、褶皱处理以及镶嵌珠宝等方式，淋漓尽致地向观众展现了迪奥设计中一直以来强调的女性的高雅气质、形体柔和的线条及身材的凹凸有致。
四、结语
