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钢琴艺术论文范文1
钢琴艺术的演奏形式受社会发展的制约，在这种社会经济发展的它们有着必然的不可脱离的关系。钢琴表演艺术作为媒介，表演者的起到至关重要的作用。钢琴表演艺术不再是“贵族”专享的精神世界的欣赏方式，钢琴表演应更贴近社会大众，每一个人都是可以平等的欣赏的音乐。这就要求表演者要更好的顺应观众，改变传统的欣赏方式，更加的贴近观众。在这种情况下钢琴艺术的表演形式应不断追逐现在人们精神世界中不断追随的脚步。同时，这也要求作曲家应把中国传统的具有民族特色的元素加入到钢琴作品的创作。
二、钢琴演出市场分析
随着市场经济的快速发展，“大众文化”也越来越多的出现在我们的日常生活当中。精神世界的追求不再是“贵族”、“权贵”的特有。我们每个人对“高雅艺术”的向往也越来越浓烈。这也给商家带来以一线生机，钢琴表演艺术也通过市场经济的运作也悄然走进我们的生活当中个人钢琴演奏会、钢琴演出、甚至酒店、婚礼上也能发现钢琴的身影。它越来越走进我们普通人的生活当中，越来越多的小学生开始学习钢琴，这些现象也表明钢琴不再是望不可及的高雅艺术。同时人们精神文化的消费也日益满足了对高雅艺术的追随和享受。钢琴表演艺术的市场也大大推动了人们的审美观也把钢琴文化更好的推广！
三、民族化与现代化相结合的发展方向
中华民族有着五千年来博大精深的文化积淀，他是作曲家艺术家寻找发现我们民族化的“根”，传统的艺术形式也是艺术家创作灵感的来源。在顺应时代化发展的同时我们不能抛弃几千年来我们自己民族传统的文化元素。钢琴是从西方引进而来，我们只是演奏哪些西方特有色经典曲目，那钢琴演奏将不会有“中国特色”，我们如果把本民族传统乐器的曲风应用到钢琴的作曲中来，或者以一种新的形势将钢琴的演奏与传统民族乐器一起演奏，将会产生不一样的听觉感官效应，同时，将会让世界更多的人来欣赏我们中国的音乐，也会更好的将我们自己笨民族的文化传递出去！
四、结语
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音乐技能和专业技术的修养
专业技术是每一位钢琴演奏者最关心的问题之一。钢琴教育家应诗真曾指出：“钢琴演奏技术是从属于音乐表现的，是手段；但同时它又是非常重要的。没有它，想完美地表现音乐形象就成为一句空话。”由此可见，技术既从属于音乐，又有其自身的价值和意义。无论是清晰、明朗、均匀、快速的弹奏，还是歌唱性的弹奏，都是手指和琴键相互作用的结果，也就是技术发挥的结果。比如，莫扎特的钢琴音乐流畅细腻，则需要均匀透亮的声音；巴赫的作品宽广浑厚，具有管风琴效果，则需要演奏者手指具有弹性和独立能力；贝多芬的作品热情洋溢，充满了情感的冲动，则需要排山倒海般雄伟的气势。伟大的前苏联钢琴演奏家、教育家涅高兹曾说过：“有多少音乐就有多少技术问题”。可见，钢琴技术种类繁多。不管音乐表现的是光明、黑暗、斗争、胜利、喜悦、柔情等错综复杂的情景和情感，必须是在克服相关技术的情况下，才能演奏出好的效果来。
音乐技能的掌握对钢琴演奏则起着更实际、更明确的作用。音乐比其他艺术形态更具有严密的内部结构，这就要求演奏者对音乐作品进行全面的了解和分析。对作品了解得愈全面，分析得愈深刻，演奏成功的可能性就愈大。如曲式、和声、织体、旋律、节奏、力度、速度等等，在钢琴演奏中的作用是不言而喻的。当我们学习一首钢琴作品时，它的音响的组织形式所包含的对比、矛盾、逻辑、统一等等的原则；紧张、舒缓、收束、开放的情绪特点；旋律、和声、节奏等等的风格特点；音响发展的力度起伏、速度变化以及声部之间的音色力度对比等等的表情要求，都是指导我们使用相应技术手段的具体内容。尤其是在学习奏鸣曲、赋格曲等所谓纯音乐作品时，对音乐内容的理解可以说是起绝对作用的。
钢琴演奏的文化修养
文化是人类精神活动的创造物，它包括哲学、艺术、文学、历史、宗教、经济等方面的内容，而文化修养则是指一个人对这些人类精神活动的创造物认知多少、把握多少和运用多少的程度。人创造了文化，而文化又影响着人、渗透着人，所以，我们在实践活动中，都必须格外注重文化修养这一问题。说到钢琴，其本身也是文化的产物，钢琴艺术是一门博大精深的学问，具有深厚的文化内涵，要想驾驭这门艺术，就必须有强大的艺术能力，而这强大的艺术能力，除了要具有专业的技能技术修养外，主要来源于演奏者的文化修养。
首先，钢琴作品的作曲家就是生活着的生命个体，他的作品是他整个生命活动的一种结果，是他对整个世界的理解、体验。演奏者要理解作品，就必须像作曲家那样去深刻地认识世界，去深切地体验人生。比如，肖邦的钢琴艺术闪耀着强烈的爱国主义色彩，可如果我们没有对肖邦所处的时代和背景的了解，没有对肖邦的那种爱国主义的生命体验的认同，没有对肖邦作为一个特定时代中的特定的人的文化把握，那么我们就无法进入肖邦钢琴艺术的最高境界。
在中国的文学艺术领域，有文如其人、字如其人的说法。那么说到钢琴演奏，我们也可以说“琴如其人”。这是因为钢琴艺术是情感的艺术，是关于人的艺术，钢琴演奏是演奏者思想感情的表现，所以，从钢琴上流淌出来的声音，带有强烈的文化品位和文化韵味。这正如钢琴大师李斯特说的一样：“钢琴就是我的自我”。所以，我们要想让琴声打动人，震撼人的灵魂，就必须要做一个有品位的人，这依然离不开文化的修养。当我们凭借着文化修养真正的成为“美”的人了，那么我们的琴声也就有了内在的魅力，富有美的生命色彩，就能撞击人们的心灵。
关于这一点，我们还可以从钢琴大师的身上得到印证。在钢琴史上出现过众多钢琴艺术大师，巴洛克古典时期的巴赫、亨德尔；维也纳古典风格时期的贝多芬、海顿、莫扎特；浪漫主义风格时期的肖邦、舒曼、门德尔松、李斯特、柴科夫斯基；印象主义风格时期的德彪西、拉威尔等，他们的钢琴艺术都达到了炉火纯青、登峰造极的程度，代表了钢琴领域的最高艺术成就。他们之所以能达到如此辉煌的艺术顶峰，当然有娴熟超人的技术作强大的后盾，但更重要的是他们汲取了人类文化的营养，对音乐、对社会、对生活有了自己独到的思考、体验和渴望，形成了自己独特的性格，使自己成为一个具有内在精神的人。比如巴赫，这位钢琴艺术的巨人有着丰富广博的音乐修养，而且受过哲学、人文主义精神的熏陶，崇尚理性，热爱和平生活，憎恶现实的黑暗，一直没有停止用音乐追求真善美，追求内心世界的自由，这些就使得巴赫成为一个非凡的人，也就使得他能在钢琴艺术的王国里有惊人的突破和创新，成为一个时代钢琴艺术的代表人物。
贝多芬钢琴作品的思想崇高、气魄宏大；肖邦的钢琴作品中充满革命激情和民族情感；李斯特钢琴作品中的诗人气质和民族精神等等。我们从所有的钢琴大师身上都可以看到丰富的人生经历和艺术历程。
总之，钢琴演奏中技术和文化这两方面的修养越广博越深厚，钢琴的艺术世界就越宽阔。一个钢琴演奏者必须具备上述两方面的艺术修养，才能具有深刻的洞察力、理解力，体会到艺术的最高境界，形成自己演奏的独特风格。只有充满无穷无尽的激情，才能在演奏中真正做到“登山则情满于山，观海则意溢于海”。
参考文献：
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1.情景交融的诗意性
浪漫主义音乐受浪漫主义文学的影响极大，特别是文学作品中的诗歌，可谓是浪漫主义音乐的直接推动者。舒曼、舒伯特、李斯特、肖邦等人，都从诗歌中获益匪浅。俄罗斯也是一个诗歌的国度，拉赫玛尼诺夫对诗歌十分推崇，尤其喜欢诗歌中所描绘出的那种情景交融的意境美，所以他的作品中明显表现出了对诗意的追求。比如《音画练习曲》，练习曲顾名思义，其主要目的就是为了提高演奏者的技术水平，但是拉赫玛尼诺夫的这部练习曲却不同于传统意义上的练习曲，在满足了技巧练习的同时，又体现出了一种诗意的追求。即不使用那种纯粹的音阶、和弦、琶音等构成练习曲主题，不论是音调、音型、力度、节奏等方面，都极具描绘性的效果。与其说是一部练习曲，还不如说是一幅风景画。而他的大部分作品都取材于俄罗斯的自然风光和民间美景，像是画家拿起了手中的画笔一样，开始了描绘，同时将个人的情感倾注其中，抒发出了对祖国山水的热爱之情。正是因为这种情感表达和创作目的契合，才使原本枯燥的练习曲呈现出了一种情景交融的诗意。比如Op39.No2，针对此曲，拉赫玛尼诺夫自己说道，如果仅将其看作是一首练习曲，是演奏不好这首曲目的，乐曲真正表现的是海鸥和海洋的故事。该乐以三连音开始，描绘出大海微波荡漾的场景，然后高声部的对位中，时而规则、时而多变，描绘出了海鸥自由飞翔的姿态。而到了乐曲的结束部分，则用半音阶的下行，来描绘凄厉的海风，预示着海鸥与大海搏击的开始。这种诗意的追求，是一种内在的生气、精神和灵魂，一旦进入到这个境界后，就会让音乐和演奏者浑然一体。所以，他的作品能够直入内心深处，给人以深刻的感悟和思考。
2.深沉浓郁的民族性
俄罗斯的音乐创作历来都有着鲜明的民族性特征，这在柴可夫斯基和强力集团的创作中就有鲜明的体现。拉赫玛尼诺夫也是一位伟大的爱国者，他的作品中充满了浓郁的俄罗斯民族特色。比如《第三钢琴协奏曲》，整部作品的级进很多，而且音程的起伏不大，第一乐章中长达24小节，但是其音程除了一个五度和两个四度之外，其余都是二度级进，即使是后来旋律明显的发展中，也都控制在五度之内。这个特点就源自于俄罗斯的传统音乐，俄罗斯民族最初是以游牧为生的，各种歌舞和祭祀十分普遍，歌舞和祭祀音乐，音域都比较狭窄，基本上都是三度音程，最多偶尔向上或向下扩充一度。还是在第一乐章中，其主题旋律也是取材于俄罗斯的民间音乐，音乐学家亚瑟曾经将这一段旋律和俄罗斯民歌《救世主，守卫的士兵》进行了比较，二者在节奏、调式等方面，都有着很高的相似度。这是因为拉赫玛尼诺夫童年时候，经常跟随自己的祖母到修道院中做礼拜，对这些民族民间音乐耳濡目染，所以后来自己的创作不自觉地受到了影响。正如拉赫玛尼诺夫自己所言：“作为一个作曲家，应该把自己所出生的那个国家和民族的精神表达得淋漓尽致，作为一个俄罗斯人，祖国决定了我的气质和处世态度。”晚年的拉赫玛尼诺夫创作成就不如成熟时期，很大一个原因就是因为他远在异国他乡，虽然在美国生活了25年，但是却从来没有刻意学习过英语，其朋友也多是俄罗斯人。这一切都体现在了他的音乐中，他和柴可夫斯基、强烈集团一样，都把俄罗斯的民族民间音乐看作是创作的源泉，将这种民族情感和民族精神的表达视为己任。
3.对立统一的戏剧性
戏剧性原本是一个文学概念，主要通过在事件发展中的一些误会、巧合、悬念等，造成一种跌宕起伏和引人入胜的艺术效果。音乐作为一种听觉的艺术，主要通过对戏剧性的追求，展现出对立和统一，使音乐本身得到丰富，同时让音乐形象的塑造更为鲜明。在《第三钢琴协奏曲》中，拉赫玛尼诺夫就采用了多种手法来追求这种戏剧性特征。首先是音区和力度的对比。通过音区和力度上的强烈反差，产生巨大的对比，以此来引起音乐情绪的变化。比如在第三乐章中的展开部，前两个变奏中都是使用P或PP的力度演奏，音区高，力度弱，营造出了一个轻盈飘逸的梦境。但是紧接着，从第三个变奏开始，音乐回到了中音区，力度也陡然增强，刚才那个奇幻的梦境消失了，又将观众带回到了现实世界。其次是的处理。作为情感表达的集中点，对于戏剧性的表现来说，有着画龙点睛的作用。以《第三钢琴协奏曲》第一乐章为例，仅仅一个乐章就出现了四次，第一个位于呈示部和副主题之间。由不断向上的转位分解和弦与FF力度实现，因为第一个处于主题的呈示阶段，无论是乐思还是情感，都还没有充分的发展，所以戏剧性特征不是太强烈，主要是起到一种欲扬先抑的作用。第二个位于展开部中主题的变形展开，其主要表现是节奏的加快和力度的加重。在一系列的音乐发展之下，八分音符变为了三连音，力度达到了FFF，在节奏和力度的共同作用下，获得了一个气势磅礴的。第三个位于华彩的开端部分，因为有了前两个小的铺垫，所以这个来得更为充分和猛烈，拉赫玛尼诺夫采用了“再现即”的创作手段，和弦的时值越来越短，节奏也越来越紧密，力度又一次达到了FFF，甚至部分和弦上还标注了着重号，全曲的高峰就在此刻来临了。几个不同的紧密地联系在一起，构成了乐曲发展的关键线索，最后大的出现，就是一种“众望所归”的结果，诸多一起构成了乐曲的戏剧化特征，对音乐形象的刻画和音乐情感的表达起到了重要作用。
4.与生俱来的悲剧性
拉赫玛尼诺夫是一个充满着悲剧意味的音乐家，这与他生活的社会环境、人生经历、文化氛围等方面有着密切的关系。从社会环境来看，拉赫玛尼诺夫生平正值俄罗斯的沙皇统治时期，时局动荡，百姓贫苦；从人生经历来看，其从小父母离异，心爱的姐姐也早逝，且初入乐坛的时候，发展的并不顺利，《第一交响乐》失败后，甚至一度放弃了创作。从文化氛围来看，俄罗斯民族素来有着忧郁的民族气质。多重原因交织在一起，构成了拉氏钢琴作品的悲剧性风格。其中有两点将这种悲剧性体现得最为鲜明。首先是“钟”的意象。在他的作品中多次出现了“种”和“钟声”的意象，且都含有悲剧的意味。如《钢琴前奏曲》（OP.3NO.2），这首作品为#c小调，第1—14小节为主题的陈述部分。主题的核心部分就是沉重而又缓慢地演奏出低沉的声音，并且在第一部分内反反复复地出现了八次，在这一个小动机中，虽然只有简单的三个音构成，但是表现出来的那种悲痛而又深沉的个性特点却深深刻在了人们的内心之中。这三个音符演奏出的强有力、深沉而又阴暗的音调蔓延至整个曲子，让人们不由地会想起“丧钟”的感觉，下行音调的使用让这个主动机增添了悲剧性的色彩。其次是死亡的主题。拉赫玛尼诺夫具有悲剧性的气质，而死亡是悲剧性的最高表现，所以很多作品中都表现出了死亡的主题，在他看来死亡是不可抗拒的，一切美好事物发展的最后结果都是死亡，只有经过死亡才能够迎来新的升华。所以他十分喜欢引用格里高利圣咏《末日经》中“愤怒的日子”的音调，因为这一段旋律被多位音乐家视为死亡主题。拉赫玛尼诺夫终身都在变幻运用着这个主题音调，成为了历史上使用这个主题最多的作曲家，因此这个主题形象也就成为了拉赫玛尼诺夫音乐作品特别是钢琴作品的一种特殊标记。
二、结语
