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篆刻艺术论文范文1
（一）强调针对性，符合艺术类学生的特点
艺术类学生个性较鲜明，重感性思维，在入校前参加过艺术写生的专业训练，具有一定的写实造型基础，易于接受新事物，对图形表现技法的探索力强，对图形图像表现的技法兴趣较高，对市场、品牌定位、目标受众、媒体环境等认识不足，须提升整合的设计观念，在制定艺术设计专业项目工作室制课程，首先需要考虑以上艺术类学生的特点，针对其专业基础，制定与之相适应的课程体系，才能取得较好的教学效果。
（二）以职业能力为中心，凸显艺术设计专业的特点
艺术设计专业是以视觉形象为载体来传递信息，从视觉传达的角度来看，以造型基础为基础课程，通过三大构成课程引入专业设计课程，着力培养艺术设计专业所必需的图形思维表达能力，并强调从事本专业领域工作的实际操作能手。着力培养学生运用艺术设计的基本原理把握不同广告媒体特点以及设计创意方法和表现形式，在课程教学环节上，应多安排优秀设计鉴赏和同一主题的多种风格的转换的表现，培养学生的图形思维能力，提高图形图像的敏锐度，拓展学生的图形设计的表现语言。
（三）以就业为导向，适应现代艺术设计的发展趋势
现代艺术设计随着市场及媒体环境的改变，其领域也不断拓展，由传统的平面广告、企业识别系统、出版物逐渐拓展到动画广告、多媒体广告、网络广告、手机广告等不同应用领域，课程的设置上应主动介入艺术设计行业现状及发展趋势,把握设计公司的岗位流程要求，使学生了解信息时代的特征，特别是电子商务时代对艺术设计的影响，提升学生的团队、项目管理意识。
二、与岗位相适应的模块化教学单元
（一）真实工作体验式的课程体系
学生通过第1学年的职业基本技能的学习，以及第2学年进入项目工作室的模拟公司化、以赛促学的职业核心技能课程的学习，不断提升职业技能，完成由学生到设计师的角色转换，为企业顶岗实习和广告设计公司实现“无缝对接”。以项目驱动课程教学，围绕理论知识传授和技能实训的有机结合，把每一项目进行合理拆解分工，使每个学生都能参与到项目制作中，在实践中发现问题、解决问题、总结问题，提升学生的艺术设计职业能力。
（二）职业岗位技能与自我发展的协同安排
以艺术设计岗位职业能力分析为基础，重构广告设计公司的工作流程，即市场策略、创意定位、设计表现、设计执行、效果评估五个步骤，将从业所需要的技能、知识、思维方式等有机地整合在一起，以培养学生的职业岗位技能，同时兼顾到学生综合艺术素养、团队协作意识的培养，形成了“岗位+职业发展”的基于工作流程的课程设计理念。针对广告设计的初始岗位能力，与发展的自我发展能力做出相适应的细化要求，以明确学生在掌握职业技能的同时，注重培养专业发展的多条路径。
（三）多层次的延伸扩展的专业课程安排
艺术设计专业课程以广告设计、包装设计、样本设计、画册设计、企业形象设计等专业核心技能课程为中心，进行课程的重组与整合，主要分为基础素质类课程如造型基础、色彩、速写等，专业基础类课程如平面构成、色彩构成、立体构成、二维图像软件，二维矢量软件等，专业核心类课程如专业的设计类课程，专业拓展类课程以及专业综合训练类课程等。以岗位需求为出发点，对课程进行模块化设计，注重基础课程与专业课程的穿插，同一课程不同应用方向的设计，通过专业课程的学习，使学生掌握不同专业设计的差别和相同的设计原理。
三、基于项目实现的弹性教学管理
课程采用商业艺术设计项目教学，项目的设置可能以解决企业的某个现实问题为目标，通过对优秀艺术设计项目案例的分析研究，使学生能够完成商业项目的制作，教学过程实行课堂理论讲授和机房实训相结合，授课采用多媒体演示优秀艺术设计作品、点评解析作品、分组讨论、模拟提案等多种教学手段，机房实训采用电脑教室或大屏幕投影，讲练结合，在教学过程中实行项目管理教学法，把整个班级分为若干个项目团队，将整个教学内容按照知识点分解成若干目标节点。按照公司化的项目管理和团队合作的理念来组织教学，以培养学生符合艺术设计项目管理理念的生产创作习惯和良好的团队精神。教学课程由专业课程组与合作的广告设计公司共同开发，项目教学由模拟项目向真实项目过渡，单纯技能型的分项训练向项目综合技能的提升训练渐进。课程项目任务由项目工作组、教师工作组、项目控制员、提案小组协调完成。课程实行弹性教学管理，其核心就是教学设计服从于客户项目的要求。项目工作组由教研室主任及骨干教师组成，其职责是：与合作的广告设计公司密切合作，与客户进行有效沟通，确定客户的需求，确保创意定位的准确。教师工作组由专业教师组成，其职责是：指导学生建立项目小组，明确分工任务，有效完成设计方案，保证项目的品质和质量。项目控制员由创意小组专职人员担任，职责是：组织项目展开，控制项目进展的节奏，确保项目如期完成。教学班级由若干创意小组（每组4-6人）同时跟进一个项目，进行内部提案竞标，形成项目小组间的竞争，在项目实施过程构建教学与实践结合的良性关系，项目完成时，由专业教师对项目完成情况进行总结分析，使学生通过项目的制作，理解项目制作的流程，把握制作过程的重点。
四、多元化的教学评价考核机制
广告设计与制作专业课程分阶段进行评价。建立职业能力综合评价体系，以目标水平为主，阶段成绩为辅，结合课外作业、学习态度以及本人课程学习中职业技能的提高程度进行综合评价。强调目标评价和过程评价相结合，注重作业过程、方法步骤的流程控制，加强实践性教学环节的考核，注重平时成绩记录。课程按百分制考评。在教学中按课程教学节点分别进行综合评估，按不同的权重计算总成绩，学生成绩评价采取多元评价体系：
（一）目标性评价
选取最能体现或代表所需职业能力的商业项目，让创意小组完成这些项目，然后根据项目完成的效率与质量进行评价，依据课程的目标，按照行业相应要求，可直接把最终商业客户的评价引入教学考核，使学生能了解市场的真实需求，以避免自己的主观喜好把握设计样式。
（二）阶段性评价
根据项目任务书要求，从完成工作任务的阶段过程中进行评价。将评价对象的学习发展轨迹作为评价内容，强调评价主体多元化，强调学生对设计流程各关键节点的把握，强调设计的程序化，重视评价对象自我反馈、自我调整、自我完善、自我提升的作用。
（三）多元性评价
在教学别注重鼓励启发和引导学生，关注那些有个性、有创新意识的学生。作业评讲可以是学生自评，每个同学都要阐述自己作业的设计思路、定位点及表现手法以及创作体会，还可以是同学之间互评，在此基础上教师再作总评。评分标准包括作品立意构思、整体构图、元素表现、材料运用、工艺效果、作品的完整性等，还包括学习态度、团队的协作、规范的制作、符合后期生产工艺等。
（四）校企结合评价
遵循“课程与实训结合”的理念，采取公司设计师与学校教师相结合方式进行评价。按照广告设计公司要求与课程目标相结合进行评价，注重能力与实际工作的关联程度，将创意思维能力、表现能力、策划能力之类的单方面要素考核转变为完整工作任务评价。评价形式可以通过实际操作任务等评价项目，做出职业能力水平的综合评价。
五、结语
篆刻艺术论文范文2
美术欣赏是一个观察、体验、品味艺术作品的过程，在这个过程中，人们进行感受、体验、分析、判断，从而获得审美享受以及一定的美学知识。通过不断的欣赏学习可以提高人们的审美趣味，陶冶人们的高尚情操，直接或间接地接受教育，从而发挥其社会功能。普通高校加强和实施美术欣赏教育，是抓好学生素质教育的重要环节。一般来讲，素质不单单是专业知识的技能，还包括很多直面人生的能力和各方面的修养，如道德素质、生存能力、应变能力、潜在能力、动手能力、审美能力、艺术修养等等。特别是在心理素质方面的能力的培养，在感觉、知觉、记忆、思想、想象等心理活动中所体现出来的各种能力的倾向，如逆反、好奇、注意力、兴趣、情感、动机、意志等这些将构成心理素质的总体，而这些又直接影响着创造力的发挥。
人的视觉认识是从自然主义开始的，尽管一个立体的自然场景不像是一幅图画，而一幅平面的图画都被看作是一个真实的世界，公众要求艺术家在一块想象的舞台上把生活的故事表现得栩栩如生。教师经常听到学生说：“我看懂了这幅画”，或是“我看不懂这幅画”，他们也许是仅限于理解了画的表面画了些什么内容，而不会欣赏画面内在的表现手法和含义。在这种认识方法中，丝毫没有审美气息。WWW.133229.coM艺术是以感知为基础的，人们认识美、发现美、鉴别美、创造美都离不开感觉，这种感觉决不是依靠某些逻辑推理或者数字计算，比如对画面物体和人物的比例关系的把握就是如此，比例本来是数字形态的东西，我们可以依据数理逻辑变换出多种方案，但是，只有使数字形态视觉化以后，才能靠感觉来比较、推敲、判断出美与不美。而对艺术的感受力的加强，就会迅速找到它的美的所在，再从色彩上来分析，色彩的构成要素十分复杂，色彩的生理效应更为微妙，色彩美感的个性特征更强，尽管有着十分详尽的色彩理论，有着各种色表，色立体和各种配色宝典的工具手册，也只能对色彩的学习与使用起一定的指导作用，最后如不能落实到视觉感觉上来，总是不行的。正如音乐家对乐感的感受、舞蹈家对肢体语言的感受、书法家对笔墨挥毫的感受一样，他们无一不是凭借着一种强烈的艺术感觉来实现着艺术的升华。
具体到普通高校的美术欣赏课，教师要通过审美教育来丰富与开阔学生的审美天地，让学生感受到全面与完善的艺术教育，对于非艺术专业的学生来说，并不要求他们了解太多的绘画技能，通过美术欣赏课的教学使其学会一些美术常识及学会如何欣赏。如通过中国美术史论的欣赏，懂得各门类画种的美感特征与技法特点，懂得其透视上的高远、平远、深远和散点的运用，用墨上的浓、淡、干、湿、焦所产生的艺术魅力和创境达意的艺术手法。美术作品及美术现象的种类繁多，比如从种类上分：油画、中国画、水彩水粉画、版画、雕塑、建筑、民间美术、现代美术等；从时间上分，外国美术有：原始与古希腊、古罗马美术……欧洲文艺复兴时期的美术……18、19世纪欧洲美术直至现代抽象艺术等，中国美术有：新旧石器时代的美术、商代青铜器、秦汉石雕、魏晋壁画以及唐以后的绘画；从作品的内容上分：人物、风景、静物、风俗画、宗教画、装饰画等；从艺术流派上分：西方古典主义、浪漫主义、现实主义……以及后面的印象派、野兽派和立体主义、超越现实主义等；中国画中顾恺之的《传神阿睹》，吴道子的《吴带当风》，范宽、郭熙的《高山仰止》……这些美术欣赏的内容，可自成体系，但也有局限，教师要将这些内容有机地联系起来，寻找切入口，达到最佳效果。
首先，教师应引导学生从各种角度建立“真实”的概念。在不同的时代、不同的文化背景下，人们对真实有不同的理解。米开朗基罗的“大卫”，安格尔的“古典主义”，毕加索的“立体主义”，以及非洲的木雕，中国的农民画等等，于创作者来说，都是真实的。因为每位艺术家都以自己内心中的“真实”的尺度来描绘对象。但是它们之间在观念上、风格上的差异却是相当大的。同样，作为欣赏者来讲，每个人也会因修养、知识、性格的不同而对“真实”的体系标准做出不同的判断。那么我们教师应该教给学生什么呢？
英国的艺术家和批评家艾瑞克·牛顿曾十分形象地将艺术品比作一层层剥开的洋葱，表皮是“再现层”，表皮之下一层为“诠释层”，再往里一层称为“审美层”，也就是讲，看一幅画，首先我们看到的是画面表现的内容：人物、场景或是一些抽象的符号。其次，再看一看画家是用何种方法来表现，如构图、线条、色彩、笔触以及总体的表现符号等等。最后，综合以上两点，想一想作品给你一种何样的意境，强烈程度如何，是否领悟到了一种以语言、文字所不能表达的体验，如果有了，那应该是基本上看懂了。
现在我们拿达·芬奇的《蒙娜丽莎》来作为欣赏对象，第一眼的印象是一个安详、温和、完美的女性形象，然后知道艺术家在应用了科学的方法在绘画观念、技能上采用的独特方法。然后，将其和以“神”为主导的中世纪作品相比较，《蒙娜丽莎》那传神的眼睛和会心的微笑，是对人生的充分肯定，是对人性的赞扬，从而表达了作者的人文主义思想。类似的表现技法，在今天屡见不鲜，但在那个年代，那个历史环境下有如此成果，确实是相当有艺术价值的。
我们再以毕加索的现代作品《格尔尼卡》来欣赏，画面中的各种奇怪造型令初见者费解，然而那种具有张力的感觉是每个人都感受得到的。接下来，如果我们了解了牛头是残暴与黑暗的象征，马是民众的象征，孩子的哭号挣扎的形象以及立体主义的基本造型方法与法则，那我们就会知道毕加索在画中表现了人民受到各种苦难而造成的暴烈恐怖的气氛，画家用犀利的笔触表达了他对法西斯的仇恨与宣泄，而立体主义就是他观察、表达事物的一种表现方法。
在美术欣赏课中教师在教学中要让学生懂得，美是具有多样性的，但又有一定的内在联系。艺术的价值并非在于精确地摹写事物的表象，而在于表现出事物的本质以及传达作者对事物的理解和情感。艺术史告诉我们，艺术的发展有一个从低级到高级、从外部世界向内心精神状态发展的过程。从每个时代所留下的作品中可以看出，他们对前人的成就都有所发展，有所创新并和时代紧密结合在一起。仅看懂一幅作品或是几幅作品并无太大的意义，只有通过大量的、不同风格的作品欣赏，并且使这些作品在脑子里串起来，形成一定的概念和框架，逐步建立起学生自己的审美价值系统，这才算真正地学会了欣赏。
美术是一门与千家万户息息相关的艺术，非艺术专业的美术欣赏教学又是人生感知美术审美教育和美术技能教育的重要阶段。让美术从美术家的小天地中解放出来，“飞入寻常百姓家”，让大学的美育教学工作立足于审美能力的培养，激发学生广泛地参与审美活动，从被动地接受美育变为主动地需要美育。逐步形成健康的审美观念，使学生在审美活动中实现自身精神意识的升华，对造就一代人的高尚情操和社会风气也是大有益处的。
参考文献：
[1]《中国美术史》 高等教育出版社
