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服装设计的表现手法范文1
关键词:服装面料;再造艺术;设计
随着社会不断发展，人们对服装的要求不断提升，单纯的从服装款式进行设计已不能满足人们对的个性化需求。于是，追求服装面料的创新，最大限度地满足人的生理、心理需求，显得大有潜力可挖。面料的变革与创新为服装设计的发展带来新的生命力，对于服装设计而言，款式变化受到服装功能性需求的控制，而材料上的再创造则正好丰富与拓展了服装设计思路，使服装更具新意。通过对面料的不断创新，在提高服装的服用性能的同时，又带给人们新的审美感受，面料再造艺术在服装设计中的应用，应从面料再造艺术的概念和设计原则着手，为艺术的应用提供支持。
1面料再造艺术概述
面料作为服装三要素之一，面料不仅可以诠释服装的风格和特性，而且直接影响着服装的颜色和造型的表达效果。所谓面料再造艺术，主要是指在面料原有设计的基础上进行二次设计，旨在通过改变面料自身的协调性和艺术性，为服装设计增添新元素，提高服装设计的艺术价值［1］。它不能脱离服装设计去进行，因此，面料再造艺术又是在了解面料的性能和特点，并且保证其具有舒适性、功能性、安全性、美化性等特征的基础上，将服装设计的基本要素考虑在其中，结合多种工艺手段，强调服装的艺术性、美感和装饰内涵的一种设计艺术［2］。服装面料的再造艺术不仅改变了面料本身的特性，提升了面料本身的创造空间，而且能很好的展现设计师的创作理念，带来最好的视觉盛宴。
2面料再造的表现手法
面料再造的表现手法大致可归纳为加法、减法、变形法、综合法。
2．1加法
将相同的一种或多种材料运用排列、组合、叠加、堆积等添饰手段而形成立体的、和谐的、有层次的、有节奏的、富有创意的服装面料的再造手法［3］。
2．2减法
将原有面料经过抽、镂、剪、烧、烙、撕、磨、腐蚀等手段除去或破坏局部，使其达到一种特殊肌理效果的再造手法。
2．3变形法
将原来的面料经过抽褶、皱缩、捏缝、拧结、挤压等变形处理，使面料具有丰富变化的浮雕效果的再造手法。
2．4综合法
同时采用加法、减法、变形法中的两种或两种以上的再造手法。
3面料再造艺术的设计原则
3．1功能性
功能性是服装面料再造艺术的重要的设计原则。面料再造艺术应以功能性为主要设计原则，充分体现服装设计对人们体感的影响，根据服装本身的实用功能、穿着对象、适应环境、款式风格等因素考虑其中，并在整个设计过程中都应以体现或强调服装的功能性为设计原则［4］。
3．2艺术性
面料再造设计的艺术性主要体现在其能给人很好的精神享受和无尽的想象空间，令人在气质上得到很好的提升，视觉上也更和谐。艺术性是面料设计最为本质和灵魂的原则，只有将艺术性贯穿到面料设计中，才能使服装更具精神内涵，传递更为深刻的思想价值［5］。3．3协调性服装面料不仅是服装造型的物质基础，也是造型艺术重要的表现形式。但若两者配合不当，那么看上去就无主次和个性而言，无法达到在形式和风格上的统一［6］。因此，面料再造艺术应结合面料和整体风格特点相统一，使服装达到最好的表现效果。
4面料再造艺术的发展前景
随着现代社会的不断发展和生活方式的转变，人们对衣着的要求也越来越强调独特性、优越性和重要性。从一定意义上来讲这些审美心理和消费观念无疑影响着服装设计师的设计方向，使设计师开始把设计关注的重点放在了服装面料再造中，通过材料与整体工艺的完美结合来体现设计的理念和创作灵感。那些服装设计大师的作品充分的说明了探寻发现和巧妙运用独特材料所产生的巨大影响力。对面料的适时改变为服装设计提供了更广阔的空间，在这潮流瞬息万变的时代，设计师要想脱颖而出，在其他设计因素相同的情况下那么面料的再设计就形成了新的突破。更需要结合面料本身的质感和材质等方面来进行艺术创作，因此在现代服装设计中面料再造就显得尤为重要，也会是未来服装设计的变化趋势。
5结语
本文通过对面料再造艺术的概述、面料再造的表现手法、面料再造艺术的设计原则和发展前景进行了介绍，充分的体现出面料再造艺术是设计领域中不可忽视的一股力量。要想达到理想的设计效果，同时又保留适宜的面料特性，设计师们应勇于创新实践突破传统，把面料再造艺术推向一个更广阔的天空。
作者:张宇 杜兴研 单位:大连工业大学服装学院
参考文献:
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［2］吴晓菁，温金．服装设计中面料再造艺术的运用［J］．纺织科技进展，2007，1:84．
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［4］龚建培．现代服装面料的开发与设计［M］．成都:西南师范大学出版社，2003，24．
服装设计的表现手法范文2
关键词：速写；教学方法；中职；服装设计
绘画基础是服装设计专业的专业基础之一，速写又是绘画造型的基本功之一。从速写创作过程看，画者要与对象进行主动交流，主观提炼对对象形体特征的感受，既可以整体地概括造型，又可深入细致地刻画局部特征。速写练习发展画者敏锐的观察能力、造型感受力、简练准确地表现对象的能力、整体把握画面的能力。相较于速写,素描练习要求结构严谨、观察细微，需要较长的时间进行推敲、描绘。速写则用时短，不拘细节、用笔简练、要求敏锐快速捕捉形象特征和神韵。速写的形式简单灵活,又有非常广的创造性,造型手法多样,可松可紧，对于强调快速、风格、潮流的服装设计行业来说，速写更是服装设计师们常用的表达手段。坚持速写练习，不仅提高造型能力，还能在练习中通过观察和技巧的积累，慢慢形成个人独特的艺术感受力和表现力。
中职服装设计专业美术基础教学中，绘画基础包括素描\色彩课程，专业美术包括服装画技法。服装画是结合服装专业要求对人物及服装进行描绘，服装画虽以展现服装为主，但人物是服装的灵魂，不仅要能够准确表现人物比例结构、服装与人物的形体关系，还要能够创作性地透过人物表现服装的设计语言。由于中职学生多为专业零基础入学，而服装专业因素又要兼顾缝制、服装结构、服装设计等几大课程，导致美术课时少,所以素描、色彩课程的练习对象主要是静物，没能提高学习人物素描和人物色彩，但是服装画的练习需要人物绘画作为基础。因此，人物速写正是素描、色彩课程与服装画课程之间的纽带。速写作为一种简练、灵活的练习手段，能够贯穿于素描、色彩、服装画几大课程中进行有效的综合探索，帮助循序渐进地提高造型能力和创作能力。很多服装画大师，如：瑞恩.布歇、威廉麦兹、埃里克、安东尼奥等，翻看他们的作品，风格各异、形神兼备，这需要敏锐的造型感受力和多种表达技巧的综合运用。然而，对于以技能学习为主的中职学生来说，过分强调绘画感受的教学是不现实的。
中职教学的目标是培养技能型人才，以适应中初级技术岗位的需求，但由于社会飞速发展和全球化的特点，就业者要能够适应社会变化发展，主动跟进社会进步。这要求就业者除了具有相关技术能力，更要有自主学习力以及创造性的思维品质，所以中职学校应以培养“具有继续学习的能力和创新精神”的高素质技能型人才为目标。从中职生的年龄特点看，该年龄阶段的创造性思维能力迅速发展，广阔性、深刻性、批判性、独立性、灵活性、敏捷性等思维品质快速提高。对此速写课程除了掌握基础表现技巧，更应以发展创造性思维,锻炼观察能力和思辨能力，培养善于积累、善于推敲的学习习惯为目标。笔者认为，速写教学有非常丰富的教学意义，中职服装设计专业的速写课程不能简单地认为只是素描课程的附属品，几张造型练习就草草结束，我们应当从学生未来发展的角度审视教学目标，运用适当的教学方法，使学生得到质的锻炼。首先，速写教学应摈弃“经验式”的教学方法。“经验式”的教学方法是技巧的传承，缺少独立性、批判性、广阔性的思维锻炼，以及尝试\探索的实践精神。现今市面上出现一些速写教学宝典,是为了迎合“速食”教学和应试需求，其中方法流于经验谈、前辈谈,范本式的固定风格，千人一面。从学生成长的角度看，真正有益的速写练习是画者主观能动地捕捉和刻画个人对物象的感受，在练习中耐心地感受、推敲、营造，并非一味地强调技法和帅气的笔法,这样的练习才能够真正锻炼学生沉下心观察物象，锻炼分析能力、判断能力和独立思考能力，并发展个人的独特风格。教师的指导不应着眼于具体的细节描摹上，而要把着眼点展开，如造型美感、整体关系、个性、创造性、表现手法等角度去引导学生分析、思考。从笔者多年的教学经验看，只要教师不强加教授“经验式”表现手法，每个学生在表现时都有独特的表达特点，甚至差异性很大，观察并帮助发展学生的良好个性，才有助于提高学生的学习积极性，发展学生良好的思维品质，帮助学生形成自己的艺术风格。“经验”只会形成固定思维，难以开启学生的创造智慧。
其次，从速法看，速写可以是素描的快速表现，也可以是色彩的概括表现.速写的特点不管是结合素描方法还是色彩方法，或者其他的美术知识或技巧，都是表达形式上的简练、用时短。在绘画基础学习阶段，速写练习以素描方法为主，其中提倡以线描造型为主，马蒂斯曾说“在艺术上你的方法越简单，你的感觉越明显”，单纯的线描手法使学生更专注于形体关系和形体感觉,培养基本的造型塑造能力，而非在意技法效果。针对专业特点，我们可以鼓励学生表现服装时注意多种服装线条特点，如:缝纫线、衣纹线、装饰线、结构线等线条的表现,帮助理解服装造型结构及服装与人体的关系。在服装画学习阶段，提倡运用线描、线面结合、素描淡彩等简洁明快的表现手法，结合服装画教学使人物及服装的表现更为整体、流畅和富有创造性。此外，强调量的积累，通过积累表现技巧和造型理解，逐渐地对服装画风格的把握就不会仅仅是生搬硬套，可以融入个人的理解进行再创造。再次,从速写目的看，速写分为练习性速写、素材性速写和作品性速写。练习性速写以锻炼造型能力为目的，素材性速写以收集素材为目的，作品性速写以创作为方向。结合速写目的，我们可以将服装专业速写课程分为静物速写、人物速写和时装速写三个板块。静物速写是速写的起步，可结合素描学习阶段进行练习，加强并扩展造型表现手法，如构图、明暗、体块、线面、虚实等。人物速写是服装专业的侧重点，一定量的练习性人物速写可以帮助学生积累形体感受力，通过自己的观察体会、推敲揣摩，建立整体、流畅、平衡的形体观念。循序渐进地结合临摹、写生和默画练习方法进行训练，逐步掌握人物形态、动态、与服装形体关系等造型规律，内化造型感知力。时装速写主要在服装画阶段进行，一方面强调练习性地训练表现人物和服装的基本造型能力，一方面鼓励创作性地进行夸张\几何化\装饰等创作手法的造型变化，鼓励尝试不同的表现技巧。素材性速写主要应用在服装设计课程，培养学生善于积累的学习习惯。绘画基础的速写教学教什么、怎么教，面对不同专业、不同年龄有不一样的目标和方法，我们作为教师首先应明确速写学习的功能和目的，了解教学对象的目标需求，才能把握好教学目标，探寻有效的教学方法，帮助学生打好专业基础。
作者:李琪 单位:汕头市纺织服装职业技术学校
参考文献：
服装设计的表现手法范文3
从20世纪60年代起，后现代主义思潮一前所未有的速度席卷了全世界，对包括工业设计、服装设计、平面设计和工业设计在内的设计行业都产生了极其深远的影响。涂鸦文化无论是从其艺术性或是社会性来说，都是一种典型的“后现代主义”的行为和形式。于是，无数的设计师在寻求自身价值的同时，把目光投向了涂鸦这个独特的艺术形式，将涂鸦图案融入自己设计作品。所以，现代服装设计和涂鸦地结合在极大程度上也表现出现代服装设计对后现代主义的需求。无论是从外在形式或是内在气质，涂鸦都很好地诠释了其代表的服装时代个性。对比保守的中产阶级品味，涂鸦文化的活力、自由甚至是破坏力，让涂鸦逐渐成为服装时尚界创造新刺激和结构传统的挖宝之地。对大部分服装设计师来说，后现代主义的服装设计观已不再单纯体现传统价值观，更表现了设计师对周围环境的应激和对个体的需求，哪怕这种应激和需求是毫不实际。涂鸦充满了对现代社会的调侃和影射，是一种典型的后现代主义形式。涂鸦手法是现代服装设计大师喜爱的惯用手法，运用非洲图案，色彩十分鲜明，涉及美国社会有色人种方面话题，可以说是有色人种在美国社会中的典型例子。涂鸦艺术具有一种属于年轻人的野性和自由感，这些新鲜的元素是米兰巴黎这些主流时尚圈不具备的，为现代服装设计带来新的启发。一些年轻设计师在谈起涂鸦艺术的时候，认为其能给他们带来兴奋感。服装设计者对涂鸦有一种天然的亲近，他们认为涂鸦艺术是他们对于设计和艺术理解的块段，包括色彩、组合、线条、造型以及每一个图形元素具有的普遍感情和原创意义，开始将涂鸦图案在去设计的服装中应用。一些涂鸦图案和字体被运用到面料的设计中，使设计呈现出一种全新面貌。当然，涂鸦的意义不仅在于对面料的改造，更在于它是种从心底迸发的需求，有着自身的情感，而用这些情感来表达设计才是涂鸦精神带给我们最大的影响。对于如今的服装设计师来说，可用的素材太多，常常让他们失去了自己的个性及原创性，设计出的服装缺少灵魂。真正优秀的创意应是凭借自身的直觉和情感，这样设计出的作品才能打动人。涂鸦这种表现形式冲破了传统的禁锢，源自与设计者的内心，体现了设计者精神上的返璞归真。
二、涂鸦图案对服装行业的影响
在当下社会的消费品市场，涂鸦图案已经从初期简单的实验转变为有很大的社会影响力的文化符号和视觉符号。在人们现实生活中这种文化符号随处可见，不管是在家居、日用品还是服装。这些文化符号体现了现代人不同群体的消费观和价值观，同时也体现了现代社会价值观的多元化。对于现代的服装设计，文化符号是重要的设计元素。首先，文化符号体现了所属社会的价值取向和文化背景，不管是图案、造型或是色彩上的文化符号都表现了设计的时代特征，这也正是服装作为消费品的检验标准。其次本随着大众媒体的引导及宣传，服装品牌具有更多的象征意义，民众通过服装的消费渐渐构建自我和社会的认同感，在消费和社会意识见建立起一种联系，继而不断改进服装产业的消费及营销模式。
三、结语
服装设计的表现手法范文4
关键词：服装设计；京剧脸谱；色彩解构；传统色彩
我国的国粹京剧不仅是中华民族的精神象征，也是世界文化遗产中的灿烂瑰宝。京剧脸谱是最能代表京剧的象征元素，其夸张的图型和鲜艳的色彩让人印象深刻。京剧脸谱这一别致的艺术元素从原本单一地出现在京剧演员脸上到现在已深入到生活的方方面面，如瓷器，纪念品，服装等。它经受历史长河的洗炼且被传承至今。在服装设计中结合京剧脸谱的色彩解构和图形设计，不仅是在服装应用元素设计上的探索，也是对中国传统优秀文化的传承与发扬。
一、京剧及京剧脸谱
京剧是中国国粹艺术，于2010年获选“人类非物质文化遗产代表作名录”。在京剧戏剧中按角色被分为多个行当，从早期的生、净、旦、丑、末、武行、流行（龙套）七行，到后来的生、净、旦、丑四大行当（如图1）。“生”是指在花脸及丑角之外的男性角色的统称。“净”俗称花脸，是以唱功为主的大花脸或二花脸。“旦”是指女性角色的统称。“丑”是扮演喜剧角色，又因在鼻梁上抹一小块白粉，俗称小花脸。中国的京剧脸谱是在演员脸部用中国传统的五彩色涂画出的线条图案，所描绘的脸谱是剧作中根据人物性格、身份、年龄、职业等综合作出（以性格为主）的一个抽象概括，通过这些造型，让大家直观的感受到舞台人物的性格特征。京剧脸谱的这种涂画方法，来源于远古的图腾崇拜，发展到后来的面具及化妆，以及到后期形成的脸谱，京剧脸谱便源自于此。
二、京剧脸谱的色彩寓意
（1）色泽的寓意深、素、暗：代表年老，贫穷；浅、艳、明：代表年少，富裕。（2）色彩的寓意（如图2）由于受到中国传统色彩观即“五色观”的深远影响，京剧脸谱也常借这五种单色即“青，赤，黄，白，黑”来表现人们的喜好。在京剧脸谱中，红为忠、白为奸、黑刚强、青忠勇、黄猛烈、草莽蓝、绿侠野、粉老年、金银两色泽亮，专画妖魔鬼审判。色彩成为“辨善恶、别忠奸”的符号。当然，除了这些基色调外，还有多种颜色为辅助色调，起点缀的作用。基础色与辅助色相互映衬相互配合，构成一个个色彩鲜明的脸谱。其大致的表现意思是：红色一般代表忠勇侠义，多为正面角色。黑色一般表示勇敢刚直，另外也有表示阴险奸诈、刚愎自用之意。金色一般会代表天外仙人，有时也表示精兵强将。紫色一般代表秉性正直、坚毅不拔，不曲意诌媚。银色有妖魔鬼怪之意。黄色表示急躁，威武。蓝色表示坚定不移、有时也代表阴险狡猾。绿色表示宽厚正直、有时也代表鲁莽行事。京剧脸谱色彩应用的典型代表比如黑脸的典型代表人物是包青天，白脸的典型代表人物是曹操，红脸的典型代表人物则是关羽。其中京剧脸谱中的所占比例较多的主要色彩，在某些程度上便反应了该人物的性格特征。比如，脸谱主要色多为白色的人物大多是奸诈且作恶多端的坏人，白色所占的面积越大，则代表该人物的阴险狡诈程度越强。
三、服装设计中京剧脸谱色彩解构的引入
（一）解构的概念
“解构”(deconstruction)一词来源于解构主义，指拆除、分解、打破、建构，本文中的解构是指一种设计思维方式，是将设计的灵感元素进行打破、切割、拆除、分解而变成无数细小的个体或细部，注重个体或细部的研究，反对囫囵吞枣的简单重构，其形式是从灵感元素的各种破截面、视点、角度来表现设计思想，将最具典型特征的个体或细部进行重新思考进而创作新作品，体现设计思维。通过这种思维方式的训练，在某些方面处理了整体与局部的问题，并从理论上分析了原有作品与对原作进行的解构之间的相互关系问题。
（二）服装设计中京剧脸谱色彩解构实际运用
在服装设计中引导学生以京剧脸谱元素为设计灵感进行服装设计，通过运用不同的设计方法和不同表现手法均会产生多种不同的效果。除了服装款式造型设计之外，京剧脸谱的色彩常用的表现方法是图案及色彩解构。
1.京剧脸谱图案的运用
在直接运用京剧脸谱图案在服装设计中进行设计，图案以不同的工艺手法进行表现，如以剪纸的方式进行镂空设计或拼接设计等，又如以刺绣、印染或手绘等工艺进行京剧脸谱的图案设计运用，以及运用电脑矢量图的绘制形式对图案进行创作，并表现在服装所需设计部位。如图3以京剧脸谱图案进行的T恤衫上的设计。
2.京剧脸谱色彩的解构
本文的色彩解构，其思路是打破原有京剧脸谱的色彩及色彩线条格局后进行整合、创作并重组，对原作品中的面积、形状、色调重新整合，抽取其中一典型元素加以设计重构，形成全新的设计作品。色彩解构主要包括两个部分：“首先是对色彩进行结构分解，再者是对色彩重新重构即提取典型色彩元素按照设计要求创作新作品。”第一个阶段主要是分解、打破、取舍的过程，而第二阶段是打散、整理、重新组合的过程，但依旧留存了原色彩的典型要素。在服装设计中运用京剧脸谱的色彩解构，其具体的方法是将京剧脸谱的具象化的直接装饰物品，进行解构组合抽取部分图案或颜色装饰物品，不断探索它在服装设计上的最佳使用方式。色彩解构的方法及内容很多，如通过以下几个案例来说明在教学过程中探索解构色彩的教学规律。如图4直接用脸谱图案的具象化设计进行服装装饰会给人一种浓郁的中国传统艺术之感。而将京剧脸谱的图案和色彩进行解构重组后再装饰到服饰的物品上则会给人时尚前卫之感（如图5）。又如以京剧脸谱上出现最多的蓝、黄、绿、红这四种颜色加以图案用色，如图6效果图设计和图7成衣设计，整套服装以体现京剧脸谱上的民族色彩为主，部分款式加入了京剧脸谱的造型要素，充分地展示了民族文化在服装设计领域中的魅力。
四、结语
京剧脸谱的色彩解构以现代的、多样的表现手法在服装设计中加以应用，是中国传统艺术文化在服装上的艺术表现，展现了中国博大精深的传统文化底蕴。凭借京剧脸谱这一极具中国特色的艺术表现形式，加之大胆构想，巧妙地应用到服装设计中。以此将中国民间传统艺术与现代设计的创新结合进行应用，可谓魅力无穷，而服装设计只是生活众多领域中的冰山一角而已，由服装色彩对人情感的影响这一科学性研究还可运用到高科技领域中去。坚信在现代科学与传统文化的结合下，我国的优秀传统文化永葆生机活力。
作者:黄俊敏 李响 王译 单位:安徽工程大学
参考文献：
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服装设计的表现手法范文5
“大音希声，大象无形”，中国人自古就有“大”情怀。含蓄、内在、返璞归真，是中国传统的艺术美学观念。将传统元素瓷器裂纹运用在现代服装设计中，也应该重视大朴不雕、大巧若拙、大音希声的文化情怀。纹样造型、工艺手法都是为了最终的服装效果而服务，过分地注重、表现装饰手法本身，就会失掉文化元素原有的光彩。
2瓷器裂纹在服装设计中的设计方法
2.1具象表达
直接移用是指将瓷器裂纹直接移用在服装设计中，结合服装的整体风格、设计主题，搭配合适的色彩，它是最容易掌握，也是最常见的设计方法。将瓷器裂纹直接印染在真丝上衣上，搭配飘逸的水蓝色雪纺长裙，展现出女性纯净自然、天然去雕饰的美丽。但采用直接移用的方法进行设计时，容易出现套用纹样，设计死板的情况。在服装设计中，除了直接移用外，也可以在掌握瓷器裂纹形貌的基础上，进行变化设计，即变化形的设计方法。瓷器裂纹的形的变化元素有点、线、面的形状和大小。
2.1.2.1变化形的种类服装设计中瓷器裂纹变化形主要有两类：
①保留与舍弃。保留与舍弃，是指在裂纹元素中选取一个方面进行保留，其他方面进行挤压、重叠、夸张、分离、拆解等变化。就是在服装面料图案中保留了瓷器裂纹线，挤压面的变形设计，凌错、重叠的部分更多。则是保留了裂纹的块面感，将裂纹线进行分离、规整，在面中填补新的纹路。
②象形变换。它是模仿瓷器裂纹的形貌的变换设计。将裂纹线的人形、X形、K形等进行扭曲、装饰，赋予新的形象内容。将裂纹线进行不同的装饰变化与扭曲变形，象形变换后，更具藤曼缠绕的野性美。则表现出繁花似锦的装饰美。象形变换可以使瓷器裂纹更贴近服装整体的设计主题与风格，联想丰富，具有一定的灵活性。
2.1.2.2变化形的接合方式瓷器裂纹是由单个形接合成为整体的纹样，更容易体现出次序美、节奏美。在服装设计的应用中，针对这一特点，除了变化形以外，还有变化接合排列方式的设计方法，排列接合方式分为有序排列接合与无序排列接合：
①有序排列接合。它是指裂纹元素按照一定的规律进行有秩序的排列接合，是从理性出发的接合方式。如平均排列接合、渐变排列接合和按比例排列接合。如图6为相同纹形形状、大小进行均等接合的平均排列接合，体现出服装的简洁、庄重。渐变排列接合，是指将单个裂纹按照大小、深浅、疏密等变化进行接合排列。通过从上到下以此增大裂纹面积，改变疏密形成节奏美，设计而成的晚礼服，纯净高贵，自然典雅。按比例排列，是利用裂纹单个元素之间的间隔比例来营造出视觉张力，创造出来的图案造型秩序感、节奏感强。比例排列接合常用到几何学相关研究理论，例如三角形、矩形、正多边形的黄金比例，斐波那契数列、等差数列、等比数列和调和数列等比例模式以及无理数根号矩形的原理得出的比例模式等等。按比例排列接合，实际上就是按照这些具有规律性及特殊艺术特色的比例模式将瓷器裂纹进行排列接合，及按照“数比美”排列接合。
②无序排列接合。它是指从感性出发的无规则自由接合。依照形式美法则的自由接合，没有比例意识，风格奔放、热情，随意性比较强。无序排列接合方式的裂纹纹样注重激情、玩味，无法预料纹样走向，带有张力，有独特的视觉审美。如图8为瓷器裂纹无序结合的设计方法设计而得的服装，丰富混杂了设计师的情感因素与设计契机。优秀设计作品中的无序排列结合需要较好的感性表达与审美情趣，无论偶然迸发，还是反复修改，都需要日积月累的艺术素养。如果把握不好，很容易弄巧成拙，杂乱无章，表现不出作品的美学性。
2.2抽象表达
瓷器裂纹在服装设计中的运用，不仅是对裂纹形的应用与变化，还要将瓷器裂纹的意蕴美融入其中。“意”的表达不同于“形”，是用简单代替复杂，与相关的一些材料、工艺手法或独特的服装造型相结合，象征似的表达，即是一种抽象表达。抽象表达不同于具象，更倾向于情感的表达。在设计中，虚化减弱裂纹元素的一些形态特征，着重表达瓷器裂纹在服装中的设计意蕴，或者提炼出瓷器裂纹美学性的一个点，作为灵感来源或表现手法，结合现代服装的特点来进行设计。前者沿用瓷器裂纹的风格感受，为2014年春夏巴黎时装周中关于瓷器裂纹“意”的延伸与联想的服装设计。其中GiambattistaValli的女装设计中，写意的点、虚化的线、界限模糊的面、大面积透视与黑色的简单色彩关系是抓住了裂纹元素自然随性的特点，进行意的延伸设计。而PedroLourenco的设计则表现了瓷器裂纹的纯净天然，纹路如水似画的感受，没有刻意得表现裂纹的形态，它更贴近现代生活时尚前卫的风格，只是把瓷器裂纹的某一个视觉特点作为表现形式。另外，MashaMa的设计结合了服装色彩与造型，着重运用了裂纹分割而产生的非平衡的视觉张力，从而使服装更添光彩，现代前卫感十足。在实际的设计中，前期构思的时候，就要抓准设计主题与风格，元素灵感都是为了最终设计的服装而服务，确定风格后，找出切入点，将主题风格贯穿到整个设计中去，不要拘泥于一种设计表现手法，也不要过分追求形或意的界限，从而本末倒置，或者导致设计出的作品杂乱毫无表现力。
3瓷器裂纹在服装设计中的工艺实现方法
将瓷器裂纹运用到服装设计中去，工艺实现方法是很重要的一环。工艺美是技术和艺术的美学融合。在这里将瓷器裂纹在服装设计中得以实现的工艺手法，分为平面效果的工艺实现手法与立体效果的工艺实现手法。
3.1瓷器裂纹平面效果的工艺实现方法
平面效果的工艺实现方法有印花、蜡染、扎染、绣花、提花。印花得到的裂纹效果基本能够达到设计图的纹样造型和色彩，对设计限制相对较少，适用性比较大，一般不会破坏服装面料本身的风格和手感，批量生产的成本相对较低，在实际市场中运用得较多。蜡染和扎染，属于传统手工艺。蜡染效果的裂纹深浅不一，纹路粗细浓淡也不相同，有些地方深邃，有些地方若隐若现，虚实相生，变化自然，有独特的传统韵味，常用在一些民族风的现代服装设计中。扎染，利用线、绳捆扎在染液中煮染，跟蜡染的效果有相似之处，但是借助捆扎的外力煮染，同时具有晕染和裂纹的肌理效果。提花、绣花是在织造过程中形成裂纹效果的织纹面料，在平面的视觉感受下有一定的凹凸触感和不同于平布印染的光泽效果，应用也比较广泛。
3.2瓷器裂纹立体效果的工艺实现方法
随着工艺技术的发展，服装面料工艺的实现也更加多样化，肌理效果更加丰富，结合瓷器裂纹的特点，可以采用叠加、镂空、编织、物理、皱褶等方法，来实现立体效果。立体效果的瓷器裂纹更有层次感、空间感，视觉效果也更加丰富。叠加，即在面料的表面缝制裂纹线或粘合裂纹面的工艺手法。可以根据服装的设计效果做不同风格的叠加处理，如在薄透的面料上，沿设计纹路粘合遮挡的面辅料，既可以产生裂纹的效果，又满足了遮体的功能增加了服装的可穿性。镂空，通过一些切割雕刻、腐蚀加工的方法处理服装面料，实现瓷器裂纹的效果。瓷器裂纹最初在建筑设计中的运用，就常采用镂空的加工手法。在服装设计中，镂空工艺的瓷器裂纹效果，面料较为硬挺，风格偏向建筑风格。编织的方法很多，手工编织、机器编织都可以产生不同风格的裂纹效果。可以用条状的面料、绳、线进行编织，也可以直接在织制面料时，将瓷器裂纹作为花型图案编织出来，比如蕾丝、刺绣的效果。皱褶也可以产生有立体美感的瓷器裂纹效果。皱褶改变了面料的光泽、质感，使面料跟具备动感与层次感，与瓷器裂纹的丰富生命力美感相吻合，二者相得益彰，使服装更添光彩。
4结束语
服装设计的表现手法范文6
关键词：三宅一生；张肇达；解构主义；风格；东方哲学
20世纪50年代，随着日本经济实力的增强，一批服装设计师独具一格的“日本风格”在国际舞台上逐渐崭露头角并对巴黎乃至世界的时装界产生了极大的影响，著名的有三宅一生、山本耀司、川久保玲等。其中三宅一生作为现代主义服装设计师，其作品融合了东西方的设计风格，将传统与现代完美结合。在服装的造型上打破传统的设计模式，对服装结构进行重新解构和组合，运用解构主义的处理效果，强调面料的独特性和混合性图案的拼贴，采用不对称的裁剪、利落的线条以及独特的色调来进行设计。
张肇达，20世纪80年代走向世界的中国时装设计的拓荒者；在市场与优雅之间创造完美平衡；他的成功，源自丰富的文化内涵，同时也源自他始终低调而不懈追求服饰的完美境界。从“东方晨彩”、“大漠”，到“紫禁城”以及“江南”高级时装会……无一不包涵着向生命中某些尊贵元素致敬的意味。
解构主义最让人惊艳的地方，就是其往往难以预料的出招模式，但也不是在设计上随心所欲的解构及组合，看似零乱不堪的服装设计，实质却具有内在的结构联系因素和总体性能考虑的高度理性化特点。
由于每个设计师有各自的喜好，设计思路和表现手段，上述二位解构大师设计作品所表现出来的解构风格，对主题的诠释肯定也截然不同，通过对他们作品的分析、比较，不难发现各自的特点。
一、采用的色彩的侧重点不同，表现氛围、基调各异
三宅一生的作品选择的设计色彩不拘一格，外观造型自由奔放，从中可以看到他理想主义、乐天派和充满挑战的个性，他的作品总是充满个性的灵光，服装形态带着无拘无束的解放感。三宅一生极具艺术家的精神与气质，他将服装中的艺术属性最大限度地发掘出来，将服装设计的领域扩展到了一个前人从未涉足的范围。三宅一生的成功来自于他对日本民族服饰的解读和传承方式。跳出对具体服装元素一招一式的模仿，而继承了具有精神性的审美文化：简约淡薄，含蓄暧昧。
在张肇达的作品中，你可以看见奢美与华丽中沉淀出的朴素，也可以看见风景：层峦叠嶂的山脉与斗折蛇行的溪水，还有特色的建筑，朴实的民风；也许更能够看见壮阔的宇宙和迷人的星斗。他非常善用的色调是蓝色系和红色系，这两个色调之外他非常善用黑白色调和黄褐色调。如果拿中国人的传统思想来评价他的用色习惯，那是吸纳了阴阳法则，五行法则的。设计师的浪漫主义情怀，在对传统、陈旧、甚至经典进行批判、解构和重构的过程中，确立了对立而统一的哲学思维，创造出或许是属于未来的新高雅文化，再次印证服饰艺术创造的无限可能。
二、外形轮廓，面料选择
三宅一生的时装在造型上，他借鉴东方平裁制衣技术，裁开、拼接，再组合，与西方传统的设计思想相反的是，它的服装给人提供的是第二皮肤，而不是让穿衣者被动地局限在设计师设计完成的造型中。他的作品不仅仅是装饰身体，还非常强调内部和外表造型结构，是名副其实的具有艺术特征。他认为“时装没有固定的样子，人们可以依他们想要的样子去穿着”，“衣服穿在外面，但必须用心体会”。他预留了人体与布料的想象空间，使面料在人体上律动起来，并跨越了服装既有的形态：上衣可能是裤子，裤子也可能是袋子，没有边界的创意空间，让三宅一生的作品始终充满着“发现”的艺术。他特别重视布料所传达的信息，布料的性质及特点是他创作的灵感来源之一，衣服上的线条、织物的色调，往往会成为他表现手法上的借鉴他将自古代流传至今的传统织物，应用了现代科技，结合他个人的哲学思想，创造出独特而不可思议的织料和服装，被称为“布料魔术师”。
张肇达在造型上，最擅长的就是以线条来作为自己设计作品里最强有力的表现手法：最常见的是黑白线与色彩的线，这些线条的形式在他2000年以来的作品中大多以装饰的手法出现在裤子上，多是竖的，少量作品中也有横的；出现在上衣的时候则以线来做款式的切割设计，大多是打破水平与垂直节奏的斜线。这些线使用各种不同的技术来组成的，比如有珠片绣、有行缝、有抽丝后的面料再造、有面料本身的色彩间隔线型图案、有装饰缝……这样丰富的手法，仅仅是为了在作品中将线的语言强化出来。
然而到了2002年，张肇达的作品明显在结构方面相对复杂了很多，所用的面料种类更丰富了，他在比较多的地方应用了皮草，设计作品也相对沉着了很多。用颜色方面比较2000年的作品更加纯粹壮观。在线的应用上，他更多应用了曲线。2004年紫禁城主题的系列作品中，他开始用直线与曲线构成一种轻快的组合，虽然灵感来源是宫廷建筑比较宏伟沉重的造型，但是，他将之表达得相对时尚轻盈。在工艺上表现了比较多样化的一面。比如将青花瓷的图案用丝绸印染来表达，雕廊画柱的内容则体现为行缝工艺与面料再造工艺。并且在款式上多用了很多现代气息很重的七分裤。这和他在2000年那场秀上常用的直筒长裤的款式有了明显的反差。
三、结语
在破坏中求整体，在传统中求现代，设计一组对立矛盾不难，但要集诸多对立矛盾于一身，并达到更高层次整体和谐则十分不易。虽然他们的设计灵感都来源于东方的哲学思想，但其真正的设计理念是站在时代高度对中日两国传统服装审美文化产生的服装外部表现形态差异化的全新演绎。
参考资料：
[1]彭俊宜.服装设计与审美内涵的阐释――从三宅一生的经典设计风格谈起.商业文化[J],2010.
