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服装设计要素范文1
关键词：服装流行元素；甄别；品牌设计；品牌服装
潮流和时尚是服装设计行业经常被用到的两个词汇，实际上它们所要传达的信息并不完全相同。相比于时尚，潮流更加前卫，一些知名的设计师往往能够更敏锐地捕捉到一些潮流信息，但是他们也往往会因为过多的潮流信息而不知如何去设计服装。所以设计出来的服装没有抓住最新的流行理念，不被大众接受，直接影响服装的销量。本文就是探讨如何从众多的潮流元素中选择出自己所需要的设计元素，从而让自己的品牌能够有更多的设计方式。
1识别服装中的流行元素
流行，是和当时的社会背景、文化、人们的生活方式和生活理念息息相关的。如果仔细观察，会发现流行无处不在，而且各种元素呈兼容并蓄的状态，互相融合。虽然流行主要被用在服装领域，但是流行的要素存在于方方面面。服装设计师往往面对过多的流行要素，很难选到适合自己服装设计的要素，所以自己设计出来的服装才会变得分外的枯燥和乏味。如果把各种流行要素进行分类，然后通过不同的方式进行理解和感知，设计出来的服装效果会更好。只有把流行的实质把握住，才能够设计出好的服装。第一，服装风格。每款服装都有自己的风格，是人对服装的第一印象，直接体现服装本身的艺术特点和思想特点。在比较服装的时候，对比服装的风格非常重要，每一季的服装虽然比较多元化，但是都有其自身的特点，只有充分把握住这一点才能够进行很好的设计。第二，服装造型。除了风格，还应该关注的就是服装的造型了。一款服装的造型是它的基础，它可以把服装内部的特征很好地表达出来。而且如果真的想要抓住流行的话，那么就一定要明确当季服装的造型，这样才能够把自己的设计思路导向到合适的路上，从而恰如其分地把服装的特征表现出来。第三，服装搭配。再好的服装如果不能够很好地搭配的话，那么就等于零。不同的服装要和鞋子、饰品和配饰组合在一起才能够起到好的作用。而且必须确定服装在搭配中所起的作用，如果是为了凸显鞋子和配饰，那么服装就不能够太显眼。设计师最重要的任务就是为爱美的女性朋友提供合适的流行服饰。第四，服装款式。挑选服装的时候，首先入眼的应该是服装的款式。袖子、衣领、裤脚等这些都属于服装款式的范畴，而且一款服装的款式往往从它的细节就可以很好地体现出来。在设计的过程中，一定要有所侧重，把整体服装中最有特色的部位凸显出来，不能够太笼统。由此我们也要注意服装面料的选择，注意服装整体的和谐统一。第五，服装工艺。当服装的风格、造型和款式都确定之后，我们就需要把服装很好地呈现出来，这里就需要有好的服装工艺，它指的是服装的加工技术。其实越是知名品牌的服装，加工起来就越是烦琐。要想让服装以最完美的状态呈现在大众面前，那么我们就要对烦琐的工艺进行了解和学习，在加工中耗费时间是在所难免的。所谓的流行都是很复杂的。第六，服装面料。面料也是在加工服装的过程中应该要重视的，简单地说就是服装的材料。随着时代的发展，各种各样新奇的面料出现在人们的视野中。往往每个季度流行的面料都不一样。要想让自己的服装站在时尚的最前沿，那么好的面料是必不可少的。不同的面料还会营造出不同的服装风格和款式。其中，面料的纺织风格特征和物理性能是大家都需要关注的。第七，服装结构。服装的结构指的是服装设计中的排列和搭配的问题。为什么有的服装的款式非常别致呢？这主要是因为它内部本身有较多层次的结构组成，而且结构的层次都不同。在这其中，我们可以发现一个有趣的现象，服装的结构合理往往不够流行，而结构不合理往往给人和怪异的感觉，不能够被大众接受，所以设计师要把握服装设计的度。第八，服装图案。服装的图案也是营造其美感的重要方面。而且越是大牌的设计师越是喜欢在服装的图案上下功夫。加入图案，一方面可以起到美化服装的作用，另外一方面可以把服装的文化内涵表现出来，借以和其他服装拉开档次。第九，服装色彩。色彩是服装的灵魂，每一季都有流行色供设计师选择，设计师不光需要对国内的流行色彩进行相关的了解，同样也要关注一下国外的流行色彩。根据所处的地域来选择服装的颜色是个很不错的方法。
2品牌服装的设计思维
在设计流行服饰的时候，服装设计师的思维实际上是非常重要的。他既需要对服装本身进行相关的设计，也需要根据市场销售的数据来确定自己设计的基本标准。世界上有很多设计师，他们在设计目标和设计内容表现方式上都有所不同，这主要是由于他们设计的思维方式不同。第一，反流行的心理。流行就是要给人新颖的感觉，在不断变化的过程中给人以充足的灵感。在当季的服装还没有流行起来的时候，设计师就需要对各种流行元素进行综合性的感知。这需要设计师不盲目地跟风，把自己想要的流行款式清晰地印在自己的脑海中，如果能够在里面加入一些出其不意的设计的话，那么往往会给人耳目一新的感觉。这种逆向思维的模式往往会出其不意地创造出商机。第二，对产品进行精确的定位。所谓产品的定位是对品牌形象和内容的划分，在设计产品之前，我们就需要对销售对象、产品属性和工艺制作等方面进行明确的定位，最重要的是要知道本品牌的服饰要以一种怎么样的形象出现在人们的面前，也就是要洞悉消费者的心理。第三，服装工艺展示。优秀的服装设计师一定对服装的工艺有着高度的敏锐性。服装的外观、款式和档次等都要靠工艺表现出来。而且新的服装工艺往往能够很好地开拓人们的思维，将服装的特色淋漓尽致地展现出来，进而给人以绝佳的视觉效果。而好看有特色的服装才能够在第一时间吸引众人的目光。第四，面料特点。虽然面料的种类很多，但是不同领域的服装能够使用的面料是不一样的。通常大品牌的服装都是以一种面料为主打，这是为了保证品牌服装本身的稳定性。而且面料的选择和加工一定要遵循一定的规则。很多设计师匠心独运的设计都是由面料激发出来的灵感。所以在服装设计的过程中多试验一些不同的面料也是不错的方法。
3结语
要想设计出好的品牌服装绝不是一朝一夕的事情。除了要勤于学习各种服装面料工艺知识，更加重要的是要对各种流行元素保持高度的敏锐性。当然像克里斯丁•迪奥这样的时尚大师天生就有着对美的鉴赏力，这是一种天赋。不过，对美好事物孜孜不倦的追求精神也是很重要的。
作者:赵丹妮 单位:湖南工艺美术职业学院
参考文献：
［1］张艳，苗刚，何秀丽.回归分析法在服装流行色预测中应用［J］.佳木斯教育学院学报，2013.
服装设计要素范文2
【关键词】摇滚乐 街头元素 天桥 时尚 主流文化
半个多世纪以前，时装从达官贵人的专属变成了潮流文化的重要势力，摇滚乐的力量功不可没。摇滚乐所带来的新鲜叛逆与服装设计的诉求不谋而合。上世纪50年代，当猫王
（Elvis Presley）露出诱惑的胸膛，拨动吉他，全世界为之疯狂的时候，便宣告了摇滚时代的到来。此时，伊夫・圣罗兰（Yves Saint Laurent）这位时装才俊正在迪奥的工作室里挥刀裁剪，以摇滚风格为灵感的“垮掉”系列正在孕育而出。这股强劲的“垮掉一代”文化风潮越演愈烈，却未能打动主流阶层。伊夫・圣罗兰收到了大批贵妇客户的投诉，认为他的设计有失优雅，不符合迪奥一贯高贵的传统。然而，一切只是开始，摇滚与时装的合谋，街头文化与天桥时尚的碰撞，从圣罗兰敏锐的捕捉开始，一切刚刚起步。
上世纪70年代，朋克时代到来。朋克音乐为时尚界带来了丰富的灵感元素，直至今日，仍启迪着众多设计师。我们不得不从一支朋克乐队说起。几个伦敦年轻人组成了一支名叫“Sex Pistols”乐队，配合着简单的三个和弦，高唱着无政府主义、和平和爱，就这样走上了舞台。没有太多的音乐技巧，只是尖锐的立场和叛逆的唱调，足以让人惊艳，一如他们的穿着打扮：撕破的T恤、缠绕的铁链、大面积的铆钉、高高挺立的莫西干头，这一切标示着“朋克”时代的到来，而这些不可思议的造型的设计者便是维维安・韦斯特伍德（Vivienne Westwood）。英国评论家Jon Savage曾经说过：“历史是由那些说‘不’的人创造的”。这个时期，没有比朋克摇滚唱出的“不”更大的声音了。此时战后英国经济萧条，失业率居高不下，社会景象低迷，理想与现实的差距，发泄与控诉的欲望，便孕育了朋克的诞生。简洁有力的和弦，直白强势的歌词，使得朋克迅速得到大众的认同。街头出现了大批高耸莫西干头发的“朋克”们，他们身穿紧身裤，搭配马丁靴或者帆布球鞋，穿旧的甚至是二手的皮衣，或者直接剪掉袖子露出粗糙毛边的牛仔坎肩，用腰带、裤链、肩章，无处不在的金属链条以及铆钉装饰自己。由于朋克诞生于平民阶层，又正值社会萧条时期，他们无法置办昂贵的行头，于是进行了很多的DIY。比如在衣服上画上自己喜欢乐队的Logo，利用徽章组合对服装进行再设计，当然还有不同金属铆钉的组合排列。混搭、破损、金属铆钉、叛逆、反传统等成为了朋克风潮的代名词，这些来自平民阶层的新鲜元素，表达朋克反叛内核的服装服饰，完全颠覆了主流阶层审美观。
而此时，同是摇滚小青年的维维安・韦斯特伍德大胆的开启了她的设计生涯。被时尚界所不啻的朋克风潮，被上流社会认为是平民阶层自娱自乐的朋克风格被维维安大胆运用。她利用不对称裁剪，扭曲的缝线，还有刻意保留的毛边来表达她对于摇滚精神的理解。她坚持直白的性感，在服装臀部填充里料，将文胸内衣外穿在大衣之外，甚至将缝制好的服装再次撕扯开来，呈现破损的美感。在维维安反传统的代表作中，有这样一条裙子，19世纪典型的宫廷式裙撑裙，裙摆里面却组合了一条紧身牛仔裤，这样矛盾冲突的设计，传递出维维安的创新精神，充斥着摇滚乐为她带来的永远打破，永远叛逆的设计风格。维维安・韦斯特伍德早在上个世纪就已经成为了一代设计大师，她的个人品牌也早已跻身世界一线品牌之列。而在每一季的新品中，我们都能看到品牌延续的摇滚精神和摇滚元素，无论是铆钉、皮革装饰，还是做旧皮衣、混搭等，这些昔日不能登“大雅之堂”的元素早已成为时尚界的宠儿，几乎每一年的四大时装周都能见到朋克元素的回潮。
随着摇滚乐的推进，上世纪70年代末，朋克音乐走入了转型期，混合了重金属和后朋克风格的哥特音乐成为了乐迷的新宠。同时，伴随着暗黑风格的恐怖电影以及以吸血鬼为素材的恐怖小说的风靡，哥特风潮全面来袭。13到15世纪，欧洲便盛行哥特风格服饰，那些是深受哥特建筑影响的传统哥特美学。而此刻所讨论的哥特与原始哥特文化没有太多相似之处，是上世纪70年代末80年代初强烈来袭的哥特文化，特别是哥特摇滚音乐。哥特音乐中充溢着死亡美学的气息，节奏缓慢、曲调悲伤，甚至传递给听者恐怖的感觉。哥特乐队的主唱沉浸在恐怖小说的角色中，穿着黑色高领，佩戴着及其繁琐的银色配饰，最具标志的便是那一张张画着浓黑眼影的惨白面孔，配合着悲伤麻木的表情，传递着哥特忧郁、超自然以及神秘的精神内核。而台下的听众则会用同样风格的装扮来回应自己心爱的乐队，共同膜拜着另人着迷的暗黑之美。
这一次，将哥特这样不入“大雅之堂”的街边元素带入顶级时尚的便是设计天才亚历山大・麦克奎恩（Alexander MacQueen）了。哥特风格所传递的黑暗的性感、迷人的恐怖、高贵的复古，甚至死亡的美学为设计师带来了前所未有的灵感源泉。在亚历山大・麦克奎恩的秀场上，哥特风格的设计屡见不鲜，比如2007年春夏，一件黑色长款套装，黑色天鹅绒花朵镶嵌在黑色上衣的前襟，黑色丝缎从头部覆盖过肩直至手臂，最点睛的便是脖颈上银色尖刺项链装饰，这样的设计是哥特风格的典型作品，全身暗黑，银饰相配，神秘又冷峻。同场的还有一套由黑色和绿色真丝塔夫绸制作的连身礼服裙。塔夫绸面料自身散发着低调却高贵的光泽，裙身腰间刺绣了十字架纹样，刺绣纹样中再嵌以红蓝宝石。这件设计所传递的信息不言而喻，同样的暗黑墨绿，哥特的标准色系，点题的十字架刺绣，配合宝石镶嵌，表达华丽的死亡气息及哥特的阴郁之美。亚历山大・麦克奎恩类似这样的哥特风格设计还有很多，笔者有幸在伦敦观赏过伊莎贝拉・布罗（Isabella Blow）的回顾展，她是亚历山大・麦克奎恩的伯乐。是她在亚历山大・麦克奎恩的毕业展上发掘了这位天才，并当场买下他所有的作品。因此，在这次展览上，笔者观赏到了很多亚历山大・麦克奎恩的作品，其中最难得的便是他的本科毕业作品和研究生毕业作品。笔者发现，亚历山大・麦克奎恩并不是在成名后才深深爱上哥特风格，而在他学生时代的作品中就已经呈现了浓郁的暗黑美学风格。他的本科毕业作品便是黑色绸缎裹身长袍，高领紧缚，前片正中位置点缀银色装饰物，银粉与银色颗粒的混合物附着于衣物表层，整体设计完全吻合哥特风格的要素特点。亚历山大・麦克奎恩这位设计天才在他短暂的生命历程中，一次次地将哥特风格带上“天桥”，将街头兴起的，准确的说是“地下摇滚”兴起的暗黑死亡美学应用在了那些价值不菲的高端礼服设计之中，并使得主流社会如获至宝，争相追随。直至今日，哥特风格仍然吸引着众多的设计大师，让・保罗・高缇耶（Jean Paul Gaultier）、约翰・加里亚诺（John Galliano）等人都在不断的推陈出新，为我们展现另类的哥特之美。
最后，我们要谈谈油渍摇滚（Grunge）。上世纪50年代，伊夫・圣罗兰设计了“垮掉”系列，进而开启了摇滚与服装的合谋之旅。现今，伊夫・圣・洛朗（Yves Saint Laurent）秋冬男装秀场，男孩们伴着LA乐队的经典歌曲鱼贯而入，纤细消瘦的身材，看似无章法的叠穿，蓬勃中却透着叛逆，这就是圣罗兰的“Grunge”坏男孩。这样的经典老品牌没有在传统中墨守成规，而是时不时的“使坏”，比如“Grunge”。
Grunge被称为垃圾摇滚或者油渍摇滚，乐曲嘈杂并伴有吉他失真的音效，可以称为重金属和朋克的混合体，起源并盛行于上世纪90年代。Grunge风潮带来了强烈的反潮流意味，凡是流行的必反其道行之，凡是传统的必打破，反映在服饰风格上，最显著的特点便是层叠混搭，在波西米亚风格里加入重金属，在朋克风格里揉进嬉皮，这些混乱甚至邋遢的混搭，却如同青春一样爆发着狂躁的生命力。Grunge风潮不仅带来了摇滚音乐的变革，更是为时尚界带来了新风。摇滚乐迷和街头青年大胆创新进行款式混搭以及服饰撞色。他们对于时尚的反叛却恰恰成为最时尚的行径。设计师从中获益，就像一本免费的灵感书籍。街头每天都上演着Grunge风格带来的惊喜。机车靴搭配渔网袜，黑色迷你裙搭配肥大的机车夹克，所有这些都被设计师搬上“天桥”，并辅以更精致的面料，更得体的廓形。这样完全街头化、市井化的Grunge风格成为了一件件时尚单品，悬挂于橱窗货架，虽价格不菲，却炙手可热。
以上提到了多种摇滚风格对于时尚界的影响。多种街头摇滚元素对于服装设计风格的影响，通过设计师对于摇滚元素和“非主流”文化因子的提炼和再造，最终使其走向了顶级时尚舞台，成为主流社会追捧的潮品。上文仅以摇滚音乐文化作为论述范例，但同样的波普文化、涂鸦艺术等这些源自于街头的、地下的、市井的原生文化都为服装界、时尚界带来了变革与发展。可是众所周知，时尚界一直尊崇的是阶梯式传播模式，即时尚元素在一定范围内，按照社会阶层的高低顺序进行传播，也就是说吻合人们对主流高阶层的向往心理。可是一些源于街头的平民的文化风潮，却最终成为了高级前卫的潮流，那么这样一条从“街头”到“天桥”的看似反向的时尚通路是如何形成的呢？
街头是最多彩的秀场，没有灯光音乐，可每个人都是模特，张扬个性，展示自我，社会的表情最大化的展现在了街头每一个人的穿着上。在不同街头文化的笼络下，作为追随者便开始了与其追随文化所呼应的、自发的自我形象设计，以及相互之间模仿借鉴，从而形成了特征鲜明的组群划分，例如满身铆钉的朋克，暗黑包裹的哥特还有“邋遢破烂”的Grunge。这就像一本天然的流行趋势报告，其中有取之不尽的灵感元素，这些街头的不受限制的天然碰撞为设计师提供了第一手的资源和灵感。这些新鲜的、原生的街头元素正是设计师和时尚界所渴求的。其次，一些地下音乐和街头文化表现在服装上起初都源于对时尚的反斥，而时装的精髓就是创新，对现有的突破和持续的创造，由此可见，那些叫嚣着反时尚的风潮却最大化的成全了时尚，成为设计师的利器。街头文化不断的打破和反诉反倒成就了一件件“天桥”精品。除此之外，其所带来的话题性成为了时尚产业的免费广告。优雅、简约、浪漫等字眼已经成为时尚界永恒的主题。那么另类的街头元素带来的新闻性、舆论性，都会为品牌带来流传度和知名度，以及附加的文化价值。
作为设计师，在这条从“街头”到“天桥”的通路中，担任着不可或缺的采集者的角色。通过设计师专业的审美视角，敏感的时尚嗅觉，将街头元素采集提炼，去糟取精。从群众中去采集，从生活中去发现，选取新鲜灵动的包括街头素材在内的一切一手素材，进而应用到设计中去，而不是一味地借助媒介，直接运用二手信息，或者盲目的跟风模仿。这样，时装界才会有一个健康的未来。笔者认为，设计师除了是自下而上的采集者，也应该是自上而下的传递者。最新的流行元素总是出现在高级时装的秀场上，进而展现在高级成衣的橱窗中，而作为大多数普通成衣消费阶层，很难在第一时间获得高品质设计，特别是在国内品牌市场，总是衍生出“大牌”的抄袭改造款，并没有自己原创的灵感元素。设计师特别是大众中端品牌设计师，应当摒弃对于高端品牌一味的模仿，以及对于高端品牌采集的一手素材灵感进行抄袭，应当做好自身的探索和采集工作，进而将元素运用到适合自己目标客户群定位的设计当中。不仅是让高端客户享受到一流的新鲜设计元素，而是让全体消费者都能享受到适合自我消费层次的、有灵魂的设计作品。那么，设计师便成为一位贯穿高端消费者和底端消费群体的传递者，赋予了人人享受美的机会。
参考文献：
[1]Mablen Jones .Getting It on： The Clothing of Rock 'NR' oll[M].Abbeville Promotional， 1990.
[2]Rin Tanaka.My Freedamn！ 9： 1960s Hippie to 1970s Punk Fashion Vivienne Westwood[M].Cycleman Books； First Edition，2010.
服装设计要素范文3
关键词：民族元素；服装；设计
DOI：10.16640/ki.37-1222/t.2016.21.233
0 前言
近些年来，民族风格的服装在服装行业越来越流行，同时也得到了大多数消费者的认可，将民族元素应用到服装设计过程中，即能够保留传统的服装设计效果，同时又能够使其具有民族风的底蕴，对于消费者能够产生极大的吸引力，同时也能够使服装更加具有灵动性以及设计感。对民族元素的运用手段的分析能够为其运用效果的改善以及运用水平的提高打下基础，对服装设计领域的发展与革新具有极其重要的意义。
1 民族元素在服装中运用的意义
市场经济的不断发展以及全球化的深入使得各行各业都受到了很大的影响，对于服装设计行业而言同样如此[1]。在经济全球化的影响下，为使本国的文化得以弘扬，将民族元素应用到服装设计过程中十分重要。
我国由56各民族组成，不同的民族在风俗习惯以及着装方式方面均存在着极大的差异，以瑶族与维吾尔族为例，其服装较其他民族的服装相比存在很大差别，不仅是异域风情的一种体现，同时也是对本土文化的一种宣扬。世界经济一体化使得服装设计的独特性开始逐渐丧失，各民族人民的着装也越来越倾向于国际化，想要使本国文化已经传统得以保留，必须坚持将民族元素保留在服装设计过程中，这样对于我国传统民族文化的保留以及发扬具有重要价值。
2 设计元素分类
在服装设计领域，设计元素主要包括面料、色彩与款式三方面内容[2]。首先，面料是服装的载体，在服装设计过程中，对面料的选择不同，服装的设计效果也会存在差别。通常情况下，在选择面料的过程中，主要需要考虑的内容包括其机理、性能以及纹路三方面内容，在应用民族元素的过程中，一定要使面料能够与服装所要体现出的理念相适应。其次，色彩也是服装设计中的一项重要元素，主要包括有色彩系与无色彩系两种。后者主要指的是黑、白、灰三色，而前者则指除上述三种色彩之外的其它色彩。不同色彩带给人的感受不同，将不同色彩组合在一起同样能够传递不同的理念。以紫色为例，其带个人的感受往往为贵重与大气，而红色带个人的感受则是活泼以及热情[3]。最后，不同面料以及不同色彩能够组合成为不同款式的服装，而不同款式的服装又代表着不同的风格。所谓款式主要指的是着装后的外形轮廓以及内部结构，主要包括A型、X型、H型、T型四中。A型下摆较为宽松，是一种主要的服装设计类型；X型服装在设计过程中存在收腰设计的环节，能够使腰部线条得以明显的体现，目前主要用于连衣裙的设计，本身具有较强的设计感，造型相对而言较为夸张。H型服装上下轮廓的大小基本一致，主要应用与礼服以及休闲服装的设计，不存在收腰的设计环节。T型服装的特点在于加宽了肩部，因此会给人以硬朗以及自信的感觉。
3 各设计元素表现民族风的运用手段
3.1 面料的运用
为使民族元素能够在服装中得以体现，需要从面料的选择入手来实现。从上文中得知，对面料的选择需要考虑机理、性能以及纹路三方面要素，通过将三种要素综合考虑，并结合实践经验发现，天鹅绒面料、复古蕾丝面料以及丝绸面料在表现民族风方面具有较大的优势。以新疆维吾尔族的女性民族服饰为例，其服饰的面料主要以丝绸为主，以丝绸进行女性裙装的制作，不仅能够体现出女性柔美的特点，同时也能够体现出较为浓郁的民族风情[4]。由此可见，丝绸可以作为民族元素应用到服装设计过程中。需要注意的是，对面料的选择一定要结合色彩以及款式两方面要素来实现，要使各要素之间能够成为统一的成体，而非以互相割裂的形式存在与同一件服装中。
3.2 色彩的运用
利用色彩表达民族风需要注意以下方面问题：第一，对于色彩的使用要以大面积为主，并利用小面积的其它色彩作为点缀。第二，在选择色彩的过程中，需要注意其明度的对比，一般情况下，具有民族元素的服装其明度具有较为明显的两极分化的特点，即若非明度非常大，即明度十分小。第三，在对不同色彩进行使用的过程中，要使不同的颜色之间能够相互协调。以非洲风格的服饰为例，暗红色、橙色以及棕色使非洲服饰较为常用的颜色，为体现民族元素，在服装设计过程中一定要重点关注上述色彩的应用。
3.3 款式的选择
服装款式多种多样，同时也随着时间的变化而不断的发展并推陈出新。以中国为例，不同时期的民族风格具有不同的特点，在民国时期，旗袍是民族风的主要体现，而在明朝，汉服则是民族风的主要代表。可见，在对民族风服饰的款式进行设计的过程中，可以以多种风格为基础版本实现设计。设计过程中不应原封不同的照搬原有版本的设计理念以及对于各要素的应用特点，做好款式方面的添加以及舍弃能够使传统与现代相结合，因此也就能够达到更好的设计效果。
4 结束语
将民族元素应用到服装设计过程中是对民族文化的一种宣扬。为提高民族元素在服装中的运用水平，需要从服装设计的不同要素出发来实现、对面料的选择、对色彩的搭配以及对款式的把握都会对整个服装的设计效果产生影响，对此，有关人员必须充分了解每一个民族服装的面料、颜色以及款式特点，这样才能使设计效果达到更好。
参考文献：
[1]徐云.浅析民族元素在服装设计中的思维表达和应用[D].华南理工大学，2010.
[2]谭娟.中国元素在竞技体育服装中运用的现状与发展趋势[D].东华大学，2013.
[3]孟和娜仁.蒙古喀尔喀民族服装元素在现代服装设计中的应用[D].东华大学，2013.
服装设计要素范文4
服装设计构思表达方法随着社会与经济的快速发展，国际服装设计的大量涌入，我们国家的服装设计也面临着越来越多的挑战。如何才能够设计出好的服装，适应更加多变的市场，成为了每个服装设计师必须要考虑的问题。在服装的设计过程中，设计的构思与表达是服装设计工作的重中之重，成为了服装设计者能力提高的必经之路。
一、设计思维
在服装设计过程中，设计思维是一个重要的因素，他指的就是各种进行设计构思的方法，一般情况下，设计中用到的设计思维有下面几种。
1.意向思维
当我们服装设计师接到一项服装的设计任务时，一般都会以设计的要求和目的作为出发点，从多个方面进行探讨，一层一层的对任务进行分析，找到问题的关键地方，寻找问题解决的方法。在日常服装和职业服装中，这种思维方法比较常用。
一般情况下，意向性思维这种构思方式都是按照以前所积累的有规律的知识和套路，来解决服装设计中出现的问题。以职业装设计为例，从意向性思维角度考虑，首先想到的就是职业装的功能，还有它适合穿着的人群、环境和季节，为满足这些要求而对服装进行设计，选择合适的款式和面料。
2.变异思维
这是一种反常规的思维方法，也称逆向法，它是指设计师在遇到以原有思路无法解决的问题时，主动改变思考角度，从逆向、侧向进行分析推理，从而出奇制胜，使问题得到圆满解决。在服装的创新设计中，用逆向法进行设计构思，可以催生出许多引人入胜、新颖别致的服装新款。服装设计是一种创造、创新活动，富有创新精神的设计师，通常是针对设计目标选择方法，为了达到创新目的，可以抛弃名利、障碍，包括自己原已掌握和使用的方法。“障碍在于已知”，习惯性思维的消极性就在于思路固定、狭窄，缺乏创新。掌握变异思维的真谛，就可以在山穷水尽之时，步人柳暗花明之境。随意自由的服装搭配，打磨作旧的服装材料，任意拼接组合的色块，非对称的设计，内衣的外穿等都是变异思维的结果。变异思维是围绕着目标实质，直接针对目的，抛开以往的思维习惯和模式，开展设计构思。
3.无理思维
以这种思维，在服装设计中街头形象深入高级时装领域，只剩半边的牛仔裤，“艳俗”与“恶俗”的色彩取向等应运而生。这种思维方式可以充分挖掘现代社会中大众文化追求表层感官满足的特性，通过传统形式美和艳俗内容的结合让设计以妖艳、甜俗的美感来嘲弄往日的审美标准，这种调侃的思维方式带来的设计结果，可以博得社会大众的关注与兴趣。
二、服装设计的方法
学习服装设计的方法是很重要的，设计方法是指结合设计要求运用设计语言、设计规律完成设计的手段。对于服装设计来说，这些方法可以单独用在负服装设计的一个项目上，也可以多种方法用在一个项目上，不管怎么用都是为了更好的服务于设计实践。设计方法并不仅仅是一种技术手段，他需要设计人员具有很强的创新思想和独特的思维方式。
1.局部法
通过对服装的某一个部分进行设计，从部分到整体的慢慢展开相关设计，就是我们所说的局部法。日常生活中，善于发现美的设计师常会被某些精致的细节所吸引，从而引发出设计的灵感，将其经过一定的改进，用于设计新的服装，而其他部位都会依据细节造型特点和感觉进行顺应设计。
2.夸张法
这是一种常见的设计方法，也是一种化平淡为神奇的设计方法，夸张可以强化设汁作品的视觉效果，强占人的视域。夸张法特别适合于创意风格服装的设计。
3.移位法
移位法，指的就是把一种东西转化的别的东西中，从而很好的发挥它的作用，更好地解决问题。它可以使在本领域难以解决的问题，通过向其他领域转移，而产生新的突破性的结果。
在科学技术飞速发展的现代社会，人们的需求越来越多元化，传统的服装品种已经不能完全适应现代人的生活方式，人们对服装提出了更多的诉求。服装业更需要不断创造新的服装品类、形式，制造新的流行时尚、消费观念，以激发人们的购买欲望。移位法在现代服装设计中的主要表现，就是按照设计意图将不同风格、品种、功能的服装相互渗透，相互置换，从而形成新的服装品种。如根据现代人的消费需求，将正装转移到休闲装领域，就变成了商务休闲装；将运动装转移到休闲装领域，就变成了运动休闲装；将时装转移到休闲装领域，就变成了时尚休闲装。
4.调研法
调研法是成衣设计常用的一种方法，通过调研，可以使设计目标更加明确，避免了盲目性，是服装成功销售的保障。我们可以从多个方面进行调研：服装产销、消费观念、具体的设计要素。通过对调研信息的总结归纳，对设计进行很好的改进，使设计出的服装能够被市场接受，起到良好的效果。
5.追寻法
这种设计方法适合大量而快速的设计，设计思路一旦打开，人的思维会变得非常活跃、快捷，脑海中会在短时间内闪现出无数种设汁方案，快速地捕捉住这些设计方案，从而衍生出一系列的相关设计，设计的熟练程度会迅速提高，应付大量的设计任务便易如反掌。
6.限定法
“没有规矩不成方圆”。设计是为人服务的，设计师只有围绕着“人”这一主题，满足人们的需求，才可以做出成功的设计。现代服装设计目标性很明确，国绕着这一目标会有很多条件限制，设计限定法是指在被某些要素限定的情况下进行设计的方法。有时在设计时只有单项限定，有时会对几个方面进行限定。现代成衣设计中，服装设计师的工作往往被限制在一个很小的范围内，如为某一品牌设计的限定条件为中等价位、年轻女性、瘦体、格形面料的时装。限定会影响设计师设计思维的拓展，但也是检验设计师设计能力的好途径。
7.加减法
有人说，服装设计的基本方法就是加与减，服装的众多造型要素之间的相互关系，都可以在增加或减少上做文章，通过这些要素比例关系的变化，产生新的服装样式。运用加法或减法时，要根据设计目的和流行风尚。加减法实际也是一种使服装单纯或复杂的设计方法，在追求奢华的年代中，加法用的较多，在追求简洁的时尚中减法较多。这种设计方法适用于职业装与日常装的设计。
三、结语
服装设计构思与表达的方法有很多种，不同的设计思维、不同的设计师和不同的设计要求对应着不同风格的服装设计。在进行服装设计时，服装设计师要以市场为导向，通过设计方法的合理运用，把自己的设计思维进行很好的表达，完成适合市场需求的产品设计。
参考文献：
\[1\]瑞雪.浓墨重彩：为个性设计而疯狂\[J\].中国服饰，2010，(01).
服装设计要素范文5
1 设计的概念
学习借鉴设计文化应当是每一个设计师都不可忽视的课题。“设计”在英文中是“Design”，“ Design”一词在西方不用的历史时期，其涵义是不同的。只有到了工业化时代，“Design”的词义才从“艺术作品”这样纯艺术范围内走出来，现代意义上的“设计”概念才逐步形成。它的许多设计方法，在今天的服装设计中，也常常被服装设计师反复使用，虽然因为时代的变化，材料的更新，工艺的进步，使设计手法有很多变化，但它们之间的传承关系却是显而易见的。这种传承关系，不仅为中国的服饰文化所独有，也为其它国家和地区所常见。下面是我从服装设计实践设计这个方面，来谈一谈服装设计的情感体现。
2 什么是服装设计实践
服装设计实践旨在培养学生的服装设计的专业知识。该实践课程的学习使学生掌握品牌或服装设计大赛对服装设计的要求及设计规律；加深学生对艺术设计的认识和理解；能够熟练掌握服装设计的方法与原理及设计过程；以服装设计实践的训练为起点引导学生逐步向服装设计的更高层次过渡，为今后进一步学习服装设计打下坚实基础。服装设计实践是一门重要的专业领域课程，根据服装设计实践课程内容教学要求我们把课程教学过程主要进行理论讲授和课堂练习结合。随着社会经济的不断发展，产品竞争日趋激烈。对于中国的广大企业来说，产品的成功塑造将使企业获得打开市场大门的金钥匙。成功打造服装自身品牌的产品既能赢得消费者的信任和追随，也能提升自己的知名度和美誉度。如何塑造好一个服装品牌，寻求准确的市场品牌定位，树立良好的品牌形象，已成为各大企业参与市场竞争的重中之重。因为它是在视觉和语言上的表达，对各种产品起着支持、表达、传达、整合与形象化的作用。好的设计，就是好的设想与好的计划，能够满足人们的生活需要，设计师通过自己的情感，赋予设计作品生命，个性化，唯一性。情感化设计成为当今设计的主潮流，要做好设计情感化这一发展趋势。
服装设计专业实践课程包括服装设计和服装制版与工艺两个部分。通过实践学习，掌握服装设计方法，懂得服装工艺流程设计；掌握服装与服饰结构设计的基本原理、绘制方法及工艺流程中各环节中的技术要点。结合市场需求，积极探索服装与服饰专业实践课程教学体系。一件优秀的服装设计离不开其特定的文化土壤的滋润，一种特定的文化又往往体现在服装设计作品的创意之中。现代服装设计的新材料、新技术、新思想，更为设计师打开了广阔的设计之门，让设计者自由挥洒。设计者应不断加强社会学、经济学、文学、艺术学等领域的文化积淀，培养自己各方面的素质，才能达到具有一定水准的服装设计水平。服装设计的中心思想是“以人为本”，即注重情感设计。它包括关注人与服装之间、服装与环境之间的情感反应。
3 服装设计实践的情感的共性设计
情感设计理念源于认知心理学领域，认知心理学家认为情感是人生活中重要的一部分，它影响着人的感知、行为和思维。人们对设计物产生的情感体验至少需要2个层次的满足，即设计物的自身要素以及这些要素的组合能给人带来直接的情绪感受和情感体验；这些造型及要素能让人有意识或者无意识的联想到某种关联的情景或物品，并对这些联想事物的态度而产生连带的情感。以形成可操作的服装实践体系和技能训练体系，切实加强和提高对学生实践能力的培养。了解人体体型特征和服装与服饰市场现状，熟悉服装细节设计的要点，掌握服装与服饰工艺流程设计，掌握服装结构设计的原理、绘制方法及工艺流程中各个环节的技术要点，完成服装与服饰产品的制作、能熟练操作常用缝纫设备、能发现服装制版及缝制中的基本问题并进行改正。
服装设计实践教学中根据服装设计教学的特色适当进行设计课程管理方式的调整，服装设计专业的特点也决定了其特色主要体现在实践性、潮流结合紧密等方面。从这点来看，服装设计专业类似于一门生产技能课。对于该课程的教学，教学管理方面应进行适当改进，鼓励教师在教学过程中勇于创新，在实践中带领学生学习和掌握服装设计的相关技能。对学生的管理也需要有所调整，除要求学生完成传统的理论学习外，还需要为学生创造实战条件，在可管可控的前提下，有计划地引导学生积极参与实践锻炼。按照服装与服饰设计专业所需专业培养目标及要求，形成专业培养实践性教学体系。
4 服装设计实践的情感的个性化设计
服装设计要素范文6
关键词：服装设计；符号学；霍莉・富尔顿
一、霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装符号化的运用方式
霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装符号化特性所表达的文化内涵，可以通过服饰的显性和隐形的符号表达出来。
1、显性文化符号的运用
显性文化符号是一种视觉符号，有着其直观性、简便性和视觉识别性，同时在一定程度上体现了霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装设计思想的内涵。例如在霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）2013春夏系列作品中，最具艺术风格识别的有大胆的彩色印染、具象的图案、夸张的大首饰等。设计师霍莉・富尔顿在其设计作品之前就深层地了解或积淀了装饰艺术风格和民族部落的文化，才能将其巧妙地运用于现代服饰中（见图1）。
设计师霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）通过服装的外部结构、款式造型、色彩、装饰等形式表现出来的，由于显性文化符号是以直观的形式表现在服饰设计中，所以她的服饰风格容易被大众认识和理解。从英国皇家艺术学院的毕业秀开始，Holly Fulton就将她鲜艳明快色彩以及夸张几何图形的设计风格带到伦敦时装周的T台上，并迅速成为备受瞩目的设计人才。她习惯把Art Deco演绎至极致，用夸张的设计理念改造出新世界的时尚。她设计的首饰，混搭木材、有机玻璃、水晶以及皮革，轮廓大胆，配色明亮，为时尚界带来一股轻松自然的奢华之风。
2、隐性文化符号的运用
在霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装系列中也有含蓄的表现方式。在她2014秋冬服装系列中，她将机器美学和装饰运动风格相结合的想法作为一种视觉上的隐喻出现，反映了 Fulton 工作的方式――手绘出图案，用机器切割面料，然后在这些衣服上手工加上贴花装饰完成这个循环。这些都听起来太专业、太晦涩了（同样的还有对导演 Dziga Vertov 的纪录片《Man With a Movie Camera》的引用），不过事实上整个系列都很有趣。在上个月在巴黎的男装会上，手的图案就很流行，在 Fulton 这里，它包含了三重的隐喻（她曾经梦想成为一名手模；她对配饰的喜爱体现在了好几件裙子上一只巨大的、指甲整洁的手上平面化的手链上）。在其中一件上，这只手拿着一个旧式嘻哈风格的手机。不过这个意向远不如螺母、齿轮还有来自 Fritz Lang 的《大都会（Metropolis）》的感叹号复古，它出现在一件卢勒克斯织花毛衣上。
Fulton 的印花设计实在太吸引人了，以至于她的剪裁设计――考究的大衣，宽大的低腰连衣裙，百褶短裙――都成为了附属，即便它们是那些透明面料细节设计的基础所在。也许要求 Fulton 去掉一些装饰有些过分；简洁的风格让她气馁。
二、霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装符号化的结构要素
服装符号化系统是通过个体或系列的服装设计过程确定“能指”与“所指”的关系的总和，即在服装设计系统展开中，首先设立一个表达其概念的“所指”即确立服装设计风格属性，然后，选用一个或一系列要素形象来实现“所指”的意义，使“能指”与“所指”关系对立统一。其设计系统形成是由其内在要素结构向表层视觉结构的转化过程。
霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）的服装系列的内在结构要素主要体现在款式、形状、色彩、面料、工艺等，在设计过程中，表层视觉通过这些要素的构建而产生。
下面从色彩、图案中阐释这些符号对霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装设计产生的作用。
1、色彩要素符号在服装设计表层视觉结构中起到的作用
色彩具有情感、性格、文化等信息，并深刻影响人们的视觉感受和心理情绪，病赋予服装强大的生命力。在Fulton2012秋冬服装系列中丰富的色彩、醒目的颜色传递给人喜庆、神秘、热情、兴奋的信息。黑色常把人们的思维引导到一种深沉凝重的思维空间和情感世界中，表现出永恒的魅力。
2、图案要素符号在服装设计表层视觉结构中起到的作用
图案的应用，为服装设计提供了新的视觉语言和设计思路。一系列具有典型Fulton风格的几何图案造型开启了表演的序幕，更加深了人们对她是个图案造型设计的积极分子的印象。忠实于她的DNA，她设计了一些大胆的组合：一个窗格图案的衬衫搭配上一个印满心形图案的铅笔裙；M.C. Escher-esque几何立方体搭配上一个照片般真实的老虎图案；另一个有着巨大的口红管造型的铅笔裙，搭配上模糊的毛衣和一个戴满珠宝的脖子。Fulton将图案进行新的分析、选择、整合，考虑其在造型结构上的可行性，兼收并蓄，融汇贯通。
三、符号化元素对霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装设计的影响
服装符号化设计是一种运用符号元素承载信息、进行设计交流的设计方法，通过造型要素构成方式来诠释服装的形态意义是服装符号化设计的关键所在，是服装设计中感性投入、理性参与、情感传达、设计表现的工艺装饰手段。
在2013春夏系列中，在Holly Fulton看来装饰艺术风格和部落图案风格对其来说都是至关重要的灵感来源，采用大胆的彩色印染，丰富的流苏，羽毛镶嵌珠宝等呈现出令人难忘的怀旧度假风情。对此，Holly Fulton 这样形容自己的全新系列：“我以Joan Collins为灵感缪斯，Fulton女士们开始了一段令人兴奋的异国旅行。简洁明快的剪裁加上标志性的装饰风格，配以醒目的首饰，就是一种浑然天成的现代时尚风格。一件让你感到自信的衣服，很大程度上可以提升你的精神状态。最重要的是，改变的魔法就在你的指尖。”当然，从这一季的秀场开始，Holly Fulton不再单单只有精彩的装饰品为我们留下深刻印象，越来越有味道的服装设计也更好地与她的配饰相映成趣。那些及踝的背心式长裙，箱型的复古轮廓以及同样颇具上世纪六十年代色彩的印花，都同样令人难忘。
四、结语
设计是服装的灵魂，个性而专业化的设计是实现服装创新的根本。在霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）的服装系列中带有很强的符号化、个性化审美，从而使她的设计熠熠生辉。我们应该用发展的眼光审视服装设计，仅仅采用拿来主义虽是一条不错的捷径，但应该在设计中融入自己的思维，这样才能具有设计的创造力，符号化是对服装元素进行有效设计的主要手段，为使符号化元素的可行性增强，必须不断在方法上推陈出新，在服装的意义和功能上获得市场的青睐，这不仅令服装具有更多层次的物质性能，而且拥有了更深层次的精神内涵。
参考文献
