工艺美术运动的范围范例6篇

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工艺美术运动的范围

工艺美术运动的范围范文1

1.工艺美术的内涵。工艺美术在我国的历史非常悠久,产生的最早时期可以追寻到我国的封建社会时期。当时的工匠在生活用品中添加美的艺术,所以人们所使用的陶器以及生活器具中都充斥着工艺美术。他们通过精妙的技艺把美融入到了人们生活的每一处。在当时的经济环境下,同样也存在着各种各样的竞争关系,工匠们为了把作品推销出去,加大了工艺研究的力度,不断地寻求突破。他们对生活器具和生产器具进行了改变,改变了色彩和质地,从而加快工艺美术的发展进程,中国的瓷器就是工艺美术的代表。工艺美术是为了人们的生活服务的。我国的工艺美术也是非常丰富多彩的,是由56个民族的劳动人民创造的并为自己服务的艺术。它根植于生活的沃土之中。其中包括了年画、剪纸、泥塑、玩具、印花布、挑花皮影、石雕、编织、陶器等艺术,这些都是中华文化的瑰宝。

2.艺术设计的内涵。相比于工艺美术的历史而言,艺术设计出现的时期则比较晚。工艺美术产生于中国,而对于艺术设计的理念,它最早产生于19世纪的欧洲时代。当时欧洲爆发了“工艺美术”运动,它引起了人们对工业化的思考,同时奠定了艺术设计的基础。当时是英国、法国等欧洲国家的工业化产业迅速发展的时期,这个期间内也不可避免地出现了很多不合格的工业产品。不合格产品的出现,劣质的工艺造成了很多艺术家的不满,从而引起了“工艺美术”运动的爆发。这种运动的爆发使得很多人开始抵制劣质的工艺品以及流水线工艺品,并且开始追求新式的符合社会理念的艺术品。艺术家开始寻找并且建立符合欧洲风格的艺术理念,满足工业化社会的需求。随着这种理念的延续和发展,经过多年的思想转变,从而建立了艺术设计的观念。

二、工艺美术与艺术设计的区别

1.服务的群体不同。随着社会的进步和经济的发展,人们在满足了物质生活的需要之后,对精神生活的要求也越来越高。除了物品的使用价值之外,同时对物品的装饰性美观度的要求也越来越高了。正是因为人们的这些心理需要,工艺美术和艺术设计被广泛地应用到现实社会当中。通过历史的发展我们可以看出,对于器具的使用,它们的外形会维持相当长的一段时间,这是由于当时的社会和文化以及观念造成的。而且在封建社会时期,人们的思想比较禁锢,社会和经济的发展也非常缓慢。虽然一直存在商业活动,但是商业层次和范围以及交流的程度都非常低。人生的生活水平一直处于满足温饱的状态,对于艺术的追求也只存在于统治阶级,这也使得工艺美术发展进程很缓慢。但是艺术设计是为工业革命时期的商业产品服务的,伴随着经济的发展,它的使用范围越来越广,它是为了满足人们的物质生活以及对美好事物的追求,所以它的市场非常广,发展速度也非常快。

2.美学价值不同。工艺美术的产生是封建时期的工匠把传统的手工技术与生产的产品相结合,这是当时的人们所掌握的技术与美学的结合,是劳动者智慧的结晶。而艺术设计是工业化革命的产物,是伴随着信息技术的进程而出现的。所以艺术设计融合了科学技术,为了满足人生的精神生活,具有时代性的特点。艺术设计产生于欧洲国家,它是欧洲社会发展的产物,在中国的发展时期还非常短。与欧洲国家相比,我国的艺术设计还比较稚嫩。

3.研究的范围不同。在我国对于工艺美术的研究,根据田自秉编写的《中国工艺美术史》就能够了解。这本书的主要内容就是讲我国工艺美术发展历史以及工艺美术应用的范围。对于工艺美术的应用到目前为止一直围绕器、织、雕、染、塑、绘这几点。而对于艺术设计的研究范围,可以从三个方面来讲解。它们分别是视觉传达、环境艺术设计和产品设计。这三个方面的应用范围非常地广,也就是说艺术设计的应用可以在很多方面,这是由于它具有时代特性,并且商品社会的进程已经发展得非常快速,使得艺术设计的研究也更加地深入。

工艺美术运动的范围范文2

范畴这个概念自古就有,在《现代汉语词典》中“范畴”词条下收入了两个意义,其一是作为哲学术语的“范畴”的意义;其二是“范畴”的一般意义“类型、范围”。孔子有句名言:“名不正则言不顺,言不顺,则事不成。”孔子提出的“正名”学说就是指所用的词语的语义范畴要有明确的外延和内涵,才能确保思想的准确表述和交际的有效进行。工艺美术的范畴是指其内涵和外延。工艺美术的内涵即概念的特征,是工艺美术区别于其它事物的本质属性。工艺美术属于美术这个大集合中的一个元素,那么工艺美术区别其他美术的特征是什么?工艺美术的外延是指这个概念所包含的客观内容。一个明确的概念具有明确的内涵与外延,反之,一个不明确的概念它的外延是模糊的。大美术本身就是一个模糊集合,身为其分支的工艺美术自然而然地也具有这种模糊性,而这种模糊性来自于概念的外延和它的内涵的模糊不清。

一、工艺美术的范畴

工艺美术是美术的一部分,是艺术与美术的复合,即美术带有工业性,工业具有美术性。中国古代工艺美术成就辉煌,且明显带有手工艺性,受到实际应用及物质生产的制约。而包含着工艺美术的“美术”则指的是诉诸视觉的造型艺术。欧洲10世纪使用美术这个词语时,泛指绘画、雕塑、文学、音乐等。我国“五四”运动前后也开始沿用,以后才逐渐以“艺术”总称,“美术”只是与音乐、舞蹈、戏剧、文学等并列。

“工艺美术”一词最早出现在1920年先生的《美术的起源》。蔡先生所译的“工艺美术”中的工艺是指手工艺,这就为以后此词概念的模糊性留下了隐患。工艺美术一词在1949年以前并不普及,解放后,工艺美术一词更多地用来专指手工艺,尤其是指50年代后专供出口的传统手工艺品。显然,这一概念与现在的工艺美术的概念是有出入的。传统工艺美术仅指手艺或手工艺。在现代设计领域中的很多产品就很难归结于工艺美术领域。在现代工艺美术中,如将现代设计都包含在其内,那么,工艺美术含括的范围是很广阔的。在各种设计领域,实用与纯艺术是兼而有之的。纯艺术与实用艺术的外延相互融合,在现代艺术与设计领域,它们的差别是很模糊的。现代平面构成有时就象一幅现代绘画,立体构成简直就是现代雕塑。而很多现代雕塑,就是运用生活现成品。

对于工艺美术这个概念的内涵,即工艺美术区别于其它美术的特征从古至今是有变化的,这种变化也就是工艺美术内涵模糊性的一个重要来源。普遍认同的观点中工艺美术的内涵是指将工艺与美完整地融合在一个过程中,而不是分成两个阶段,先美术后工艺,或是先工艺后美术;而工艺美术的外延则指的是各种手工艺。

二、工艺美术概念外延的模糊性

工艺美术是工艺与美术结合的最典型例子。手工艺的设计过程始终伴随着技术进程,每一刀一凿、一针一线,都是设计思维和创造新的美的形态的过程。这是纸面上的设计绝不可替代的。

我国工艺美术源远流长,解放后,由原轻工业部主管的就有十三个大行业六百四十个小类。工艺美术可大致分为日用工艺美术和欣赏用工艺美术,有偏重于应用的,如染织、陶瓷等,也有偏重于欣赏的,如玉雕、牙雕等。工艺美术区别各个小类的基本特征应该是它的形象性,前提是使用物质材料,也就是说各个小类的差异在于所用材质的不同和精神内容的差异性。但是这点差异却在历史的推进中日渐模糊,物资材料在各大艺术门类中的使用已经更具多元,更加融合,边界更具有模糊性。材料如同媒介,是传达思想的手段,这是一个模糊集合,传统艺术以材质进行的分类仍然存在,但它们的边界已经走向模糊化了。

三、工艺美术概念内涵的模糊性

将工艺与美完整地融合在一个过程中,这就是工艺美术的内涵。与传统的造型艺术相比,当代艺术在物质材料的表现形式上更加综合化,艺术门类之间材料使用的藩篱已经被打破。在传统的造型艺术中,材料的使用在各门类中的分化是很明确的,你不曾见过文艺复兴时期的绘画把颜料涂得象水泥一样,把雕塑弄得象我们的生活用品一样,你也没有见过在罗可可绘画上绑上金属、木材等材料的。在传统的造型艺术中,材料的使用就象音乐中的乐器,钢琴、提琴彼此都会奏出优美的曲调。现代艺术中,彼此间的界线都被模糊了。美术中物质材料的模糊性表现在材料的使用不再拘泥于绘画、雕塑、建筑和工艺美术的具体门类之间。综合各种材料的艺术形式在美术中运用得越来越广泛,人们以具体材料区别于具体的艺术形式越来越失效。

四、工艺美术概念的边界模糊

(1)工艺美术与纯美术的界限模糊化

大美术简单地分为纯美术与工艺美术,因此它们的关系应该是密切相关的,但是许久以来却被人划分成不同的部分。随着社会经济历史文化的发展,纯美术与工艺美术两者的关系日渐模糊,纵观以往历史上的知名画家,可以发现他(她)们不但是本领域的楚翘,还是相关工艺美术领域的专家,例如达芬奇、伦勃朗、阿尔玛塔德玛、毕加索等人。其中达芬其与伦勃朗的多才多艺不必多说,阿尔玛塔德玛则除了是维多利亚时期最杰出的画家之外还是考古学家、历史学家、稀有古物持有人、工艺美术品的收藏者,至于毕加索对于各民族工艺品(特别是非洲木雕)的爱好与欣赏,在其绘画作品的变形及装饰性中可见一斑。

纯美术与工艺美术之间的本质划分就美学本体的角度而言从来没有存在过,艺术本身就是相通的。纯美术与工艺美术共同附着在一个叫作美感的主体上,两者就像一个多面体上的两个面。囚禁在个人世界中闭门造车企盼成为大师的画家是可笑的,而缺乏制作技能与独特个性的优秀工艺美术品也是不存在的。纯美术与工艺美术的日趋交融已经有目共睹,对于在这一融合过程需要多长的时间,最终产生的结果是完全合并、再次分化还是新事物的诞生,我们不得而知。

(2)工艺美术与艺术设计的界限模糊化

有着悠久历史的“工艺美术”有可能是唤醒中国本土设计面向世界的重要源泉,中国不同思想、宗教、民俗、区域影响下的那些传统工艺,我们如果站在现代的角度对它进行重新发掘,将会发现其蕴含着巨大的设计文化价值,它们也会成为“世界的中国”设计的一种文化身份识别,而能为多样的世界消费方式所接受。因此,面对“工艺美术”,人们重新发现了它的独特的不可代替的价值,在此前提下,“工艺美术”和“艺术设计”不是截然分开的东西。与人民生活需要直接关联的室内环境设计、服装美术设计、商业美术设计、包装设计和日用工业产品造型设计等现代工艺受到前所未有的重视,成为工艺美术事业的主流。

工艺美术运动的范围范文3

【关键词】环境艺术设计;工艺美术;设计教育

环境设计和工艺美术是艺术设计的重要组成部分,这一学科的发展,既有社会无意识的经验积累,又有西方特定设计学派的具体规范和引导。可以说,这是一个年轻而又古老的学科。与工业设计相区别的是,环境艺术设计追求艺术与技术的统一,对人的身心有更为隐秘、更为直接的影响。我国艺术类高等学校,普遍开设了艺术设计课程,面对信息化社会发展的趋势,我们要更新教育教学观念,培养新一代艺术设计人才。

1 环境艺术设计的内涵和发展历程

环境艺术这个概念很广泛,不仅包括环境与设施的计划、空间的装饰、造型的构造与表现等艺术设计手段,也包括理论性知识如采光量的计算和心理学的感知。环境艺术是审美功能与使用功能的体现,是技术与艺术的结合。

环境艺术设计是二战后突然兴起的,随着各国经济的飞速发展,对于生活品质的更高要求成为了市场动力,相对稳定的环境也为艺术设计提供了保障。狭义意义上的环境艺术设计,是一门新兴学科,是新艺术运动的后期体现,但是关于艺术设计的概念,实际上在古代就已经很丰富了。

环境艺术设计是从人类生活活动中分化出来的。每一个时代的环境艺术设计无论是所表现的内容,还是为适应其内容而运用的形式,都根源于那个时代的社会生活。不同时代的环境艺术设计具有不同的特点,即便是同一时代的环境艺术设计,在不同的地区也具有不同的特点。

原始社会人类进行磨制石器,制作工具,在岩壁上作画记事的过程中,实现了最基本的艺术创造。这一阶段的环境艺术设计与原始人类的生活直接融合在一起。农业社会的艺术创造,大多与宗教活动分不开的。贵族们追求金壁辉煌的形式、贫民们追求朴素的形式,而各宗教则喜好高大威严的形式。农业社会的环境艺术设计的发展是巨大的,似是由于当时的背景所决定,在环境艺术设计上取得的理论成果并不太多。工业社会出现了较为系统的设计理论,从此艺术设计成为一个专门的学科,在此基础上,产生了一系列艺术运动,包括工业美术运动,新艺术运动,青年风格运动,分离派运动等等。导致了环境艺术设计的发展也是多样的。二战后,现代意义上的环境艺术设计理论逐渐形成,即与传统的建筑、家具设计、工艺美术相区别,又在大范围上包含其中的内涵,随着新技术新材料与设计手段(如计算机辅助设计)的出现,环境艺术设计也出现了较大的改观。

环境艺术设计有以下几种发展趋势:首先,独立性和容纳性更强,与多学科、边缘学科的联系和结合趋势也日益明显。其次,适应于当今社会发展的特点,趋向于多层次、多风格。即艺术设计由于使用对象的不同、建筑功能和投资标准的差异,明显地呈现出多层次、多风格的发展趋势。第三,专业设计进一步深化和规范化的同时,大众参与的势头也将有所加强。第四,设计、施工、材料、设施、设备之间的协调和配套关系加强,在设计中更多的考虑可持续发展的要求,普遍具备“绿色设计”理念。

2 环境艺术设计的特点

2.1 综合性

环境艺术设计是一项极其综合的系统,包含着与之相关的若干子系统。它集功能、艺术与技术于一体,涉及艺术和科学两大领域的许多学科内容,具有多学科交叉、渗透、融合的特点。

2.2 独立性

环境艺术设计细分的话,有室内环境设计、外环境设计、公共艺术设计、工艺美术设计,从不同的角度考虑,对于环境艺术设计的切入点是不一样的。建筑专业大多是工科培训体系培养出来的,在进行建筑时,会更多的从技术和理化性质方面考虑问题。工艺美术专业大多是艺术学科培训体系培养出来的,在进行相关工作时,会更多的从感性方面考虑问题。总体来说,针对不同的设计领域,有独立性的设计特点。

2.3 创造性

创造是设计的灵魂。环境艺术设计是创造对人的生活环境进行规划和提出方案的思考。环境艺术设计有创造性的特点,设计者的独创性思维为是设计果实的源泉。

2.4 适应性

在环境艺术设计方面,它所涉及的范围应该远比现在广泛的多,围绕着建筑环境,小到一个标志设计,大到环境景观设计,都将是环境艺术设计师所要面对的工作。对知识面、知识结构的要求将更高,它需要有相应的能力来适应并担负起这样的社会角色和责任。

3 如何培养适合信息化社会要求的艺术设计人才

艺术设计是高校广泛开展的热门课程,培养的设计人才也是社会上紧缺的。我国在环境艺术设计培训中出现了一些问题,笔者概括如下:

首先,盲目扩张,学校招生后却并没有提供足够的师资与硬件教学设备。造成教学质量良莠不齐。管理放松,没有统一的教学方案,教学效果差。

其次,过分强调技能的培训,忽视了对艺术感的培养。环境艺术设计是艺术与技术结合的学科,重在对人营造美的氛围,过分的强调职业技能培训,是舍本逐末的行为。过分强调市场效应,一味的跟着市场走,对学生的创新性培养不足,把设计当成一种纯粹的商业利益。过分的强调学生的就业率,从而促使教学工作偏离了正确的轨道。

第三,依赖性较强,思维和动手能力较差。突出表现为过分对计算机的依赖,这打破了环境艺术设计原有的特性,难以真正实现设计艺术创新突破。很多学生错误的认为从事设计最重要的就是掌握好计算机相关设计软件而完全忽略了设计的创意

最后,设计作品表现力差,突出表现为对别人作品的模仿与借鉴,华丽的效果掩饰不了内容的贫乏,创新性极差,作品只是商业快餐,毫无生命力。

培养适合信息化社会的设计人才,学校和社会的教育应该做到以下几点:

首先,转变设计观念,加强导论教育。学校应该在新生入学时对学生进行专业导论教育。现在很多高校都是2+2模式,先经过2年的基础课学习,再经过2年的专业方向分流。根据教育心理学的要求,学生进校后,校方即有责任给他们划出一幅专业“导游图”。告诉学生学习环境艺术专业需要三套思维方式,“艺术家的眼光,科学家的态度,企业家的头脑”,让他们知道“喜欢彩虹就不能怕雨”的基本道理。

其次,加强艺术修养训练环境艺术设计是艺术和科学的统一。艺术的特征在于其创新性和审美性;科学则在于它的不间断性、无穷性和非人性化的倾向性。环境艺术设计专业除学习建筑装饰材料、设计色彩和造型基础课程外,还应开设美学和艺术欣赏课程,培养学生的美感和对美的鉴赏能力、感悟能力和创造能力。让学生有充分的艺术审美能力和艺术创造能力。越是具有个性和创新的设计作品,则越受到市场的青睐和人们的喜爱。

最后,加强实习和社会实践环节。环境艺术设计课题的确立可在教学大纲规定的内容和范围内与企业结合用实际项目进行设计教学,校内学习与社会实践相结合,扩大学生的视野,提高学生创新设计实践和适应社会的能力。学生由于结合真实设计项目,通过亲自实践获得直接经验,他们的积极性、主动性大大提高,掌握综合运用所学知识解决实际设计问题的能力得到了增强,创新意识得到了培养。

4 总结

环境艺术设计是给人带来美,让人们享受美的一门学科。它的发展是从原始社会人类劳动中来的,并在工业化社会中形成系统的理论体系,在近年来受到新材料新技术的支持,环境艺术设计出现了丰富多彩的发展成果。本文同时分析了我国高校对于设计人员培训方面的不足,提出了一些建议,希望我国能够及时的培养出适合信息化社会需要的高素质设计人才。

参考文献

[l]李泉涛.施国盘.论艺术设计教育的创新人才培养田.山东省青年管理干部学院学报,2005

工艺美术运动的范围范文4

关键词 西方 现代设计 主流 支流

中图分类号:J50 文献标识码:A

现代设计在一定程度上是传统艺术本身的内涵和风格形式在更广泛载体上的体现、反映和变化。但是,这种内涵、风格和载体的转变过程还与艺术设计以外的其他诸多因素密切相关,每一次风格的更迭、思潮的涨退,背后都有千头万绪的条件限制。某一时期的设计风格和设计思想为何呈现出如此的风貌,其中必然有着某种规律的制约。在影响设计的诸多因素中,社会背景的铺垫、与设计相关的艺术流派的影响、核心人物的作用是三个极其重要的因素。

1对现代设计划分主流与支流的必要性

多元化是绝对的,一元化是理想化的。在多元化愈演愈烈的今天,分清主流与支流的关系有利于我们理清思路,抓住本质问题的同时顾及到非本质问题。

其实真实的历史从来都是多元化的,一元化的历史,只存在于人们的理想之中,而不存在于现实之中。我们应该既不强调设计思想和风格的一元化,也不单纯地陶醉于设计思想与风格多元共生会流畅实现的理想。我们应该更加看重设计思想和风格交互融合的趋向,设计思想和风格的一元和多元观点更多的是一种界定,其真实状态则是“交融中”和“理解中”,是一种相互影响、相互对话、相互交流和融合的过程。在世界各国之间的联系越来越紧密的背景下,在各种设计思想与风格相互影响、相互交融的情况下,如何认清主流与支流以及它们之间的转化关系显得尤为重要。理清了这种头绪以后,我们可以在纷乱的世事中不至于迷失自我,在诸多的风格、流派、思潮中寻找到最适合自己的加以发展完善,并在此基础上创造出属于自己的特色。

2现代设计中主流与支流的交互

海洋之鸿渊宽大乃在于它能容百川而纳百物,这是真理包容性的描述。同样,主流思维应能包容和宽容非主流,因为终有一日,万川皆东流,青山不留住,终必奔大洋,更因为世上没有绝对的主流,如果主流不具有包容性,它自身的主流地位也很快不能成功捍卫了,当主流沦为支流,落寞才刚刚开始。有人说:“非主流是不入流。”笔者认为非主流是被排挤、被压抑的。大多数人从内心深处抵制着非主流的东西,的确,与现行的一切随处可见的主流相比,它们是会显得滑稽、怪异、甚至面目可憎。但谁又敢说,眼下的主流在早些时候从没被冠上过这样的头衔呢,非主流也并不像人们想象中的那样与主流对抗,它们顶多是主流的假想敌。甚至在很多的时候,非主流就是主流的雏形,仿佛还没有变成白天鹅的丑小鸭,络绎不绝的不会是朝拜逢迎,只有假以时日,当时代与审美变迁,当新的时尚引领者出现,一切才会有所改观。设计史上主流与支流产生交互的例子在前文中也有过相应的论述。所有这些正印证了主流与支流的交互关系。主流与非主流在相对的动态中转换,在变化中交错。某段时间内,主流和非主流是变换的,从哲学角度讲,矛盾的主要方面和次要方面可以相互转化,矛盾的主要方面和次要方面的关系是对立统一的,它们互相排斥,又互相依赖。

3现代设计中主流与支流的主要特征

3.1 西方现代设计主流风格

从广义的范畴来看,“现代主义”是一场席卷意识形态各个方面的运动。它并不仅仅局限于设计领域,设计领域的“现代主义”只是它的一个波及面而已。从时间上来讲,它开始于 20 世纪初,直到第二次世界大战结束后的相当一段时间内,在这一时期,德国等欧洲国家以现代主义风格为主,美国和法国则进行了轰轰烈烈的“装饰艺术运动”。在众多设计史研究者的划分中,这一时期的设计大都以“现代主义风格”为主流。现代主义运动时期的作品大都具有良好的功能、美观清晰的外形,加工工艺简单、结实耐用,并且注重细节和整体的统一,更加符合大规模生产的需要。这一时期的设计作品大都具有高度的理性特点,良好的功能性和简单大方、轻巧优雅的造型;在色彩上,现代主义设计以黑白灰为主,并强调色调的呼应与统一,这种用色与材料固有的色彩有关,也与产品形式的呼应关系有关;在装饰方面,现代主义反对一切无谓的装饰,追求功能与形式的统一,这也注定了产品形式的简洁;在材料的应用方面,现代主义提倡新材料的尝试,注重材料特性与产品特性的结合,并通过设计体现出材料的特性;在设计思想方面,现代主义提倡民主主义,以为大众服务为目的。

3.2 西方1980年至今的支流风格

在这个让人眼花缭乱的多元化时期,某一设计风格要想真正占据主流地位是难之又难了,如果说意大利设计风格占据主流地位的话,斯堪的那维亚风格的影响力也很大;如果说当代德国的设计风格是主流的话,战后日本的设计风格也在世界范围内有着广泛的影响;而机能设计、理性主义、绿色设计等等又都属于内在的设计思想这一层级的概念,并非外在风格这一层级的概念。

1980 年至今的设计界,意大利设计风格依然保持着其独特的文化特质,斯堪的那维亚仍旧以高度的人性化著称,战后的德国设计风格延续战前现代主义风格的同时进行了一些改良,战后日本的设计风格走过了模仿到创新的道路。除此之外,设计界出现了众多其他的支流风格。建筑风格、过渡高技术风格、解构主义风格、微电子风格、减少主义风格、新现代主义风格等等都是这一时期的支流风格。

4结语

虽然一代又一代的艺术家与设计师,总是企图摆脱传统文化的阴影,创造属于他们自己的艺术里程碑,但传统文化的影响还是如影随形,随处可见。在设计的现代化进程中,无论是建筑设计还是产品设计领域,传统文化和传统风格的影响一直都没有间断,无论是工艺美术运动对中世纪哥特式风格的推崇,新艺术运动对古典风格的糅合,还是装饰艺术风格对埃及等古代装饰风格以及非洲、南美洲原始艺术的借鉴,都不能例外,后现代主义者也从新艺术运动的设计师高蒂作品中汲取灵感,其隐喻性与高蒂作品中表现出来的复杂而丰富的文化气质和神秘的宗教色彩不谋而合,高蒂作品无疑成为后现代主义设计师借鉴的源泉,是传统文化对现代设计影响的鲜明体现。

参考文献

工艺美术运动的范围范文5

摘要:装饰主义Art Deco即放射状的太阳光与喷泉形式:象征了新时代的黎明曙光;摩天大楼退缩轮廓的线条:二十世纪的象征物;速度、力量与飞行的象征物:交通运输上的新发展;几何图形:象征了机械与科技解决了我们的问题;新女人的形体:透露了女人赢得了社会上的自由权利;打破常规的形式:取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等;古老文化的形式:对埃及与中美洲等古老文明的想象;.明亮对比的色彩。

关键词:西方现代美术;装饰主义;运用;风格

从人类艺术的诞生时,就没有离开过“装饰”这个名词。人类的艺术起源与原始的装饰有着某种不可割舍的关系。著名的美术史学者沃尔夫林就认为“美术史主要是一部装饰史”。装饰在原始社会是人们所创造的艺术的审美核心。各种彩陶纹样成为各种装饰美、形式美的标本。装饰是一种有意味的形式。它包含着特定的社会感情和文化意识。它不仅是“装饰性”的,从秩序、线条、形式、色彩等方面带给人们以审美愉悦,而且是“文化性”的,从文化、理想、象征、历史等方面满足人们更深层次的需要。沃林格在《抽象与移情》中说到:装饰艺术的本质特征在于:一个民族的艺术意志在装饰艺术中得到了最纯真的表现。装饰艺术必然构成了所有对艺术进行美学研究的出发点和基础,装饰对于现代设计同样具有十分重要的研究意义。

一、发展历史演变与渊源

19世纪20--30年代的欧美设计革新运动。在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下,欧美的工业设计逐渐走向成熟。仍然经常留恋手工业生产的新艺术设计运动,己不能适应普遍的机械化生产的要求。以法国为首的各国设计师,纷纷站在新的高度肯定机械生产,对采用新材料、新技术的现代建筑和各种工业产品的形式美和装饰美进行新的探索,其涉及的范围主要包括对建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等方面的设计,力求在维护机械化生产的前提下,使工业产品更加美化。巴黎是装饰艺术运动的发源地和中心,1925年在巴黎举办了装饰艺术展,装饰艺术运动因此得名并在欧美各国掀起热潮。在法国,装饰艺术运动使法国的服饰与首饰设计获得很大发展,平面设计中的海报和广告设计也达到很高水平。在美国,装饰艺术运动受到百老汇歌舞、爵士音乐、好莱坞电影等大众文化的影响,同时受到蓬勃发展的汽车工业和浓厚的商业氛围的影响,形成独具特色的美国装饰风格和追求形式表现的商业设计风格,它们从纽约开始,逐渐从东海岸扩展到西海岸,并衍生出好莱坞风格。美国装饰风格20世纪30年代传至欧洲,使欧洲的装饰艺术风格更加丰富。在英国,装饰艺术风格始于19世纪20年代末,突出表现在大型公共场所的室内设计和大众化的商品。

在20世纪20年代兴起,到30年代成为一个国际性的流行设计风格,影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计,纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面,是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国,但是这种风格却成为世界流行风格,甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计,可见其流行的广度。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生,也几乎同时于30年代后期在欧洲大陆结束,因而,在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是,由于它主要强调为上层顾客服务的出发点,使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场,也正因为如此,所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展,而基本成为史迹,只有现代主义成为真正的世界性设计运动。从形式上看,20、30年代的这个设计运动的风格与80年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系,从意识形态方面来说,也有类似的地方。

二、装饰主义的运用

从18世纪工业革命开始,直到19世纪末期,工业技术改变着人们的生活方式,产品设计在这种变革与混乱中发展。人们在生活习惯与心理上对旧有产品的形式与风格有很顽固的留恋,这反映在设计上表现为装饰化的特点,注重传统装饰趣味。装饰与机械生产的要求之间的矛盾不可避免地产生因此,以约翰?拉斯金和威廉莫里斯为首的一批有识之士进行了一场名为“新手工艺美术运动”的设计风格改革运动,主张艺术家走入生活,艺术与技术结合,创造为大众理解和接受的作品,它反对维多利亚矫饰之风,倡导中世纪的纯朴装饰,并吸收日本的装饰,从自然中汲取素材,创出新的设计风格,这是一种可贵的探索。

三、装饰主义的代表及评价

工艺美术运动的范围范文6

关键词:民国广告美术字;月份牌;受众群体意志;印刷工艺

一、美术字

1、美术字与字体设计区别

很多人认为字体设计就是美术字,字体设计是当代对美术字的说法,这两者的区别不能仅仅用时间来分界,世上每一事物都不是独立存在的,总是和相似的物体有着关系。“现代美术字是以汉字的结构,点画为元素,通过精心构思和艺术化的组织,将文字以美的形象表现出来,使之符合特定的环境。”这是李明君对美术字下的定义。“美术字的起点是汉字,其目标虽然是美术化了的汉字,但仍是汉字,只不过是对其传达的效果进行了强化,所以实用是第一位的。”可见美术字的源头是汉字,只不过是在汉字的基础上做了一下视觉上的变化来吸引读者,其性质就是实用性,美术字要融入周边关系,并不能做单纯的美化来强调这个字的美感所在。美术字的设计,在其中有一个“字”基本形体结构,对这个字要做出美的改变,才算是美术字。1)从范围上来说美术字是在文字设计之内,只是其中的一个分支,范围并没有字体设计那样宽泛,数量也没有那么庞大。字体设计里有美术字还有其他的字体,所以是一种包含关系。2)从规模上来说字体设计是有多少字做多少字,而美术字是要多少字做多少字。在当代社会中最有名的方正字体设计大赛往往都是选出优秀作品进行成规模的汉字设计,然后这些字体才安装我们电脑的软件中。这就是字体设计和美术字一个很重要的区分。3)从偏重点来说“字体设计”是一个动词,更重视改变的过程,直接涵盖了这个设计的行为;而“美术字”则是一个名词,着重于表现后的结果,最后呈现出来的形态。

2、美术字的分类

美术字可以的分为四大类;“印刷美术字”,“变体美术字”,“手绘美术字”以及“自由美术字”。而这四类字体还可以再细分几小类,例如印刷美术字,主要包括宋体,黑体和仿宋体。手绘美术字有书法美术字和商标美术字等。

二、受众群体的意志与美术字的流行

上海在当时拥有全国最时尚的信息,侵略国家对当时上海大量输送本国的商品外,同时还带来了各国的商业设计理念。给民国时期的上海商业美术带来突破。在中国销售的东西带有本民族色彩是很容易被大众接受的,这也是种销售策略。笔者通过分析材料发现主要侵略国国家同时期的美术风格影响了民国时期美术字形成,而追根溯源就是要找到影响这几个国家的主要艺术运动。其中以西方的新艺术运动,工艺美术运动,装饰艺术运动间接影响以及日本美术字对中国的直接影响。

1、日本与西方国家美术运动对民国广告美术字影响

1)日本美术字的直接影响特别是到19世纪末到20世纪初,日本的平面设计和建筑设计是在西方刺激下出来的。日本的明治维新是日本接受西方新鲜事物并开始模仿的重要启程,最终在明治维新晚期开始触碰到汉字美术字设计,并且成为汉字美术字的发源地,日本的汉字美术字是受到拉丁文中的黑体启发的,黑体的无衬线,简洁的特征吸引了日本人对其的关注,并且模仿黑体来设计汉字,由此汉字美术字就开始了。2)西方美术运动对民国美术字的间接影响西方的美术运动也间接的影响到了民国时期美术字的发展,《世界平面设计史》讲到:“20世纪上半叶在字体设计上最大的发展和广泛运用,从德国,荷兰,俄国开始,逐步推广到采用字母的世界各国,无装饰线体力求字体的简练,明确,成为现代平面设计的基本要素。”第二方面是英国人创造的“时报新罗马体”这种字体结合了罗马体和现代视觉传达的基本要素,字体更加清新,准确,既有典雅的传统品味,又有现代感的崭新字体,成为20世纪现代字体的基本体例之一。是第一个正式运用在公共场合的无衬线字体,之后这便成为一时的风气,随后“未来体”(future),“卡伯体”(Kabel)等陆续出现正式带动了无衬线字体的高峰,并且这种潮流一直延续至今。在民国时期的月份牌中有一些无衬线体的字体,字形方正,笔形方头方尾,横细竖粗,简练明确,这种字体非常醒目,在当今社会应用的也非常广泛。

2、月份牌商家与受众群体意志

通过上述对日本和西方美术运动的分析可知当时的美术字形式已经在外国得到了人们的欢迎并且流行开来。这种流行趋势从两个方面带到中国:一是外国人口大量涌入中国随即也带来了本国的美术字。二是有一些青年到日本学习新艺术,学成回国后日本的汉字美术字也带入中国,并且激起了学习外国艺术风潮。通过这两种趋势的带动,民国时期大多数的受众群体接受这种新式的美术字,这是在一个特定的历史时间才会出现的现象。出现在市面上多数的事物必然会形成流行趋势,而流行的物品必然会带动消费者去关注。商家想要卖出东西就要符合大众的口味,竞争性的模仿必不可少,从而宣传力度和同行业水平相近甚至更高。这种是由于受众群体的意愿导致月份牌美术字流行的状态,就如同新美术史上认为达芬奇的画风之所以呈现出含蓄、深涵、富于理智,过度象烟雾般的感觉和米开朗琪罗的粗旷,豪迈的特色,这种具有极强表现力的创作手法不是画家自身的绘画风格,而是受到教会意志的牵绊。所以受众者的意志是受了当时社会广告的影响从而偏向于这些广告美术字,而商家的做法无异于和新美术史上所阐述的画家做法一致,迎合受众群体意志的要求。

三、月份牌广告美术字与印刷工艺

民国初期,印刷最主要的还是石印印刷,这种印刷涵盖范围广,并且从上海为中心向周围主要的城市扩散,之后是彩色影写版出现,后来从国外传来“珂罗版”,虽然比石印要精确,但是在印刷过程中还是要靠工人的手工经验,所以瑕疵是难免的。到后来胶版印刷的出现大大提高了月份牌成品的数量,民国时期的印刷工艺和印刷质量有了飞跃性的进步。

1、印版套空

但在民国时期无论是后来先进的胶版印刷,还是初期的石印印刷在都是应用套印或叠印的形式印刷,所以在套印套空的现象还是屡见不鲜。民国彩色印刷的对版法采用传统的摸对法,即事先在第一张纸的背面用笔画出每块套版的应在位置,对版时左手将纸拉平,右手在纸下移动套版,并不时地用右手在纸背上向下摸按版,当纸背上凸出印痕与事先画在纸背上的套版位置重合时,套版的位置也就基本对准了。当一块版印完之后,则换上另一块版,按同样的对版方法将印版对好位置。这种全凭借工人经验的对版过程肯定有疏漏现象。细观民国时期月份牌上的美术字体大多数都是有边缘线或者是阴影的处理,正是因为有这种特殊处理才能保证整体字形的完整,反之则出现字形不准,让人难以辨别。一色一版,有一小块没有对准是直接导致整幅画套印的偏差。所以笔者认为对版不准是月份牌中出现很多有边缘线美术字的重要原因。

2、叠印交错

工人在制版时候会有偏差,纯手工技术活完全可能出现在制版时把美术字的笔画做的与原图不一致,在刷色的时候会有些颜色出现错误的叠加,产生比较暗淡的颜色。笔画边缘的弯曲不直也是因为手工制版的局限性之一。而设计这种带阴影的字体可以弥补印刷效果的不足,让美术字看上去整体效果完整,立体。所以笔者认为上色叠印不准是产生阴影美术字的直接原因。当然在用原稿制版的时候经常会出现画稿比版的尺寸要大很多,有时会把画稿裁切四块,再将每一小块的画稿制版,最后再将四个印刷版拼在一起印刷,大大增加了制版不精准的几率发生,这也是杭稚音的原稿很少能够完整无裁切的保留下来原因。民国印刷工艺的局限性是导致月份牌美术字很多用阴影和边缘线装饰的重要原因。

四、结论

笔者通过分析月份牌广告美术字体的成因得出:1)民国时期广告美术字因为受众群体意志的趋向而形成。日本新美术和西方的艺术运动直接或间接的影响了民国时期人们的审美趋向,从而改变了人们对美术字的喜好,导致商家就按照受众群体的意志进行设计。2)民国时期广告美术字主要受印刷工艺的局限性的影响而形成。这是因为月份牌印刷工艺的技术不足,如套色叠加不准和对空色等是会导致字形的偏移,而在字体外边的一圈描边或者是投影正好可以是一个外框的作用,让字形饱满准确。

参考文献

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