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艺术创作的意义范文1
关键词：现代舞;时代;创作意义
顾名思义,所谓现代直译便是——现在进行时代,驱于过去和未来之间的时间代名词。那么,现代舞指的是现在流行的动感街舞吗?回答绝对不是。那现代舞究竟是什么?众说纷纭。就其本质而言,我们赞同这样的论点:现代舞是一种观点它是场运动。是不断地以肉体的叛逆去争取人性崇高的自由和民主的艺术动态。
自现代舞不论是训练技术还是创作理念早期被中国舞蹈家带入我国以来。我国舞蹈技术方面有了更多的可能性,舞蹈理念上对于创作和欣赏都有了新的理解和认识。我国舞蹈界张开了自由的翅膀,不拘谨不小气。当然,对于我们学习和借鉴的视角是每一个舞者应该思考的。中国有自己的文化、宗教、历史、环境、人文、生活方式等多方面的内容。我们的现代舞也就必然基于它们之上。着眼看过来现代舞形式在中国的出现丰满了中国舞蹈的形式,在内容表达上更加直接和通透了。不言而喻,这些都驱动于先驱们视现代舞创作为生命的意义,不论西方的还是中国的。
提到中国现代舞的发展创作不得不从西方现代舞先驱的创作的伟大意义说起……
现代舞起源于法、美、英等西方国家,它们有着从先驱者—奠基人—继承人—新先锋派—新生族最后到世纪末人这样一个阶段性历史的发展。它们并非类型化、程式化而是另辟出新、千人千面的发展。这些舞蹈家们成功的踩着时代的脚印再步前辈的后尘搞着打倒偶像崇拜的舞蹈艺术。现代艺术具有阶段探索和实验性的特征,现代舞更是如此。也就是说现代舞的历史是个性话的历史,存在着艺术家个人独立色彩。具有舞者真实揭示某种基本真理的功能。
最初笔者对现代舞的理解和大多数人一样只是停留在字面意义上,认为现代舞指得就是动感街舞。从听说伊莎多拉.邓肯尊师的大名及她对世界现代舞艺术创下的奇迹起才从朦胧中渐渐走出,才明白一个现代舞就是一个时代的生活缩影,看一个现代舞就看到了那个时代的生活。深深感觉到前辈们是在迫于时代的压力下,选择以现代舞的方式来不断的摆脱旧的封建传统的束缚,探求新时代新舞蹈的意义。记得从书里读到过“在二十世纪前美国曾是个没有舞蹈的国家”,除了社交场合大多数人不会舞动身体。其实并非如此,其实它们有着及其丰厚的宗教舞蹈,只是不显得有何种需要。它们国家是一个清教传统十分深厚的国家,对人体观念在早期与古老的中国有许多相似之处,经过新的技术革命、通讯革命、声光技术革命以及交通运输革命带来新观念的变化。随着人们对历史与文化的反思,各类娱乐节目杂耍频频出现。在这样一些历史文化背景中,洛伊富勒、伊莎多拉、邓肯、露丝、圣丹尼斯等一些舞蹈家寻求新思想对舞蹈意义的新的诠释,新的表达方式。通过对舞蹈本质的思考回答了动作就是舞蹈对生活的表现对情感的表达。并解释了感觉即“由心灵感知出的印象或认识所引导出的人体反应,通过人体反应后身体产生出了语言反射”等一些问题。留给后起舞蹈艺术工作者智慧的指导,丰厚的财富。
大多数西方的前辈们通过个人对生活的理解,捕捉从生活的根源出发创造出个人的舞蹈风格,扩大了现代舞的丰富性。将有限简单的舞动发展为能搬上舞台的艺术品。最为重要的特点是:①生活化;②讲究内涵。就是通过舞蹈来凝练生活、表达生活、说心里必须说出的话。
二十世纪美国现代舞一代尊师玛莎•格雷姆用血的记忆燃烧起来的心回报她对艺术的决心。她首次在她的作品里运用了对白并创立了玛莎•格雷姆舞蹈技术。通过现代舞《心灵的洞穴》《黑夜之旅》等作品勇敢揭示人性邪恶的一面,用扭曲向上伸展的肢体发出求援的呐喊。曾坦白的说过“希望自己是一头狂野而美丽的兽,身体是神圣的衣裳”。这是高尚的人格带给她的创作冲动。她用打破时空力的方式探索新动作的可能性。通过舞蹈记载世界的变迁。同时也示意了人类某种有动机的奇迹。
现代舞之母邓肯“自由舞蹈”的创造告诫了人类人性化的主题,她认为人类只有灵魂和精神才能帮助自己。生活中最可怕的是缺失生活理念。她的舞蹈不受政治牵绊,她主张舞蹈生活需要比现实生活自由的多才能活在舞蹈里创作舞蹈。舞蹈才能鲜活!她作为现代舞之母的意义就在于她使舞蹈向她所处的时代迈出了辉煌的一步。她以身体的自由去达成心灵的自由,以心灵的自由去追求创造力的自由,以想象力的自由达到艺术的自由,以艺术的自由表现精神的自由以及人性的自由。她的时期出现了不用音乐伴奏的舞蹈。在她成就非凡时期生活依然十分清贫,时常无力支付房租。并还在她窘迫中诞生了她的舞蹈流派的基础理论。她不是一位革命者但她的名主主义思想倾向使她的艺术同情革命。她对艺术的坚决在人们看来是某种境界。
有人认为现代舞不属于“抽象舞蹈”是反芭蕾的舞蹈艺术。被誉为现代舞理论之父的“鲁道夫•冯•拉班”曾出任过芭蕾舞团团长。创建了身体的收缩与放松技术。他认为现代舞是否能彻底摆脱芭蕾尤其是芭蕾中人体训练的科学成果的影响,始终是一个问号。但玛莎•格雷姆舞蹈中许多收缩与放松、跌倒与爬起、赤脚舞动等技术的运用正是反芭蕾训练技术的。与芭蕾技术中的直立、挺拔、高贵的足尖舞蹈背道而驰。这又说明什么呢?正说明了现代舞个人化、个性化、千人千面、另辟出新的舞蹈特点。同时也说明了舞蹈从肢体美向形式美向内容美逐步渗透的趋势。更加讲究了一个舞蹈本身就是自由和多面的功能实质。
既然现代舞具有时代背景、历史符号等一些特征,那么,在这个运动场上我们国家就应该拥有我们自己的现代舞。依据我们独特悠久的艺术文化结合我们的时代特征,借着前辈们丰富的创作经验及解放了的思想意识创作属于我们的现代舞。经过了一段借鉴吸收的尝试性创作开采时期,我们已经看到了中国现代舞的符号!之所以现代舞滋生于中国那一定是时代的需要。随着改革开放人民的思想得到了解放,舞蹈多元发展的认识也随之新的思想意识渗透了。同时新的现代舞理念和技术也就从西方借鉴了进来。
艺术创作的意义范文2
关键词：艺术鉴赏力绘画艺术创作作用
生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛，爱美之心，人皆有之，对美的追求是人类的一种永恒的、美好的向往。艺术鉴赏力是艺术家或者观赏者对某一事物的自我感受与认知，鉴赏效果的差别体现了一个人的审美情趣与价值取向，艺术家从他产生灵感、着手创作直至创作完成，鉴赏力贯穿于整个创作过程的始终，它是衡量一幅作品价值的一把标尺，是连接创作者与观赏者的桥梁。观赏者通过对艺术品的鉴赏，揣摩创作者的创作意图与内心感受，并形成自己的理解与体会。艺术鉴赏力在绘画艺术创作中的作用可以归结为以下几点。
一、艺术鉴赏力在绘画技术与生活体验之间的作用
艺术源于生活，又高于生活，一幅好的作品一定不是空穴来风，而是对生活中某一事物经过加工想象，创造性的再现与展示升华，艺术家的每一次创作都是从生活中取材，每一次创作都来源于一定的创作灵感。灵感作为一种很玄妙的存在，如同划过夜空的流星，在艺术家的脑海中一闪而过，能否及时有效的捕捉到这一灵感，并从中受到启发进行创作，与艺术家的艺术修养以及艺术鉴赏力的高低密切相关。艺术鉴赏力如一丝星星之火，等待着春风的轻拂，这一丝亮光能否发展成为燎原之势，具有偶然性，同时也具有一定的必然性，一切全在于艺术家个人修养的高低。任何一幅艺术品的创作都产生于最初的创作欲望，这种创作欲望与艺术家的自身造诣和鉴赏力水平的高低无关，但这幅作品最后会创作到什么地步，以何种面貌呈现在大众面前，与艺术家的自身修养和鉴赏水平却是密不可分的。古有不胜枚举的圣贤画师，今有数不胜数的人文景观，通过仔细观察品鉴，不难发现，虽然每幅作品各有千秋，各具特色，但也存在很多共同之处。很多作品都只是形似而神不似，在创作时都只是对事物外貌的简单临摹，看到了事物的表象，了解了皮毛，而没有深入其内在，无法掌握其中的精髓。艺术是一个人行为认知的最高境界，是认识的制高点与归结点，当一个人的认识达到一定的境界，就会形成艺术，总之，艺术是意识形态与外在物质世界结合的最终结果。所谓艺术，并不是凭空捏造的一种完全虚幻没有依据的事物，它来源于广阔自然间的万物，既可以是一片落叶，一场冬雪这种自然更迭的意境，也可以是动物世界里一场一决雌雄的角逐与较量等，所有这些，都可以被打造成为一份艺术品。所以，艺术是来源于生活中实实在在的一花一草这些平凡的事物，但真正的艺术又远远高于这些事物，就像辛勤奔波在万花园中采蜜的蜜蜂，穿梭在万紫千红中吸取万物之精华，经过一番独特的酿造，方可制成芬芳四溢、香甜可口的蜂蜜。广阔的大自然就像一个争奇斗艳、百花齐放的大花园，为艺术创作者提供了丰富的素材与源源不断的灵感，艺术家应该放眼大自然的千姿百态，充分利用这一珍贵的天然宝库，从中汲取养分，不断提高自身的艺术鉴赏水平与文化底蕴。从大自然中取材，在充分尊重自然、敬畏自然的基础上，发挥创造性思维，利用自身坚实的文化造诣，绘制出超越自然的艺术佳作，从对自然事物的机械描摹到艺术的再现，突破自然事物的束缚，完成自身质的飞跃。所谓“再现”是指艺术创作对客观事物进行如实的反映，即效法自然，模仿自然，将客观存在的事物真实完整的呈现在艺术作品中；“表现”则指文艺作品对作家艺术家主观意识的表达，强调表现自我感受及个人主观情感，认为艺术不是表达生活的现实，而是表达“精神的现实”，是作品中排除再现部分的所有。前者着重反映的是客观性特征，后者着重表现的是主观性特征。就其一般本质而言，艺术创作既不能单纯地归结为再现，也不能单纯地归结为表现，而是再现与表现的统一。从一方面看，艺术作品都是艺术家审美意识的物化形态，是艺术家创造性劳动的结晶，这就决定了任何艺术作品都必然含有表现艺术家主观意识的成分。从另一方面看，不仅艺术家们审美意识来源于一定的社会生活，而且这种审美意识的表现也必须借助于一定的感性具体的形象，这种形象不论经过怎样的变形，最终都只能来自客观现实，这就决定了任何艺术作品又都必然包含有再现客观现实的成分。在创作过程中，这两个方面总是互相渗透，彼此交织，辩证统一的，再现中可以有表现，表现中可以有再现，不过，在不同的作品中，两者中可以有所侧重，而这种侧重，往往导致作品的风貌差异很大。如现实主义作品，一般偏重再现；浪漫主义作品，一般偏重表现。总之,当创作意识由再现转向表现时，艺术家不仅要面向内心世界，而且更应当面向外部世界，应该把自我置于生活的激流之中。
二、艺术鉴赏力在创作激情与创作效率之间的作用
艺术创作绝不是一次单纯简单的心血来潮，因一时冲动产生创作动机而马上着手创作，的确可以捕捉住转瞬即逝的灵感，但这种创作具有极大的偶然性和不确定性，极易导致最终的创作结果与最初的创作意图背道而驰。一幅好的作品从无到有的创作过程绝非是一蹴而就的，期间需要进行多次酝酿与反复的斟酌思考，天时地利人和的主观优越条件对创作的成功有很大影响。例如，创作期间创作者的情感波动极易影响创作思路，使得接下来的创作过程偏离最初的创作动机。由此可知，创作激情是创作的动力，但在一幅作品的创作中，创作激情并不能决定其成功与否，缺乏艺术鉴赏力的创作，即使拥有再高的创作激情，也很有可能失败。正如我们的每一次旅途，行程中总会用相机把当时认为的美景都记录下来，但旅行结束后，静下心来回味相机里的这些照片的时候，总有很多画面让人感觉平淡无奇，自己都想象不出当时拍下的缘由。的确，触景生情是每个人的一种本能反应，但情之所至，却不一定能挥舞出一幅艺术佳作，只有对这种创作激情进行理性的思考与筛选，才有可能绘出内心理想的画作。所以，创作激情离不开艺术鉴赏力的辅助，世家万物，皆具灵性，总会在不经意的某一瞬间触动我们敏感的神经，生活中的美随处可见，这种遇见赋予艺术家们创作的冲动与激情，艺术作品的成功来源于艺术家通过自身独特的艺术鉴赏力对这种冲动与激情的加工修饰，伴随着创作激情的指引，一幅好的画作便由此诞生。
三、艺术鉴赏力在艺术素养与创作水平之间的作用
艺术鉴赏力作为一种能力，既与自身的艺术素养息息相关，又离不开丰富的社会实践，是理论与实践相结合的产物，具备一定的艺术素养是进行艺术鉴赏的前提条件。艺术素养与艺术鉴赏是有区别的，绘画创作的过程中，需要借助专业的艺术鉴赏力的辅助，才能创作出高水平的作品。艺术家之所以成为艺术家，其个人的努力则起着决定性的作用，这种个人努力就是艺术素养。艺术素养的高低决定着其创作水平的高低，因此，艺术家为更好地从事艺术创作，就必须不断学习、锻炼和培养，多读、多练、多实践，不断加强自身思想、知识、情感、艺术等方面的素养，逐渐形成个人风格，从而实现以创作服务社会、反映生活的目的。艺术鉴赏力，即审美能力，是指人感受、鉴赏、评价和创造美的能力。画家凭自己的生活体验、艺术素养和审美情趣有意识地对审美对象进行鉴赏，从中获得美感，通过对事物的性质、价值、形式和内容等方面进行分析，作出评价，在具备一定的审美感受、鉴赏和评价能力的基础上，运用某种艺术形式和表现技巧，创造出美的、高水平的艺术形象。
艺术创作的意义范文3
关键词：现代纤维艺术；艺术观念；思维方式
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）35-0065-01
通常意义我们界定纤维艺术主要是从其特有的材料特点来说的，以天然的动，植物纤维，如丝毛，棉麻或人工合成纤维为材料，而今界限甚至宽泛到由线型的材料构成，以多种工艺手段，创造平面形象或立体形象，亦或两者共有形象的一种艺术。对我们是既熟悉又陌生。其特点是集古典和现代，工业文明和传统手工艺于一体，可以说是一门古老而年轻的艺术门类。说它古老是因为纤维艺术有一定的历史传承，现代纤维艺术和以往传统的各种纺织或纤维艺术形式，从技术角度上说，他们之间不存在决然划分的界限，两者都体现了织物艺术对不同文明生存条件下的人类需要的适应和满足。
现代纤维艺术的产生，在很大程度上是由于艺术家们不满足于传统的表现手段和传统的材料的局限，而长期对新纤维材料的关注与尝试所产生的结果。也可以这样说，由一种技术手段转变成一门艺术正是因为注入了人们的思维和观念。它可以说是伴随着人类的文明经历了漫漫的蹉跎岁月。时代在不断的变化，观念在不断的更新，壁饰艺术从20世纪60年代开始走向一个多元化发展的时代。许多艺术家在壁饰与绘画的融合方面做探索，织物与雕塑的构成以及与建筑空间的综合表现力等方面不断地创新，发展。将富有想象力和创造力的思维观念运用到创作过程中。纤维艺术的称呼也就此被确立。现代纤维艺术中很大部分的技术，技巧，制作手段都来自于传统纺织领域，但它们又不是传统纺织技术的直接延续，而只是将传统纺织技术作为演绎现代观念的一种手段或途径。现代纤维艺术成为20世纪引起广泛关注的新兴的独立的艺术门类。现代科学技术日新月异的的发展进步，以及现当代人文背景的变化，现代纤维艺术除了在材料和形式上进行了突破之外，而且还在纤维艺术品的精神内涵上更加注重艺术家个人艺术观念的表达。现代纤维艺术的创作观念受现代艺术和现代设计的影响，与现代艺术和现代设计的创作观念有着极为密切的关系。然而，又远远大于或者说宽泛于通常意义上的艺术创作观念。观念产生变化，从而引发了现代纤维艺术表达的丰富性及发展。纤维艺术的观念的来源之所以可以很宽泛，因为它有着深厚的根基和历史的积淀。另一方面，在现代建筑空间环境中现代纤维艺术创作观念必需受到一定程度的制约，然而正是这种制约，使现代纤维艺术创作表现出独具空间形态的艺术观念，具有一定的环境意向性。90年代后期，艺术家个性观念的表达更趋多元化，纤维艺术在艺术审美和文化语境上呈现出深刻的艺术特征。
在这个多元的社会，现代纤维艺术的发展是必然的，因为它有着自身的特殊魅力。纤维艺术是一种艺术与设计身兼两职的艺术门类，之所以这样说是因为它的发展在欧洲主要是以古典装饰壁挂，地毯等式样行成的，用于宫廷室内的墙面，地面等，这时人们创作的思维观念伴有着隔寒保暖的实际功用。而随着时代日趋发展，在思维观念的进步和发展下对纤维艺术新的理解和认识使其已经形成了一门更加丰富，更加有表现内涵的艺术门类。因此现在谈起纤维艺术，人们不仅会想到壁挂，不仅会想到壁饰，还会想到软雕塑。也因为各种思维观念的介入，使得现代纤维艺术的界定也变得模糊起来。但思维框架仍保持着以各种纤维状的物质材料出发，或采用经纬线式的编与织的平面表现方式，或采取雕塑式的立体造型与形体组合的装置塑造形式，或采用环境式的自然环境或室内环境与纤维材料统合性建构形式――发展为多元，多维的艺术手段和形式。通过纤维材料造型或传统或现代的技术工艺手段来表现人与纤维艺术作品，纤维艺术作品与环境，人与环境的整体性和结构关系性的艺术创造。思维的丰富决定了其愈加丰富，包罗万象，随思维变化发展而发展，由过去单纯的手工艺真正的发展成为一门艺术。并在艺术创作过程中提供了更为无限广阔的思维空间。
纤维艺术创作是作者通过自身及运用的思维观念，借助于材料，去体现他想表达或处于时代环境精神的最广泛，最直接，最敏锐的手段，是一种富于创造性的社会活动。因为通过艺术创作的语言几乎涉及社会生活的所有方面，作者和作品一起发出的声音一起不断的深入生活，不断地发现动机，为人类提供了思维观念的更新，更进一步的思想和更广阔的生存空间，思维空间，也极大地改变了人们的生活形态。由此，观念也进一步影响到人类的思维方式。
当今纤维艺术家的创作大多运用现代技术的手段和新的观念，将现代技术和观念运用到纤维艺术中，成为当代艺术引人瞩目的一个新特征。一切生产技术的发展都会在设计领域得到及时的反应，他们之间又有着相互促进的关系，由此可见，一个民族，一个国家培养艺术思维观念的重要性远远大于在其他艺术领域中的贡献。
参考文献：
艺术创作的意义范文4
关键词：艺术；创作材料；创新；趣味
1传统材料的创新
在倡导科技与艺术融合的今天，当代艺术呈现出多维的发展趋势，这使得艺术形式的多样化成为可能。然而，在探索形式多样化的过程中，材料起了至关重要的作用。艺术创作者们开始摆脱传统的束缚，许多新兴材料的加入（如多媒体艺术、综合材料艺术）使得传统意义上的“艺术”（fineart）早已突破以往的绘画、雕塑、建筑等几大门类，转向更新、更包容的创造空间。伴随着艺术家们情感与观念的介入，他们对艺术材料的运用开始了多种途径的探索和尝试。这种探索首先是对传统艺术创作材料的创新。这是一种对传统艺术创作材料所孕育包含的艺术语言的解构和重读。这里列举了在现当代艺术中对传统材料创新运用的几次成功的尝试。在利用石头的肌理效果所创作的一系列作品里，摩尔的《母与子》（图1）采用套叠、穿插的手法将人物元素进行柔润处理，塑造自然柔美的有线条的雕塑作品。在这件作品中，艺术家尊重和保持石雕材质的坚硬和厚重感，同时加以柔化的雕刻处理，将石雕材质的柔和形态和厚重本质通过艺术方式的多样化转换最终结合在一件作品中，营造了作品在空间展示中的非常规的触觉和视觉感染力。艺术家在既保存了材料的本质特征的同时，巧妙地借用并突出石质材料的坚硬和凝重，迎合了作品主题——自然的美感，这是符合当时的工业社会背景下材料发展的必然趋势，也给传统材料注入了新的活力。在我国，这种以“自然之物”塑“自然之形”的相似作品也同样存在，一如隋建国的《结构》。在这件作品中，艺术家同样试图通过展现材料的实质——石头与钢铁这两种传统材料互相结合的可能性来思考不同材料间的对话关系。通过这两种不同材料间的并置所产生的对抗和冲突来反映压抑与反压抑，这是一种对材料对比的阐释，也是创作者复杂情感的抒发。艺术家正是借助石质材料和金属材料的沉默、凝重来传达一种扣人心弦的艺术感染力。例如，曾成钢的《鉴湖三杰》（图2）、沈允庆的《风韵系列》，也都是当代艺术中运用传统材料进行创作创新的典型。虽然当代艺术在雕塑领域早已开始了对新观念和新形态的探索尝试，但其创新的本质也是基于对传统雕塑材料的突破性解构和运用，无一例外地以追求以钢铁、铜质等金属材料自身的坚硬沉重的属性来塑形的作品的厚重朴实的情感。通过这些主题与较为传统的艺术作品，可以看出传统材料在艺术创作中依旧发挥着的举足轻重的作用，只是现在的艺术家在对传统材料的理解抑或是观念上的认识已超越前人。以往传统材料在艺术创作中的表现手法大多单一纯粹，或是局限于生产力而变得无从选择。例如，广场上矗立的纪念性雕塑作品，意在歌颂主题人物的光辉事迹，在这类作品中，材料并不占据主要地位。
2新兴材料的出现
新兴材料的出现是伴随着工业文明的进步和新的艺术思潮的兴起。在如今的艺术创作中新兴材料种类的多样化令人眼花缭乱。它们的出现着实促进了创作手法的跟进与进步。在我国，在伴随着艺术领域85新潮运动以及星星美展的开始，在西方现代艺术的影响下，中国当代青年精英们的跃跃欲试，在这场思想解放的运动领导下，艺术家们重新审视艺术创作的外在粉饰与内在实质，他们承担着巨大的压力，探索艺术客体（即材质）语言的本质和变化。新潮美术对日后的艺术发展带来了思想上的突破和创作形式上的大胆跃进，材料也同样被“解放”了。那一时期，许多年轻的艺术家，特别在雕塑界的新兴力量，他们对新兴材料的尝试和探索对日后综合材料艺术和公共艺术的发展产生了巨大的影响。这当中，纤维艺术伴随这种社会发展趋势，经历了漫长的酝酿时期，蛰伏过一段低调的苍茫岁月，开始大展头角。纤维艺术是区别于硬质材料创作的另一种艺术材料的新体验，这种体验之下的潜力和空间给这一领域的年轻艺术家们极大地暗示。纤维领域中的万曼，开创了在纤维艺术的手工创作模式，为艺术材料形态的多元化添加了更具说服力的实验和例证。此时，随着大量优秀艺术作品的诞生，新兴材料的介入带了给艺术更多的活力，这种趋势也逐渐演变成“新一代艺术家开始新一轮的材料实验”的固定途径。艺术创作运用的综合材料，可以是单一、复合或混合的（多重结合），艺术创作材料参与的作品已经不再存有清晰的界定，其包含面也拓展到了非常规性的材料的运用。例如，农作物残余、纸质纤维、布匹棉丝、竹木绳线等。这类介入新兴材料的艺术创作往往充斥着时代的气息，材料的发展也是社会的发展缩影，同时，这种类型的艺术创作大多具备较强的表现观念，自由的抒发艺术创作者对社会的直接感知与间接认识。
3材料创作拾来的趣味
毕加索是现代主义不折不扣的材料大师与先驱，是现代主义运动中最早涉及材料方面的研究与最先提出材料概念的艺术家，在雕塑创作中追求表现事物新的形态，重视个人真实感受，以天才般的头脑创造了“拼贴”式的艺术行为方式。［1］在传统艺术中，材料在艺术创作的领域中扮演的身份只是“创作媒介”，而自19世纪至今，随着雕塑创作材料的不断尝试和创新，材料得以突显其属于自身的物质本性。材料囊括自然大类的各种形态，它们的物质“第一性”是最易表现其自身特质的。也正是材料被天然赋予的本身性质，索引了艺术家对其展开真实性以及趣味性的探索。艺术创作中的趣味性，是继视觉冲击力后的另一大重点。艺术作品的趣味性其目的是吸引大众参与欣赏、评论与感受这些基本元素。这种趣味性是艺术作品与大众互动性的关键，大众对艺术作品的感受和体验更能增加作品的存在价值和意义。这种伴随材料创作拾来的趣味性能够使艺术作品更加具备一种“随性”的愉悦，同时也增加了观众对艺术作品的轻松体验与诙谐感受。趣味性材料创作的类别有材料属性体现、主题味创作以及参与式趣味表现这三种方式。材料属性体现：这一类艺术创作是基于传统雕塑中，对创作形式、表现手法以及材料的物理表现等为基本原则进行艺术创作的。其核心表现是尊重材料的普遍价值，体现其最基本的物质“第一性”。日裔艺术家KaySekimachi的作品，全都是素色的自然创作。以枫叶枝梗为原材料的器具雕塑作品，以更自然和透明的方式呈现出了枫叶的脉络之美。KaySekimachi通过自己熟练的编制手法，结合树叶的自然形态进行创作，体现材料的生命力以及那份脆弱的美感。材料本身的美感可以说是与生俱来的，也可以是自然依附的。不同材料的属性决定了两者在艺术创作中的比重，同样的，艺术家处理的不同手法或是彰显，或是掩盖，还可以是模仿以此造成让人啼笑皆非的假象。主题味创作：主题性创作的题材大多是叙事性的。例如，巴特罗公寓，本身就是一个故事的表现。高迪是根据一位美丽的公主被龙困在城堡里，加泰罗尼亚的英雄圣乔治为了救公主与龙展开了生死搏斗，最后用剑杀死了龙。龙的血变成了一朵鲜红的玫瑰花，圣乔治把这些鲜花献给了公主，这个故事设计和建造了巴特罗公寓。高迪用十字架形的烟囱代表着英雄，鳞片状拱起的屋顶是巨龙的脊背，房子外面是用彩色的瓷片镶贴，像是长满龙鳞的龙身，镶嵌彩饰的玻璃和构思独特的阳台是面具。巴特罗公寓（图4）的主要建筑材料是西班牙瓷砖，建筑外部和屋顶都大面积地用它进行修饰与完善。高迪不仅是杰出的建筑师更是伟大的艺术家，他运用常见的材料进行建筑改造，作品本身兼具了叙事性和趣味性，引人入胜。将趣味性创作作品通过艺术的方式展现出来，使艺术品不仅具备趣味性，更增加了其适用性。除此之外还有毕加索1967年创作的《芝加哥的毕加索》、米罗的绘画以及雕塑作品等。参与味表现：比利时设计师SebastienWierinck研究并创造了由弹性聚乙烯管雕刻家具的安装（图5）。从户外的公共长椅到餐厅商场等室内座椅，他的作品总是能挑战人们的视觉感受并与其周围的环境空间发生互动。聚乙烯是现代工业发展带来的新材料，其可塑性相对于传统的材料要灵活得多。聚乙烯管的扭曲以及流动性的外观使得创作语言更加多样化，趣味性。该艺术家的作品很好到反映了材料在创作中恰到好处地运用，是可以增强作品与大众参与和互动的。
4总结
趣味性材料创作往往不仅仅限于艺术创作的外观表象，反之，其以记录形式或者叙事性的方式阐释一种幽默的现象或情节，往往含有一种事件的再现与例证。艺术创作的趣味性表现是一种具备以趣味性为符号的艺术表现手法，结合艺术创作的形体表达一种观念或活动的主题。表象含有趣味性的艺术作品，延伸到艺术创作的各个领域，体现了艺术创作实质的浓重与辨证。这类艺术创作作品往往含有表象和内在双向的表达含义，与观者的内心境界有较强的互动。论之，知者达其意，不知者，得其象。
参考文献：
艺术创作的意义范文5
关键词：新媒体技术;绘画艺术;创作;传播
当下，新媒体技术对社会的影响广泛而深远。每个行业都在探索新媒体技术的影响及策略，艺术领域也不例外。有研究认为，随着新媒体技术逐渐向移动化、互动化、人性化、个性化和智能化方向发展，“艺术世界从外在进入室内，从实在进入虚拟，从公共进入个人，从过去进入现在，从经验进入体验，从鉴赏进入浏览”，带给艺术接受者更震感的审美享受。同时，“新媒体传播技术的发展使得传统绘画艺术形式在传播上突破了原有的报刊与杂志等传统局限，借助先进的通讯技术、数字化技术等，实现艺术信息传播。”学者范美俊认为，艺术传播借助于一定的物质媒介和传播方式，将艺术信息传递给接受者的过程，这一过程中艺术信息实现了在时间上的迁徙、变动、蔓延、实现公共化或社会化。绘画作为艺术的一种主要形式，也深受新媒体技术的影响。新媒体技术深刻改变着绘画艺术复制的手段，更改变着绘画艺术传播的渠道和方式，但新媒体技术如何改变绘画艺术的创作和传播，如何在新媒时代有针对性地提升绘画艺术的创作和传播策略对于其发展而言至关重要。
一、新媒体技术与绘画艺术的发展
绘画艺术是创作者用绘画技法把自己的内心感知表达出来的一种方式。传统绘画艺术是借助笔和颜料等工具，在书写介质上描绘出可视化形象的艺术。绘画主要是靠人的自然器官进行感知，然后加工形成意象，最后创作出绘画作品。画家要创作出有美学底蕴和社会反思的作品，需通过眼睛观察外部世界，深入感知对象，然后才能“胸有成竹”，把“形象”展现出来。随着绘画技术的进步，绘画艺术的创作和呈现越来越立体、具有人文色彩和层次感。早期的绘画艺术常使用的颜料为炭黑，主要通过手工绘制到岩石壁面上，后来出现了用羽毛做画笔或以动物的血为颜料进行画作创作的方式。随着社会发展，人们学会了萃取各种颜色进行绘画，使绘画艺术越来越具有艺术性。而新的技术使绘画艺术创作者能够使用油画进行创作，这进一步改变了绘画艺术的创作技术和手法。新媒体技术的发展，给绘画艺术带来了新的变化。一是技术发展丰富了绘画的展现和传播形式。新媒体技术使绘画创作不再拘泥于画笔、颜料等工具，艺术创作者可以对作品无限次修改，可进行无限传播。二是传播渠道进一步增多。“以网络媒体、数字电视、手机媒体为代表的新兴媒体实现了对传统媒介的整合和替代，拓展了传统绘画艺术传播的渠道”，新媒体绘画艺术的大众性特征明显。三是艺术接受者的主体地位凸显。新媒体技术整合后的传播媒介，重新构筑了艺术创作者和艺术接受者的关系，使艺术接受者的主体地位大大提升。在新媒体时代，创作者要着重思考如何使绘画艺术传播的形式更加有趣，符合主流的传播趋向；创作技法的创新和载体的数字化，也使绘画艺术作品的呈现形式趋于立体化；艺术接受者也得以主动参与到绘画的创作和欣赏中。这些变化不仅丰富了绘画艺术的传播渠道，也满足了艺术接受者的审美需求，扩大了绘画艺术的传播范围。
二、新媒体技术对绘画艺术创作的影响
新媒体技术不断向纵深化方向发展，使绘画艺术创作者的创作技法、创作题材和创作过程都发生改变。新媒体时代的用户有“主动性与被动性共存”的特点，互联网资源的无限性与传统思维的局限性对绘画艺术创作产生了重要影响。1．创作技法驱动新的感观体验。“技术进步对于艺术创作观念的影响及其显著变化，可以从艺术史的线性发展中清晰地体现出来”。不同于传统，新媒体技术驱动下的绘画艺术创作不再是简单的意义象征，而更多的是观念的表达。新的观念使绘画艺术能同时调动人的不同感官，给人“真实”体验。当前，虚拟现实技术下创作的绘画可以给人带来多感官体验，给人身临其境的艺术体验。尤其是虚拟现实和AI艺术的创作者突破传统绘画艺术的思维方式，给艺术接受者带来全新的感官体验。其中，虚拟现实技术可以为艺术接受者提供交互式全景绘画，使艺术接受者愉悦地沉浸在场景之中，形成感官刺激，从而产生独特的审美体验。比如，以数字化三维虚拟空间数码创作的水墨山水，这种创作形式丰富了新媒体技术的视觉表达方式，开辟了山水画创作的新视野。尤其是基于FlowSpeed的树木花草生长动画，基于重力、风力等定义对风吹树动的模拟动画，就能够给艺术接受者带来身临其境般的感觉。2．创作题材趋于广泛生动。对于绘画艺术创作来说，寻找不同的题材是完成优秀创作的必备条件。在传统绘画创作中，创作者的题材来源于生活，和自己的生活感受息息相关，创作者需要亲身体悟生活，从而在生活中凝练情感，诉诸笔端。新媒体技术时代，创作者可以突破自己的空间、时间限制，体验到来自于不同身份背景的生活情境，从这些情境中升华出更有价值的题材。而大数据、云计算、物联网等技术的不断发展，使创作者对已有题材和题材内涵的再理解有了更丰富的技术基础支持，借助这些技术，创作者能够将自己已经搜集的题材信息进行保存，并深入理解题材的内涵。3．创作过程基于“互动”场景完成。互动性是新媒体传播最重要特点之一，通过虚拟现实和AI技术挖掘新媒体交互艺术的深层内涵，能够为绘画艺术创作提供真实的“互动”情境。而基于新媒体技术的“互动”是“创作者”和“接收者”可以共同创作绘画作品，绘画艺术的创作者可以通过新媒体技术，吸引艺术接受者参与艺术创作，共同完成绘画作品。随着场景时代的到来，场景传播已经成为增强用户黏性的主要传播路径，在这样的场景中艺术接受者不再是被动的接受者，他们不仅可以参与艺术创作，还可以接收和重新定义绘画艺术作品。这种双向互动的方式也给绘画艺术的创作带来了全新的思路。
三、新媒体技术对绘画艺术传播的影响
当今的绘画艺术创作、传播都和新媒体技术息息相关。从艺术接受者的维度来说，艺术传播者如能基于艺术接受者需求，理解新媒体时代的新变化，从身份转换、互动传播、接受者主体性三个方面进行思考，做到“目中无人”“心中有人”，便可以大幅度提高艺术接收者的接受度、感知度和依从度。1．传受模糊：艺术接受者的“新特点”。新媒体技术的发展使绘画艺术的传播主体发生了变化，传统意义上的创作者和接受者的身份进一步模糊。对于传统意义上的创作者而言，使用新媒体技术进行绘画创作，创作者的意图“会改变大众传播媒体的本质，‘推’送比特给人们的过程将一变而为允许大家或他们的电脑‘拉’出想要的比特的过程”，艺术接收者自主选择的成分加大。绘画艺术传播对象从“艺术家”向大众转变，促使艺术创作者在创作质量、数量和方法上绞尽脑汁地进行对象化改良，促使艺术接收群体范围增大。在创作过程中，鉴于绘画艺术创作者同艺术接受者“共同”完成，创作者也同时成为艺术作品的鉴赏者或接受者。新媒体时代绘画传受身份模糊，必然要求艺术传播者对接受者的需求进行把握，而新媒体技术使绘画作品可以数字化复制，传播途径日趋丰富，普通公众接受和传播绘画艺术更为方便。普通公众作为艺术接受者，由于生活经验、艺术鉴赏能力不同，绘画作品会带给他们审美体验自然不同。艺术传播者要充分考虑到不同接受者的差异化需求变得十分重要。2．互动传播：艺术接受者的“新要求”。新媒体是相对于报刊、广播、电视等传统媒体而言的新兴媒体，以电子和网络传播为主要传播方式。新媒体技术是指依托数字技术、网络技术、移动通信技术等形成的新的传媒技术。新媒体技术最大的特点就是互动，对绘画艺术来说互动是指艺术传播者和艺术接受者之间的互动。在传播过程中，艺术创作者作品后，可以第一时间获取艺术接受者反馈，完成一个完整的互动过程。借由新媒体技术，实现三维或四维立体互动传播，体现出更强的互动特点。在4D和AI智能传播中，艺术接受者可以充分调动视觉、听觉和触觉，实现自身沉浸在绘画艺术的情景中，获得美的享受，同时将自己的感觉反馈给艺术传播者。基于新媒体技术的绘画艺术更具有互动性、生动性和趣味性，更容易引发共鸣，可以说，“互动”是新媒体时代艺术接受者的“新要求”。3．主动接受：艺术接受者的“新姿态”。传统的绘画艺术传播主要是通过实物作品和大众媒体进行单线传播。艺术传播者在整个传播过程中起决定因素。但是，由于传统艺术传播形式途径相对单一，且信息不够完整，艺术接受者经常处于被动接受的地位。而新媒体技术的发展，不断影响着绘画艺术的传播环境和渠道。在新媒体语境中，绘画艺术的接受者已经不再是被动接受，而是主动获取信息，这也增加了艺术接受者接触优质绘画作品的机会，使接受者能够更加自主地选择绘画艺术作品。因此，在新媒体技术的语境下，“主动”成为艺术接受者的“新姿态”。
四、新媒体时代提升绘画艺术传播效果的策略
新媒体时代，绘画艺术借助技术力量，使创作水平和传播策略产生了深刻变化。但从总体来看，绘画艺术要在新媒体时代达到更好传播效果，仍需在以下几个方面下工夫。1．创新多元化传播载体。新媒体技术可以带给艺术接受者美好的艺术体验，一些艺术传播者善用载体，开发了诸多优质的传播载体，拓宽了传播渠道。比如，故宫博物院制作的8K高清技术4D动感影像《清明上河图》就是代表，这使艺术接受者能够通过新媒体技术沉浸在画面的历史文化氛围中，具有较好的审美体验。在绘画艺术的传播中，艺术传播者要善用新媒体技术，创造多平台的艺术传播载体，使艺术接受者有机会欣赏到绘画艺术的魅力，增强绘画艺术的传播效果。2．增强互动交流。从艺术创作到艺术传播再到艺术接受，是一个复杂的过程。传统的绘画艺术作品传播到接收者那里，让接受者产生美的愉悦也是个复杂的过程。新媒体技术改变了绘画艺术的创作和传播方式，也使绘画艺术接受群体发生了变化。绘画艺术唯有抓住技术特色，满足接受者的需求，提升互动体验，才能收到较好的效果。3．实现绘画艺术精准传播。新媒体时代绘画艺术的精准传播，可以从两个方面考虑：一是标签化接收对象，实现精准传播。新媒体时代，绘画艺术传播也需要给接受者画像，研究他们偏好，获取他们的观赏环境、审美能力、艺术素养、文化素养和人生阅历等信息，以此为基础为用户制定特定标签。基于对“艺术接受者”画像，艺术传播者可以据预测传播场景中艺术接受者的需求进行传播，使绘画艺术传播更加具针对性，更有“对象感”。二是分析用户接受特点，使用精准传播方法。新媒体时代除了要分析艺术接受者自身审美素养外，也要“心中有人”，充分考虑艺术接受者在新媒体时代的大众化和分众化特点，研究艺术接收者的“碎片化”接受习惯，使用艺术接受者敏感度较高的传播方法进行精准传播。
艺术创作的意义范文6
关键词：开源；数字媒体；processing；互动
1 开源式创作的技术手段
开源，即开放源代码，开源式创作就是在开放源码的环境下进行数字媒体艺术创作。
汉语词语：开辟水源、开辟收入的新来源等。开源（Open Source，开放源码）被非盈利软件组织（美国的Open Source Initiative协会）注册为认证标记，并对其进行了正式的定义，用于描述那些源码可以被公众使用的软件，并且此软件的使用、修改和发行也不受许可证的限制。[1]
谈到当下的数字媒体艺术的开源式创作，就不得不说到计算机这个媒介，更确切地说是，个人电脑的普及才有了后来人类社会信息化时代的到来和互联网的蓬勃兴起，为我们整个社会提供了全面多样化的网络的信息交换服务（或者是获取信息的服务）。在我看来这也是开源式创作的基础。一方面计算机数码摄像技术的巨大发展，为我们提供了采集更多越来越多便宜甚至是免费的高质量的图像资料，这在以前是无法想象的。因为在有了这么多视觉图像资料的情况下进行创作，要比只是从文字信息概念到视觉形象的设计更有效率和直观。比如在做三种文化（包括欧洲、伊斯兰、东方文化）的生活街市的三维模型时，所有的图像参考资料都是通过Google、百度等搜索引擎，来查找到三种文化的各地代表性建筑、各个时期的代表性建筑和当地的风土人物等的视觉资料。所以，艺术作品的方案都是通过视觉图像的脚本来表现和制作的，这样就可以在给甲方做汇报和讲解时更有说服力和信任感。因为在天马行空的方案，到最后也要让人理解、看得明白，这样甲方才会给你最重要的两样东西“时间和金钱”。一方面Internet中包容了人类文明共有的巨大的信息宝库，为我们提供了信息资源的交流和共享，如各种搜索引擎、百科、视频共享软件、网盘的分享软件等。正是在这种“混沌”的信息革命的大背景下，现在的中国的艺术家们可以个人电脑作为平台工具来创作艺术作品。另一方面，越来越多的人对于自己的创新采取了无私的分享，如开源软件Processing、VVVV。
Processing我们把它叫做PDE开发的环境，通常软件开发环境叫IDE，Integrated Development Environment集成开发环境，可以辅助开发程序的应用软件。就是集成代码编写、分析功能、编译的功能等一体化的开发软件套。①它有很多的例子和Processing，所以需要用到的很多的库，那它自带的这个库就有PDF的生成和串口讯号，我们会用到这个库。那在Processing里面你还可以“add library”，就是添加更多的库，常用的库有video、sound、minim等。
Processing有图形用户界面的优势，并且它能提供各种实时鲜明的图像式反馈，可以大幅缩短学习的时间曲线，并更容易的理解抽象逻辑法则。其是Java语言的进一步延伸，而且支持现有的java语言基本架构，其将java的语法简化并将其运算的结果“感官化”，使艺术家和青年学生们能够很快的创作声音和影像的交互式数字媒体艺术作品。但最重要的一点它是开放源码软件平台。
那什么是开放源码软件平台？在我看来就是软件的源代码是可以被任何人使用的，并且这个软件的使用、修改和传播不需要受到任何限制。这也是开源式艺术创作的关键。
开源式创作对于我们这些艺术创作者有什么好处呢？由于互联网的普及，我们获取别人的帮助就更加容易。比如我们可以更加便捷的在网站上获取现成的类库，应用软件的开发也变得更加容易。具体来说，比如我们在做一个新媒体作品时，要用到关于摄像头实时的扣像程序，我们就可以通过Processing相关的网络站点找到别的程序员已经写好的类库，它把摄像头的各种参数如时间的控制和光圈的控制都已经调好，我们只需要从网站上下载，然后导入程序库，根据具体的现场环境的情况进行微调就可以用到艺术创作中来。当然，在遇到具体写代码的具体问题时，也可以在相关的网站和论坛上找到答案。因为作为艺术初学者所遇到的问题几乎前人都已经遇到过，也有大多数通过互联网寻求帮助。这极大地缩短了艺术创作的时间周期，快速有效地解决了关键问题和难点。同时，还极大地降低了创作此类交互艺术作品的资金成本。因为要请到专业的跟艺术家有合作经验的程序员，会花费极高的成本。而如今，只需要学习和了解程序运行的基础知识和基本框架，就可以进行具体的交互艺术作品创作，这极大地鼓舞了在想用计算机程序语言进行创作的外行。这就是所谓的二次开发，利用已经有的免费框架和类库进行的重组和优化，也能创作出有意思的艺术作品。并且通过软件Processing自身扩展库与各种扩展硬件接口的完美结合，再加上软件自身高分辨率、高精度的渲染效率，使其应用于展览展示方面有着举足轻重的作用。随着相关数字科技的发展和人们欣赏水平的提高，许多城市科技馆、世博会展馆、政府展览规划馆等，也都采用了各种各样的新媒体艺术的互动形式来进行创作和设计。
但是，什么是新媒体的创作手法或方法呢？又是怎么样不断地将新的技术手段引入当代新媒体艺术创作领域？它不仅可以灵活地产生、集成、储存和应用多种媒介信息，还具有新媒体艺术作品的人机交互能力和信息传达效果，从而进一步拉近艺术作品和观众的距离。也就是说显著地提高了艺术作品的娱乐性和观赏性。
从数字媒体技术手段分主要创作方式：
第一，信息采集，信息处理与输出。这是进行数字化创作的最基本的一种创作手法。信息的采集，就是通过数码摄像机采集的音视频文件，或是图像文件。信息处理，就是通过采集设备转移到计算机硬盘，然后在后期软件上进行加工处理。然而，现在可以通过processing和vvvv实时采集声音，然后实时输出，从而触发数字图形的变化。
第二，信息传输与转换。在新媒体艺术中体现的最多的是新兴的互动多媒体艺术创作中。人机交互技术在互动多媒体艺术中的应用越来越普遍，交互技术正向多媒体、多通道的方向前进，如手势识别技术、表情识别技术、语音识别技术、三维输入设备、视线跟踪技虚拟现实技术等。科技不断地进步，不断的有新的技术应用到新媒体艺术创作中来，但其根本就是，信息传输与转换。比如图像到声音的转换、从文字资料到声音转换，以及各种不同文化之间通过网络传输技术之间的转换。而在互动艺术中最显著的特征，或者说与其他以往的艺术类型不同的根本区别就是实时的信息传输与转换。在艺术上强调艺术的互动，是对传统艺术分类的极大挑战。而交互的形式和类型又可以细分，人与作品的互动类型和方式有：非接触式互动，如各种感应器技术的应用和摄像头动作捕捉技术的应用等。
在数字媒体艺术中，主要相关的交互技术包括：计算机视觉技术、手写识别技术、虚拟现实技术、语音交互技术、多通道人机交互技术等。其中，比较难以理解的两个技术在这里做一点引用介绍。计算机视觉：“科学研究表明，人类80%的信息是通过视觉获得的。让计算机类似于人类的视觉功能成为众多科学家的梦想，这个梦想正在逐步实现。目前的计算机视觉主要是采用摄像机代替人眼，计算机代替人。”[2]“多通道人机交互技术的特点是：使用多个感觉和应用通道、在三维空间内直接操作、允许非精确的交互、交互具又双向性、交互的隐含性。”[3]
数字媒体艺术的创作手法有哪些呢？或者说与传统的视觉艺术相比较它们的根本区别在哪里？传统的视觉艺术主要靠符号与图像来表现，而新媒体艺术主要靠光电的统一，是非叙事、个性的。更重要的一点是，它不像传统艺术创作那样一笔一画都要自己刷出来，数字媒体艺术的创作可以不是从零开始的。例如，Processing通过之前的程序员写好的程序模块进行重新地组合和优化，就可以创作出不同且有意思的创意作品。并且通过软件Processing自身扩展与硬件接口（Kinect、Arduino等）的完美结合，还可以创作出有意思的机械传动装置。具体的创作手法包括：挪用、拼贴、嫁接等。
2 从艺术家个人创作的角度而言
经过几十年的发展，众多新媒体艺术家采用各种不同的媒介和手段来进行艺术创作，带来了各种类型的新媒体艺术样式，如实验动画、数字摄影、电子游戏、影像装置、互动影像装置艺术、网络艺术等，可以通过它们来表达艺术家个人的艺术理念。这类艺术创作主要是从艺术家个人的角度来创作表达，而不用刻意阐释、说明主题和中心思想，这跟我在下文中提到的新媒体艺术项目团队创作有着根本的区别。艺术家个人创作相对于艺术项目团队的创作是自由的，但由于个人创作上受到资金和技术的限制，创作效果会大打折扣，这和在数字媒体艺术项目中投入巨大的资金、人力和时间，来展示用“高精尖”科技手段和展示宏大叙事主题是完全不同的。但是，他们并不会因此停下脚步，还是继续在利用不同的媒介和技术来进行创作，同时不断地探索出各自独特的艺术语言，并在此期间涌现了一大批优秀的新媒体艺术家和一系列超前的艺术作品。
3 从项目团队创作的角度而言
如今，大型展示文化艺术中，任何一个成功的数字媒体艺术展项的设计案例，在其背后一定是多学科和各类团队之间共同协作努力的结果，这一既成事实已在行业内受到越来越多的广泛认同。同时，新媒体艺术展项的重要性和学科交叉的特性也越来越多地得到了社会大众的认同，这跟新媒体创作团队在上海不断地参加各类的艺术活动项目可以说明。从“感・动”新视觉电子音乐会暨第一届上海电子艺术节开幕式，到第二届河流体――全景户外开幕特演，再到上海世博会城市生命馆。而此时，作为艺术家在整个的新媒体艺术项目团队的过程中更像是一个管理者和组织者，艺术家不仅要从作品方案主题有一个方向上的正确掌控和把关，与此同时还需要协同不同学科领域之间的合作关系。而艺术家在这个时候必须对参与合作团队的学科领域有一定的了解，这样在团队合作的过程中才不会被合作技术人员耍花招，牵着鼻子走。新媒体艺术展项中的重点是交互设计。“交互设计是从人机交互HCI领域分支并发展起来的一门新兴学科，它是跨学科领域，涉及了计算机学科、信息学、人类工程学、美学、心理学和社会学科等诸多学科。”[4]例如，为世博会主题馆“城市生命馆”活力车站做设计的天幕方案时，经过整个设计过程之后，就足以了解交互设计的学科交叉性和跨领域合作的特征。在项目开始之前，首先详细分析和深入了解了项目的需求与用户体验目的，所展示内容的方式和系统的限制、要求，环境条件，展区的大小、空间、高度、采光、人流，以及根据展示演义的主题与观众的接受心理的理解等，然后分别做好时间脚本和相应的软硬件设施的需求。
4 方案的限制和预算[3]
在大型的展示设计中使用交互技术，既要考虑到艺术设计方案的艺术表现力，又要兼顾技术的可行性，因为很多奇思妙想的艺术项目方案由于多种原因是无法实现。而原因或者由于项目的资金和时间限制是无法在短期内实现，或者是交互技术不成熟、不够稳定。例如，电子艺术节的项目工作，由于前期在构想和方案上投入了大量的精力和时间，导致时间分配不均而影响到大局。所以，艺术家个人的创作和艺术项目创作的不同，因为艺术家个人的理想化可以在自己的具体经验中解决，可是集体的创作方案出现问题时靠的是集体的力量，一个艺术家是无法解决所有问题的。但最初在讨论方案时，没有或者很少有技术人员参与，就算是参与也很少有发言的权利。当然这并不能说明前期的准备没有一点用，至少在项目的初期就明确和把握了艺术作品创作的主题，对进行二次创作有着重要意义的。对一个艺术项目团队各个工作环节的工作进度和时间节点的把握非常重要，否则就是在浪费的是整个工作团队的时间，并且还会消磨团队的士气。所以，整个项目进行到了一定的时间节点，再好的艺术设计方案也要在各个方面要“落地”。具体包括：作品方案的时间脚本、动作脚本和协同的环境脚本、作品的材料和体积大小、所需的资金预算和时间预算等。同样，个人创作也要做好方案的预算，因为个人的创作更容易受到技术和资金的限制。
5 与创作有关的三个问题
5.1 怎么样理解信息传输的时间差异性
在创作实时互动作品时，会出现时间差异性的问题，因为第一个人看到的内容和第二个人到的内容是不一样的。不过，时监控技术的运用可以缓解此问题，与传统拿剪辑完成的影像作品来展示是完全不同的。信息就像河流一样不断在变化，而且具有极强的不确定性。
5.2 怎样处理展示空间与艺术作品的关系
数字媒体艺术作品对展示空间要求极高，作品的展示空间是整个艺术作品的有机组成部分和主要表现手段之一。空间的处理对于艺术作品的观念和艺术作品的表现力有着重要的作用。
5.3 如何处理数字媒体艺术创作的限制
在运用一种交互技术时，既要考虑到艺术方案的艺术表现力，也要兼顾技术的可行性，因为很多优秀的艺术方案由于许多现实问题没办法实现。主要有两方面，一方面是艺术项目的资金限制和时间限制，还有一方面是技术限制，因为一些交互技术根本就不成熟，不能稳定的长时间运行。
注释：①开源，网络（）。
参考文献：
[1] 保罗・莱文森（美）.新新媒介[M].何道宽，译.上海：复旦大学出版社，2011.
[2] 马晓翔.新媒体装置艺术[M].南京：南京大学出版社，2013.
