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“现代水墨”这一称谓显示出中国当代水墨画中正在发生的现代主义潮流，即中国水墨不仅以亲折形态参与了中国当代艺术的整体性的现代化过程，也以独特的面貌参与世界文化艺术的当展。现代水墨是中国社会现代转型期的产物。
一、中国传统水墨画的当代延续
传统型水墨画的特点，是坚持传统绘画基本的语言方式——笔墨方法.
中国画总的笔墨风格的发展，在时间上大体可分为三个时期，即工笔时期、小写意时期、大写意时期。从工笔到小写意再到大写意，所显示的是笔墨发展的写意化进程，从笔墨形态上看是从“收”到“放”；从情绪寄寓来看是有隐而显；从总的发展趋势上看，是写意化渐趋于明显，以致愈演愈烈。
从绘画风格来看，工笔也可以是文人画。也可以说，工笔是对于画家本性的规范，而写意则是画家对于规范本性的相对突破和情感抒发。对于本性的规范过分以致拘板，或者对于本性的放纵过分以至于失控，都为传统文人画所不屑。
传统水墨画的空间结构（经营位置）、造型和笔墨是三位一体、相互制约的。不特别追求三度幻感，以“不似之似”为造型原则（肖像除外），都与强调笔墨分不开。水墨画成为视过程为审美方式的艺术，大抵是突出笔墨的原因。传统水墨画有严密而成熟的程式，要跳出他的控制，需突破其规法，破坏它的程式与结构。但破坏是为了建设，破坏的同时就是要建设。不论破坏还是建设，都需要一个根基或前提，那就是对水墨传统的深刻了解。在当代也有不少中国画画家，延袭了这一传统，并在此基础上得到了进一步的发展。
二、写实性水墨
胜利以后，尤其是20世纪30年代大批公派留学生后，中国艺术的接触和融合也进入了一个新阶段。
本世纪初中国的，一大批中国新文化的先驱痛感中国画的空洞衰败，主张引入西洋画的方法改造中国画。也就是说，在强调写生的同时，更为注重艺术与现实生活的审美关系，主张为人生的艺术，笔墨技法服从于整体画面、形象塑造与主题性的统一，这是使得它成为绘画的基本的评价标准。
以写实主义为旗帜的当推徐悲鸿。他以及他所创立的徐悲鸿学派，师承法国画家达仰、高尔蒙的古典主义写实技巧，并用它改造了传统求“不似之似”的中国画。他以坚持不懈的奋斗在中国推行写实主义的画法，把“惟妙惟肖”作为追求的目标，这为是再现性美术奠定了技巧技术与观察方法的基础，其功绩是不朽的。他赋予传统中国画笔墨以写实的、具有现代感的形。在美术教育中，徐悲鸿始终如一的坚持把素描作为一切造型艺术的基础，要求学生进行严格的素描基本功训练。这样，他所培养的学生就养成了一种写实主义的观察方法——尊重客体对象，以形写形与神。这种教学路线从根本上扭转了中国古典文人绘画的造型方向，为现实绘画的兴起铺设了技术、技巧和观察方法的桥梁。
三、非传统型水墨
非传统型水墨画的意义，在于它融合中西艺术的极致性探索，它对新的样式、风格的综合与创造，对水墨材料新的可能性的实验，对新的视觉经验的求取。绝大多数探索者都力图保持与传统中国画的某种联系。其代表者如林风眠、吴冠中等，也可以达到很高水准，赋予作品动人的艺术魅力。它们的危险性，在于大部分或完全放弃传统绘画语言，容易陷入“现代化即西方化”观念与实践的泥沼，成为对西方时髦艺术的东方式摹仿。我认为，非传统型水墨可分为两种形态：
1、彩墨画
彩墨是一种绘画语言，它既保持着水墨在宣纸上的韵味，又能充分展示诸如矿物颜料、丙烯颜料等的美的结构与品质：“墨”与“彩”构成了彩墨画语言的基本要素，它不只是材质层面上的，也是表现手段意义上的。
在20世纪中国画坛上，取法西方现代派艺术，与中国传统绘画材料、乃至某些观念和技法相融合的做法，这种探索具有比较强的艺术本体自觉性，林风眠是其中最杰出的代表。
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论文摘要：文章明确了视觉艺术的基本概念及其在教育中地位的重要性，重点探讨了我国视觉艺术研究的现状，即思维单一化，缺乏系统化和创新性的研究方法。提出今后研究者要在分析我国视觉艺术环境形成因素的基础上（受不同历史、政治、宗教、风俗等因素的影响），融会中外优秀的视觉艺术经验，才能避免研究方法的误区，使我国今后的视觉艺术教育健康繁荣地发展。
早在史前时代，人类就用图像模拟和创造自然世界，今天视觉艺术已经成为人们传达文化信息的重要系统，是人文科学的新领域并占据着重要的地位，当代文化理论更称之为“图像的转换”。忽略了视觉艺术发展的有机整体必然造成文化的断层。到目前为止，对视觉艺术并没有一个完全合理的概念解释，一般是指人们将眼睛所看到的自然形象，进行有意识的描绘，完成某种功用，赋予艺术作品一种文化内涵，并通过不同的载体传播与交流思想。视觉艺术的形式有很多，主要有以下几大类：绘画、影视、雕塑、服装、广告、摄影、动漫、建筑、多媒体艺术等。视觉艺术教育已经成为重要的专业教育组成部分。视觉艺术研究方法直接决定着其教育的科学性。本文将分析我国视觉艺术研究存在的主要问题，并提出一些对策建议。
一、我国视觉艺术教育研究存在的主要问题
1.我国视觉艺术教育研究存在单一思维模式
我国早期的视觉艺术是在一个与外界相对隔离的半封闭环境中形成的，带有农耕经济特征和血缘宗法制度，是儒、释、道等不同文化形态相互融合的自发性独立文化体系。今天我国的视觉艺术产品随着经济形势的发展异常繁荣，视觉艺术研究却一直未受到应有的重视（其中还包括基础文化艺术设施的建设，如艺术博物馆、大学视觉艺术的学科建设），这既不符合社会发展规律，也难以推动文化艺术的整体健康发展。
例如，目前我国的绘画艺术研究就是一种典型的单一思维。由于我国的绘画艺术拥有传承数千载的历史背景并有人数众多的从业者，这造就了许多单一范围内（中国）根深蒂固的思维模式，违背了艺术的多样发展规律。学校的绘画教育甚至还停留在简单的基础训练和理论研究中，特别是我国油画的百年发展史，在缺乏对“真实”的学习和“文化断层”双重因素影响下，其功能性正逐渐丧失。
2.我国视觉艺术教育研究缺乏系统化
随着经济的快速发展，我国视觉艺术研究亟待与世界接轨。尽管有更多机会学习西方视觉艺术的先进经验，但目前有些人研究方法简单，不是拿来直接抄袭就是东拼西凑。主要原因是研究者在对视觉艺术学科间的比较研究中缺乏应有的联系，没有融会贯通，没有系统了解中西方视觉艺术及各种流派的变化，忽视系统的美学知识理论指导，而进行盲目的实践。长此以往，研究逐渐就会陷入尴尬的境地，没有自己的创新性和民族特点。
通过对我们本民族的视觉艺术与国外视觉艺术的研究可以发现，由于地域、民俗和宗教信仰的差别，在传统视觉艺术上存在明显的不同之处。缺乏系统化也表现在我国视觉艺术研究专著贫乏，难以在教育研究中起到指导借鉴作用。系统化研究就需要理顺视觉艺术发展的脉络，细致入微地从视觉艺术的绘画、图案、包装、招贴等方面比较研究中外在传统视觉艺术方面的不同之处，提高研究者的创作能力。
3.我国视觉艺术教育研究需要创新性的思维方法
视觉艺术的发展源自于人类无限的创造活力。长期的单一思维和缺乏系统化的研究方法从根本上阻碍了创造力的发挥，束缚了想象力的培养，其中包括创新性的思辩能力。因为创新性的观点来源于最少程度的思想限制和对课题的系统把握，有了丰富知识的指引，才能创新样式，保持视觉艺术发展的活力，并能指引健康的文化艺术发展方向。比如基础教育中强化构成艺术中的形式语言，而形式语言的图像符号就需要学生作为创新点展开无限想象的空间。视觉艺术的创新性思维方式的培养应当成为今后的首要教学目的。
二、我国视觉艺术研究误区及解决策略
视觉艺术的繁荣程度是一个国家经济繁荣的重要标志之一，而研究方法的科学程度从根本上又决定了视觉艺术的发展方向。我国薄弱的艺术教育力量和视觉艺术的历史经验无法适应视觉艺术研究发展的需求，一些行政干预也违背了市场规律。要解决思维单一化，前提是加强视觉艺术的基础教育，重视视觉艺术发展的文化地位，特别要排除行政思维等非专业性干预。
我国在视觉艺术研究中从根本上缺少跨学科、系统化的研究方向。目前在我国绘画艺术加速弥补文化断层的基础上，设计似乎也开始逐渐建立自身完整的研究体系，这主要得益于国际商业交流的频繁，促进了跨学科、系统化的进程。但视觉艺术设计较绘画似乎更加忽视自身艺术史的研究，对国外艺术史也存在断章取义，这必将使我国的视觉设计发展成为无源之水、无本之木。比如研究传统图案在包装上的应用，思维不能仅限于传统图案，若将当代文化内涵和中外传统图案设计元素联系起来，发现共同点，去掉不适合现代社会的因素，效果会更好。不同设计能够体现不同国度的风俗变化，扩展品牌的国际声誉，视觉设计更能达到出奇制胜的目的。系统化提示我们在设计中不仅要考虑功能性、装饰性，还可以从其他不同艺术形式中寻找装饰语言。要很好地运用形式美的要素，把不同的表现形式运用在同一平面上，使之协调整合成为一个完善的创意。因为形式要素中点、线、面的运用一定是相通的。当然，由于时代的不同，艺术风格也要相应变化，要考虑地域、风俗习惯、民族性、宗教信仰等各种条件，并且涉及到社会学、心理学、宗教学、民俗学等多学科的知识，使之融会贯通，更加系统化，成为雅俗共赏的设计样式。这样才能设计出有创新性、国际性的大品牌产品，为产品走向世界奠定基础。
创新性依赖于完善的创作思路，而提升创新性的关键在于解放思想、深入探索，挖掘创作者的潜力。这也迫使我们的视觉艺术教育研究进入这一良性循环轨道。
结语
本文主要是探究我国当下视觉艺术教育研究的一般思维方法误区，从视觉艺术的图案、包装等应用方面及绘画艺术实例，比较分析我国在视觉艺术研究方面的不足，从中找到今后需要改进、提高的地方。研究时避免单一化，追求多元化、跨学科的思维方式；将知识整合，汲取中国传统艺术的精华，创造出更接近自然、更人性化的视觉艺术作品；学习国外的视觉艺术创新性方法，在借鉴之后提倡更富新意的创作。因此，研究者要能跨学科，互相取长补短、融会贯通，推动我国视觉艺术走积极健康的发展之路。
参考文献：
[1]鲁道夫·阿恩海姆.艺术与视知觉[m].成都：四川人民出版社，2001.
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摘要：我国传统艺术的现代化引发了争论，中国艺术界只有立足当下，正确理解“现代性”，客观地对待经济、文化的全球化，发扬“拿来主义”精神，区别对待西方的现代科技文化与文化艺术。将西方现代艺术与中国传统艺术辩证、有机的结合起来，方能实现传统艺术真正的现代化。
前言
由于“现代性”的内涵是随着时代、地区、民族等因素而产生不同，所以我们要将这个概念运用到中国传统艺术的现代化问题中时，必须结合我国的实际情况，用辩证、发展的方法将西方的“现代性”与中国的传统艺术中“民族性”的有机的结合起来。
一、艺术“现代性”的产生与发展
对于什么是“现代性”，福柯在其《什么是启蒙》中说：“我不知道我们是否可以把现代性想象成为一种态度而不是一个历史时期。所谓态度，我指的是与当代现实相联系的模式；一种有特定人民所作的资源的选择；最后，一种思想和感觉的方式，也是一种行为和举止的方式……”。因此，“现代性”实际上是一种超越、发展传统的行为或观念。黑格尔更认识到了现代性对于艺术的现实意义：艺术家拥有创作的自由：
l9世纪中后期至今的现代、后现代主义艺术运动，就是艺术家们自由的进行艺术创作，不停突破传统、进行各种艺术实验的表现。但是，二者所表现出的“现代性”含义又是有所不同的。现代主义艺术中的“现代性”与欧洲工业革命引起的社会物质和精神层面的动荡有着不可磨灭的关系。工业革命导致尼采所说的“上帝死了”，宗教神话思维被现代科技理性所取代。这种宗教整一性意识遭到彻底破坏，必然带来了全社会性的困惑、混乱和焦虑。艺术领域中先后出现了印象主义、后印象主义、野兽派、立体主义以及表现主义、未来主义等各种我行我素的实验艺术，就是艺术家面对这种社会剧变所作出的反应。而在经历了两次世界大战的痛苦以及现代科技的突飞猛进后，艺术家们开始将自己完全淹没在现代科技文化的浪潮中，不再象19世纪的痛苦挣扎，通过回归自我来对抗科技压力，而是开始满心喜悦的享受了，后现代主义也就是因此现了。虽然从某种意义上可以说，后现代主义的出现与风靡，标志着统治西方200多年的“现代”世界观的危机，但实际上“后现代”又何尝不是一种新的“现代”观呢，它们只是随着社会的发展、科技文化的发展呈现出了与传统更多更大的不同而已，他们是有着本质的联系的。因此，当我们借鉴西方的“现代性”观念时，必须用辨证和发展的眼光来看，而不可断章取义。
二、西方“现代性”的扩张
除了用历史发展的眼光去看“现代性”，还要注意由于发展先后、经济基础不同、社会制度差异等因素所造成的东西方现代化进程中的强势和弱势之分。注意到这个因素，就不会迷失自我而盲目的被他人所左右。
发端于经济全球化的文化全球化，就是这么一个源自西方世界的强势文化。以美国为首的西方发达国家以其强大的经济、科技实力不仅成为经济全球化的主导，也成为“文化全球化”的主导；更多的发展中国家扮演着弱势的角色，传统文化不得不面对着伴随经济全球化而来的西方现代、后现代文化的猛烈冲击。“全球化”的美国文化被形象地概括为“三片”，即代表美国饮食文化的麦当劳“薯片”、代表着美国电影文化的好莱坞“大片”、代表美国信息文明的硅谷“芯片”。而在艺术领域，美国在二战后借助其霸权化的科技、经济、政治地位向满目疮痍的欧洲推广美国式艺术，先后树立起了滴洒抽象表现主义、集合主义、波普艺术、极少主义、观念主义等符合美国意识形态需求的艺术流派，并使之随着经济全球化扩张到世界各地。在二战后3O年内，美国式艺术成为世界性艺术，成为世界艺术发展的风向标。美国著名学者约瑟夫·奈认为，相对于政治经济的硬力量，文化是一种软力量，但是它对社会的影响力和渗透力却是持续不断的。英国学者汤林森更认为这是一种新的文化殖民，是文化帝国主义的在全球的扩张。虽然汤林森说的看起来有点偏激，但是文化全球化传播的力度和强度超过以往任何一个时代，其发展势头不容忽视。
因此，面对从西方蜂拥而来的现代、后现代艺术文化，作为发展中国家同时又有着历史悠久的文化艺术成就的中国，保持一颗清醒的头脑是相当重要的，既不要盲目崇拜，也不要自菲薄。
三、中国传统艺术的现代化
如何实现中同传统艺术的现代化，现在存在三种观点：一，立足于过去。赞同这种选择的人主张用“传统文化中的许多优秀部分”去“抵制随着改革开放而来的西方腐败的意识文明，保持民族固有的美德与自尊”。二，立足于未来。赞同这种选择的人，强调“中同画可以推向世界，为了世界性、历史性的需要，让世界接受中国画”，立足于现在。这批论者倾向于中国美术的现代化，面对严峻的现实，对传统进行深刻的反思。
很明显，前两种观点不仅忽略了传统的实践性或延续性，把传统看作静止的、凝固着的东西，还属于狭隘的“文化民族主义”观，是不明智的，也是行不通的?而第三种观点是较为符合现实需要的，冈为它是以发展和辩证的方法去看待和解决我国艺术目前面临的问题。首先，我国艺术必须是要发展的，而来自外部的促动和营养是必不可少的素。比如，被中华民族视为悠久历史传统的象征的“塔”这种建筑形式，其实是来自印度的舶来品，是随着佛教在东晋传人后才在中困遍地开花的。中世纪时期的伊斯兰围家之所以获得在科技文化上的巨大发展，是因为他们翻译了大量卉希罗的文化典籍，而欧洲的文艺复兴也是以这些著作作为启蒙和基奠的。现代的美国文化之所以能在全世界迅速传播，除了其科技、经济高度发达的原因外，其本身的文化“杂合”性也是重要原因之一一。此，并没有什么纯粹的文化可供民族主义膜拜；文化艺术的发展，除了在自身寻找发展规律外，寻求外来文化的帮助是不可避免的。其次，在吸收外来文化的时候，以何种态度对待随经济、科技、传媒浪潮奔袭而来所谓“强势文化”，是传统艺术现代化的一个关键：美同在世界上确实占有领先地位是科技文化，此，正如有史论家所说的“美国当代艺术与其说是艺术，不如说是技术的表现”在它的后现代艺术里，从集合主义、波普、超级现实主义、构成主义、大地主义、装置艺术以及广泛化的观念主义艺术，无不充斥了美国科技文化语境中的图像和技术产品，科技文化的产物成为艺术家创作的表现对象和手段以新奇体验代替审美，混迹于生活取代艺术的精英意识成为艺术的新内涵此，这种艺术已经完全脱离艺术的文化传统只是高度发达的科技、经济甚至政治的产物。以这种认识为前提，就不会将“非艺术化”的后现代艺术与发达的科技文化混为一谈，不会盲目的崇拜或反对外来的现当代文化一以“拿来主义”的方式，对于我围经济科技发展有利的先进的科技文化可以全盘接受，而对不符合我闰发聪现实，与我周艺术传统形式或意识完全割裂的后现代芝术．就要小心谨慎，只能吸收其“合理内核”了。
除了纯艺术领域，在应朋艺术领域也要特别注意防止中国本土文化识别特征的丧失、从西方传到中国的现代艺术设计由于其与人们的日常生活密切相关，以及它本身所具备的易推广、易操作等的特性，使其在短短几十年内广泛进入了我们的生活。然而，这种“繁殖”迅速的现代艺术设计，却会因为他的标准化、可量化、科学化的特性却极容易使一个国家民族的传统艺术设计丧失殆尽。在现代艺术设计刚刚在欧洲推广的时代，莫里斯的新工艺美术运动就是欧洲传统手工艺在遭到几乎是灭顶之灾时对现代艺术设计的反抗。我国目前的艺术设计正在重蹈覆辙，中国优秀的传统艺术已被许多开口包豪斯、后现代的现代设计师抛掷脑后，难怪一位日本设计师看过了浦东蔓延的摩天大楼后说了一句发人深省的话：“中国没有现代设计!”。因此，在学习利用西方现代艺术设计时，不仅要看到它的优势，更要认识到他的局限：过于注重功能和形式而没有文化底蕴，放之各国皆准却而没有民族特色。这种统一的设计思路和模式将会使我们的现代文化完全失去中国的民族特色。只有采取双赢的结合战略，将源自西方的“现代性”与我国的“民族性”相结合，将西方现代艺术思想和中国传统艺术有机的结合，才既能实现中国传统艺术的现代化，又能保持了艺术的中国身份。将西方现代艺术设计注重功能、标准、量化的特点与我国传统设计中的注重感性、象征的审美特色以及深厚的文化内涵相结合，才能真正实现中国传统艺术设计的现代化；认清西方现代、后现代艺术实际上是西方工业革命、现代科技革命的产物这个事实，就会知道中国传统艺术的现代化不仅要吸收西方现代艺术思想，更要考虑到我国的当下社会发展阶段，更要考虑我国本身的艺术传统。
只有这样，才既不会陷入设计领域的狭隘的民族主义，又不会失去艺术的中国身份。
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关键词：中国哲学；传统艺术；影响及分析
中图分类号：J2文献标识码：A文章编号：1009-5349（2016）03-0034-03
一、 中国哲学与中国传统艺术
（一） 中国哲学
哲学是起源于希腊文，是爱与智慧的组成，并在世界各国得到了普遍的认可和使用。中国哲学主要包括两个部分，即古代哲学与现代哲学，中国哲学源远流长，内涵丰富，其独特的思想价值观念远远走在历史的前沿。
中国哲学的基本观点包括三个方面：天道观、人道观以及知行观。
天道观，这是关于世界本源的根本问题，是对天与天人的关系展开的不同辩论。老子明确否认天是最高主宰，认为世界的本原是道，认为：万物生于有，也生于无，老子哲学思想是中国哲学发展的基础，是对世界本源的认识与思考，老子哲学的发展推进了哲学理论体系的发展。[1]
人道观，是关于人生与为人之道的根本观点，人道观是先秦时期哲学家关注的重要问题，人的因素逐渐得到重视，着重强调“人”在社会发展中的重要性及突出作用，儒家思想强调“克己复礼”和“爱人”的思想观念，老子主张以“无为”来表达人生理想，以“逍遥”来追求精神境界。
知行观，使人们对社会发展及对世界的认识，随着社会的发展以及思维水平的提高，中国古代哲学家对认识论也有了不同层面的理解，以不同的角度和不同的观念来探索认识的起源、发展。
中国哲学的起源历史悠久，最早是在先秦时期，相比于世界其他国家同时期的哲学来说，是发展水平相对较高的哲学形态之一，随着封建社会的稳定发展，小农经济占据主要地位，中国哲学的发展前提和基础是殷周哲学，并在此基础上逐渐将中国传统哲学发展成为具有中国时展特色且符合中国社会发展规律的，具有较高组织形态的哲学。
中国哲学与经学相结合，由于中国封建社会的发展以及人们对自然认识的限制，使得宗教神学一直处于较高的统治地位，中国哲学的发展以儒学为正统，儒学是适合封建君主统治的哲学体系，一些倾向于唯物主义哲学的思想家，注重对自身哲学的发展和研究，对宗教神学的观点进行批判，以中国哲学为研究范本，在此基础上进行拓展和延伸。[2]
中国古代哲学是在封建社会的历史条件下建立起来的，具有深厚的封建色彩和伦理学色彩，诸子百家中大多数的思想理论是以天道观作为其发展自身哲学思想体系的理论依据。儒学作为中国封建社会发展的重要理论学说，在秦汉以后的中国社会中逐渐成为封建正统哲学体系，在中国古代哲学中，认识论也与道德认识和道德修养相联系。中国古代哲学具有独特的传统概念和范畴，将中国哲学的思维水平和理论水平提升到了一个新的高度。
（二）中国传统艺术
中国传统艺术内容丰富，包括工艺美术、建筑雕刻以及戏曲、绘画、书法等，经过几千年的发展和积累，将中华古国深厚的文化底蕴沉淀其中，这不仅仅是中华民族的传统宝贵财富，更是全人类的宝贵财富。
本文对传统艺术的研究主要包括绘画、书法、音乐、戏曲四个方面。
绘画，在中国社会的发展可以追溯到原始社会新时期时代的彩陶纹样及岩石壁画，原始的绘画技巧没有过多的雕饰，但已初步具备了造型的能力，对动、植物等动静形态也能抓住其主要表现特征，以此种方式来表达民族的信仰、人民的愿望以及对生活的向往。中国绘画是中国传统文化的重要组成部分，它根植于中国文化的土壤中，以毛笔、水墨以及宣纸为主要材料，通过构建独特的透视理念，到时间与空间的限制，以高度的想象力及概括力，通过出色的技巧和表现手段，使中国传统艺术文化具体独特的魅力，并为世界其他国家予以借鉴吸收。
书法，作为一种艺术表现形式，是通过书法家个人对生活的感受、修养、学识以及个人兴趣等所折射出来的，书法是一种使用艺术，常被用做题词及牌匾。书法作为一门综合性的艺术，更加倾向于对主观精神艺术的表现，书法艺术在经过数千年的发展中，从甲骨文与金文开始的一系列演变，形成篆书隶书、行书、楷书以及草书等不同的字体形式，先后出现了王羲之、欧阳询、颜真卿、柳公权以及怀素等诸多的书法大家，他们根据自己对书法艺术的不同理解，形成了不同的流派，将中国书法艺术发展到炉火纯青的地步。
音乐，中国传统音乐的内涵及外延表现形式各不相同，中国音乐不仅仅是对传统音乐的传承，同样也在发展的过程中不断接受和按照西方音乐理论进行相应的创作及改编。中国传统音乐是中国人按照本民族固有的音乐表现方法和形式，对音乐进行的创造，它不仅仅包括从古自今流传下来的作品，还包括借鉴吸收外来精华所创作的音乐作品。
戏曲是中国传统戏剧的表现形式，是包括文学、音乐、舞蹈、美术以及杂技、表演在内的因素和艺术。戏曲起源历史悠久，在原始社会便已开始萌芽，经过漫长的丰富、改革和发展，逐步形成了较为完备的艺术体系，中国戏曲主要包括：宋元南戏、原名杂居以及明清传奇、近代京剧、地方戏，它们共同组成了中国传统的戏剧文化。
二、 论中国哲学对传统艺术的影响
一个民族、时代以及社会的发展，与本民族的哲学和艺术均有着千丝万缕的联系，哲学是指导人们认识世界、改造世界的观念和学说，是社会意识的能动反映，而艺术则能更好地将这些观念和学说以抽象或具体的形式展现出来，我国传统的艺术作品中包含着哲学的深刻观念和内容，它不仅是时代精神的体现，还是社会发展的必然产物，同时能有效地带动民族精神的形成。艺术与哲学之间相互联系，不可分割，从广义上来讲，艺术也是哲学的一部分，对这一观点的强调，是对民族化的艺术形式的集中体现，也得以建立现代化美学的哲学研究体系。中国传统艺术作品在其理念表达以及观念展示中以抽象性、写意性以及表现性为主，都是源自于与中国传统哲学之间的联系，以哲学的视角对中国传统艺术进行鉴赏和研究，以艺术化的传达方式来表现哲学精神，也使当前中国社会的发展受到了启发。
1.哲学是内省的智慧，着重塑造伟大的人格
哲学是世界观和方法论的学说，是对社会发展的集中反映，而艺术作品则是对社会需求的体现，中国古代处于封建君主专制社会，小农经济以及封闭式的社会发展模式，使得人民更加向往自由、民主的生产生活方式，这种需求体现在艺术作品中，表达了人民对生活的向往。中国哲学在其发展的过程中，不断得到完善，在不同的社会发展时期，人们的思想也随之变化，对艺术作品的表现形式也就趋于多样化，而作品所表达的哲学精神和诉求则没有发生太多的变化。
中国传统哲学是内省的智慧，是对人和世界的认知，它致力于塑造人们伟大的人格。中国哲学与西方哲学的本质区别在于：将最高真理理解成为一种对德性的认知和感悟，它依附于人的社会关系，而不是重视对客观对象的分析、解释、区分及推理。中国哲学的“自觉性”是其他哲学体系所无法企及的，这种自觉性是对宗教观念意识的淡薄，这也是哲学研究者常说的问题，这种淡薄是对君主制度、伦理制度以及封建专制制度的遵从，中国传统哲学与西方其他国家哲学在一定程度上拥有相似的特征，但在一些方面也有区别。
中国传统艺术的创造核心动力来源于作为主体的人的精神，在意识水平的基础上不断深入和发展。“情动”是一种内在的动力，区别于西方美学常说的外在动力，中国的古诗、词中便能简介的体验到作者的愁绪，忧患意识是相对固定的中国古代社会的历史发展条件下，是不以人们的意志为转移的。
2. 中国传统艺术的人性化发展道路
中国传统艺术的发展被看做是一种德性化人格的发展道路，艺术作品在创作的过程中，并没有要求客观事物要与艺术作品相符，反而更加强调以“意”为主要表达目的，以“传情达意”为主要表现形式，因此，艺术作品也可以“形不似而神似”。艺术创作者要在具备一定生活经验的基础上，培养健全的人格以及较高的精神境界，在艺术作品的创作过程中要着重强调“意诚”，艺术作品能从一定程度上表现出人的精神境界。中国美学没有过分的追求形式美，而是将形式以一种启示、象征、道理、人格的形式表现出来，哲学上对人格的追求导致了艺术上写意的原则。中国的艺术家和美学家在进行作品创作的过程中，兼顾神似与形似。因此，反映时展需求、展现时代精神的中国传统艺术与中国哲学在内容和形式上保持一致性，以反映社会发展实际的艺术作品来引起社会效果，成为理想作品，以一种豁达的力量，构建和谐社会的发展。
3.哲学对艺术的影响
哲学和艺术作为人类精神和文化领域的两座高峰，两者之间存在着密切的联系。哲学是世界观和方法论的学说，是对自然界、人类社会以及人的思维等领域和方面的研究，具有普遍性和规律，艺术是对人类感性方面的体现；哲学是人类理性认识的最高表现形式，艺术则是人类感性认识的最高表现形式；哲学通过美学这一媒介，对艺术研究和发展产生重要影响，同时，艺术也通过自身特殊的表现形式，对哲学理念以及观念进行传播和体现，对哲学产生一定的影响。
哲学对艺术的影响首先表现在对艺术家的影响方面，艺术家在进行作品创作时，会自觉不自觉地受到哲学思想的影响，并将这些影响通过作品的形式表现出来。艺术家和艺术作品之间的关系是相对古老且非表象的经验关系，艺术作品从一定程度上来讲，并不是栖息于艺术家而生的，同样也不是艺术家所独有的属性。
哲学对艺术的影响，体现在一大批理性艺术作品的涌现以及促进艺术潮流的形成。艺术潮流的形成与哲学思想是相互联系，不可分割的，艺术潮流在其形成的过程中具备不同的哲学基础，尽管艺术在总结之后，便不再具有哲学意义上的发展可能性，但仍然依赖于哲学理论，不同的艺术品是对不同理论和哲学体系的反映，这些艺术品的共生共存以及多元化的发展状态，使中国哲学对传统艺术产生了深远的影响。
艺术是哲学的重要组成部分，哲学是对艺术的体现。在中国的传统艺术作品中，并非是所有的艺术家都会将哲学思想包含在作品创作中，也并不是每个中国传统艺术作品都具有哲学性。艺术对哲学的影响，不仅体现在思维能力的创作方面，还表现在以艺术作品感染下的社会思维的变化与发展，艺术作品为哲学思维和方法的传播提供了有效的途径，这也是哲学的重要组成方面。
三、 以道家思想为主的中国哲学对传统艺术的影响分析
在中国哲学中，道家思想是极具代表性的，任何国家及社会都具有其相对应的艺术表现形式。道家思想的基本精神是“自然无为”，是顺应事物自然发展规律而不加以强制的思想。老子思想认为，自然已经是事物发展的理想状态，而无为则是保持这一理想状态的基本方法。道家思想面对中国封建社会发展的实际，深入到人的心灵，从自然中寻找到一种人们解决自我的方式。道法自然是中国传统哲学的精髓，同样也是中国哲学的最高和基础法则，在诸子百家思想碰撞时期，道家思想以一种固执的方式守护着人的精神尊严，以一种超越人生困境以及世俗情形的方式，使人获得宁静的心境。老子的无名、守静笃、致虚极以及静观玄览的审美观念和认知观念创造关于艺术的鉴赏的审美范畴。
我国的传统绘画具有鲜明的民族特色和悠久的历史发展积淀，是对中国古典审美价值观的突出表现，中国绘画受到儒、法、道等思想观念的影响，成为珍贵的世界文化遗产。中国画的题材选择主要包括：山水画、人物画以及花鸟画；表现形式主要包括：工笔画和写意画；中国画的题材选择以及表现形式受道家思想的影响较深，其绘画素材多取于自然物象，并在其基础上进行线条、墨色以及形体的表现，讲求整体的统一性和道法自然的思想统一。老子哲学中的思想是对美学意境的体现，而美学意境也是对中国哲学思想的集中体现，中国画讲求神似，而对形似则没有太多的要求。从中国画的整体结构上来说，中国绘画讲究天人合一以及内在的和谐统一，《庄子・齐物》一文中指出，天地与我兵圣，而万物与我为一，天与人均为自然而展开，中国绘画也遵循这一观点，讲究天人合一。
天人合一以及天人感应这些辩证的哲学思想同样也是辩证的思维模式，是与中华民族在其发展过程中所积淀形成的内敛、平和的民族性格分不开的，讲究整体，倡导和谐。中国绘画追求天人合一，对精准形的反映并没有太多的要求，追求具体化的抽象事物，在内容与形式上达到完美与统一的艺术，正是在这种哲学思想的引导和作用下，中国绘画在题材选择以及表现手法上才能形成独特的审美意象和艺术取向。在中国的传统艺术中，道家思想贯穿于其中，宗教与艺术发展紧密联系，道家思想在中国传统绘画作品中得到了很好的体现，并深深地影响了中国的传统艺术，从另一方面来说，中国哲学深深影响了中国传统艺术的发展。
四、结语
越来越多的哲学研究表明，中国精神文明的和谐是未来世界发展的新希望，中国在几千年文化积淀和传承的基础上，已不仅仅是中国人的文化，同样也会对世界文明造成深远的影响。中国传统这一哲学与中国传统艺术理念的融合，将逐步发展成为哲学体系及文化体系中的组成部分。艺术的反映是对现实社会发展及事物本源的体现，这不仅仅是通过自身经验的积累发展而来的，还有一部分是通过艺术的方式发展而来的，使中国传统哲学更趋于哲理化。
参考文献：
保持传统艺术的方法范文5
关键词：中西方文化；钢琴艺术；德彪西；文化审美；审美能力
中图分类号：G642；J624.1 文献标志码：A 文章编号：1008-3561（2017）06-0019-01
中西方艺术文化在存在差异的同时，其实也具有相通之处，尤其是在音乐艺术方面，因为音乐艺术是相通的。从德彪西的音乐作品中，能够发现中西方钢琴艺术从美学的原则、钢琴的旋律、弹奏的调式与调性等方面在一定程度上具有相通共融之处。
一、中西方音乐文化差异
中西音乐文化具有民族差异。西方音乐体现的是立体思维，而中国音乐体现的线性思维。西方人思维富于科学，中国人思维富于艺术，因此，在演奏钢琴作品时，需要重视中西方音乐文化元素的融合，重视中国音乐的线性艺术，与西方音乐的交织演奏，进而升华中西方音乐文化。中国钢琴音乐艺术的发展，需要借鉴西方钢琴艺术中的优秀部分来弥补中国钢琴艺术的空白，促进中国钢琴艺术更好更快地发展。
二、基于德彪西的钢琴作品论中西方钢琴艺术的文化融合
1. 文化审美具有共通性
德彪西钢琴作品的创作是基于印象派风格，其作品与法国印象派画家和作者有著直接的联系。法国印象派的审美与中国传统绘画艺术之间，存在着相互呼应的因素。中国绘画重在写意，强调艺术家的主观感受及画家的主体性格。中国绘画与西方印象派艺术均不局限于写实，提倡随意性；就审美观而言，中国传统艺术的审美观与德彪西美术指导思想存在着相通之处。德彪西钢琴作品中，在音乐的内容与标题等方面具有东方特色，被认为是受到东方文化的影响，其作品的标题则是重要标志，如《塔》《金鱼》《月落荒寺》等。德彪西在与他的好友的通信中，曾描述过其对《塔》这个标题的喜爱。而对于信中的“当人们没有钱去做一次真正的旅行时，可以在精神上完成它”，人们将其理解成是对东方的想象与向往。
2. 调式结构存在相似性
德彪西作品中，《塔》主要是模仿加麦兰音乐作品的曲子。这首曲子是德彪西完全使用“五声音阶”创作的作品，其主题旋律中多使用五声音阶创作。在部分小节旋律中，德彪西使用二度和声，这与中国钢琴曲之间是存在共性的，如中国钢琴作品中的《晓风之舞》就使用了二度和声。除此之外，德彪西还运用了四度和声与五度和声。如在《塔》的最后小节中，德彪西使用五个音来控制和声效果，这五个音就是中国钢琴中的五声综合化和声。还有在《棕发少女》中，德彪西也使用了许多五声音阶。
3. 旋律与节奏
西方钢琴音乐与中国民族音乐在旋律和节奏方面也存在着相通之处。中国民族音乐受到儒家与道家思想的影响，使得民族音乐或温柔敦厚，或清微淡远。儒家思想在钢琴音乐中的运用，主要表现是五声音阶，其使用的是传统的古琴，受音色与内涵等因素的影响，使得钢琴音乐多为抒情典雅之风格。钢琴是乐器之王，其演奏风格通常是气势恢宏的，但在德彪西钢琴作品《月光》中，则展现出了钢琴柔情与婉约的一面。在演奏中间声区时，其和弦的声音与钟铃类似，如同火花一般，能够使演奏者感受到钢琴不同的声响。同时，通过旋律的走向与节奏的变化，营造出梦幻的意境。在弹奏的过程中，虽然有着小的跳跃，但是跳跃的控制恰到好处，给人一种琢磨不透的感觉，与使用古琴拨弦的余音极为相似。德彪西钟爱自然，其一生不曾信奉宗教，也不相信英雄主义。德彪西的作品多与自然有关，主要关注自然抽象形态的色调与层次变化。
4. 节奏的自由性
在20世纪，一些作曲家使用了不同的方式方法来破除古典与浪漫主义对节奏的影响，并采取频繁变化音乐节拍和结构的方式来展现音乐风格，多为复合节奏。德彪西在其作品中，就经常使用复合拍子以及双拍子（其钢琴作品多是自由节奏），因此在弹奏其作品时，不可保持同一速度，要做到快慢变化自如。德彪西运用创新手法使钢琴作品的局部发生了改变，但仍保持了整体的统一性，显得形散而神不散。在欣赏的过程中，欣赏者可以通过想象获得钢琴艺术的享受，就如同欣赏中国画一般。虽然中国画讲究墨分五色，通过控制水分的多少、运笔的速度等来营造千变万化的感觉，但也是形散神不散。
三、结束语
从德彪西的音乐作品出发，通过对美学的原则、调式结构的相似性、旋律与节奏等方面的剖析不难看出，中西方钢琴艺术存在差异的同时，又存在一定的共性。与此同时，教师也深刻地感受到，中西方文化的融合能够促进钢琴艺术的发展。因此，这需要文化传承者、钢琴表演者和教授者能够有效借鉴西方钢琴文化的优势与特点来发展中国钢琴艺术，进而促进中国钢琴艺术的发展和壮大。
参考文献：
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【关键词】吕梁；民间剪纸艺术；发展
吕梁属于山西地区，民俗文化丰富，吕梁民间剪纸艺术和人们的生活具有密切的关系，生活习俗决定着剪纸艺术的发展，使人们的日常生活变得更加丰富。吕梁人民朴实、豪爽，他们在剪纸当中寄托着自己的情意和憧憬，体现出美好的审美情趣。
一、吕梁民间剪纸艺术的特征及发展现状
吕梁民间剪纸艺术主要集中在中阳县境内，民俗剪纸的风格比较古朴，其制作的方法较为细腻，剪纸风格比较粗犷、浑厚，剪纸内容通常与当地的民间习俗、神话传说相关，丰富了吕梁民俗剪纸的内容，使民俗剪纸的发展得到有效的促进。吕梁民俗剪纸的发展受到我国政策方面的支持，在吕梁地区建成了民间剪纸艺术家协会和文化厅，在吕梁中阳县建立了剪纸创作研究室，建立剪纸培训班，吸引了更多的剪纸艺人来到这里学习剪纸技艺。吕梁民俗剪纸甚至还被国外的许多国家博物馆专门研究，提升了吕梁地区的知名度和影响力。在我国政府的大力支持下，吕梁民俗剪纸艺术呈现出集群化特点，越来越多的人感受到剪纸艺术的魅力。吕梁剪纸艺术要想走向国际，达到产业化，不仅需要政府的支持，还需要大量的剪纸艺人的技术支持。如果单纯依靠个人的力量发展民间剪纸艺术，会出现优秀的剪纸作品被大量复制的现象，剪纸不仅失去原有的收藏价值，也无法实现创新发展。目前，吕梁民间剪纸艺术是一种短期效应，缺乏产业化和规模化发展。吕梁民间剪纸艺术的发展需要具备持久性，这样才能形成自己的品牌文化，更好地面向世界。
二、吕梁民间剪纸发展措施
（一）从民间来到民间去。每个民族的文化特质都是不同的，文化特质是民族发展的根本条件。吕梁剪纸艺术发展于民间的传统，保护吕梁民间剪纸可以维护本民族的部分特质。传承和保护这一非物质文化遗产，属于一种文化觉醒。发展吕梁民间剪纸艺术，需要利用新时代的文化理念，为我国的剪纸艺术发展奠定坚实的基础。提炼民间剪纸艺术的精髓，保证剪纸艺术可以最终回到民间，使剪纸艺术具备发展的动力，引导吕梁民间剪纸艺术从民间来到民间去，服务于发展它的人民大众之中，这样吕梁民间剪纸艺术才可以始终保持魅力。
（二）向市场化方向发展。目前，剪纸艺术已经获得一定的保护，但是缺乏开发的力度。每一种文化形式应该是社会所需要的，这样才可以获得持续的发展，如果艺术远离了人们的生活，那么这样的艺术只能在博物馆当中保存。现代社会已经冲击到传统的剪纸艺术发展，主要原因是传统的民间剪纸艺术缺乏市场意识，还只是自家自用，如果农业经济瓦解了，那么剪纸艺术的发展就失去了发展的基础。在市场经济的背景下，如何满足社会的需要，在当今激烈的市场竞争中获得一席之地，就需要培养出更多的剪纸艺术传承人，利用科学方法整合剪纸的技法，并且结合当今的艺术理论，实现市场化，建立完善的发展模式。实现生产化保护可以借助于市场化运营模式，将剪纸艺术的内在价值充分的挖掘出来。
（三）逐渐实现自我的提升。对于民间剪纸的发展不仅需要物力和人力，还需要实现剪纸艺术的自我提升，需要结合时代的特征，将剪纸的内在价值充分地挖掘出来。针对原有的民间剪纸保护工作，都是相关部门进行上传下达，并没有灵活掌控具体情况。通过这种保护方式只是会让剪纸艺术的发展变得更加被动。文化的发展需要得到大众的广泛支持，自我完善剪纸艺术，使被动变得更加主动。当前吕梁民间剪纸艺术自我提升的方式比较多，如:著书立传、建立品牌等，还可以举行展会进行宣传，最重要的就是找到适合自己发展形式。剪纸艺术在实现自我提升的过程中，应该培养民间艺人的积极性，提高民众的保护意识，民间艺人是剪纸的主要传承人，不仅需要给予他们物质上的援助，更重要的是精神上的关怀。组织专业艺人共同探讨民间剪纸艺术的发展，并且建立平台让大家一起分享经验，才能使人才和资源最大限度地得到利用，推广剪纸艺术的发展。
三、结束语
综上所述，结合吕梁地区民间剪纸艺术发展特点和现状，找到适合的发展对策，促进吕梁剪纸艺术更好地发展，让世界人民欣赏到它的艺术魅力。
参考文献：
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