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对工艺美术的认识和理解范文1
关键词：工艺美术史，课程教学，改革
Abstract: the history of ancient Chinese technology "from the Angle of the design to observe and study of China's long the development of handicraft industry activities, so as to better understand the industrial design professional study the problem in; For both design major area of study lay a theoretical foundation, at the same time also can enrich students' professional study of ideas. This paper mainly discusses the history of ancient Chinese technology teaching reform.
Keywords: process art history, the curriculum teaching, the reform
中图分类号：G622.3文献标识码：A 文章编号：
中国古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和精神需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称。它是中华民族造型艺术的重要组成部分，既体现了工艺美术的一般本质特征，在内涵和形式上保持着实用性与审美性的统一，又显示了中华民族文化自身所具有的鲜明个性。中国工艺美术以其悠久的历史、别具一格的风范、高超精湛的技艺和丰富多样的形态，为整个人类的文化创造史谱写了充满智慧和灵性之光的一章。
1 《中国古代工艺美术史》课程介绍
《中国古代工艺美术史》是美术设计专业以及工业设计专业的一门专业理论课。课程学习目的是通过该课程的学习，使学生了解中国古代各个历史时期工艺美术的时代特点和民族特点，了解不同时期工艺的造型、色彩、装饰以及审美思想特征；笔者在担任这门课程的教学任务以来，针对课程特点和学生(艺术生)的特性，进行了一些教学改革尝试，在此谈些体会和见解。
从中国工艺美术史课程的主要教学结构看，除了田本的主要优点得到发扬之外，还存在一定的时代局限。这一局限突出表现在过于关注上层社会的用品和艺术品，忽视一般的日用器皿、工具和用具，这显然与工艺美术这一概念的历史渊源息息相关。正如上文所说，我们理解的工艺美术是“应实际生活之需要，于各种器物上施以美术之技巧或装饰者”，那么，在古代只有上层社会才有财力物力把“美术技巧或装饰”做到无以复加的程度。而下层社会所需要的日用器皿、工具和用具大都朴素实用，它们的设计生产状况必然受到冷遇。这本来是无可非议的问题，到上世纪80年代以后却遭遇矛盾和困惑。因为随着设计教育的“开放”，西方新的教育理念强烈地冲击着工艺美术教育的领地，使“工艺美术学”这一原本就是外来的概念变得与时代难以合拍，结果是学科名称被替换。
2《中国古代工艺美术史》课程教学现状
对这门课程，普遍的教学方法是先在课堂上介绍中国工艺美术史的大体发展脉络，再重点讲授各历史时期工艺美术的典型代表，强调辨认各个时期不同艺术风格的纹样与器物造型，从而引导学生学会欣赏各种艺术风格，分析历史文化内涵。通过教学，可以实现以下课程教学目标：第一，让学生了解我国各个历史时期的整体风貌及各种工艺美术的类型、造型、装饰和艺术特点。第二，认识古人的生活方式、社会历史背景及其与工艺美术的关系，把握各时期工艺美术的审美格调、美学特征及其形成原因。第三，理解各历史阶段工艺美术的时代风貌及我国工艺美术的发展带给我们的启发。第四，要求同学们能根据自身兴趣特点，对我国古代工艺美术作品及现象深入研究，做出自己的评价，并与现代设计实践相结合。
但是这种教学方法通常是以老师为主体讲授，模式相对固定，这种类似填鸭式的教学，效果很不理想。这存在两个方面的原因：一是“教”方面的原因，老师上课满堂灌，学生仅是被动听，不需要动脑筋思考，也不会去主动查阅相关资料，听过之后很难留下深刻印象；二是“学”方面的原因，学生普遍不重视理论课，认为学习理论课没有实际用途，只要掌握了专业技能就能成为好的设计师，没有认识到优秀设计作品的产生不仅要依靠表面形式，更是源于它的内涵—设计师理论素养和文化素养的集中体现。更重要的是学生可能认为，中国古代只有手工艺，没有设计。其实，站在设计的角度，我们可以发现，在我国漫长的手工业发展历程中，涌现出了许多实用和审美相结合的优秀设计作品。在课程教学中，老师应有意识地引导学生去发现这些优秀作品中所蕴含的先进设计思想。
3《中国古代工艺美术史》课程教学改革的途径
3.1利用多媒体技术营造激发兴趣、激活思维的课堂气氛
为了调动学生学习的积极性，教师需要营造一种有助于激发兴趣、激活思维的课堂气氛。多媒体技术的运用就能够很好地营造这样的课堂气氛，把声音、图像、文字与《中国古代工艺美术史》的内容有机地结合时，全面调动学生的视听感观，诱导学生进入积极的思维状态。而且由于多媒体不受时空限制，直接表现各种事物和现象，在和谐的教学环境中，学生由被动的知识的接受者一跃成为新知识的探索者、发现者。可以播放与《中国古代工艺美术史》课程内容有关的影视剧，以活跃课堂气氛，例如在讲解唐代的艺术特征时，我们可以播放电视剧《大唐盛世》片段。让学生感受那个时代人们的包容和自信，从而理解那时的艺术特征是丰满圆润，是那样的华丽高贵。再给学生播放图片。比如书法、器物、石刻、壁域、服装等，对这些艺术形式进行分析进而加以说明，让学生积极思考，热烈地讨论，以拓展学生的文化视野。实践证明，在多媒体创设的逼真的情境中，学生兴趣盎然，精神振奋，思维活跃，达到了良好的教学效果。
3.2加强与相应设计专业知识的理论联系
在《中国古代工艺美术史》课程中要讲授各个时期我国工艺美术品的造型、装饰、色彩等特征。无论是对工艺美术作品的造型、装饰结构的处理，还是对材质、工艺的运用，其实质都可以归纳为是对作品形式的改变。形式美法则的运用在我国的工艺美术品上有普突出的表现。虽然受我国古代“重道轻器”的思想影响，古代设计理论的构建没能像西方国家那样形成专门的理论体系，但这些理论思想在我们的器物上是有着完美表现的。
例如，当讲到秦汉时期画像石画像砖的时候，介绍其中一幅弋射收获画像砖，画面上水中游鱼与空中飞鸟的构图很自然地跟同学们就提到了现代荷兰著名版画家埃舍尔的木刻Sky And Water(天与水I)，从而展开了关于从契合到渐变的讨论，学生反应也很热烈，起到较好的教学效果。
结论
总之，中国古代工艺美术史是关系学生知识积累和文化素养提高的课程，在设计观念和教育观念变化较大的时期，这门课教改的重要性就更加明显。
参考文献
[1]刘伟生. 《中国古代文学》课程探析[M]. 湖南工业大学学报，2011(04)：102-104.
[2]程娥. 多媒体技术在教学中的应用及应注意的问题[J]. 河南教育(高校版)，2008，(9).
[3]尚刚. 中国工艺美术史新编[M]. 北京：高等教育出版社，2007.
对工艺美术的认识和理解范文2
关键词：工艺美术 健康教育 应用
在医疗卫生领域，健康教育工作越来越多的应用到工艺美术，是一种很重要的宣传手段。在健康教育中，工艺美术更多的应用到健康教育的场馆建设中。在特定的健康教育中，如何恰当的展现出工艺美术技艺和思维方式，是当前健康教育美术工作者需要认真研究的问题。
一、工艺美术在健康教育中的作用
近几年来，许多的城市都在建设健康教育园，园内展览的内容深入浅出，有效的达到了宣传的效果，促进了健康教育工作的开展。在健康教育园中，无论是图案设计，还是展板、灯光、动画、模型等，都很好地运用了工艺美术，使得健康教育内容变得更加的吸引人。工艺美术的应用使得平面的健康教育内容变得立体化，给人一种强烈的视觉冲击力，有效的引起人们观看的兴趣，在展览内容中，利用工艺美术制作而成的生活用品、人体器官等都非常的逼真，让人们观看之后拥有更强的视觉感触。
实际上，在健康教育工作中，可应用到工艺美术的地方非常多，比如展览馆布展、设计健康宣传册内页等。另外，工艺美术还可以运用色彩、图案等工艺使装饰、陈设、健康产品的包装设计等在内容和表现形式上变得更为丰富多彩。在健康教育工作中，会涉及到宣传板报、宣传画册等宣传手段，利用工艺美术中剪纸、装饰等艺术手法，使传统文化融合到宣传工作中，让健康教育带有浓郁的传统文化，从而达到更好地宣传效果。
二、工艺美术与卫生美术在健康教育中的表现异同点
卫生美术主要应用在医疗卫生领域，医疗方面的知识是非常枯燥深奥的，卫生美术通过艺术语言将卫生知识转化为形象化的表现形式，使卫生知识变得有趣活泼而且有寓意。卫生美术的特点是构思独特、色彩鲜明、艺术感染力强，通过卫生美术鲜明的艺术特点，使观看者主动接受医疗卫生知识，从而使观看者的自我保护意识和自我保护能力均得到增强，最终达到帮助人们养成正确的卫生习惯，形成科学、文明的生活方式的目的，保证人们的身体健康。目前，卫生美术创作的表现形式主要就是卫生画刊，卫生画刊中的主要宣传是卫生宣传画和卫生科普画，这是将美术应用到健康教育中的基本形式。
在工艺美术中，通过一定的艺术手段，对物体的本质进行加工和制作，从而使物体带有一定的特殊效果，更为符合人们的视觉美感，是一种特殊的方法和技术。工艺美术最突出的特点就是将工艺与美术设计结合起来，并促使二者相互融合、渗透。在现代，工艺美术的应用领域非常的广，比如大型展览、广告设计等，而且随着时代的发展，工艺美术的设计理念也在不断地发展和创新当中。
将工艺美术应用到健康教育中，除了要将特定的内容表现出来以外，还要采用符合人们审美习惯的形体语言，将健康教育抽象的内容以生动优美的艺术语言表现出来，让人们在欣赏美术作品的同时，了解相关的健康教育内容，从而在对照自身的过程中，改正不良的卫生习惯，逐渐的养成健康的生活习惯和生活方式。
三、工艺美术在健康教育中的应用要求
1.工艺美术作品要与健康主题一致
在制作健康教育宣传品时，工艺美术会应用到五颜六色的材料和美术技巧，从而使宣传品具有观赏价值，让观赏者在观看时能够一目了然的知道宣传的目的。工艺美术的表现形式具有多样性、可变性，在工艺美术领域，新技术、新方法、新材料等不断地出现，所以，健康教育在应用工艺美术时要注意要与时俱进。首先，对于健康教育的科普材料，要审定其是否具有可行性、科学性和代表性;其次，在保证健康教育可行的前提下，将自己放在观赏者的角度来审视科普材料，从而使设计出来的工艺美术作品符合观赏者的思维方式;最后，在设计工艺美术作品时，要与健康主题一致，在确定健康主题的前提下，根据科普材料确定具体的表现形式、表现手法等。这样一来，设计出来的美术作品就会具有较强的视觉冲击力，有利于人们更好的理解和接受健康教育的科普知识。
2.对健康教育美术者的要求
首先，作为一名健康教育美术者，要具备基本的健康教育知识，主要包括生理学、解剖学、组织胚胎学、病理学等。只有对这些健康教育知识有充分的了解和掌握，才能在工作时全面的理解某一专题的科学道理，从而设计出具有视觉冲击力、准确、科学的工艺美术作品。
其次，要具备一定的绘画技巧和艺术修养，除了基本的素描、速写等基本的绘画技巧之外，健康教育美术者还要具备操作电脑、使用图像软件的能力。随着计算机的普及和科学技术的进步，现代越来越多的人利用计算机辅助工作，健康教育工作也不例外，所以要具备一定的电脑技术。
最后，还要具有丰富的想象力，健康教育中的工艺美术同样也是创作，所以也需要丰富的想象力。在设计工艺美术作品的过程中，健康教育美术者的想象力起到非常重要的作用，它可以使工艺美术的表现形式多种多样，起到事半功倍的效果。
四、工艺美术为健康教育工作服务
在现代，人们对自身的健康越来越关注，这也为健康教育工作的开展提供了便利条件。有效的健康教育工作能够改善人们的生活方式，提高人们的生活质量，目前，工艺美术被应用到健康教育工作中，而且发挥着越来越重要的作用。比如在宣传预防各种疾病的工作中，可以利用工艺美术制作各种宣传画册，也可以将一些传统的文化元素运用到宣传中，从而有效地提高宣传的效果，使人们认识到各种疾病的危害，并懂得预防的知识。工艺美术在为健康教育工作服务时，除了运用工艺美术特有的设计理念来宣传健康教育内容之外，还要坚持与时俱进，用新技术和新方法更好的宣传健康教育。
结论：
工艺美术拥有着特殊的技艺和思维方式，将其应用到健康教育工作中，能够促进健康教育工作更加有效的开展。健康教育工作能够帮助人们改正自身不良的卫生习惯，养成正确的、健康的、科学的、合理的生活方式和生活习惯。
参考文献：
[1]吴占友.工艺美术在健康教育工作中的应用[J].首都公共卫生，2011，5（01）：35-36.
[2]杨晶霞.工艺美术在健康教育中的表现形式[J].江苏卫生保健，2009，（03）：54.
[3]许爱民.浅谈工艺美术设计的创新性[J].中国校外教育，2013，（20）：158.
对工艺美术的认识和理解范文3
[关键词]工艺美术 教学应用 传承意义等
中图分类号：X734.2 文献标识码：A 文章编号：1009-914X（2016）07-0212-01
引言
民间工艺美术创作，主要以手工方式为主，其中蕴含着乡土气息、地方风俗和民族情感。那种朴实无华中所散发的艺术魅力，更具有独特性且更具有实用性价值。民间工艺美术的现实意义在于其并没有因为提升了艺术价值而被束之高阁，而是依然存在于人们的日常生活中，并发挥着重要的作用。
1、 我国民间工艺美术简述
我国民族传统文化历史悠久、博大精深，有着强大的生命力。民间工艺美术是我国众多传统文化中的一朵奇葩，它是我国历代劳动人民为了生活和审美的需要，因地制宜、就地取材，以手工方式为主创作的工艺美术品，它们既朴实无华、又特点鲜明，涵含着当地特有的民族情感和乡土气质，是反映我国各地乡土人情和风俗习惯的生动教材，具有独特的艺术魅力和实用价值。在今天，这些具有几千年历史的民间工艺美术仍在各民族的日常生活和艺术领域中发挥着重要作用。
我国的民间工艺美术主要来源于普通劳动人民的生活，并且大多来自于民间工艺美术艺人独特的生活艺术视角和审美理解，是民间工艺美术艺人长期对生活的观察和认识后，根据自身艺术经验而创作出来的，因此其作品内容独特，有着与众不同的艺术价值。但由于受到传统思想的影响，我国民间传统工艺美术创作方法多为家族式传承，传播范围小，保护难度大，许多民间工艺美术因此继代失传。所以尽快做好民间工艺美术的保护和继承工作就显得非常重要。
2、 民间工艺美术的发展与传承现状不容乐观
2.1、传承面临断层。各地方地域性传统的师承关系比较单一，师傅在传、帮、带的过程中往往带有较强的个人主观性和随意性，缺乏应有的评价标准。因为历史传统的原因，很多民间工艺师傅的思想观念至今仍然比较保守，喜欢在绝活上留一手，还有所谓的“传男不传女”“教会徒弟饿死师傅”等等，加上他们同外界接触少，市场意识薄弱，导致所带的年轻接班人普遍缺乏应有的传承责任感，一代不如一代也就在所难免。
2.2、设计创新落后。许多民间工艺美术的具体制作形式过于程式化，表现内容不够丰富，设计创意严重缺乏，很难跟当代的社会实际需求相结合；很多年轻的接班人由于缺少系统的美术教育，艺术敏感度普遍较弱，个人创造力也较为贫乏。这一切在当前社会的快速发展和网络技术广泛传播的冲击下必然会走向没落。
2.3、保护资金短缺。由于市场效益不好，许多民间工艺美术制品厂改制解散后，很多原先拥有精湛技艺的师傅因转行而散落社会，他们随身所带的技艺也逐渐消亡在民间。虽然政府在很多民间工艺美术项目上设立了专项保护资金，但对现今的市场经济状况来讲，依旧只能是杯水车薪无济于事。
从以上三点可以看到，我们不但面临着传统民间工艺美术的保护与传承的问题，还面临着如何开发利用，如何延续与演进的问题。
3、 民间工艺美术与高职院校教学相结合的意义
3.1、可以更好的传承民间工艺美术文化。在高职院校教学中，开置民间传统工艺美术课程，可以更好的传承我国民间工艺美术文化，使我国的民间工艺美术得到系统性的保护和挖掘。通过工艺美术教学活动，可以为学生提供民间工艺美术实践体验的机会，培养他们的艺术文化情感，使学生在学习中真实的感受到民间工艺美术的魅力。
3.2、可以加强对工艺美术的了解，激发工艺美术的学习热情。在工艺美术教学中，通过工艺美术知识的学习，并组织学生参观和欣赏当地乡土的民间工艺美术作品，可以增强学生对民间工艺美术的了解，更加透彻的理解和认识到民间工艺美术的艺术价值，从而使学生对民间工艺美术产生兴趣，激发他们学习民间工艺美术的热情。
3.3、可以丰富学生的课堂文化生活、培养学生创新和实践能力。高职院校生活比较紧张，管理也比较严格。而工艺美术教学内容新颖、课堂氛围生动活泼，学生动手参与性强，因此，可以很好的丰富学生的课堂文化生活，激发起学生的学习热情。同时，工艺美术学习要求学生动手能力强，而年青学生的思维比较敏捷，创作思维没有局限性。
3.4、可以提高学生的审美能力，塑造学生的人格品质。艺术的主要作用是使人身心愉悦、陶冶情操，并对人的性格品质产生潜移默化的影响。工艺美术教学能让学生在感受到艺术之美，置身于艺术世界的同时，使学生的思想和情感都会受到积极的影响，进而塑造了学生优秀的人格品质。
4、 民间工艺美术在高职院校教学中的几点建议
4.1、明确课堂教学定位，有目标有计划地传承。课堂教学是民间工艺美术传承的主要途径。为了有效开展地方民间工艺美术的传承，让课堂成为高效的课堂，就要做到明确传承定位。有了明确的定位，有利于为传承教学指明方向；明确教师实施课堂教学的基本要求，有利于教师合理地制定传承目标和传承计划，并能以此为核心，逐步展开传承工作；有了明确的定位，有利于为学生学习提供指路灯，全面提升学生素质，不断提高学生学习质量。
4.2、做好民间工艺美术的教材编写和课程设置。在高职院校工艺美术教学中，要根据高职院校学生的自身特点，结合当地民间工艺美术的实际情况来精心编写教材和设置课程。多选择当地一些具有悠久传统历史，对人民生活影响较大的工艺美术和需求进行抢救性继承的工艺美术来组织进行教学。并注意教学内容与就业需求相结合，使学生学习的内容可以学以致用。
4.3、采用多种教学方法进行工艺美术教学。在高职院校工艺美术教学中，要采用多种教学方法，避免单纯的灌输式教育方式。可以利用声、光、电等先进的教学设备和多媒体课件进行教学。在教学内容上，要注意内容不要过深，少讲理论知识，多进行实践教学。在课堂上要增加学生的参与性和互动性，使课堂氛围生活活泼。
4.4丰富传承方式，激发学生兴趣。基于高职院校学生学习方式的多元化发展趋势，民间工艺美术的传承不仅要在课堂教学形式上下足工夫，更要尽量创造条件让学生走出课堂到社会上、生活中获取知识。这样既可以体现艺术源于生活的规律，又避免了学生知识面局限的现象，帮助学生摆脱课堂的束缚，从而提高学生知识的自我建构能力和技能操作的能力，以民间工艺美术的传承来促进学生综合素质的发展。
4.5、参加企业的实践活动，建立工艺美术实习基地。在工艺美术教学中，要积极组织学生参加企业实践活动，使学生在企业的实践活动中真实了解到工艺美术的就业需求和就业方向，提高学生的实际动手能力和适应社会的能力。另外，高职院校还可以根据工艺美术专业的教学内容和就业需求，建立自身的实习基地，使学生在实习基地中通过模拟实践的学习，掌握和具备工艺美术创作能力和技能。
5、 结束语
综上所述，高职院校应以培养实用技术型人才为主，在开展民间工艺美术教学中，要将中华民族传统文化与现代教育相结合，对学生的培养要突出文化保护意识，提升学生的传统文化保护责任感。
参考文献
[1] 王海霞.民间工艺美术[M].北京：中国社会出版社，2006.
对工艺美术的认识和理解范文4
（一）郴州民间工艺美术
郴州民间工艺美术，是郴州当地文化与中原文化、客家文化与岭南文化的相互融合的独特产物，是中国民间工艺美术的一个重要组成部分，在艺术思维、艺术理念、艺术特征、艺术形式等方面具有鲜明的个性。但是在长期的实践中，郴州民间工艺美术并没有得到应有的重视、传承和运用。在分析整理郴州民间工艺美术的基础上，充分挖掘郴州民间工艺美术的积极因素，并创造性地应用于平面广告设计和平面广告设计教学中，在理论和实践两个方面进行探索，具有一定的积极意义。郴州民间工艺美术是湘南民间工艺美术中的一个重要部分，目前，专家学者们研究以郴州市民间工艺美术为主要，然后辐射整个永州市和衡阳市，即湘南地区。其研究主要从湘南古民居、湘南民间工艺美术、湘南民间石雕、湘南民间木雕等几个方面，对民间工艺美术进行了归类、分析和整理。依据研究角度的不同，对有关湘南民间工艺美术研究著作的代表作进行简要概括：
（1）具有地方特色的湘南古民居著作，如唐凤鸣著《湘南民居研究》、范迎春著《湘南宗祠——建筑及装饰艺术研究》、王铁著《2012中国高等教育设计专业名校实验教学课题：湘南民居印象》等。
（2）有关湘南民间工艺美术的课题与论文，如陆岚的湖南省社科基金课题《湘南民间工艺美术资源的挖掘利用与理论研究》、论文《浅析蓝印花布的色彩观》等。
（3）湘南民间石雕的研究课题和论文，如何次贤的课题《湘南民间石雕的人文内涵、艺术价值及其保护与利用研究》、论文《湘南民间石雕艺术的文化寻绎》《从湘南民间石雕艺术看中国民间文化的崇德立德意蕴》等。
（4）湘南民间木雕的研究论文，李曦《湘南民间家具的装饰特征研究》《湘南古民居的木材选用与木雕装饰》《湘南古民居木雕艺术》等。以上这些课题、论文、著作主要从研究郴州民间工艺美术自身的特征入手，广泛收集郴州民间工艺美术的作品，阐述民间工艺美术的概念并将其分类，系统的分析其造型、色彩及美学特征，部分著作还进一步研究了民间工艺美术产生与发展的历史文化背景。
（二）郴州民间工艺美术对平面广告设计启示（艺术造型的直接借鉴）
1.为平面广告设计注入新的设计灵感。传统民间工艺美术是现代设计的土壤并影响其的发展，传统民间工艺美术来源于群众，并为群众所熟知，平面广告首先得被广大群众认识、认同并接受，因此将民间工艺美术引入平面广告设计，既对民间工艺美术加以提炼与创新，又能让平面广告为人民群众所理解，从而引起情感上的共鸣，以达到广告宣传的目的。改革开放以来，国际先进的平面广告是国内学习和引进的主体，西方文化也在其中自然而然的传入，从而使中国传统文化面临严峻挑战，特别是民间工艺美术正面临消亡的边际，将其引入到平面广告设计中，既为中国平面广告设计注入新的设计灵感，又为民间工艺美术的继承和延续寻找到新途径。
2.为郴州地区的民间工艺美术传承寻找到新的载体。郴州民间工艺美术具有独特的审美情趣、艺术形式和表现方法，它存在于人民的日常生活中，是中国人民群众辛勤劳动的结晶。由于受我国工业化、城市化的影响，民间工艺美术的创作者和消费群体大量进入城市务工，使得郴州地区民间工艺美术的生存环境日益恶化，许多民间工艺美术正在加速消亡。将郴州民间工艺美术引入平面广告设计中，将为其生存找到新的传播载体，在传达给广告受众的同时，促进其转型与可持续发展，也将为现代民间工艺美术再设计与开发应用提供参考依据。
3.是中国民间工艺美术研究的一种有益补充。从文化传承角度的考虑，郴州民间工艺美术是中国民间工艺美术中的一部分，具有浓郁的地域特色和独特文化的不可替代性，对其文化艺术特点进行深入分析研究，是对中国传统民间工艺美术研究的一种有利的补充与完善。虽然郴州是中国的一个市，但其工艺美术是人民群众对大自然最纯朴、最直观的审美感受和情感体验，这种自然与纯真也是现代平面广告设计所追寻的。在经济全球化的今天，对郴州民间工艺美术的探究，既是对中国工艺美术的一种补充，又是对中华传统文化精神魅力的进一步挖掘，也将影响着现代平面广告设计作品的创作。
二、郴州民间工艺美术在平面广告设计中的应用
郴州民间工艺美术从源头上分析，是郴州当地文化与中原文化、客家文化与岭南文化的相互融合的独特产物，在艺术思维、艺术理念、艺术特征、艺术形式等方面具有鲜明的个性，是中国民间工艺美术的一个重要组成部分，其对包括平面广告设计在内的现代艺术的启发和借鉴意义是可以预期的。但在可见文献中，还没有发现把郴州民间工艺美术应用到平面广告设计教学的研究，因此，这属于尚未涉足的领域，本研究具有一定的突破意义。
（一）平面广告设计教学中如何应用郴州民间工艺美术
1.情感的继承。平面广告设计者只有在真诚理解郴州民间工艺美术创作者情感的基础上，才能深刻的挖掘劳动人民的艺术成果，并把他们的情感融入到自己的设计作品中。例如，在平面广告设计实践教学中，研究郴州大布江拼布艺术的一组同学，一开始只是在网络上搜寻整理资料，缺乏对拼布艺术实物的真实美感的体验，在老师的建议下，联系了非物质文化遗产大布江拼布绣传承人何娟，走进了她的公司，了解她的创作历程与民间工艺美术创作的情感体验，接触与了解到真实大布江拼布作品的魅力，他们满怀激情的研究进程PPT汇报，感染了每一位同学，也让班上所有同学了解了大布江拼布艺术绣，为后期拼布艺术在平面广告设计中的应用打下坚实的基础。平面广告设计与民间工艺美术虽然在思维方式、表现手段、传达载体上有很大区别，但是对生活的热情、对劳动的赞美、对祖国的热爱是相同的，广告设计者在情感上的继承，也将为平面广告设计作品融入生命力，恰如其分的情感融入，不仅可以为平面广告设计作品增资天色，又可以使其具有亲和力，拉近广告受众的距离，让他们自然而然接受，做到润物细无声。
2.造型的借用与发展。郴州传统民间工艺美术造型丰富多彩，既有表达吉祥幸福的人物、动物花卉、文字、云纹、回纹、几何抽象形态等，又有广为流传的典故和成语，还有一些约定成俗的造型寓意组合。如果将这些丰富多彩的造型借用于平面广告设计中，将为平面广告设计开拓新的创作空间。如：陈秀同学利用郴州民间剪纸的造型形式制作了“南京青奥会欢迎您”平面广告作品，在全国大学生广告艺术大赛“南京青奥会”专题设计大赛中荣获三等奖。郴州民间工艺美术造型的借用与发展，既丰富了平面广告造型语言，又为广告主融入消费群体奠定基础。将郴州民间工艺美术融入平面广告设计课堂教学中，既是对郴州民间工艺美术造型艺术的传承，也是对郴州民间工艺美术造型艺术的发展。民间工艺美术造型经过提炼再设计，既吸收其造型的精髓，又承载着广告主赋予的消费理念、价值引导、审美情趣等，是将造型特点、形式美感、大众识别性等融入到平面广告设计中，为平面广告设计注入新鲜血液，促进平面广告设计的发展。
（二）理念的创新
郴州民间工艺美术融入平面广告设计教学中，主要是三个方面的创新：郴州民间工艺美术传承的创新、平面广告设计形式与内容的创新、课堂教学的改革创新。
1.郴州民间工艺美术传承的创新，在全球经济一体化的大趋势下，现代化工业文明的迅速扩展，物质消费方式和生存观念的急剧改变，导致许多民族的民间工艺美术在不断消亡和流变，郴州民间工艺美术也正在消逝。2014年全国两会，全国政协委员潘鲁生就工艺美术的传承和延续指出，设计是其中一个很重要的环节，精彩的创意设计可以使传统工艺美术焕发新的生机，既可以成为时尚产业的一部分、成为制造业人文工艺的增值部分，也可以以当代艺术的形态出现，重新建构审美、文化、生活之间的联系。高校具有文化资源优势，地方高校通过其教育幅射功能，可以对地方传统民间工艺美术传承发挥直接的、有针对性的作用和影响，地方高校平面广告设计与地方民间工艺美术只有合作互补、相得益彰，才能促进彼此之间的良性互动和可持续发展。
2.平面广告设计形式与内容的创新，在“地方高校应用转型”的形势下，我院将艺术设计专业定位为“服务地方经济”，作为其主干课程之一的平面广告设计，将本地的工艺美术资源请进课堂，通过教学手段进行继承和延续，对平面广告设计表现形式进行创新的探索，对平面广告设计内容进一步丰富，将郴州民间工艺美术的吉祥寓意、造型特点、审美情趣引入到平面广告设计中，是对平面广告设计形式与内容的创新。
对工艺美术的认识和理解范文5
薪火传承：产业与工艺美术教育 姜鸣
关于产业与工艺美术教育的关系，各位校长已经谈了想法，作为上海工艺美院的院长，因一直在企业中担任职务，这在一定程度上也促成了我的思考：工艺美术或艺术设计专业要与产业结合，要特别理解行业、产业的意义。在我看来，促进产业发展，与行业、产业共兴共荣，就是一种传承。
工艺美术教育在于传承教育
自从担任院长之后，我发现工艺美院在工艺传承上的断层：年老的教师逐渐退休，年轻的教师多是刚毕业的艺术类院校的学生。在工艺的传承上，年轻教师的理论知识比较丰富，但手工艺技能较为薄弱。于是在学院最近八年的发展中，我们注重专业与产业的结合，引进行业、产业的优秀带头人、大师，学习他们的优秀技能，进而进行传承。我认为要办好一座工艺美术类院校，一定要从工艺美术的传承上下功夫。
引进先进技术的工艺美术教育
我的另一个教育理念是积极引进先进技术，绝不放弃向任何领域的先进方面学习的机会。我们要把传统传承好，但不能只沉溺于学好传统工艺美术，要将传统工艺美术与现代科学技术进行适当融合。在今天徐汇校区的展出中，除了国内外各大院校的优秀作品，也有时尚与工艺学院数码工艺方向的3D打印高浮雕漆器作品《梅来祝菊》，该作品在第十六届中国工美大师精品展上荣获2015“中国原创-百花奖”银奖。现在许多行业将3D打印技术、先进雕刻技术引用到专业上来，我们知道3D打印有其自身的先进性和便利性，但我们不能够只掌握先进技术而忽略传统手工艺，在工艺美术最精微的部分，我们仍需要工艺美术的技能。我们将这两种技能都引进来，并交给学生。
“3+1”的教学模式的工艺美术教育
在教学过程中，我们发现有些学生的专业技能和审美经验在高年级才逐渐形成。因为我们学校是三年制的职业大学，学生此刻也即将面临毕业和就业，但我认为学生如果不掌握真正的技能，就不能对于行业或企业的发展做出有力的贡献。于是我们开启了“3+1”的教学模式，我们在拓展第四年与国家、省级的大师工作室直接接轨的大师学徒制。
校企合作模式的工艺美术教育
我们学校有六个二级学院（时尚与工艺学院、数码艺术学院、视觉艺术学院、环境艺术学院、WPP学院和水晶石数字艺术学院），其中两个学院（WPP学院和水晶石数字艺术学院）是与企业合作创办的院校。2012年，为了与企业进行无缝对接，上海工艺美院创新办学体制，与世界最大的广告营销企业WPP集团合作成立WPP学院。学院建立企业和学校共同决策的理事会制度，邀请国际一流业界专家组成学术委员会，主持试点学院的教学体系构建和教学资源调配。相较于本校的平面设计专业和数字专业，这个专业相对于其他学院的该专业学生更懂得行业的需求。该学院办学五年，有两届毕业生，但在获得号称广告界的奥斯卡赛事――英国D&AD大赛（“黄铅笔”）中连续三年入围，所获奖项要比中国的所有的本、专科设计类院校，甚至比整个亚洲地区的院校也多得多。
我们与水晶石公司合作创办的第六个学院――水晶石数字艺术学院也是与行业结合，了解行业发展，了解行业对我们未来的人才有什么要求，并探知这个行业对于人才需求方面所进行的前端引领的尝试。在课程的设置上也具有变革性。这种办学也取得了一定的成果。无论是传承上，还是创新上，我们作为艺术类院校要与文化创意产业结合，与人民群众的未来高端生活需求以及对于这种需求所提出的要求契合，我们要对这种要求进行大量尝试，并将自己学院的工艺美术的传统显露出来。
开放的工艺美术职教模式
目前，上海工艺美院正在探索高中（中职）毕业三年制、高中（中职）毕业四年制（3+1）、初中毕业五年制以及行业培训并存的学院教育框架。下一步工艺美院还将与相关高校和中职学校合作，尝试更丰富的学程，构建多起点、多学制并存、多模式培养的开放的工艺美术职教体系，打通艺术设计类学生中职、专科、应用本科乃至专业硕士发展的渠道，培养既懂传统工艺、又会现代设计的复合型创新创业人才。
“薪技艺”对工艺美术教育发展的意义
多年来，上海工艺美术职业学院按照“继承传统、创造当代、拓展未来”办学思路推进办学，以技艺传承和创新人才培养为己任，为年轻人的成长搭建平台，为中国工艺美术事业发展做出自己的贡献。“薪技艺”国际青年艺术展得以在上海工艺美术学院徐汇校区举行，该校区前身是创建于1864年的土山湾孤儿院，这里是中国近代工艺美术教育的发源地。历史和现实，传承与创新，通过我们这个展览紧密地连接在一起。这样一个高水准的艺术活动，来自世界各地，各艺术门类的碰撞，不仅推动了年轻人的艺术创作热情，也必将为上海工艺美术职业学院注入学术活力。我代表个人和学校再次热烈欢迎各位，欢迎世界各地艺术高校的领导、青年艺术家云集在上海，在此碰撞思想、交流经验，共同探讨传统与当代、时尚与潮流、实验与跨界等诸多学术命题。
再次感谢给予这次活动支持、给予年轻人肯定的鲁院长，感谢清华大学美术学院、日本金泽工艺美术大学、英国皇家艺术学院 、日本东京艺术大学、韩国文化财财团在学术上的表率，感谢工作在第一线的各位青年艺术家，感谢世界各国的青年艺术家呈现出他们最优秀的作品。
Mr President Ming Jiang， colleagues and distinguished guests， and emerging artists ：
I am honoured to be invited to say a few words at the opening of this 1st international emerging artists group exhibition and symposium， which coincides with the 55th year of Shanghai Art and Design Academy. You have been warm and generous hosts in inviting many guests to share in this important occasion， and to recognise your achievement with you. It is particularly fitting that we celebrate the emergence of new talent in this group exhibition and symposium， and that in so doing we recognise the increasingly international and intercultural nature of creativity， and our responsibilities as stewards of creative education in the 21st century.
As we are engaged in developing art and design education， and look both towards developing emerging artists and designers in an increasingly complex world， alongside strengthening collaboration with other academic institutions and with industry， it is an appropriate time to consider both established traditions and future innovations that will highlight potential pathways for the coming years ahead.
It is a very exciting prospect C because of the moment we are in， where we are experiencing， and promoting： C increasing internationalisation； recognition of the importance of collaboration and cooperation； the central role of creativity and innovation in the quality of life； and the value of an education in art， design， architecture and related disciplines across the arts and sciences to address real challenges in the world C in culture， society， technology and the economy.
As academies of art and design we all are placed to build on the priorities of strong and innovative art and design practice， teaching and research， importantly supported by liberal and scientific inquiry and rigour C covering the full range of visual communication and design， architecture and landscape design， fine and applied arts， digital arts and humanities； with additional creative， intellectual and entrepreneurial value made possible through research and partnerships with companies and industry， as well as through growing international friendship and exchanges.
In common， we choose C or perhaps are chosen C to devote our energy， curiosity and expertise to the incredible potential for creativity and creative education to solve problems， enrich lives， and contribute to the wider world； and we do this through a tacit understanding of the centrality of creativity and innovation to the human experience.
Creativity is a complex and most distinctively C if not exclusively C human attribute： it endows us with the ability to bring the mind to bear on ideas， abstract concepts and practical problems， real world challenges and material solutions， shaping the environment and expressing who and what we are. Creativity is at the seat of invention， of progress C of course of art and design； but also in a real sense in the ability to develop cooperation， understanding， and our common humanity C which requires the use of the creative imagination to understand others’ experience and points of view， to place oneself in others’ shoes.
Creativity is exemplified and recognised throughout history in the great artists， architects， designers， musicians， writers and poets； but no less， I believe， in the broader humanities and in the sciences， and in the contributions all these fields make through the mind’s ability to think creatively and to apply knowledge with intelligence. It is no exaggeration to say， as the German artist Joseph Beuys did， that creativity is national capital. We might extend that to ‘world capital’， in an increasingly internationalised and interdependent context， with global solutions required to address 21st century challenges.
It is for these reasons that we give C and should continue to give C creativity and creative education such attention and importance， and to celebrate， as we do today， the contributions of international emerging artists and designers in this exhibition and symposium. Through advancing the three areas of education， practice and industry， allied to a growing awareness of internationalism， we learn to ask questions， identify patterns， develop skills， expand knowledge， seek meaning， find answers， and enhance our shared sense of cultural value and common humanity. This event celebrates the endless possibilities of craft， linked to intelligent inquiry， and reinforces humanity’s distinctive quality as makers： you emerging artists are making the future.
On this note， I congratulate Shanghai Art and Design Academy and C most importantly of all C the emerging artists and designers who are represented here and who will lead the way in years to come； and in the spirit of friendship， and hopefully on behalf of the international visitors here today， may I wish you every success with this event and for your future careers.
尊敬的姜鸣院长、各位同仁、嘉宾及青年艺术家们 ：
很荣幸能够受邀在首届国际青年工艺美术展暨学术研讨会开幕式上致辞。这次美术展和研讨会恰逢上海工艺美术职业学院建院五十五周年，双喜临门。在这重要的时刻，贵院盛情邀请众多佳朋惠友出席此次展览和研讨会，分享你们的喜悦，共赏贵院成立以来的成就。这一机会千载难逢，我们在此为美术展暨学术研讨会上涌现了众多青年才俊而欢欣鼓舞、为日益提高的体现国际性和跨文化性的创意而沉醉，同时，我们也意识到自己肩负着二十一世纪创新教育管理的神圣职责。
当前，我们正致力于发展艺术和设计教育，以求在日益复杂的世界中培养更多的青年艺术家和设计人才，同时，我们也在加强学术机构与企业的合作。良机天赐，当前正是我们推动传统和未来创新的时机，创新预示明天。
前景令人振奋，这归因于我们生活的时代、我们正在经历的和竭力促进的一切：国际化不断拓展；对协同合作重要性的认识不断深化；创新和创造对于生活质量日益发挥核心作用；艺术等相关学科教育的价值日益凸显，这些学科包括艺术、设计、建筑以及其他学科，综合采用艺术和科学方法解决世界在文化、社会、科技、经济等领域面临的真正挑战。
作为艺术与设计学院，我们有责任推动富有创新性的艺术和设计实践、提高教学和科研水平，通过与企业的合作、研究，发展伙伴关系并加强国际交流，支持不同领域的自由科学探索活动，包括视觉传达与设计、建筑与景观设计、美术与应用艺术、数码艺术与人文等。
创新教育有助于解决现实问题、丰富生活以及为日益广阔的世界做出更大的贡献。创新对人类生活影响至深，基于此共同认识，我们主动（或被动）地集中包括能量、好奇心和专业知识在内的所有力量激发自身潜能，发展创新性教育。
创新是人类独享的一种复杂而独特的品质。它赋予了我们思考和解决问题的能力，使我们能够由抽象概念演绎实际问题，为现实挑战寻求实质性解决方案，塑造环境并表达我们是谁和我们是什么。创新是发明和进步的根基，也是艺术与设计的根基，创新同样是开展合作、增进理解和促进人类共性的根基，因为这要求我们运用创造性想象力、设身处地地理解他人的经验和观点。
人类历史长河中，造诣深厚的艺术家、建筑师、设计师、音乐家、作家和诗人数不胜数，我相信，他们所展现的创造性，丝毫也不逊色于其他人文社科领域和科学界。在自己的领域中，他们开展创新性思维，创造性地运用知识与智慧。正如德国艺术家约瑟夫・博伊斯（Joseph Beuys）所言，创新是民族资本。在国际化和相互依存度不断提高的、21世纪众多挑战必须寻求全球解决方案的背景下，我们可以引申得出，创新也是“世界资本”。
对工艺美术的认识和理解范文6
内蒙古民族工艺美术是草原文化的物态形式之一，它是“物化”的文化工具，是具有精神因素的物化存在。内蒙古民族工艺美术产业作为草原文化产业的重要组成部分，其发展在借鉴成功经验的同时，不能只是对其他地区相关产业发展模式进行简单复制，而更应该在内容、形式、社会功能等层面凸显草原地区文化的特点和形态特性。比如长期以来，人们认为只有长江和黄河流域的文化才是中华文化的两大源流，而对遥远的中国北方存在的另一种文化形态——草原文化的地位认识不足。
实际上，内蒙古相继发现的大量考古遗迹和史料证明，中华民族许许多多文化传承的源头都可以追溯到草原地区。草原是中华文明曙光升起的地方，同样也是中华文明的发祥地之一。从体现内蒙古区域特征和民族传统文化的角度来看，草原地区民族元素又是体现民族个性和传统文化意义的代表，它既是滋养工艺美术创作的不竭源泉，也是丰富工艺美术作品形式的载体。不论对传统造型元素的选择和利用，还是反映地域概念与传递文化背景的手段，它们都处处体现着传统民族元素的影响。其中，民族符号是民族元素的骨肉，民族故事是民族元素的血液，民族情感是民族元素的灵魂，它们是一个民族在千百年的历史发展中逐步形成的共同的价值观，以及建立在共同的价值观基础上的道德标准。所以我们要将代表草原文化特色的民族元素融入到产业文化当中，在发展过程中更多地贴近草原民俗，重新感受草原文化，更好地将草原文化的内涵注入到民族工艺美术产业的发展当中，体现出对草原文化的自觉和自信。
民族工艺美术产业的发展应在地区工艺美术传统和当代审美文化与产业发展趋势之间找到一个结合点，在凸显民族工艺美术品传统文化内涵的同时，增强其时代感、亲和性和传播力。如果把内蒙古工艺美术产业比作一只意欲展翅翱翔的雄鹰，那么适于在当代文化产业发展潮流中生存的模式就是助其飞翔的羽翼，而对于草原意识的强化和地区民族工艺美术传统的传承则是永远流淌在其体内的血液。蒙古族传统工艺美术作为内蒙古草原民俗文化不可分割的一部分，其极富草原特色的艺术形式和独特的文化内涵已成为草原文化中一颗光彩夺目的明珠，在商业化十分严重的今天，内蒙古民族工艺美术产业树立好草原文化的品牌形象显得尤为珍贵。然而，当前对于我区传统民族民间工艺美术内涵研究的欠缺，成了制约民族工艺美术水平提升的一个软肋。这一点，我们或许能从盛行于20世纪之初、对世界现代工艺美术产生过广泛影响的新艺术运动中得到一些启示。当今工艺美术产业的发展方向在一定程度上反映了大众流行文化产业的发展趋势，工艺美术产品日益成为大众消费品，大众消费者成为工艺美术产品的检验者，无形中也成了传播一个地区传统文化的最好载体。这提示着我们，在民族工艺美术产业发展中，应着力多推多出精品力作，力求在产业发展中起到示范带头作用，以免民族工艺美术产品在开发中出现低档次的简单的照搬照抄和重复开发，以免造成大众对草原文化理解的片面化和误读。
内蒙古民族工艺美术产业应当继续践行草原文化的优良传统，从草原文化的角度加强对民族工艺美术产业发展思路的研究和发展模式的探索。草原文化是开放的、发展的、动态的，而非固守和封闭的。相关学者认为，草原文化的核心理念就是“崇尚自然，践行开放，恪守信义”。从历史上看，草原文化经历了多次区域内外的大规模的交流和融汇，证明它并非是封闭和固守的，而每次交流和融汇的结果，是不仅没有使其失去本身的特色，反而因为其开阔的包容性，通过吸收、借鉴其它优秀的文化成果而变得更加丰富和壮大。民族工艺美术产业的发展应以草原文化的核心理念为坐标，在挖掘好内蒙古传统民族工艺美术内涵的同时，以更为开放和包容的姿态做到兼收并蓄，将民族工艺美术产业的发展和地区文化产业的整体发展挂钩，在带动内蒙古经济发展的同时，更好地弘扬草原文化，让草原文化走向世界。
