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美术欣赏与美术鉴赏的区别范文1
1.美术鉴赏教学存在的问题
许多优秀的美术作品在很大程度上说是“只可意会，不可言传”的东西。教师没有起到桥梁的作用，学生是很难真正掌握和理解的。
1.1教师观念落后，学生主体地位无法体现。现在的许多美术教师都面临一些教学上的困难，美术鉴赏教学难于艺术实践教学。老师“喧宾夺主”，学生“死气沉沉”。而且还容易造成课堂秩序好和教学效果佳的假象，其实他们根本就没有整整的了解到作品的深意和蕴含的情感。此外，有关史料和作品内容不符合学生追求现实意识和经验的需求，并且欣赏的着眼点也无法直接的满足日常的意识和需求，一旦超出了学生的经验和知识的绝仙，就会导致教学出现困难，停滞不前。所以说，学生对美术作品中“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的，审美意识的形成需要有个学习的过程。这都是有教师观念落后，缺乏对学生主体地位重视而引起的。
1.2教师对课本理解不够透彻，选材无法符合学生的实际需求。由于不同地域之间的经济发展水平，而且历史也有区别，因此学生的认知也会存在差异，这就会造就多样的价值观以及标准。也就是说，每个学生对于相同的作品会有自己的间接。而且加上东西方的差异，山水国画就不太容易被西方人接受，也无法体会其中的美。这也充分的说明，在高中阶段培养学生审美，必须要对教材做出详细的了解，不算的提升他们的鉴赏能力，并且要把握差异性，为其搭建好桥梁。
2.如何贯彻教师在美术鉴赏的桥梁作用
不由分说，鉴赏课程的基本要求就是培养学生的审美能力，最高要求是希望学生具备个人系统的美学体验，对于美的追求是美术教育一贯之本质。通过不同样态的美术形式让学生自主形成审美趣味和审美品位，例如对工艺品图案的独特理解、对民族服饰文化的感受、对写意山水画灵动的感知、对狂草书法的共鸣等。
2.1重视学生审美兴趣的培养，转变教学观念。在美术鉴赏学习的切实应用里，令学生可以够掌握课堂中自主，所有学生都处在较为轻松的氛围中思考。为了提高成绩较好的学生自主性，作为老师的我则更多的是考虑到那些中等偏下的，由于他们能力有限，为了可以更好的让其在这短短的40分钟里面有所收获，必须注重思维的快慢，而且对于美术鉴赏来讲，本身就是需要有创造力的，如果只一味停留在表面是无法培养学生对它兴趣以及情感。通过对各阶段孩子的关注，不但能够让优秀的人潜力得到发挥，而所谓的“差生”也能慢慢提高，体会到进步的快乐。总的来说，对于高中阶段美术鉴赏的教学，要想发挥老师的桥梁作用，首先就是转变观念，以孩子的兴趣为基础，不断的拓展课堂互动。
2.2注重学生创造思维培养。美术作品鉴赏的过程实际上就是认识作品，把握作者的思想意图，与艺术作品直接交流、理解作品的信息，因此无论是理性还是感性，它们都是其中的组成部分。所以，教师要做到在启发学生的视觉同时，能够激起其情感的共鸣，对作品进行联想，这样就会让他们获得更多，提升审美。而我们必须明白创造力是素质教育的核心，美术鉴赏正适合这种创造心理的培养，尤其在美术鉴赏过程中对作品的色彩、比例、空间、节奏等视觉思维的训练，在这个过程都是潜移默化的帮助孩子开拓视野，特别是在高中阶段如果打下的坚实的基础，对于以后进入大学和社会是非常有益的。因此，教师一定要做好桥梁工作，拉近与学生的距离，引导他们对作品进行深度的欣赏与品味，提高其审美。
美术欣赏与美术鉴赏的区别范文2
【论文摘要】长期以来，美术教学一直都停留在以传播一些基本技能为目的的状态上。要实现素质教育，就必须将美术欣赏与审美教育相结合，培养学生主动学习的习惯和独立思考问题的能力，从而达到审美教育的目的。笔者结合教学实践，从教师必须重视对学生的审美素质教育，在欣赏课中创设美的意境，激发学生的学习兴趣，达到审美教育和素质教育的目的;通过正确的方法，深层次的诱导，加深学生对艺术的理解，构建完善的审美心理结构;不断加强学生对美术作品的评论，提高学生的审美能力等方面，探讨了在初中美术欣赏课中如何对学生进行审美教育的问题。
一、问题的提出
长期以来，美术教学一直都停留在以传播一些基本技能为目的的状态上，且多数美术教师也不太清楚大纲上的精神要求，容易对教材形成片面理解。在这种情况下，往往一遇到欣赏课就一跳而过，而很少与学生一起欣赏、讨论中外美术名作。即使上课，也只是走马观花，一扫而过地介绍，对于作品的创作背景和象征寓意及历史事件等，很少引导学生去进行分析、评论，这无疑就限制了学生的艺术想象力和大胆评论对象的能力。在整节课中，教师当主角，学生当听众;教师讲得平淡无味，学生听了也反应淡淡。一堂课下来，学生根本没有一点切身体验欣赏作品所带来的愉悦和深刻感受。长此以往，教师的思想里就日渐忽视了对学生进行审美情趣的培养这一重要教育目的，也偏离了审美素质教育的宗旨。
初中美术教育主要是通过美术欣赏课而得以实现审美素质教育。在初中美术课中，除了工艺课和绘画课以外，教材的欣赏课在总课时中所占的比例不大，这就向美术教师提出了更高的专业要求:在平时的教学中，不但要向学生传授基本的技能，还要求在有限的课时内通过对学生不断的启发和熏陶，培养他们感受美、认识美、创造美的能力。然而，课内四十五分钟的时间毕竟有限，要达到素质教育的目的，在美术欣赏课中，就必须以审美教育为重点，切实提高学生的审美能力。
二、激发心灵的感受，寓无形于有形之中
美和审美是联系在一起的:审美活动、审美过程就是要感受美，换言之，就是要发现美，感觉到美，进而调动起自己美好的情感，即“美感”。“美感”应该包括两个方面的含义:一方面指审美能力，另一方面指审美情感。这二者之间的区别是明显的，但联系也同样明显。可以看出，有关审美能力的问题更为根本，因为解决了它，有关审美情感的问题就会迎刃而解。但不管用哪种观点来看待美感，也不管用哪种理论来解释美感，审美能力起作用的效果都伴随着情感反映。因此，要用心去感受美，以激起心灵的浪花。
1.创设学习情景，激发审美情感。美术教师应加强自身的美学修养，重视对学生审美情操的培养，并精心准备教案，积极为学生的学习创设一个美的环境。教师要积极运用自身的语言、教态、知识和各种形象的手段(如范画、投影、故事、音乐等)，通过有声、有色、有形的环境氛围，使学生处在浓厚和强烈的求知欲中，从而潜移默化地受到美的熏陶。同时，在适当的时候还可以组织课外活动，如参观画展，博物馆等，无形中使学生的审美意识得到有效的提高。例如，利用课件展示悬挂在人民大会堂的大型国画《江山如此多娇》，以宽广的画面、磅礴的气势、流畅的笔墨、浓艳的色彩，描绘了祖国的万里江山，表现了“须晴日，看红装素裹，分外妖娆”的主题。那绵延壮阔的群山、冉冉升起的红日、高大苍劲的绿树，无不给人以美的遐思。通过教师的分析引导，能够使学生透过画面，悟出作者的立意，受到美的教育，并陶冶热爱祖国的情操，升华自身的思想感情。
2.处理形神关系，培养审美感受。作为美术教师，还要处理好有形与无形的辩证关系，如果仅仅重视美的形式和美的外表，仅仅重视美术技艺的传授，仅仅重视美的图形、美的色彩、美的景物的欣赏，而不注意去挖掘其中更深一层的内涵，忽视了从创造美的主体心灵中寻找美的源泉，不主动去激发学生心灵的感受，那么，我们的审美教育就会是失败的。
在美术欣赏课上，学生都会经历一个对艺术的认识和理解过程。最初是从他们个人的角度开始的，他们觉得画得“像”的就是好，而有些画得“不像”的作品就看不进去，但有些看起来“不美”的作品，却被老师当成世界名画加以介绍。正是这些反差，他们渐渐会发现艺术品并不是以画得像与不像作为唯一的标准。有了这些思考后，学生才会关心艺术到底是什么。因此，教师不能从理论上空洞地介绍艺术，不能把学生框死在一个固定的欣赏模式中，而应从美学中对艺术的不同观念入手，使学生认识到这些观念在艺术史上并存的局面，从而拓宽他们思路和界限。比如，在出示我国20世纪著名的大艺术家齐白石的作品《虾》时，学生往往会情不自禁地发出赞叹声，而出示现代西方最著名的美术家之一毕加索的油画作品《格尔尼卡》时，他们则显得茫然不解。这时，教师就应告诉学生，这是两种不同的画种，画家运用了不同的技法和材料，但是不管那幅作品画得像还是不像，都务必使学生明白这是画家对美的追求。由此，引导学生领悟画家在美的艺术形象中所要表达的纯真的思想感情，使他们在欣赏那些栩栩如生的人物的神情和动态，或色彩鲜艳的《鸳鸯戏水》、《出水芙蓉》、《桃花飞燕》等中国画时，更懂得欣赏画家在作品中所倾注的对生活强烈的爱和淳朴的思想感情。在欣赏《北京故宫》与《巴黎罗浮宫》时，就要引导学生去领悟中国传统绘画与西方油画在色彩、材料、工具以及各自的特点等表现手法的根本区别，使他们开阔视野，使美术欣赏课达到理想的效果，同时对学生也进行了启发和教育。
三、学会欣赏和鉴赏，是理解美的重要途径
不管是由美引起了人的美感，还是人在审美活动中发现、创造了美，美都能使人愉悦，使人沉醉。就像做了一场好梦，梦醒了之后，意犹未尽;也像品了一口美酒，口留残香，回味无穷。这种对美的细细品味，就是欣赏。艺术鉴赏就是鉴赏者通过对艺术作品起兴动情，用发自心灵深处的冲动，并根据一定的感受、理解与评判，对作品进行分析比较，挖掘作品的深层意蕴，揭示作品的意义和价值，评价作品的得失与成败，从而开阔眼界，扩大知识领域，提高艺术修养。中学美术教育，更要注重艺术接受和审美心理的教学和研究，使学生形成新的自我与个性，孕育和发展创新精神。实践证明，只有在鉴赏中获得的审美体验，才能调动再创造的联想和想象。艺术鉴赏能力对艺术创造起着潜移默化的作用，而创造又是在评价过去的基础上的发展和创新。
艺术鉴赏能力的培养途径存在于美术教学活动的各个环节之中，关键是看我们是否有心利用，是否善于运用。为了逐步培养和提高学生的艺术鉴赏能力，可以在教学活动中适时地向学生介绍优秀的美术作品，并将之作为鉴赏对象。这样，当学生看得多了，就有了比较，就有了鉴别和欣赏。
但在许多教师看来，美术评论应该是评论家的事，似乎与学生无关。其实不然，在欣赏美术作品时，学生都会有一种初步的印象和感觉。初中阶段的学生已积累了一些初步的历史文化知识，因此，教师应抓住学生的最初感觉，并将之作为深入分析作品的起点，积极引导学生对具体的美术作品进行欣赏。比如，在欣赏我国当代著名画家董希文先生的油画《开国大典》时，就应要求学生仔细观察作品，并用简单的语言描述自己看了作品以后的心理感受。当教师充分肯定了学生的回答以后，就要趁机简单地介绍画家的生平和创作这幅画的时代背景，然后再引导学生对作品进行深层次的分析，从而把作品的内容和画家的思想联系起来，将画家的思想精神升华为民族精神。这样，学生就在不知不觉中上了一堂深刻的爱国主义教育课，同时也获得了美的享受。同时，教师要抓住时机，让学生在课外搜集各个画种的图片资料，并比较在画家笔下的各种表现手法及情形，学会用审美的目光去分析，通过观察得出结论，从而提高他们的审美能力。
四、创造是美的源泉，是升华美的原动力
创造是美的源泉:美，要体现生命运动的本质。其次，审美，就是要去发现美，感受美。可以说，美就是心灵创造的产物。因此，创新是美学永恒的主题。
作为人类的一员，每个学生都具有创新欲望，但却不一定具备创新能力。审美教育的目的和职责之一，就是把人的创新力诱导出来，将体内的生命感和价值感唤醒。创新品质不是外部植入的东西，而是个体经过外界诱导而生成，是不断成长和变动的。教育所要做和能做的是:为创新品质的培养与生长提供价值引导和有利的环境支持;诱导和激发、培植和保护学生的创新欲，使之转化为创新力。在这一过程中，教师的作用不容忽视，他是学生知识、技艺的传授者，是学生思维方向的诱导者，更是人格形象的塑造者。因此，要尊重学生的个性，给予学生更多的自主。所以说，研究个性、挖掘个性、张扬个性是教师挖掘创造才能的重要途径。
艺术创作是从无到有，从朦胧到清晰，逐渐发生、形成的过程。这一孕育过程有长有短，是作者的生活经历、知识积累、艺术素养、个人性格之综合沉淀、升华的结晶。在美术欣赏教学活动中，教师应该灌输创造的理念，注意让学生从“有形”中揭示出“无形”，培养学生从具体中概括出抽象的能力。创造既是这一过程的结晶，也是结晶过程的催化剂;既是产品，也是生产的原动力。创造是美，美源于创造。
美育是整个教育体系中不可缺少的重要组成部分，而在美术教学中的审美教育更是担负着双重任务。一方面，它承担着培养学生专业素质的任务，另一方面，它在完善学生人格、提升学生综合素质方面也起着不可替代的作用。因此，在初中美术欣赏课教学中，教师应牢牢把握住审美教育这条主线，培养学生主动学习的习惯和独立思考问题的能力，从而达到审美教育的目的，这是每一位美术教师应负的教育责任。
参考文献:
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美术欣赏与美术鉴赏的区别范文3
上文主要论述了什么是群众文化、音乐欣赏，那么如何有机结合群众文化与音乐欣赏，就是怎样提升群众欣赏音乐的能力，从而更好开展音乐文化活动。笔者认为，主要从如下方面入手:首先，提升音乐欣赏能力，以便于掌握音乐规律，指导群众更好开展音乐工作。由于音乐具有艺术特性，区别于其他艺术门类。例如，文学作品、美术作品，不受某种条件约束，仅发表之后，一个人静静观赏、阅读即可。而音乐作品，即使写出来之后，也是一个无声作品，需要音乐创作、演唱、欣赏等综合。在发展群众音乐文化的时候，我们组织好创作与演唱，提供活动场所，增添必需音响器材，以便于群众更好欣赏音乐。其次，提升音乐欣赏能力，有利于激起群众音乐审美情趣。爱音乐者，其情操必然高尚，然而不是所有音乐都可培养情操，也就存在选择、引导问题。选择何种音乐，即引导群众的情趣走向何种方向，与音乐欣赏水平、爱好密切相关。对于音乐欣赏，若我们的范围较为狭窄，我们不可能选择出更好音乐，更加不可能去创作更好作品，以满足群众的音乐文化需求，这必然阻碍了群众的音乐发展水平。如果我们以个人爱好、趣味，去组织群众文化的音乐工作，必然会导致工作脱节，进而产生误区。第三，提升音乐欣赏水平，有利于提高创作者的鉴赏能力，演唱者的识别能力。对于群文工作者而言，因为工作而经常担任各种音乐活动、比赛的评委，或者音乐编导，对于音乐节目，会发表自己的意见与看法。但如果自身音乐欣赏水平较低，则不利于发现好作品，挖掘好的音乐人才。因此，对于群文工作者而言，必须不断提升自身的音乐欣赏水平，有效提升自身的专业素质不断积累相关知识，方可更好开展群众文化互动。所以，在群众文化中，必须有机结合音乐欣赏。目前，群众文化事业正在高速发展，群众的音乐需求不断增多，范围不断扩大，群文工作者必须不断努力，提升自身的音乐欣赏水平。
二、群众文化
对于群众而言，文化是为满足精神文化需求，通过社会组织，开展各种文化活动，群众自身是主体对象，通过自我教育、娱乐的方式，民族特色鲜明，地方特点突出，精神文化活动呈普及性与综合性特点。音乐课能改变社会风气，最具群众性。对于现代群众，开展文化生活，我们必须加大力度，提升音乐艺术工作。随着历史不断发展，群众业余文化生活逐渐壮大，群众文化活动是人类社会的重要组成部分，在群众生活中全面渗透。
三、结束语
美术欣赏与美术鉴赏的区别范文4
一、重视艺术欣赏与审美融为一体
重视艺术欣赏与审美融为一体，淡化艺术技术技巧层面的问题。对于艺术欣赏与审美欣赏来说，两者又着明显的区别，因此应该区别来看。第一，两者是包含和被包含的关系。艺术欣赏主要是人作为主体对于艺术作品这个客体进行欣赏，而审美欣赏的客体相比之下则广泛得多，从日月星辰到飞禽走兽，自然风光到科学技术，总之在各个领域、方面，有潜在审美价值的客体都存在审美欣赏的可能。这就需要我们在审美需求的指引下以及审美意识的控制下，协调审美感知、想像、情感、理解等诸多心理的审美情感和理解。因而，这就要求我们在课程设置上要有针对性、课程内容上要有广泛性。最为重要的是要把这种针对性和广泛性置于美学意识的统领之下。以音乐艺术为例来分析。艺术教育首先应该建立在大的艺术改革之下，素质教育课程应成为以艺术欣赏为手段，艺术文化视依托来找寻主体，在社会理性的意境中感受领悟，让感性认知成为自己的审美能力，也就是自由创作的能力。这也就是一个课程的要求。我们必须在浩瀚的艺术海洋里面帮学生们理清体裁风格之间的美学差异，将音乐史的专业知识和对音乐的鉴赏能力结合统一分析起来。另外一个角度来看，有的高职院校将艺术课程作为压缩饼干来进行教学，将原有的教学内容进行“简化版”来进行艺术教学，这将导致艺术课程在高职院校中成为可有可无的“豆芽科”，学生在有限的课程中难以正确理解艺术所产生的功用，难以调动学生艺术学习兴趣。对于大多数高职院校来说，艺术教育不是培养艺术职业人，而是培养拥有专业水准的爱好者。只有将音乐的欣赏分析过程时刻浸润于审美与文化的丰厚含蕴之中，才有可能使音乐艺术教育课程更具吸引力，更受欢迎。当然音乐技巧在专业学习中非常重要和必要，可是就音乐欣赏来说，技巧分析永远挖掘不了音乐的精髓。就现在来看，很多高职院校过分重视公共艺术教育课程内容上的设置过分重视学习知识技巧和应试能力，这一定会造成学生的兴趣爱好创作大打折扣。违背了最初教育的目的。
二、艺术教育创新与学生创新能力培养和发展相协调
教育创新与理论创新、制度创新与科技创新一样是非常重要的，而且教育还要为多方面的创新工作提供知识和人才基础。如何进行艺术教育创新，这是个关乎艺术教育总体性战略问题，涉及到诸如艺术教育课程改革的基本思路和原则问题，艺术教育的课程改革必须进行创新实践，在创新中求出路、求发展，这是毋容置疑的。但是课程改革创新应该培养学生和发挥学生能力相一致的，要考虑到课程为学生的创造提供广泛的空间。艺术教育一个显著特点就是能够潜移默化地影响被教育者，其中重要的一点便是创造性。可以说，艺术是伴随人类发展的一种永远而永恒的创造活动，艺术贵在创造创新个性，有美的规律，又有独到的开拓和表现。而一个高职院校的学生，在接受艺术教育中培养形成的创造精神和能力，对他的一生都有意义。那么，我们在课程改革中坚持创新原则，具体又应该注意哪些昵？第一：强化感知。感知是受教者去感受艺术最重要的方法和途径之一。艺术教育工作者要通过创新艺术课程，实行感知艺术教育理念去提升学生艺术感知能力，而这种感知能力在各行各业都是不可缺少的。实际上，成功的艺术教育对个人智力发展更多体现在感知与思辨能力的提升。因此，艺术教育工作者应从远古社会开始收集最为辉煌灿烂的艺术瑰宝，并加以美学原理对其进行作品审美分析，让学生从中感知艺术作品无穷魅力，让学生在欣赏艺术瑰宝的过程中创造性的去展开联想，提升学生的创造力和想象力。学生通过多渠道多维度感知艺术作品，也会逐步更加了解艺术、热爱艺术，这也正是当前高职院校艺术教育改革的新方向之一，从教者应多利用感知艺术教育理念去培养、发展学生。第二：重视体验。无论是艺术欣赏还是审美欣赏都需要经历观察意象、体验情感体和悟解理性的过程，而在这个过程中，情感体验是承前启后的中心环节。确切的说，这种情感体验就是伴随和融会艺术意象观察的一种性情体验，是意象与情感的融汇。在高职艺术教育过程中，教师应最大可能的调动学生的艺术审美能力，鼓励学生从生活实际出发，去把握理解艺术作品。高职学生作为高等教育的受教者，有着较为丰富的生活经验和文化知识积累，教师要鼓励学生将自己所学的其他学科知识和艺术知识连接在一起，实现艺术与科学、艺术与生活的相互融通。另一方面，教师要带领学生主动去排除学生内外界因素对艺术欣赏的干扰，让学生学会潜心学习艺术知识、体验艺术美感、感受艺术魅力，从而将艺术的想象力和创造力专心致志的应用于艺术欣赏当中来，并拓展到其他学科的学习当中。
教师带领学生的这种艺术欣赏还可以让学生重构艺术作品，这种学生对于艺术作品的重构使等于学生对艺术作品进行二度创造，这种建构可以不断培养学生个性培养，更能塑造学生健全人格如有的学者指出的那样“欣赏者个人的联想本领能在很人程度上改变艺术作品的内容”。“我们所倾听的音乐并不是听到的声音，而是由听者的想象力用各种方式加以修补过的那种声音，其他艺术也是如此”。
作者:李曾辉 单位:湖南城建职业技术学院
参考文献：
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[2]斯托洛维奇.生活、创作、人—艺术活动的功能[M].北京:中国人民人学出版社,1993.
美术欣赏与美术鉴赏的区别范文5
新的课程理念要求我们教师必须用新的角度去思考和实践教学过程，倡导民主、开放、科学的课程观念，这就要求课程必须与教学相互整合。新教材留给了教师很大的发展空间，是一个广阔的舞台，有利于教师延伸、拓展、创造性地使用教材。由于教材的内容是静态的，又由于版面的制约，不可能提供更多的教学资源，我们只能在静态的教科书中，将动态的教学过程以有限的图片序列和简略的文字提示做到简短的展示，发挥每一位教师的聪明才智， 利用现代教育技术，走出教科书、走出课堂、走出学校，寻找丰富的教学资源，成为课程资源的引导者、开发者。下面谈谈自己在教学中灵活使用教材，促进学生提高美术创造能力的几点尝试。
一、挖掘教材关键点，着力培养学生的学习品质
在教学过程中教师应认真钻研教材、理解教材，把握教材的重点和难点，以及知识之间的联系，明确教材编写意图，才能正确使用教材、用活教材，全面完成教学任务。想要成功就必须抓住教材提供的线索，找出关键点。初中生的特点是对新鲜事物好奇，但是又缺乏持之以恒的毅力，要找到他们的学习兴趣点就必须了解他们的内在需要是什么。比如在造型表现学习内容中的“手绘线条图像表达”要求表达不强求对物象的完成写实，关键在于表达的是否明确，是本课向大多数学生的基本要求。
美术课是对学生进行美育重要途径之一，是为了提高学生的审美素质和艺术修养，把握教材中德育点也是钻研教材及时渗透爱国主义教育。初中八年级欣赏课《美术是人类文化的造型载体》，通过教材中图片与学生收集的资料以识绘画、服装、工艺、建筑不同历史进程和社会的发展。分析唐代的绘画作品、瓷器、雕塑等不妨回顾历史，增强民族自豪感。讲到建筑物就把东方和西方的建筑区别，讲一讲东方文化看一看东方文明。其次要找准教材内容，不是所有的教学内容都强拉硬扯，让学生感到无聊与牵强。比如初中七年级“面具设计制作”抓住教材中的内容，了解面具的历史功用，艺术价值，了解民族文化，加强学生学习过程中的多样性，在比较中感悟中华文明的辉煌，在观察与动手制作中了解民间艺术，在研究讨论中提高艺术的鉴赏能力，在互相评价中学会欣赏与赞美。
二、纵横透视教材，强化学生的动手能力
美术教材从七年级到九年级，只要通读过或者执教过的教师都不难发现，每个年级的教学内容都是紧密联系、上下承接的。比如：七年级“手绘线条图像的表达”，八年级同样第二课也是“手绘线条图像――物象的多视角表达”，色彩训练内容七年级在生活中认识色彩，到八年级色彩搭配，九年级风格多样的色彩作品练习。我们不难发现在“每个学习领域”中，都是不同层次的提高，不同内容的难度递增。如何做好每个领域学习内容的训练呢？学生在美术学习中是有差异的，对待差异生决不能有一把尺子去衡量。在九年级色彩训练点我主要抓住“公共设施的色彩”大做文章，公共设施为什么要色彩鲜明醒目？再看一看我准备的课件，想一想你们看到的公共设施，通过观察找出公共设施与周边环境的色彩关系。设计一些造型别致的设施练一练色彩搭配。帮助学生找到生活中的色彩.联系熟悉的物体发现色彩搭配的规律，创造性的应用才能达到训练的目的。至于有的学生画的物体造型不太准确，构图不很完整，这些都不重要，因为训练点关键就是抓住关键问题训练指导。提高自主学习的积极性。在教学中运用多媒体技术，重点设疑，启发学生带着问题去思考，去学习，可以起到牵一发而动全身的作用，学习便成了轻松愉快、主动求索的过程。信息技术的优越性，将美术教室扩大到了有信息海洋之称的互联网上，使教学内容更丰富，涉及面更广，能够优化课堂教学。巧用技术，是一个提高美术教学效率强大的仓库，我们应不断更新自身的知识，学习新的本领，这样才能成为教师得力助手。
三、拓展延伸教材，激活学生创新潜能
《美术课程标准》指出：美术课具有人文性质，与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系。在讲到中国古代花鸟画时，教师可以在课堂上现场挥毫，让学生面对面痛快淋漓地感受一下写意画挥洒自如、虚实相生、水墨淋漓、纵横交织的潇洒画风。然后对所作水墨写意画的情趣美、意蕴美和形式美等与名作进行比较评析，利用存在的差距让学生欣赏到名作的各种美感。激发学生的兴趣，并让有激情的学生也来牛刀小试，让他们体会在宣纸上作画的感觉。双向的师生活动，让学生感受和领悟中国传统绘画的魅力。
美术欣赏与美术鉴赏的区别范文6
[关键词]舞蹈；音乐；内在节奏
节奏作为时空艺术中必要的因素，对其艺术表现有着至关重要的作用。所谓节奏的控制，主要体现在舞者对节奏韵律的掌握，即节奏感的表现；节奏的表现，是指在把握与控制节奏的同时对韵律体会并通过某种形式进行演绎和展现，二者属于时间艺术表演者必备的基本素质。节奏训练是舞者的基础训练之一，舞蹈艺术的展现离不开节奏的控制与表现。舞蹈的“内在节奏”，简而言之就是舞蹈的外在表现形式与艺术内涵在时间与空间上的协调统一。
一、内在节奏的重要意义
在舞蹈表演的节奏中，主动符合的节奏与被动符合的节奏有着本质的区别。主动符合的节奏一方面是舞者自发的节奏感和节奏表现，即主动地引导观众，使观众能够从属于表演者的节奏：另一方面是培养以音乐和他人的律动为依归的节奏感。后者是参加团体性演出，尤其是团体舞蹈表演中必不可少的一个条件，因为在团体舞蹈中，每个人都有可能成为观众注目的焦点，这就要求表演者在动作和内在节奏上达到一致。尤其是双人舞蹈，舞者双方都是主角，这就要求表演者内在节奏配合十分默契。而被动符合的节奏完全使舞蹈表演从属于音乐节拍，只满足于完成机械的舞蹈动作。
舞蹈与音乐有着不可分割的关系，这就要求舞者具备较强的音乐欣赏与鉴析的能力。这种欣赏与鉴析的能力不仅仅停留在对音乐的喜好及对音乐内容的了解，而是应该对音乐作品的深刻寓意、曲式风格、表现方式及相关背景有所了解。
以音乐《梁祝》为例，梁祝小提琴协奏曲是陈钢与何占豪就读于上海音乐学院时的作品，作于1958年冬，翌年5月首演于上海获得好评。首演由俞丽拿担任小提琴独奏。题材是家喻户晓的民间故事，以越剧中的曲调为素材，依照剧情发展精心构思布局，采用奏鸣曲式结构，以“草桥结拜”、“英台抗婚”、“坟前化蝶”为主要内容。全曲大概二十五分钟零四十秒，前五分钟叙述梁祝爱情主题，紧接着的第一段表现快乐的学习和生活以及结束后的十八相送，从十一分钟开始进入第二段，祝英台回家抗婚不成，楼台会，最后哭灵，共十一分钟，最后一段则是化蝶，是整曲再现。在音乐表现上，梁祝将交响乐与中国民间戏曲音乐表现手法相结合，运用交响乐的表现手法栩栩如生地表现了故事情节，充分发挥了小提琴的表现力。乐曲以故事情节为主要线索，富有极强的表现张力，一直以来都是舞蹈表演的主题音乐的绝佳选择。
在对音乐的理解上，许多舞者将其认为是对故事本身的理解，而忽视了音乐节奏的控制，尤其在对散板的表现上，一些舞者将其表现得过于散漫和凌乱，许多舞者在表演中因为对散板节奏和韵律的内在掌握不足而导致最终仓促完成动作，而没有将身体与音乐的默契发挥出来，并因此而失去一些表现的机会。在对散板的控制上，节拍器的运用就显得极为重要。节拍器的主要用途为：辅助舞者掌握节拍和控制速度。节拍器对于量化节奏的变化有着极其重要的作用，它能够辅助舞者更精确地掌握散板的变化规律，并协助舞者寻找身体与音乐的内在节奏，从而达到完整地表现舞者对角色的体会与表演。
在表演中，主动符合的节奏与被动符合的节奏带给观众的体验是截然不同的。观众是否能够被感动，重点在于舞者是否能够将观众的情绪带入到表演中去，如果在节奏上不能够与音乐达成一致，就会使得观众在听觉与视觉上产生错位，降低观众对舞者营造的艺术氛围的体验。
需要指出的是，节奏在舞蹈表现感染力的重要性自古就有，从现在残余的巫术及巫术舞蹈中，我们可以找到巫师通过舞蹈和节奏感染族人，并使得族人在舞蹈节奏中受到如同催眠般的体验。在许多少数民族民间巫术中，舞蹈和节奏是巫师进行祭祀等活动中必要的元素，并伴有唱、念等形式，具有极强的感染力。
原始乐舞的形式是歌、舞、乐一体，我们可以在现存的文字中寻找到歌唱和舞蹈的节奏因素。例如，“断竹，续竹，飞土，逐茹”，意思是：把竹子砍断，把竹子接好，发出泥质的弹丸，追杀动物。这是一首反映古代狩猎生活的歌曲，有着强烈的节奏感。
由此可见，节奏在我国古代乐舞中是随着曲词、音乐和舞蹈共同发展和表现的。节奏不仅仅是音乐的重要因素，也是舞蹈表现的重要元素，但是由于我国无论是曲谱还是舞谱，都没有关于节奏的记载，在中国舞的节奏表现时，就会出现音乐中大量的散板与节奏变化，这就对舞者对于节奏的把握有了更高的要求，也就是对舞者内在节奏的掌握的标准更高。这一点在独舞和双人舞中的体验更为深刻。
然而，现代舞蹈音乐为了舞者的表现更为精准往往会将舞蹈音乐中的节拍量化，以规律的变化来帮助舞者完成对节奏的掌握，这一举措大大降低了音乐及舞蹈表演的感染力和表现力。因此，要成为一个出众的舞者，就必须在遵从音乐原著的基础上，加深自身的音乐修养，培养内在节奏的掌握能力。
二、节奏训练的误区
内在节奏的培养需要舞者的天赋和教师的素养都同时具备。对舞蹈教学而言，教师如何正确培养学员对内在节奏的把握是一个复杂的课题，需要不断地总结和改进教学方法。在舞蹈节奏训练中，教学方法普遍存在以下几种误区：
1.默念节拍。许多教师要求学生在训练中心中跟随音乐默念节拍，这与音乐器乐表演中用脚打拍子犯的错误是一样的。这一辅助方法在初期教学中在教师影响下使用的，通常在分析新的音乐、学习新的舞蹈技巧、或练习已经熟悉的舞蹈技能时（如通过动作解析对已经掌握的力度、情感表现等进行细节上的调整）才偶尔使用的方法。这种习惯无法培养学生对内在节奏的感觉，容易养成学生速度分歧的毛病，即默念的是一种拍子、而身体韵律与节奏并不一致，在伴奏音乐较为快速时，会导致身体与音乐完全不在一个频率上。因此，这种训练方法只能作为一种“暂助”的训练方式使用，在普通训练中，教师应当调整并禁止长期使用这样的方法。
2.节拍器学习。许多教师在基础教学中有使用节拍器代替口号方式对学者进行训练的习惯。对于节拍器这一辅助工具的采用，一直以来都意见不一。节拍器打出的拍子过于机械，由于这种机械化，使得学员感觉节拍器打出来的拍子“并不准确”。音乐与肢体的协调需要的是学员体会音乐本身而产生的与音乐内在节奏合二为一的感觉，这种感觉可以通过教师口述传达，而节拍器并不能代替教师的这一职能。事实上，节拍器主要是用于舞蹈殊节拍的表演，如背景音乐为散板时，动作与音乐的配合和身体控制等。
三、内在节奏的培养方法
一是加强音乐素养，对乐舞历史及音乐舞蹈鉴赏理论的主动学习，养成主动学习的习惯，对每一种舞蹈表现形式和表现技巧方法有深刻的理论基础，并同时收集整理近代舞蹈表现的不同观点，从中选择和总结出最适合自己的表演方式。
二是加强专业素养，尽量在不依靠工具与辅助方式的情景下完成定量的练习，并能够持之以恒，寻找肢体与乐曲的内在联系，培养身体对节奏的韵律，在能够完整完成练习的基础上寻找本能对于音乐的内在节奏，达成神形合一的境界，即不用刻意地让身体跟随节奏，而是在音乐中随心起舞，完成音乐与肢体语言的统一。许多学员认为这是极难也是极高的境界，但只要达到了对音乐的理解，以及勤奋的练习，相信这是绝大多数舞者都能够达到的状态。
三是加强对音乐的鉴赏及分析能力。绝大部分舞蹈艺术都是音乐与舞蹈的共同展现的艺术形式，社会对舞蹈艺术者的音乐鉴赏的分析能力的要求日益增高，乐曲的内容与表现将直接影响舞蹈的表现力，因此音乐鉴赏及分析能力对于舞者加强自身素养显得十分重要。
