前言:中文期刊网精心挑选了美术与绘画的区别范文供你参考和学习,希望我们的参考范文能激发你的文章创作灵感,欢迎阅读。
美术与绘画的区别范文1
关键词:装饰画;特殊性;综合材料;差异性
综合材料绘画,是区别现代绘画的,带有多样化的材料的一种绘画形式。比如创作者们将废弃的报纸、麻袋、金属、马赛克、丙烯、扣子、木屑黏贴在画面作品上来作画等等,没有固定的传统和方法体系,大多都是随机在画面加以色彩,想要找一个比较肯定比较全面的论述,还是是比较难的。比如油画呈现出纹理效果。主要是水和油的运用。是做油底。要用丙烯和油画,那么在做底的时候,就先用丙烯做出你要的肌理,不可以把丙烯和油画颜料一起用,而用丙烯做底也干的快,等干后才能用油画颜料画,或者也可以直接用丙烯画水和油不相溶,画油画是不能用水的。用宣纸表也是可以的,关键是你要表现什么样的效果,综合绘画是用材料媒介通过剪切、拼贴等方式来制作作品的过程。这些材料比如报纸,卡纸,铁线,塑料瓶等等。综合绘画主要是学如何将你的想法通过材料媒介来表现出来,还有就是一幅作品当中一般需要三种不同性质的材料。综合材料就是讲究随机性、多样性和差异性,无论用什么。比如,在90年代初的美术,艺术家们都喜欢在画面里面掺合丙稀,而到了现在就更加没有丝毫的限制,针线、麻布、塑料、陶罐瓷器等,都能够作为我们创作的材料。
一、综合材料在史前画中的表现
我们追溯装饰画的起源可以直追至史前文明时代的彩陶器身上的一些装饰性纹样,如动物毛皮花纹、人的指纹或者毛发或者遗留下来的足迹,都是经过当时刻意的夸张变形后的得到具有形式感美感的图形。史前装饰画一般在动物的毛皮或者木头上刻一些简单的符号和图形,区别于后来装饰画在纸张、布上面的创作,在动物毛皮和树木上的简单创作已经是综合材料在史前艺术创作中的体现。
二、综合材料在古代画中的画面表现
而有一种说法是说装饰画是起源于战国时期的帛画艺术。而与此同时的还有洞窟壁画和墓室壁画以及宫殿装饰壁画艺术。帛是古代一种白色的丝织品,古代的艺术创作者们在帛上面用笔墨来描绘人物、飞禽走兽及神灵、异兽等形象的图画。帛其实和现在用的纸张有着异曲同工之妙,区别于纸张,帛是一种丝织品算是材料的一种,这也是综合材料在古代艺术中的体现;古代艺术创作的集中体现在洞窟、墓室、宫殿装饰这些方面,古人的艺术创作主要用于洞窟的墙壁或是自然形成的随机美感,亦或者墓室的雕刻壁画,宫殿装饰也是同样的道理,区别于现在纸张上笔画的不同,综合材料在古代艺术的创作集中体现在帛、墙壁、宫殿装饰灯方面。
三、综合材料的在近现代的表现与运用
到了近现代,艺术发展进程加快,艺术多样化,特殊化明显,如油画、国画、版画等一些绘画,虽然他们的材料有限,但是综合材料却把这一问题很好的解决了,在我们平时看到的很多没有注意到的物品都可以用来创作,较为正常的有玻璃马赛克、丙烯沥粉、豆子谷物等等,平时我们没有注意到有用过的废纸,木屑,碎布,扣子,沙子,树枝等等,很多我们平时认为不可以用的东西都可以成为综合绘画的主要材料。近现代综合材料的运用是目前众多艺术家的关注焦点,他们用这种方式来表达自己的观点和想法,并且在形式方法上面快速的发展和创新,而具有不同艺术风格的创作者们也开始纷纷把材料这一观念加入到自己的创作之中,从而使得作品的形式更加丰富多样,也大大提高了画面的表现力。创作者出于自己的艺术创作的需要,挖掘深层次意识中画面的表现力,表现出强烈的视觉冲击力,由此综合材料在美术创作中得到真正的运用。
四、综合材料艺术在现代装饰画中运用的趋势
首先反映的是综合材料绘画的时代特征,也就是当代性;然后是平面与空间装饰的结合;最后是综合材料与其他近似学科艺术和交叉学科的融合。而就现在艺术教育和创作的发展现状来看,已经开始把多种其他的学科融合了进视觉艺术里面,交叉进行融会贯通,而且现在的艺术创作呈现越来越多样化的趋势,而与此同时,艺术还在与科技进行融合,比如艺术与物理、化学、工程学等科学学科的融合吸收。艺术与其他学科的融合的现象,不仅仅是丰富了艺术创作的形式面貌,同时也快速提高了艺术的表现力。
五、结语
综合材料发展到今天已经可以作为一种艺术形式,并且已经成为众多艺术创作者们进行创作的主要材料,从最开始的动物毛皮到帛画、纸浆到水墨、从银树叶到照片、从以前的洞窟壁画到现在的油画装饰画动感画等、从油彩到蜡、从丙烯到铁锈,这些都是艺术创作者们进行艺术创作的材料和方法。不仅如此,还使得很多传统材料也有了现当代的感觉。由于所使用的材料和技术不同,而具有独特的效果。综合材料在美术装饰画中的运用越来越广泛,使得画面的视觉冲击力更大,内容的感染力也更强,正逐步在美术创作中成为创作的主要材料。
作者:李鸿卫 单位:湖北工程学院
参考文献:
[1]王珠珍,陈耀明.综合材料的艺术表现[M].上海大学出版社,2005.
[2]车健全.现代绘画材料研究[M].江西美术出版社,2003.
[3]李冰.艺术设计中的材料美学[J].艺术空间,2010(10).
美术与绘画的区别范文2
在课中使用的“范图”是在学生理解美术的基础上学习绘画的技巧,在美术绘画中技巧种类繁多,每一种绘画的技巧也不尽相同,因此,需要通过不同类型的“范图”帮助学生真正了解到每一种不同绘画的特点。在小学美术教育中教师应当强调实践的重要性,通过“范图”来展示绘画整体构图、色彩的搭配、意境的营造,突出绘画所要表现的重点,掌握绘画的技巧。因此,教师必须很好地展现出“范图”的绘画过程。
二、课后使用
在课后使用的“范图”主要是提供给学生进行课后的练习,以及临摹与欣赏,并且在学生练习的过程中为学生提供适当的建议,帮助学生解决实际的问题。课后使用的“范图”类型的选择应该从多方面考虑,通过让学生欣赏多种美术绘画“范图”来提高对美术艺术的理解,从美术绘画的实践中提高绘画技巧和审美能力。
三、“范图”使用的作用
(一)培养想象力在小学美术教育中“范图”的使用有利于培养学生的想象力,通过对画作的构思、框架结构的安排、绘画的技巧运用以及细节的处理都能够提高学生的处理能力,使学生具有明确的学习目的。想象力是通过学生脑海不断思考而不断扩展,而美术绘画的过程正是需要不断思考。教师可以通过确立一个主题,展示相关的“范图”一段时间给学生观看,之后就隐藏“范图”,要求学生依靠自身的想象力创造画作,这将能大大的提高小学生天马行空的想象力,拓展思维方式。培养想象力有利于学生在绘画创作时树立独特的风格,有利于自由的发挥。
(二)提高审美能力美术欣赏是提高学生审美能力的有效手段之一,在小学美术教育中欣赏“范图”的活动能够帮助学生认知美术艺术的真谛,同时教师需要选择具有鲜明特征的绘画“范图”,让学生通过观察绘画特征了解画作的绘画技巧、构图的技巧、色彩搭配的要点,通过具有对比性的绘画“范图”可以让学生了解不同类型画作的区别。通过学生自身不断的欣赏和感受“范图”,从而提高学生对画作的鉴赏和审美能力。在“范图”的选择上,教师应该选择小学生能够接受和理解的画作以及著名艺术家的作品,这样有利于建立小学生初次接触美术以及欣赏美术作品的能力。
美术与绘画的区别范文3
[关键词] 装饰色彩 色彩写生 色彩教学
装饰色彩从某种意义上来说也叫色彩归纳,特别是对学艺术设计专业的学生来说,装饰色彩也是色彩造型绘画的一种较为独特的表现方法,对有的教师或者学生来说色彩归纳也可能的新的名词,尤其是写实绘画专业的教学来说更是如此,但对于学艺术设计专业的学生来说,无论是归纳色彩或者装饰色彩就不会显得那么的陌生。在色彩的教学中,装饰色彩应该更适合艺术设计专业的学生,是艺术设计教学中的一门写生造型的基础课程,是必不可少的。
装饰色彩也是属于色彩写生的基础课的范畴,同时与一般的常规性色彩写生有所区别,存在独特的色彩语言,它也是写实性绘画的延伸或说是转化。装饰色彩的造型原则是不停留在对客观自然色彩或者形态的客观再现性的“实对”,而应该是突破客观自然色彩和形态的约束,更着重与主观对色彩的主观领悟。在这方面对于艺术设计专业学生的教学中,不能照搬以往的美术院校或纯绘画专业的训练方式。我们都知道在美术院校或者纯绘画专业的教学中是由浅到深,按部就班的长期的反复的训练,从而达到对色彩和造型的目的,同时通过这样的练习也能够培养学生的扎实的造型基本功。而这方面在艺术设计专业的教学中对学生则有不同的要求,美术院校或者纯绘画专业是培养具有一定造型能力和艺术创作的画家,而艺术设计专业是培养具有一定造型能力和艺术修养的设计师,这里也包括了对色彩的理解及修养的培养和锻炼,这在教学目的、教学要求和时间分配等都有着比较大的区别,也决定在具体的教学实际中对学生的要求有更多的不同,在我对装饰色彩课程的实践教学中,经过实际的教学和对课程的思考与探索,归纳总结得出两个与纯绘画较为明显的区别,也可以说是总结出装饰色彩的两个基本指向,课程中存在很多的区别。在这里简单谈两点。
首先,培养学生能力目标
在装饰色彩教学中艺术设计专业的学生与纯绘画的学生所要掌握的要求和目的不一样,前者要求学生成为具备有一定造型能力和艺术修养的设计师,而后者是要求学生有从事纯绘画艺术创作的画家,这就决定了在培养目标上有很大的不同,同时两者可能有很多的联系,但是更有区别。简单说也是培养设计师和画家的区别,而我们的教学中是着重前者的培养。成为画家的不一定能成为设计师,反过来说设计师也不一定能成为画家,两者有着必然的联系的同时也有着本质的区别。所以在装饰色彩的教学中,应该要用培养设计师的能力和目标来对学生有倾向性的要求他们,也就是说不可以用对待纯绘画专业的学生的要求套到艺术设计专业的学生身上。再说了,对于艺术设计专业的学生来说也没有象纯绘画专业的学生那样有那么长的时间来对写实性的物象进行反复的训练,对他们来说这样课程的时间是比较短的,所以必须在较短的时间内达到教学训练的目的。这就是说,教师在上课前应该清楚的知道自己面对的或所要教的学生将来要从事何种职业?要掌握何种能力?要他们成为画家还是成为设计师?教师应该清晰的知道要培养学生具有成为设计师的能力作为教学目标和任务,要以设计师的素质的能力要求去训练学生,有了这个概念,才可以在教学中清晰的去体现教学的任务和目标,保证在教学的质量和效果。
其次,教学内容方法
美术与绘画的区别范文4
关键词:中西美术;审美理想;绘画创作
中西绘画的差异根植于两个文明系统中不同的价值追求,中国绘画总体上倾向于写意,西方绘画总体上倾向于写实。要说清楚本国美术的发展,不可能不涉及外国美术。同时,为了说明本国美术的特点,也需要同外国美术相对比,这种对比不一定是明比,而是意识到本国美术与外国美术的不同之处。通过不同民族间美术的比较研究来探讨一些普遍的美术理论问题。
1中西古代审美理想的异同
从先秦哲学家和美学家的著作中,我们了解到儒家思想是汉文化不同与世界其它民族的基本特质。中国古代审美理想的认识首先要从对儒道思想的认识作为开宗。儒家理想人格的形成是把宗法体制的共同性要求内化于自我人格的形成,“克己复礼”而“成教化,助人伦,”“兴于诗,立于礼,成于乐”是为艺术、教育的目标。使得自我与社会的关系从外在的约束转化为自在自觉的遵守,实际就是要求艺术的情感须自觉的由道德伦理来节制以达到情与理的和谐统一。那么道家的审美理想是什么呢?“夫虚静恬谈寂寞无为者,万物之本也”。“天地与我并生而万物与我一”。明确了在心与物浑然一体的体验中,人的精神将从实用、利害、因果的束缚中超脱出来,达到一种“虚”、“静”、“明”的自由审美境界。人作为生命的存在本应与自然一体。“淡然无极而众美从之,此天地之道,圣人之德也”。“朴素而天下莫能与之争美”。这里真正的美是一种大美至美是天地之美,宇宙本体所显现出来的质朴、自然、恬淡之美。这些思想不但内涵丰厚,同时还具有深厚的美学意味,对中国书画美学产生极大影响,为中国古代审美理想构建了一种独特的宇宙观,这种宇宙观表现在艺术上就是以类取之,以虚带实,以实带虚,实中有虚,虚中有实,虚实相生,情理统一,物我和一。
对照西方,从古希腊时代开始,西方造型艺术就是以模仿自然为目的,古希腊哲学家们认为“数”是万物之源。自然界事物存在就是“数理”的存在。艺术家在模仿事物外在形象的时候,通过比例、对称、完美、表现存在的本质和规律,从一个物体美的认识到集体的、全部的美的认识,从美的形体到美的制度美的知识,一直到彻悟美的本体。由此,在对和谐美的追求过程中有了“一切立体图形中最美的是球形,一切平面图形中最美的是圆形。构成长方形比例协调感的“黄金比”。人体美同样取决于不同数之间的比例和谐”。[1]从希腊神话到希腊雕刻,大量雕像也佐证了艺术对真实物象立体性的模仿和美化。比较中西美术,如果说中国古代哲人对美的认识,主要侧重于审美的“心理”方面,那么西方则重于对象的外在形式,关注“美”与“真”的联系,把艺术的审美创作和欣赏看作是追求知识和真理,乃至追求上帝的过程。
2中西绘画创作的观念和思维特征的区别
山水一直作为纯粹而且重要的精神象征存在于中国文人艺术家的生活中。古人认为,自然山水在空间形态上丰富多彩、千变万化,在时间状态上也是无比生动千姿百态的。从山石、树木、水泽、云草中寻找人生存在的道理,寄托心灵、情感,正是中国古代艺术家创作山水画本源的真实意图。对于山水画创作来说,中国山水画的空间特征,更接近于一种时空的转换,画家不仅考虑的是看见了什么,更关心人自身内心的变化过程,想到什么。用生命的状态表达对象。由于没有象西方绘画中光影、质感、透视的约束,中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来暗示行云、流水、山石、树木的空间,而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。所谓“低仰自得,心游太空,心融融于玄境,意飘飘于白云,忘情勿我之表,纵志于有无之间。”[2]一幅画可以从山前到山后,从山顶到山脚,一幅长卷可容下一年四季、阴晴、雨雪。它不是特定的山,特定的水。它有明暗、有表情、有灵性、更有生命,可以使欣赏者与之一起喜怒哀乐。
为了栩栩如生的描绘再现自然,西方绘画努力发明着种种技巧和手法来实现这一目的,尤其在以人物为题材的绘画中表现突出。对人类自身的认识及兴趣自古希腊起由来已久。古希腊人钟情于人体的表现,他们对于人体结构的精通、体积空间的塑造,完全在于解剖学、光学、色彩学等各门科学意识的渗透。在健康美丽的人体艺术表现中,饱含着人类的生命力,寄托着对美好生活的强烈愿望,是人性的一种自然流露。而这种题材在古代中国画中绝对少有。此中反映着中西文化深层次的差异。人体与着衣人物画从文艺复兴之时起迅猛发展,除因人文主义精神对人自身价值肯定之外,还有一个因素很重要,就是模特。若无模特,西方人物绘画单凭记忆想象,也不会有如此高的成就。模特儿为画家提供了实实在在的创作灵感和依据。但光有模特还不够。画家必须深入学习人体解剖,甚至自己动手去研究,随着西方科学的进步发展,人体透视学与人体运动解剖学进一步帮助画家创作更具生动性和挑战性的人物绘画。对比中国古代人物绘画在既无人文科学环境的支持,又无内在观念思想的帮助下,大致我们就可以理解中国传统人物绘画中造型不准、解剖不对、不画人体的原因了。中国人物画的主要目标和追求是“美”与“恶”的分辨,“气韵生动”是绘画所要达到的最终标准,并且形成传统,彰示后世,中国人物画的这种追求使得它和西画表现真实准确的美在造型要求上突显区别。这里绝无对中西绘画褒贬评论之意。而只有认识到中西绘画的各自特点及其产生的原因背景之后,我们会发现,西方绘画的物质性、再现性,相对中国传统绘画的精神性、表现性之间的巨大差异了。
3中西绘画比较的意义
中西绘画比较欣赏有着重要的教育意义,其价值在于,其一,使受教育者得到美术文化意识的培养。美术的发展历程体现着一定社会历史阶段物质文明和精神文明的发展进程。美术作为一种文化其外在形式具有物质性,而创造方式和水平又体现着审美的精神性,美术文化所包含的这些东西需要挖掘和揭示。其二,人文精神的陶冶。虽然绘画欣赏不同于德育课,但以德育和文化成长为中心的人文精神的教育,也是绘画艺术教育的使命之一。同时,引导学生形成正确的欣赏态度,掌握正确的方法成为一个心理结构健全的具有审美判断能力的欣赏者。其三,绘画欣赏的再创造性。欣赏,表面现象上看是一个直观掌握的过程,实际上一件美术作品之所以流传,除了作品本身所具备的品质以外,还有一个重要的原因就是欣赏者的主观态度。而这个过程必然渗透着欣赏者个体的人格特征、心理内涵和精神理解,这种特殊的心理活动,独特的心理感受和情感意志,甚至欣赏者所处的时代特性,都会使得美术作品本身有新的开拓补充,甚至是重构,从而使艺术形象成为活的有生命的形象。
参考文献:
[1] 孔新苗,张萍.中西美术比较[M].山东画报出版社.
美术与绘画的区别范文5
学生生涯已离我远去。工作以来,我不曾放弃过画画。尽管自已画得不是那么完美,有时也会半途而废,但它对我的吸引力始终不减。画画的人都知道,画画并不是一件简单的事,看似容易,做起来难,而这种难的程度远远超出你的想象。一次次的失败,一次次的挫折,让我从中收获不小。自我认为,要想画好水粉画,必须做到以下几点:
首先,要有坚强的毅立和乐观的心态。画画是一个长期的循序渐进的过程。如果没有顽强的毅立,平和的心态,怎能承受的了几小时画一张画,甚至几天画一张画,更有甚者几年画一张画的折磨呢,并且在这个过程中又会遇到相同的或不同的困难和阻碍。我在工作过程中观察到,能力好的孩子并非最终会取得好的成绩,而能力差的学生,因为他们有着非凡的毅立和坚韧不拔的精神,他们不但能坐住,而且对待一幅画也有一种不搞明白不放弃的劲,反复推敲思考,在高考中取得让人惊叹而显赫的成绩。在今天浮躁的的社会里,孟子给“坚忍”做了最好的诠释:“故天将降大任于斯人也,必先苦其心志,劳其筋骨……”而蒲松龄的一副对联是这样说的:“有志者,事竟成, 破釜沉舟,百二秦关终属楚;苦心人,天不负,卧薪尝胆,三千越甲可吞吴。”可见,惧怕困难者,庸庸碌碌;顽强不屈者,则以坚忍的精神成长为民族乃至整个人类的脊梁。
其次,画画要严格遵守从易到难,从简到繁的过程,违背了这种规律,必定事半功倍。所以,要想画好水粉画还必须拥有扎实的素描基本功。素描一词相对色彩而言,一般指的是单纯,朴素的单色画,它主要借助单色的线条或明暗来表现物体的造型,研究造型的基本法则。素描相对色彩而言更具理性,特别是基础素描的训练,用理性指导观察,用观察丰富理性,把素描建立在理性的观察上,从而达到素描的完整性,为后期各种形式的绘画打下坚实的基础。米开朗基罗说:“素描是油画,雕刻,建筑及其它种类绘画的源泉和本质。并且是一切科学的根本,已经掌握了这门技术的人可以相信自己已占有了一笔巨大的财富”。素描能力的强弱,决定了别的科目的成绩。如果没有素描的专门联系,色彩的塑造可能永远都无多谈起。
最后,还要熟练掌握色彩的基础知识及色彩基本规律,并且参加大量的水粉写生实践活动。对于初学者,枯燥的说教没有触及技法的层面,没有给初学者提供最直接的表现方法。使得许多学生往往把色彩理论当成技法,拿起笔来,照本宣科或糊涂乱画,最终一塌糊涂。什么是水粉画的技法呢?我认为,首先要掌握水粉画颜料的性能以及水粉画工具的特点,再结合水粉画表现的具体要求,全面认识,这样再来谈技巧就避免了空洞的界定。作为色彩写生的载体,水粉画的练习必须和正确的观察方法结合起来,只谈表现技巧,而忽略寻求自然美的发现,水粉画永远只是浅显片面的形式主义。
掌握正确的观察方法。写生观察不外乎整体和对比,所谓整体观察就是彼此对照,区别不同,特别是用“同类对比法”最能照会到微妙的色彩变化,把相同或接近的色彩进行反复区别,找出色差,然后再分解调出。为了避免局部观察物体,最好侧身用余光意会物体的色彩。观察物体时可以上下左右,跳跃着对比观察,这样可以加强不同物体,不同方位的色彩的联系与区别。
另外,从临摹入门。临摹时应当带着问题,从理解入手,先看画面是何类色调,是暖色调还是冷色调;是绿色调还是红色调;是深色调还是亮色调。从素描角度和冷暖角度逐一认识比较,何处最深,何处最亮。何处色彩鲜艳,何处色彩较灰。哪些属于暖色哪些属于冷色。光源色、固有色和环境色是如何变化的等等,然后在调每一笔色彩的时候不但要注意如何调准色彩,同时还要考虑如何用笔,是摆还是点,是湿还是干,是大笔触还是小笔触,等等。做到胸有成竹,否则不求甚解,被动机械地照搬照抄不但进步缓慢,而且降低兴致,日久会失去对色彩的热情,导致“望色兴叹”。
水的运用。做为水粉画的调和剂,水是水粉画、水彩画和水墨画等画种不可缺少的主要媒介。虽然水粉画也可以象油画那样采用干画法和厚涂法,但还是有许多限制。没有水就不能更好地发挥水粉颜料的性能。教学多年,我发现许多初学者之所以画不好水粉画,很大程度上是因为没有用好水,因为水的运用是几乎贯彻做画始终的。忽视了水的把握,也就忽视了基本方法的讲究。建议你先准备一块吸水性能较好的毛巾,为的是每次涮笔后在上面吸吸水。当然,干画法和湿画法对水分多少的要求是不一样的。
笔上含水分的多少,有时决定做画进度和做画效果,水太少,不利于用笔,水太多画面容易被水分冲坏,而且不易干,拖延了做画时间。所以,希望初学者先重视水分的运用,从中找出规律,有条不紊地寻找到一条正确的路子。
调色的要求。对于初学者,有两个难点令人困惑,一是面对静物看不出色彩变化,二是看出颜色调不准色彩。我认为看不出色彩,不是色盲色弱,就是方法不对。看出颜色,调不出来很大程度是和经验有关。教水粉画几年,我认为唯一不能教的就是调色,为什么呢?因为每一个人的感觉不一样,看出的色彩有差别;调色时种类的多少,比例的多少都可能制约着所调之色的准确与否。要想把看到的色彩调的比较准确,首先要把感受到的色彩进行归纳,看看它和哪种颜色更接近,区别在哪里?然后进行分解,把看到的颜色最多分解成两种色或三种色,不可太多,多了就容易脏,比较以下哪两种或三种色最能配出你需要的颜色。接下来就要尝试比例的分配,也许颜料量的比例是我们调色时最难把握的。比例不正确,调出的颜色不是倾向不对,就是过而不及。
塑造的方法。也许每一个初学者都是从素描开始自己的绘画历程的,色彩和素描是相互联系又彼此不同的绘画两个形式,当我们能看出一定色彩关系后,怎样才能把一组静物塑造的体积感足,空间感强呢?当我们面对一组静物时,除了努力观察,理性的素描处理能力是形体塑造的基本依据。用颜色画素描是水彩画的大忌。怎样塑造呢?可以用概括的方法对基本形体进行“三大面五调子”的分析,强调笔触的独立性,把一个物体归纳为有限的几块颜色,即块面画法。这样,画面就会层次分明,色彩简洁明确,加上笔触的变化,作品就显得干净利索,形体结实,具有很强的表现性。关于块面的塑造方法,可以让初学者多练习《色彩构成》的基础知识,尤其是一些从明到暗的色阶推移,来区分色彩的层次。只要付出努力就没有做不到的事。
对于我们绘画者来说,水粉静物画是绘画基础课程,也是考验我们绘画能力的标志,它不但要求我们要有绘画天赋,更要求我们学会观察,学会坚持不懈,学会总结。我相信,只要我们努力,我们才会在绘画的海洋里自由自在地翱翔。
参考文献:
[1]从中学到中央美术学院.
[2]高中美术基础教程.
[3]西方绘画大师材料技法研究.
美术与绘画的区别范文6
【关键词】绘画 设计 美术 关系
时光荏苒,从刚开始怀抱着兴趣接触美术,到将美术作为终生的事业去奋斗已经几个年头了。在与这门无言艺术的交流中,绘画与设计以其不可抗拒的独特魅力吸引了我,让我甘愿在追求艺术人生的道路上,义无反顾地用毕生去诠释。
有人说“绘画”是一种发自内心的情感结晶,可以陶冶情操,而“设计”是可以满足人类物质生活的需求,进一步推动社会的发展;也有人说“绘画”是一种真善美的体现,而“设计”本质上是裸的赚钱行为。但直到今天我都认为“绘画”和“设计”是同步而生的。二者的关系主要体现在如下方面:
一、绘画与设计是同派异门
首先美术就像一个大的门派,门派中有着好多门艺术,类似于传统武术流派中的崆峒派。再者画家和设计师都应该有着较高的绘画功底和艺术素质,并具有较高的审美情趣。历史上有很多的画家同时也是著名的设计师,例如文艺复兴时期的达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、泰勒等。再如香港设计师靳埭强先生的设计非常有特色有风格,他把水墨绘画等中国文化的精髓和设计进行了完美的结合,如《水墨的年代》《爱护自然》等等。从他们身上可以发现绘画和设计是相辅相成的,是可以完美结合的。
二、绘画与设计的独立地位
虽然绘画与设计两者之间有着紧密的联系,但绘画一定是设计的基础吗?直至今日,世界各国设计学院的教学体系,大多是以绘画作为设计的教学基础,旨在培养学生的造型、审美、鉴赏能力。包括我自己任教的动漫课程,一直以来都是在强调着绘画的基础训练,但在长期的教学实践中我发现这种想法不一定是最恰当的。举个简单的例子,班上绘画能力出众的学生可以在作品中体现较美的画面感,而那些美术绘画课程都不及格的学生可以用另类的制作形式,独特的故事情节去展示自己由心而发的作品,同样可以得到别人的认可。
从某种角度看设计并不完全需要绘画,而是需要个性的展示,情感的喷发和经验的积累。就好比孩子的成长过程,孩提时代会由新鲜事物引发好奇心,并以此为基础做出许多尝试。随着年龄的逐渐增长,会产生与之前不同的想法和行为,而这些不同时段的想法和行为就是“设计”。因此,绘画与设计固然有着紧密的联系,但绘画不一定是设计的基础。两者在特定的条件下是两个独立的个体。
三、绘画与设计的目的有差异
笔者工作以来,除了从事日常教学,更多接触的是与设计有关的工作,这些设计作品从画面感到形式再到内容更多倾向于为大众服务,让大众满意,从而达到为社会商品促销,为个人、企业或单位的宣传等目的。换句话说,设计作为商品具有包装价值和使用价值本身就是为市场服务的,更注重人类生活和生产行为,设计师必须揣摩客户的心理使方案得到通过。客户可能对市场的把握、了解远胜过设计师,设计师绞尽脑汁的创意想法最终还是依附于客户的评审。设计也依附市场这根指挥棒。
四、绘画与设计在实现方式上的差异
由于绘画与设计存在着巨大的功能上的差异性,同时,在工艺制作的实现方式上也就存在着本质的区别。绘画虽然是一门艺术,但在制作过程中技术的成分占有相当大的比重。如果说绘画在艺术的前提下,是一个运用新观念新手段的创造过程,那么绘画在其技术中所包含的材料、技巧等一系列因素则是完成和实现这种创造性思维的最重要的手段。
五、绘画与设计的本质区别