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工艺美术运动风格的特征范文1
中图分类号：TU986 文献标识码：A
1 工艺美术运动概述
在1880--1910年间，英国掀起了一场轰轰烈烈的设计运动――工艺美术运动，这场运动以英国为中心，波及到了不少欧美国家，并对后世的设计运动产生了深远的影响。工艺美术运动产生于所谓的“良心危机”，艺术家们对于不负责任地粗制滥造的产品以及其对自然环境的破坏感到痛心疾首，并力图为产品及生产者建立或者恢复标准。在设计上，工艺美术运动从手工艺品的“忠实于材料”、“合适于目的性”等价值中获取灵感，并把源于自然的简洁和忠实的装饰作为其活动的基础。从本质上来说，工艺美术运动是通过艺术和设计来改造社会，并建立起以手工艺为主导的生产模式的试验。
以英国诗人、文艺批评家拉斯金和画家、工艺美术设计家莫里斯为代表的传统派，一面在理论上展开了批评和宣传，一面积极致力于设计实践。他们不满当时机械化产品的粗糙、简陋，认为真正的工艺产品应该既实用又美观，企图恢复中世纪传统作坊生产的手工产品的标准的手工技艺和完美而精致的设计。为此，莫里斯建立了自己的染织作坊，亲自设计并以手工制作各种织物、壁纸、地毯和家具等。其设计在否定当时机械化样式缺少曲线变化的前提下，运用了自然界有机物(如花草)的形式，并加以变形，使装饰纹样呈现出变化丰富的曲线，富有生机和运动感。它们和曾经风靡欧洲、有强烈装饰感的巴洛克和罗可可(见巴洛克、罗可可)的曲线风格有千丝万缕的联系。
工艺美术运动提倡简单、朴实无华、具有良好功能的设计；反对设计上哗众取宠、华而不实的维多利亚风格；提倡艺术化手工业产品，反对工业化对传统工艺的威胁 [1]。这些工艺美术运动的主张，同样反映在园林设计中，并且使之成为西方现代园林设计探索的开端。
2工艺美术造园
工艺美术运动产生于英国维多利亚时期，在维多利亚时期的建筑设计的特征是一种装饰高度繁琐华贵，折中混合各种欧洲古典风格的古典折衷主义，表达了新生资产阶级企图利用繁琐、华贵的设计来炫耀自财富的愿望。英国的园林风格跟建筑方面的风格十分相似，该时期大量新植物的引入伴随园艺科学的创新，使英国的园艺行业取得了兴盛的发展。为了满足植物展示的需要，地毯式花坛(carpet bedding)的植栽形式和花卉移栽(bedding out)风行一时，成为维多利亚时期花园的主要内容。然而，这些花园里堆砌的丰富的外来植物，以新奇的形式、肌理和颜色混乱地叠加在一起，呈现出一种混乱的审美思想。这种状态一直持续到19世纪末。随着工艺美术运动在园林设计中的影响逐步深重，使得建筑师和园艺师在园林设计中取得了一种平衡，并形成了对后世影响深远的“工艺美术园林”。
格特鲁德•杰基尔是英国一位杰出的造园家，同时也是一位出色的艺术家、作家和手工艺者。她在美国、德国、爱尔兰留下400余座花园，一生广泛传播了花卉园艺知识，撰写了1 000多篇文章，刊登在《乡村生活》、《花园》等期刊杂志上，出版了14本有关园艺学的著作，其中1899年到1901年杰基尔出版的《Wood and Garden》、《Home and Garden》、《Wall and Water Garden》对英国的园艺事业影响深远[2]。1982年，在杰基尔死后50年，杰基尔成了名副其实的花园设计大师，对她而言，造园与油画绘画和雕塑艺术一样，都是创建美丽的过程，花园的构思、植物品种的选择、植物的栽培永远相互独立又相互依存。如今，她在花园设计方面的影响已经遍及了欧洲乃至整个世界。
2.1 设计思想来源
1843年，杰基尔出生在英国伦敦一个富裕的艺术家庭，幼年在色雷度过。1861年， 杰基尔在英国的肯特郡学习了绘画的色彩理论，当时的杰基尔在国家美术馆花了很多精力临摹浪漫主义绘画的代表人物特纳（J.M.W.Turner）的作品，仔细地勾画和研究其中自然景象的细节。这些早期的艺术教育赋予她对色彩理论与色彩效果的深刻理解， 其中的色彩构成理论和印象主义方法大大启发了她的设计灵感，以至于在她很多的设计作品中都透露出特纳作品的影子。例如特纳画中从灿烂的晚霞、黑紫的海水到金色光影的颜色序列在其后杰基尔的很多花境的色彩规划中都有着完美的体现。
后来，杰基尔在希腊、意大利、北非和瑞士的游学经历使她注意到传统造园的价值，加强了她保持传统造园精华的决心。当然身处工艺美术运动之中的杰基尔也深深受到了工艺美术运动的领军人物―――威廉•莫里斯(William Morris)所宣扬的工艺美术思想。对杰基尔而言，艺术、工艺和生活是不可分割的整体；传统激发创造，自然是设计灵感的源泉。
杰基尔穷其一生在自己的花园中进行植物的栽培与实践，通过对植物特征和习性的了解、栽培技术和植物间搭配艺术的研磨来实现其造园理念，而不是在画板上简单地推演。因而，贝斯格•娄乌(Richard Bisgrove)将她称作“身为艺术家的园丁”(artist gardener) [3]。
2.2颜色规划理论
“自制与慷慨”“协调与对比”是杰基尔植物配置颜色规划理论的核心，而“漂浮物”状的种植条块则是杰基尔标志性的语言[3]。杰基尔的设计从形式、肌理和颜色的仔细规划中寻求协调，而不是单纯刺激感官。这种协调和对比的均衡首先通过对花园尺度的控制来获得。其中杰基尔的野趣园设计，通常尺度较大，有着大片的荒野和林地，她通过对花园的物种组合配植和对颜色的对比控制来调节花园内外的平衡，例如位于NORFOLK郡的DRAYTON WOOD，在两个边界模糊的团块中央设计成入口，使用榛树、白桦、苏格兰松和栎树均夹杂着低矮植物形成入口氛围，两边形状不规则的场地上配植冬青、白桦、黑刺李和山楂树，并随机点缀装饰性的山梨、重瓣樱花与周边村庄环境相呼应。园内建筑的周边，浓密的杜鹃花与长长的绿色骑马道迂回延伸，常绿的冬青深入林地，整体看去，横向穿插着的组团形成了重叠的层次[4]。杜鹃花开时节，绿色的叶片包围着大片杜鹃花丛，错综复杂的植物品种界定了花园核心的园路，围绕自然水塘的边缘鸢尾与蕨类植物交替排列，在这样的控制下达到了了既产生了绚烂的色彩又不至于凌乱的效果。空地里长形的条石围合创造出一个次序更为井然的非正式画面，使乡野的趣味弥漫在自然式风景园林之中。
杰基尔的种植规划不是简单地在建筑框架内肆意摆放无定形的植物材料来遮挡建筑僵硬的墙角，而是克制地运用植物材料来实现总体规划的思想，塑造一系列的景致来装饰花园的结构骨架，保证花园的协调统一。这在杰基尔所设计的bowerbank的 Wimbledon入口花园中可见一斑。通过与建筑师爱德华的合作充分展现了建筑和庭院的整体和谐之美。杰基尔通常在建筑的南墙和西墙种植灰色植物以强调其阳光照射的面，相对应被阴影覆盖的北墙和东墙则种植蕨类等植物。 Wimbledon入口花园北墙由石楠属、冬青属植物叶片形成片状阴影，点植的熏衣草和野橄榄树强调阳光照射的建筑正面的南墙；在房子后面的花园沿房子东面的墙角种植常绿植物，窗户对面阳光照射的地方种植大片的中国玫瑰和熏衣草；紧邻建筑有大量的潮湿阴暗地带，蕨类植物与玫瑰和铁线莲穿插交叠；阳台对面的花园种植了迷迭香、熏衣草、石竹等灰绿色调与芳香类植物，混植的牡丹、玫瑰、晚樱等在不同季节放红色、粉色和紫色的花；小径两侧重复种植着深绿色植物形成规则的韵律感，并且与阳台周边浅色的环境形成反差[4]…杰基尔通过对阳光照射形成的迎光面和被阴影覆盖的地方运用“自制与慷慨”“协调与对比”的原则，使原本不成体系的灌木丛产生光影的变化，将建筑物柔化在自然的花园之中。
杰基尔的种植设计中重要的形式元素是长条形、薄的、富于流动感的种植条块―――她称其为“漂浮物”。杰基尔的“漂浮物”元素在她的花境设计中非常明显，条状的植物组块沿着长长的花境交错着排布，犹如在长长的溪流中漂浮。漂浮物状的种植方式使植物在开花时能最大数量地展现出来，花谢时突出其他植物，不同植物之间可以更好地搭配、互相衬托。另外，重复的条块就像画家笔触一样，可以取得设计特征上的统一。即使在林地的植物配置中，互相交叠的冬青、橡树等乔灌木的植物组团同样采用这种设计形式[5]。
2.3主要成就
在造园艺术领域，杰基尔有两大贡献:第一，她将艺术与花园设计紧密地联系在一起，实现了园艺栽培的艺术化。第二，通过与建筑师路特恩斯(Edwin Lutyens)的合作确立了规则式设计结合丰富的植物种植的花园设计形式，从而平息了建筑师和园艺师之间旷日持久的纷争―――花园应由谁来主导设计的话题[6]。杰基尔和路特恩斯的设计充分体现了花园与建筑的融合。与同时代沃塞(Voysey)、玛娄(Mallows)、斯科特(Baillie Scott)和韦伯(Webb)等人的作品相比，杰基尔和路特恩斯设计的花园看起来像是建筑的一部分[6]。杰基尔的设计不是去软化建筑形体，实际上她的种植设计提升然式种植的设计模式，从实践上解决了规则式设计和自然式设计之间无意义的论争。这种设计模式经杰基尔和路特恩斯的大力推广和普及后，成为当时园林设计的时尚，并且影响到后来欧洲大陆的花园设计。这一原则直到今天仍有一定的影响。
工艺美术运动风格的特征范文2
一、审美日常化使工艺品的审美价值变为消遣价值
工艺美术品的生产方式被改变的同时，在由器械复制带来的商品消费社会中，人们的审美方式也发生了改变。在艺术品具有稀缺和唯一性的前机械复制时代，人们面对工艺品时，审美的方式是凝神静观，通过对工艺品形式和内容的关照与移情，得到的审美体验中包含着历史、文化背景和主体由于沉浸在作品中所体验到的丰富内涵，中国古代艺术思想的“目既往还，心亦吐纳，情往似赠，兴来如答”，就是对这种由精神专注后的联想所产生的审美效果的生动写照。而在今天的复制品面前，主体不会再保有稀缺和珍贵的情感，加之丰富的各种其他商品应接不暇，现代消费者很少会再去面对这工艺品沉思静观，而往往会寻求一种“渺小和粗鄙的快乐”②，由此主体的审美态度已经不是静观，而是消遣。很显然，在现代性文化环境中，“审美”这个词的意义已经发生改变。工艺品被以消遣和符号等方式消费，使主体得到快捷、粗浅的满足。从而，工艺品本来含有的深层次的和更加丰富的审美价值在人们的漠视中隐退。
二、视觉经验的强化导致工艺美术品触摸感价值的隐退
在今天，人们的经验比以往任何时候都要更具视觉性或是更加视觉化③，从商店的各种宣传画面到互联网的用户界面，几乎我们所关注的所有领域信息都在以视觉化的方式向我们展现着。人们为了适应生存环境，使得视觉文化经验的训练通常是在体系化设置（如影视、绘画艺术等体系）之外的日常生活中完成的④，因此这种训练带有强制和不可避免的属性。但各种视觉产品的销量和社会视觉化的发展速度证明，消费者至少在现代型社会中相当长的一段时间里，已有足够的能力去适应这种视觉化的信息接受方式，而且在不断寻求着新的视觉刺激。正是这种对获取信息和娱乐刺激的功能需求，孕育了iPhone等触屏手机与平板电脑的出现和风靡。这些产品在以强大的硬件条件满足人们的功能需要的同时，也强制着人们去适应无力学反馈的触屏式使用方式和习惯于触摸冰冷光滑的屏幕与电子产品的机身。现在随处可见的是，人们热衷于借助这种视觉技术在视觉文化事件中寻求信息、意义或。然而在得到这种现代性满足的同时，人们对身体在与其他质感与形状的物体的接触中能够获得的感知和神经对细腻的且附有情感性的质感进行体验的需要逐渐淡忘了。这使得工艺美术品的触感价值也在现代性中慢慢被淡忘。
三、现代性的负面影响为城市工艺美术发展提供的契机
虽然现代性给工艺品原有的价值带来了沉重的打击，但由现代性给人带来的异化和束缚等所表现出的负面效应，人们逐渐萌生反异化和反束缚的要求，加之现代性为社会成员提供了好于以往的物质生存条件，为人们重新重视工艺品的触感、唯一和完满的审美价值提供了契机。
1.在都市中异化的神经中枢需要得到释放和回归
像北京、上海这样的大都市，是现代性和科技文明的汇聚地，为了适应现代性社会的生存和谋求一般意义的发展，人被包括科技在内的现代性要素进行了强制化地改造，从而使人对本性体验的需求逐渐被消费逻辑和“工具理性主义”逻辑所遮蔽。⑤对无力学反馈的屏幕操作的适应，就是一个很好的例证。当进行按动传统键盘等行为时，被按的对象会通过下陷和反弹等动作给予皮肤和肌肉神经力学信息的反馈，由此人们在获得点击成功等理性信息的同时，也获取着生理本性所体验到的舒适感与满足感。而由iPhone引领的移动终端的操作方式的变革，使人们为了能够高效获取信息与进行便捷的娱乐，不得不去适应无力学反馈的触屏操作和冰冷的握感体验。在这适应中，人的神经中枢在“工具理性主义”的驱使下，失去了选择的权利，麻木地服从于这种异化的技术训练，而且人还在这种异化中实现着在现代社会中的自我身份认同。而在工作之余，让麻木的神经回归对本性的体验，成为人不可避免的需求。而高质量工艺品所能提供的触感体验，正是帮助人们实现人体对生理本性体验的满足的良好途径。
2.美的同质化环境使个性化工艺产品的价值被重新重视
在创造了丰富的美的产品的同时，机械复制还创造商品美的同质。假想，如果通过市场调查，超过半数被调查的消费者认为iPhone的外观设计最符合他们的形式审美目的，那么在市场利益的驱使下，各厂家会跟着iPhone的风格改造自己的产品造型。过不了多长时间，消费者在市场上能看到的都将是类似iPhone的手机产品，实际上，这个现象已经成为现实。在工艺美术品市场是同样的道理。即便被效仿的产品本身真的很美，其他产品效仿的也惟妙惟肖，那么我们能看到的也只能是一片“美”的荒漠。值得庆幸的是，对同质化环境的厌倦和对个性化的需求，仍然作为人们的本性需求被保留了下来。在这个荒漠中，越来越多的人开始希望拥有非器械复制而成的具有个性的工艺美术品。甚至在手工艺过程中，由于某些工艺失误造成的痕迹，都已被重新重视为工艺品价值的重要组成部分。事实上，这些痕迹也确实是构成作品灵韵、圆满与独一特性的组成要素。以此，有理由认为，消费者对个性化与独有性作品的需求中，潜藏着对灵韵、圆满等审美要素或显或隐的心灵需求。
四、强势现代性文化态度对工艺美术发展的作用
因循中国传统皇恩文化的封建残留，中国工艺美术品生产已经持着弱势文化态度走了太久。在价值观迷失的现代性氛围中，这种弱势文化的发展态度不能建立鲜明的价值取向，更不能与世界文化产生有效的对话，只能使本民族文化中的智慧与价值最终被遮蔽。
1.强势文化态度及其指导下的工艺美术品特征
强势文化就是相信自己且遵循客观规律做事的文化。具体来说，就是面对世界，能够根据客观规律提出自己的价值取向，且把自己认定的价值以自信、积极的态度应用于各种交往及生产性的事件中。这是西方文化普遍具有的一种文化属性。对于全球文化的发展来说，本土和全球之间始终存在着一种张力，即双方相互影响，他把这称作同质化和异质化之间的互动⑥。据此，对于参与到全球各国各民族间的对话来说，以自信的态度充分表达自己的感情和给出自己的价值取向，通常是必要的。此外，建立这种相信和依靠自己的文化态度，是不迷信外来文化的前提，也是分析客观规律和面对问题勇于提出自己的切实方案的前提。特别是在社会乱象丛生、民众价值观迷失的现代性中，只有坚持自信的强势文化态度，才能创作出价值取向鲜明且能对大众起到引领作用的艺术作品。以19世纪末英国“手工艺运动”为例。以艺术家莫里斯为首的许多欧美艺术家，坚信机械复制产品无法取代具有纯净和独一性的艺术的创作规律，坚持认为历史悠久的传统手工艺是人类智慧的结晶，是宝贵的艺术遗产。在资本主义大工业生产和先进的科学技术浪潮下，手工艺不仅不应被消灭，而且还应该得到继承和发展。莫里斯坚决反对在现代商业追求利润至上的情况下，生产了一些俗不可耐的华丽风格的以及假冒的、质量低劣的工艺品，以适应市民们对虚荣的享乐、奢侈生活的向往，他认为这是手工艺术家们所不能容忍的。在这种强势信念的指引下，他们创造了大量被人们称为所谓“粗俗”的草编等手工艺，这些工艺品反映着人类的伟大思想，具有朴实和简练的艺术风格，广为市场所喜爱。在强势文化态度的指导下所产生的工艺美术品通常具备如下主要特征：第一，原创性强。即基于对本土工艺品审美价值的自信，创作出的作品通常保有充分的本土特色和由艺术家原创性作品风格赋予给作品的灵韵，这种独具风格的手工艺品比市场上的复制化的单调的工业品更具有吸引力。第二，制作工艺原汁原味、成品质量到位。出于对本土审美价值的崇敬，创作者通常会一丝不苟地坚守应有的制作工艺与流程，并将成品的质量与效果做得最好。既不会为了产量和效率而粗制滥造，也不会附和现代工业技术的标准。第三，融入现代性，不断推陈出新。对本土文化的自信，并不是要守旧，而是坚信用本土审美价值的精髓可以影响任何时期的受众的心灵。因此，持有强势文化态度的艺术家，通常或是借助现代的技术媒介对本土审美价值的精髓进行表现，或是不断将新时代的文化内容以传统的方式进行讲述。形式多样、新作迭出，而又不失个性灵韵的精髓。
2.弱势文化态度及其指引下的中国工艺品市场特征
与强势文化相比，弱势文化态度的集征就是选择依赖，即指望依靠强者制定的规则和强者的声望等谋得自己的生存。中国各领域都不同程度地渗透着这种弱势的文化态度。弱势文化态度使我国众多工艺美术的创作呈现如下主要特征：第一，跟古人的风。面对现代性的审美市场与社会问题，在弱势文化态度的指引下，创作者往往选择依赖传统工艺美术旧有的审美价值，简单照搬传统作品的风格与样式于现代的作品创作。而很少基于对本民族工艺美术审美价值精髓的认识，对现代性社会中审美需求进行深入研究并提出有针对性的解决方案。第二，跟国外的风。面对百余年来西方强加给中国的现代性发展和国外文化的强势竞争，众多创作者以简单的方式挪用西方工业文明的声、光、电等现代设计要素于工艺品设计，并期望以此种方式使工艺品具备所谓的国际性属性。可以想见，这种做法无异于在西方文化标准的屋檐下寻找一处自己的容身之所，长此以往，更将使我国工艺美术特有的审美价值与文化特征被遮蔽。
3.城市工艺美术的强势发展策略
工艺美术运动风格的特征范文3
一、未来主义的特点
（一）顺应时展——对工业革命的“推崇”
顺应时代的潮流是艺术运动能够延续和发展的主要原因之一，但文中所说的并不是“水波逐流”的概念。而是能够抓住时代的脉搏，凭借自身的优势结合社会需求，从而拥有鲜明主张的艺术运动。在这里并不是要批判类似于发生在19世纪下半叶英国的工艺美术运动，因为他们所处的时代背景明显是不同的。工艺美术运动起源于在1851年英国伦敦海德公园的水晶宫所举办的第一个世界博览会，当时展览会上的与工业产品及其不搭的“丑陋”设计，引起了当时观看展览的约翰•拉金斯与威廉•莫里斯的注意，在展览结束后的几年里拉金斯一直努力企图通过理论来改变产品装饰，但一直由于缺乏实践的支持在当时并没有引起社会的广泛关注。直到作为工艺美术运动的践行者威廉•莫里斯为自己所设计的婚房——红房子的出现，这才引起社会的广泛关注，由此已引发了轰轰烈烈的工艺美术运动。但是工艺美术运动是在面对工业革命的迅速发展下产生的，当时艺术家对工业产品的产生持有不接受的反对态度，因为他们认为：“工业化进程一方面极大的促进了生产力的提高另一方面也引发了各种社会危机（事业、贫穷、童工等）一些具有民主思想的艺术家将这些社会问题归结于工业和机器”，所以他们对工业产品和工业革命发展持回避态度，并转向中世纪和自然界的设计风格，倡导手工艺产品。工艺美术运动也由于自身的“逆流而上”和自身的缺陷，像威廉•莫里斯所开凯尔姆斯科特出版社一样被淹没在历史的洪流之中，最终被新艺术运动取代。与工艺美术运动不同的是未来主义运动发端于20世纪的艺术思潮，当时人们已经历过第一次工业革命，并且始于19世纪中期的工业革命正在如火如荼的进行中。面对科学与技术结合产生的巨大创造力和生产力，正如未来主义的代表人马里内蒂在其未来主义的宣言中说到：“我们断言一种崭新的美——速度的美——使得世界更加的丰富多彩。一辆跑起来像机关枪一样发出尖利啸叫的汽车，远比萨摩色雷斯的胜利女神更美。”很多的艺术家和知识分子积极响应工业革命和大工业生产，他们赞美机械化生产。除此之外，未来主义运动还是意大利人为了找回原本是整个欧洲效仿对象的历史自信，所开始的一场主张与传统决裂的反传统运动。
（二）自由与反叛意识——强调运动的特质
“艺术史上没有一次运动像意大利未来主义一样，将矛头指向对传统的一切思想观念、文化，表现出极端的反叛意识与行为，亦没有有着反传统的主题、机器时代的元素符号与属于未来主义特有的动荡、眩光、激昂的感情。”这些评论正如1909年2月20日意大利诗人马里内蒂在巴黎《费加罗报》上刊登的首篇《未来主义的创立和宣言》。宣言讴歌现代工业文明、科学技术使传统的时间与空间的观念完全改变，因而主张未来的文艺应当反映现代机器文明、速度、力量和竞争。除此之外，宣言还诅咒一切旧的传统文化，强调现代都市是机器加速的动感世界，认为在枪林弹雨中转动的车轮和一直围绕在我们身边的工业噪音要比希腊的女神还美，主张彻底清除一切博物馆、图书馆和学院，为此他们高喊：“我们要歌颂战争，我们要催毁美术馆、图书馆，我们要在现代的首都歌唱革命，继续不断地燃烧书架，打开运河，淹掉美术馆的圆顶。”未来主义大师的安贝尔多•波菊尼的作品便是意大利未来主义主题的最好阐释，他在《街道进屋》中描绘的空间既然不是让人想要近距离接触和进入的空间，对于画作为观众所带来的舒适、愉悦空间代入感完全的消失。取而代之地是一个高速旋转、滚动的危险“物品”，在一定程度上刺激观者的感官，积极的调动人们的各个神经细胞，让观众随着即将倒塌的房屋及飞奔的马蹄一起体会画中的城市生活。除此之外还是有他的《空间中连续的独特形式》雕塑、《城市在上升》等作品无一不在宣扬作者的特立独行外，还具有未来主义运动的典型特征。由此可见未来主义剑走偏锋，以富有节奏感的运动代替传统艺术的沉思，以赞美机器和速度来凸显题材，以工业革命最为描述主题，倡导创作的自由和反传统的意识主张。
二、未来主义运动影响下的平面设计
（一）未来主义运动下影响下的平面设计特点
未来主义起源于文艺复兴的发源地意大利，他们有着浓厚的理论基础和在文学方面颇有建树的大家。所以对在经历过思想解放、又有理论积累的意大利发端的未来主义来说，它在理论观点的梳理和成型上具有先天优于其他艺术运动。未来主义在初期就形成了有着明显的反传统、倡导现代工业城市的理论指导，例如未来主义运动发起人——意大利诗人、文艺批评家马里内蒂在《费加罗报》发表的《未来主义宣言》，以后又相继发表《未来主义文学宣言》、《未来主义与法西斯主义》《未来主义戏剧宣言》等，一整套的未来主义理论主张。对于艺术评论家来说他们战斗的武器就是手中的笔，战斗的场地就是刊物和书籍，所以马里内蒂并不满足于在仅仅用别人的场地作为战斗的场所，他自己在1913年参与创办未来主义刊物《莱采巴》，并以此作为自己为未来主义奋斗的战场。他们在理论中强调的关于主题思想的阐述更是影响了20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义、平面设计等，其中影响较大的是现代平面设计。现代设计和现代设计教育的重要奠基人之一、著名设计理论和设计史专家王受之教授在其《世界平面设计史》中曾谈到：“现代主义中未来派、达达派和超现实主义、（荷兰）风格派、至上主义、俄国构成主义，在这个世纪直接影响了视觉传达的造型语言和视觉传达。”其中的未来派也就是现在文中谈到的未来主义。它在平面设计中的主要影响就是自由版式和自由字体的运用，未来主义下的平面设计强调无政府主义式的、反常规设计。在马里内蒂《未来主义与法西斯主义》文中，它的版式设计和文字便是未来主义下的平面设计表现特征的典型代表。
（二）未来主义运动对平面设计构成成元素的影响
在现代平面设计之前的招贴设计的基本构成元素图形、文字等一些基本的元素，并且它们的作用基本上是记录储存人们思想意识、历史变迁的一些具有简单的社会功能。等到发展到近代的时候，随着工业革命的产生和人们经济水平的提高，它从原本的艺术体系绘画、雕塑中独立出来，成为一门独立的学科，设计一词开始产生，平面设计一次也开始被人们广泛应用，并且拥有很多明确的划分。就现在而言，平面设计是把平面上的几个基本元素包括图形、文字、字体、插图、色彩标志登等符合视觉传达目的的方式组合起来，是指成为批量生产的印刷品，达到准确的视觉传达功能目的，同时给观众设计需要达到的心理满足。而把未来主义对平面设计的影响可以说是涉及平面视觉构成元素——字体、插图、色彩、图形、版面以及平面广告的视觉流程等具体的视觉要素的方方面面，而具体的把未来主义运动在平面设计中运用的践行者就是佛塔那多•德皮罗，他把未来主义的艺术纲领中强调的“共时性”彻底的践行到他的商业广告设计中。
三、总结
通过未来主义运动与工艺美术运动的对比基础上，所刨析出的未来主义的特点可见，能够直击人心、勇敢的介入当下并反应时代特点的美术运动总是能在艺术式中占据有利的发展位置，并且在其他领域也能产生深远影响。由于未来主义强调运动和自由的主张，所以通过对在未来主义影响下的平面设计特点以及平面设计的构成元素，可以发现未来主义对平面设计的影响主要体现在平面设计中的自由版式和字体方面。综上所诉，我们可以通过对未来主义对当时平面设计影响，来系统地了解当时平面设计风格、特点转变的原因，由此补充前人在未来主义与现代平面设计方面的确实。
作者:张培源 单位:山东工艺美术学院
参考文献：
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[4]余珊珊译.未来主义的基础宣言.吉林美术出版社,2000
工艺美术运动风格的特征范文4
1中国传统文化艺术与产品形态的关系
产品形态是产品造型信息的主要载体之一，是设计师向受众传达思想和理念的物化，更是产品文化、身份的精神象征，是赢得受众心理共鸣的设计语意表现形式[2]。形态是产品造型的总体“品行”，即“外形”与“神态”的综合体。一个优秀、成功的产品形态，美的外形只是一个必要条件，还需有一个与之相匹配、蕴涵其中的“精神势态”，即“形神兼备”。这种精神将来自一个民族的传统文化，它通过产品形态的设计语意生生不息地进行传承与发扬光大。传统文化艺术融入产品形态，在本能设计层次上是以具体、清晰的符号元素出现。但这种符号不是生搬硬套，更不是肤浅的理解和简单的模仿，而是从中国的传统文化元素和理念出发，借助传统元素形态，寻求最切合的符号语言以及现代的构成手法和科学技术，对传统和现代兼收并蓄，吐故纳新，对传统文化艺术进行分解、变革、拓展，再与形态设计有机融合，进而达到传统与现代、东方与西方文化的共存融合。由此，在现代产品形态设计中，设计师只有充分考虑不同时期的审美伦理，找出传统文化艺术的审美精神加以传承，才能形成具有传统艺术多姿多彩文化精神的中国现代产品形态设计风格[3]。
2中国传统文化艺术审美撷英
中国的传统文化艺术品类繁多，博大精深，主要涵盖工艺美术、中国画、民间木偶、古老的热贡、皮影戏、麦杆画、中国刺绣、剪纸、中国结、风筝和民歌等门类。
2.1工艺美术
通常指美化生活用品和生活环境的造型艺术，它的突出特点是物质生产与美的创造相结合，以实用为主要目的，并具有审美特性[4]。它既是物质产品，又具有不同程度精神方面的审美性，它反映着特定时代和特定社会的物质与文化的生产水平，其视觉形象（造型、色彩、装饰）体现了一定时代的审美观。中华民族祖先使用自然物“磨光”和“钻孔”等行为，不仅成为原始社会生产力不断提高的标志，更是设计能力和审美思维的开端。优美的陶器是新石器时代物质文化的重要特征之一，灿烂的“青铜时代”标志着中华民族工艺美术新纪元的到来，距今7000年的新石器时代的中国玉器代表了世界治玉用玉的最早水平，湖北出土的战国时期“木雕座屏”以其雕刻精细而被视为罕见的艺术珍品，从陶到瓷的创造成为世界文明飞跃的一个重大标志，中国古代的织造、缬染、刺绣和服饰工艺更是技艺精妙绝伦[5]。当代中国的工艺美术不但保持了原有品种的完整性，也随着科技文化、社会经济的不断进步而变革创新，既继承了其绝技与特艺，又注重科学研究，创新出丰富而具有时代审美气息的新品类。中国传统工艺美术以设计深厚的内涵思想、无穷的造型特色、鲜明的装饰风格和赋情寓意的手法，及一种美的升华形态孕育了中国现代产品形态的设计语意，并为其健康成长提供了丰富的养分。
2.2中国传统绘画
具有鲜明的民族形式、风格和极高的审美价值。“天人合一”的艺术精神，把人与自然、绘画与意境视为一个整体，抒发着超越时空的情怀。它的思想传达方式与设计艺术有异曲同工之妙[6]。中国传统绘画主要指传统中国画，它在世界艺术领域自成体系，具有独特的民族风格。中国绘画造型所用的线犹如流动的音符，构成了中国绘画艺术的鲜明特色，“随类赋彩”是中国画的设色要领，重彩和勾金给色彩带来了极强的装饰性，“墨即是色”道出了传统绘画对色彩认识和使用的玄机，各式皴法表现出对物象肌理的再认识与再创造。中国画把丰富的客观事物浓缩到用艺术手段所塑造的典型形象之中，通过联想和经验、感知和认识使受众获得美的特征和情趣，它反映了人们与自然界动植物之间的审美关系，将物质的对象与主观心理相融通，创造出一种新的生命和形象的载体。中国绘画与中国的设计艺术总是存在着一种相互渗透与互动的关系，共同创造了一个反映民族特征、传统品质与深厚文化内涵的完整艺术体系。拥有600年历史的传统工艺美术品——景泰蓝，见图1，又称“铜胎掐丝珐琅”，可谓国宝“京”粹。它造型各异，风格独特，技艺精湛，制作讲究，分瓶、碗、盘、尊、兽、罐、仿古制品等系列，是鉴赏收藏、馈赠友人、家居装饰品味较高的工艺品，更是中国绘画与中国的设计艺术完美结合。
3中国现代产品形态的审美传承
3.1民族文化精神的审美传承
民族是在历史上长期形成的具有共同语言、地域、经济生活以及表现为共同文化和共同心理素质的稳定共同体[7]。民族风格高度稳定地改变着人们的思想行为包括认知审美，成为一种世代相传的民族文化精神。现代产品的形态设计强调要体现产品的设计观念，不同地域、不同文化、不同时期背景下的设计师在感性设计过程中都具有先入为主的文化观念，民族文化精神直接影响着人们的感性认知和思考的标准，它在设计全球化趋势下渗透和传承着一个民族、一个地区群体根深蒂固的思维方式与审美习惯。“天人合一”的文化思想，把人与自然、艺术与意境视为一体，充满着与宇宙运动一脉相承的律动和神韵，抒发了超越时空的文化情怀，传播着宏大的民族文化精神。体现“天人合一”文化精神作品见图2，作品表现出造型之巧、俏、绝、雅的艺术特色。“巧”即为人之灵气、创意大胆、构思奇巧、加工技艺精巧、巧夺天工；“俏”为天之造化，充分利用造型材料天然俏色、纹理及质感，表现出逸趣天然的精神品质；“绝”为天人合一，使作品源于自然高于自然，源于生活而高于生活，具有强烈的艺术感染力和震撼力，是一件高度融合了中国“天人合一”文化精神的形态设计作品。
3.2工艺美术品格和民族元素的审美传承
民族传统是一个民族的文化精神，它表现在创造物中则形成共同的风格和心态。民族艺术和传统文化是包括现代产品形态设计在内的现代艺术的源泉，设计民族品格的形成与文学、艺术及建筑的民族风格密切相关，它们都是民族精神、传统、审美心理等文化背景的真实反映。现代产品形态设计批判地吸收了中国工艺美术和传统绘画中民族元素的美感，体现着深深的民族审美情愫和无穷的文化信息，以博大精深的审美法度、独特的形式美感、高超的技艺展示于世界[8]。因此，集精神、境界、风格和技艺于一体的中国工艺美术和传统的民俗元素已成为提升现代产品形态设计的文化内涵，传承技艺经验、开阔想象思维和设计创新的灵魂和活力，而现代产品形态设计更是成为在科学与技术的实践中反映人的感知和认识世界的一种文化现象。中国民族元素产品见图3，是一款具有浓郁的中国地域文化元素的产品形态设计实例，作品在视觉元素的设计上恰到好处地应用了我国的民族元素，具有很强的视觉感受力。
3.3设计伦理的审美传承
基于传统设计伦理的作用与影响，人们在审美过程中，不仅要对审美客体进行理智的分析与判断，而且偏重于主观领悟和直觉把握，成为与审美客体进行感情交流的体验者。中国人的审美强调“意”，所谓“意”就是审美对象的内在素质、审美对象的象征，相仿于模糊的中国美学原则，它类同于中国哲学中的“无”，不是没有，而是不好定义的意思。中国人认同的美是无法完全用比例、尺度之类的美学原则来概括，是需要意会而难以言传的。在现代产品形态设计中，不能完全照搬常规工艺美术的美学原则，应从设计个体的内在感受和心理体验入手进行设计，沿袭设计伦理之审美心理和审美特性，才能找到设计伦理传承之实质。在传承中国传统文化艺术的现代产品形态设计中，重视自然和朴素相得益彰的人机界面情感设计，重视产品与使用者的心灵沟通，力求达到产品与使用者能够情景交融，则成为设计伦理审美传承的最好诠释，它将在设计创新时以唤起使用者对民族文化精神的心灵共鸣，使设计更贴近中国人的审美倾向，使设计作品和谐统一，充满人性化和情感性。
3.4中国设计品位的审美传承
设计的品位是其品质、文化、艺术等诸多因素的一个总和。真正的优秀设计不但要具备先进的科学和发达的社会生产条件，还要有鲜明的本土文化与艺术审美精髓。具有中国设计品位的审美要立足于产品的造型美、材质美、装饰美、功能美和时代美，从本土传统文化的积淀中挖掘民族美的元素，并加以发扬光大，了解、传承和融合中国传统文化艺术，才能构成现代产品形态设计具有美感的客观内容。中国设计品位的审美作为一种社会意识，涉及到设计对象审美价值的审美认识、审美反映、审美判断或审美评价[9]。设计对象具有了审美价值，它才有传承和发展的必要，才能展示出伟大的中华人文精神。由此可见，现代产品形态设计要建立起审美传承的良好机制就要从审美的本质出发，抓住美是人的社会意识这一根本点，探究设计客观存在的审美价值及设计品位的审美传承要义，将传统文化与当代时尚元素相融合，从当代我国民众的审美心理特性和审美精神中寻找最佳的传承点。第一届“为坐而设计”大赛部分获奖作品见图4，作品传承和吸收了中国传统元素，在形态意义的确立、造型材料及工艺的选择、色彩的搭配等诸方面构思巧妙，既美观又节省空间，是传承鲜明中国品位的优秀设计作品案例。
工艺美术运动风格的特征范文5
西方手工艺术运动当代主导思想总的来说可以概括为“工艺即艺术”一词,这个名词指涉后现代时期工艺材料被提升为艺术,以及某些设计家的地位晋升为艺术家。作为西方当代艺术多元化的一支,西方当代手工艺运动是在艺术与设计的双重背景下发展起来。在艺术发展方面,20世纪当代艺术进一步发展,1917年杜尚的小便池和自行车轮等现成品雕塑在挑战艺术概念的同时,也将艺术发展引向观念艺术的方向,这就使得艺术脱离工艺与材料的束缚而与手工艺渐行渐远。在设计发展方面,随着包豪斯的进一步发展,工业设计的威望与日俱增,这使得设计与手工技艺的观念也进一步分离。这样一个设计和艺术与手工艺分离的情景并不是手工艺衰落的表征,而是艺术与手工艺运动再次兴起的前奏。随着人类的生活环境被工业生产的庸俗工业复制品所占据和破坏,概念艺术以来的艺术面貌越发地让观众感觉到艺术的自大与空洞。这种情形下,在上个世纪50年代的美国,人们对于实际技巧塑造视觉形象的渴望促成了艺术与手工艺运动的再次兴起。这种脱离功能性的创作最早出现于20世纪50年代美国加州的陶艺家,进而启发了60与70年代从事玻璃与金属的创作者。
随着经济全球化时代的到来,人类的文化成果也已前所未有的速度在不同文化区域传递着。上世纪70年代末80年代初中国开始改革开放,西方当代艺术与手工艺运动作为多元化艺术现象的一部分传到了中国。
中国的手工艺的复兴就同时具备“工艺美术运动”和“西方当代手工艺术运动”的特征。就是说中国当代手工艺的复兴一方面反对工业化的粗制滥造,另一方面反对当代艺术的空洞以及现代工业设计的大批量复制。笔者认为只有从中国具体问题着手才有可能找到解决问题的方式。同时这些问题也构成了中国当代手工艺复兴的起点。
中国当代手工艺的复兴主要面临两个问题。首先,手工艺的市场逐渐萎缩。之后中国打开国门,大批量价格低廉的工业机械化生产的生活用品涌入中国,实用手工艺也迅速失去了其原有的市场。另一方面,随着的结束,手工艺也失去了封建皇室贵族对于手工艺的需求。就这样手工艺的市场逐渐缩小。只有高档手工艺品以仿古的形式一直延续到当代。
其次、手工艺的创作观念落后于时代,一直延续清代风格。诸葛铠先生归纳了三个原因我认为比较贴切。一是以父子师徒世代相继的传承方式,使技艺和风格逐渐走向程式化,一时难以扭转。二是近代文化转型的不平衡性,使传统手工艺无法迅速与时代靠拢。(这种不平衡性就是近代社会上出现的古今混杂、中西并举的现象)。三是高居于现实生活之上的高档工艺品,本来就是用以升值的藏品和,以仿古为上品,自然可以无视社会变革。
中国近代手工艺所面临的问题逐步发展延续的同时,中国当代手工艺复兴的条件也在逐渐形成,
首先,中国当代手工艺的复兴离不开近代以来工业的持续发展。笔者认为工业与手工艺的关系并不是像第一次艺术与手工艺运动所宣扬的那样对立,也不似现代手工艺工厂生产所“标明”的统一。二者应该对立的部分是手工艺中体现手工语言的那一部分,这一部分是制作者的思想感情通过手工工艺直接作用于材料,而形成机械制品无法表达的那一部分内容。
其次,由于工业的迅速发展,在中国也形成了人性的回归带来的手工艺需求。自上世纪80年代初中期开始,人们在吃穿的基本需求得到初步满足之后,消费需求开始转向了用的领域。随着人们对于生活质量要求的不断提高,在工业社会内部造就了一大批厌恶工业制品的手工艺簇拥者。
第三个条件是艺术多元化,打破了人们思想上的限制,
艺术表现形式开始逐渐丰富起来,以此为背景,新工艺观念开始兴起。在上个世纪70年代末中国的改革开放正式开始的时候,也正是西方70年代的“多元主义复兴之时,它助长了后现代主义自身树冠状结构的蓬勃分杈,它包括:贫穷艺术、观念艺术、工艺即艺术、地景艺术等等”的时期,各种艺术观念也从此传入中国。此后,懂得历史且善于反思的中国人一定比较容易理解“多元”的意义,不再教条地把写实主义作为评价艺术的标准。人们对于艺术也更加宽容,这种思想方面的解放为当代艺术形式的探索奠定了基础。
第四、中国传统工艺美术理论研究逐渐展开并取得了一些成果。笔者认为张道一先生“工艺美术综合之美”的提出是针对中国工艺美术历史研究中的纯艺术和纯设计倾向开出的一剂良药,从而把工艺美术概念放在学术研究中比较正确的位置。
第五、现代工艺教育为中国手工艺的复兴提供了新的基础。就在中国手工艺复兴条件逐渐形成与完善的同时,当代工艺美术创作实践与教学的探索也在逐步开展。在工艺即艺术的理念传入中国之后,高等艺术院校成为新观念的传播者,而陶艺成为中国当代手工艺术的先锋,就像白明说的“中国现代陶艺的发展严格来说是起源于70年代末和80年代初,中央工艺美院、景德镇陶瓷学院及广东陶瓷产区等院校和地区是这种风格的最早实践者和推动者”。这种新艺术观念首先在陶艺领域开始,笔者认为其原因应该有两个,首先,陶艺在中国具有雄厚的文化底蕴和工艺基础。其次,陶瓷工艺是传统工艺美术中相对比较容易上手,作品生成效率比较高的一种,从而进行艺术表达时也更直接。
工艺美术运动风格的特征范文6
美术 感悟美术 美术学习
一、美术教学首先要感知美术
美术，指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术。一般指除了建筑艺术之外的造型艺术的通称。“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。近代日本以汉字意译，“五四”运动前后传入中国，开始普遍应用。也称“造型艺术”。按照目的可分为两大类，即：纯美术和工艺美术两类。
美术也称造型艺术或视觉艺术。它是利用一定的物质材料，通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉形象的艺术。是以一定的物质材料，塑造可视的平面或立体形象，以反映客观世界和表达对客观世界的感受的一种艺术形式，因此，美术又称之为“造型艺术”“空间艺术”。
二、分类
在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。它主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。
1.绘画
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、色彩和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、壁画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。在工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。在表现方法上，传统的油画家采用焦点透视法作画。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界。
2.雕塑
雕塑是用可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象、以表达思想感情的一种艺术形式。雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从表现形式来分，雕塑可分为圆雕、浮雕。圆雕是不附在任何背景上，可从四面八方观赏的立体雕塑。浮雕是在平面上雕出凸起的艺术形象，表现手法借助于体积和结构等。
雕塑的产生和发展与人类的生产活动 紧密相联，同时又受各个时代宗教 、哲学等社会意识形态的直接影响。中国陕西何家湾和辽宁凌源、建平等地发现的5000～6000年前新石器时代的石雕、骨雕、人像和女神彩塑头像等，反映了人类对自然力的崇拜和对动物的崇拜以及认识人本身、认识世界的过程。
3.工艺美术
工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后，使之具有强烈的审美价值的产品。我们一般把工艺美术分为实用工艺美术和陈设欣赏的工艺美术。实用工艺美术是整个工艺美术的主体和基础，包括衣、食、化、行、用的工艺品类，实用价值是这类工艺品的主要价值，审美价值是作为辅助价值存在的。这类工艺品包括经过装饰加工的茶餐具、灯具、木器家具、绣花制品、草竹编织品等等。陈设欣赏工艺品是指那些以摆设、观赏功能为主的工艺品，这类工艺品以审美为其首要价值，手工技艺性很强，实用价值已不明显或完全消失，如玉器、金银首饰、象牙雕刻、景泰蓝、漆器、壁挂、陶艺等。
三、建筑艺术
建筑艺术是指按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。以其功能性特点为标准，建筑艺术可分为纪念性建筑、宫殿陵墓建筑、宗教建筑、住宅建筑、园林建筑、生产建筑等类型。 从总体来说，建筑艺术与工艺美术一样，也是一种实用性与审美性相结合的艺术。建筑的本质是人类建造以供居住和活动的生活场所，所以，实用性是建筑的首要功能；只是随着人类实践的发展，物质技术的进步，建筑越来越具有审美价值。
如何巧妙地学习美术，笔者认为要从如下几个方面入手：
首先，要有科学的学习方法和良好的心理素质 。学习美术的过程中，有的同学作画非常刻苦、勤奋，但是技能并没有达到提高，至是在现有的水平上，原地踏步。这往往就是学生学习美术的思路和方法不对。从表面上看，他们老老实实，勤勤恳恳，没有做到及时的总结，没有去看到自己的画为什么没有得到提高，只是手法上的熟练，在这样的情况下怎能取得好的学习效果呢？那么我们就应该做到多动手，多动脑，实战经验结合理论知识，每次作画后都要认真的分析，自己的不足与优势，尽量少走弯路，达到学习的最高效率。
其次，要针对性地去学习。知己知彼，才能百战不殆。就是要求我们首先要弄清自己的学习状况，存在哪方面的问题，针对性地去克服与解决。比如，有的同学技法比较熟练，但是色调的搭配上不是很好，也有的人色彩搭配很合理，但是手法不纯属，因此做不出完美的作品。
