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对工艺美术的看法范文1
【关键词】传统工艺美术 现代设计 区别 共性
传统工艺美术是我国劳动人民为了满足自己的精神需求和物质需求，在不同的历史时期用自身的工艺技术对各种不同物质材料进行加工，所创造出来的人工造物的统称。传统工艺是我国民族造型艺术史上重要一部分，不仅具有工艺美术的本质特征，还向外界展示了中华民族所具有的鲜明特色。工艺美术在形式和内涵上始终保持着审美价值和使用价值于一身，其高超的工艺技术、鲜明的特色风格、丰富多样的艺术形式，为我国民族文化发展谱写了灿烂的徽章。
现代设计是指工业革命以后，具有审美性和功能性的设计活动。现代设计的最终目标就是设计出审美性与功能性于一身的设计作品。人类史上的设计发展可以追溯到制造出的第一件产品。但是现代设计真正开始是在工业革命之后，新文化、新思想的出现，推动着现代设计的蓬勃发展。荷兰风格派运动、构成主义运动以及包豪斯设计学院的设计运动等，都是推动现代设计产生的有利源泉。
中国传统工艺美术与现代设计之间既有区别又有共性。中国传统的工艺美术有着5000多年的悠久历史，吸收了传统文化中的内涵与精髓。而现代设计的产生更多地受到工业革命以后新思想和新文化的带动，体现的是新时代的精神与文化。现代设计离不开传统工艺文化，传统工艺文化业需要现代设计理论支撑。本文主要从传统工艺美术与现代设计之间的关系进行深入分析，论述了二者之间的关系以及如何处理好二者之间的关系。
一、传统工艺美术与现代设计之间的区别与共性
从传统工艺美术与现代设计的区别来看，首先，中国传统工艺美术注重的是功能美，而现代设计则注重技艺美；传统工艺美术主要针对的是手工艺制品，现代设计主要针对的是工艺产品；传统工艺美术体现的事人文思想，现代艺术设计体现的设计理念。如果说传统工艺美术是艺术与技术的融合，那么现代设计就是艺术与科学的结合。其次，传统工艺美术的内容囊括了服装、染织、装潢、陶艺等工艺，而现代设计囊括了工业设计、平面广告设计、室内设计、包装设计等。再次，传统工艺美术针对的是一些手工艺制品，而现代设计生产的是工业产品。前者传达的是人文思想，后者传达的是现代设计理念。
从传统工艺美术与现代设计的共性来看，首先，无论是传统工艺美术还是现代设计，二者在平面构成上有一致的形式法则。例如对比、夸张、象征等，这些都是二者平面构成上的基本理念。其次，二者在色彩构成方面也有着很大的相似，都遵循色调、透明度、纯度、色彩混合、色彩冷暖等用色规律进行，内容的研究和作品的用色都保持一致。再次，中国传统工艺美术中的技艺手法与现代设计中的立体构成设计手法，都是在研究三维空间中如何进行立体造型的。二者都是按照一定的造型原则赋予立体形态的美感，都是将一个形体分割成组合形体抑或将组合形体分割成单个形体。我们知道，任何一种物质形态都可以还原到点、线、面。相反，点、线、面又可以组合成任何形体。
二、如何处理传统工艺美术与现代设计的关系
传统工艺美术与现代设计是相互存在、相互促进的，二者既有区别又有共性，正确处理好二者之间的关系，对我们发扬传统工艺美术以及当代设计发展有着非常重要的意义。
当代设计发展要立足于现代设计基础之上，同时更要加强对传统工艺美术文化的传承和保护。应将悠久的传统文化内涵与现代生活方式、审美观念融合起来，推陈出新、贯穿古今。传统的工艺美术史历史文化的积淀，是取之不尽用之不竭的文化宝库，能够提高我们的修养开阔我们的视野，同时也为现代设计发展提供了丰富的创造源泉。
现代设计是工业革命之后产生的，带有浓厚的西方观念思想，这往往会对传统的工艺美术带来一种冲击。有人认为艺术设计就应该需要脱离传统的工艺美术，这是一种偏颇的观点和看法。现代设计在设计的过程中，会受到人为的思想和情感的影响，需要设计者运用一定的思维创造能力进行分析和设计，并将自身的设计理念和内心的情感驾驭到设计作品之上，体现现代设计的发展走向。现代艺术设计的发展并不是对传统工艺美术的否定，而传统工艺美术的文化思想也不会因为现代设计的产生而消亡。相反，二者正在逐渐走向共同发展的道路。张道一先生就曾说过：“有人将传统工艺与现代设计对立起来，评定是非，我看是不必的。”当我们清楚地认识到传统工艺美术与现代设计之间的关系以后，我们自然而然就不会将二者进行对立，评定它们之间的是非，而是应该将传统工艺美术与现代设计合理的融合起来。传统工艺美术需要现代设计带动，现代设计则需要吸收传统工艺美术的精髓，科学、合理的认清楚二者之间的区别于共性，这将有助于我们更好地发扬传统工艺美术、发展现代设计。
结语
纵观所述，传统工艺美术需要现代设计理念的支撑，而现代设计业需要传统工艺美术文化的熏陶。当代设计应该充分体会到传统工艺美术以人为本的内涵，吸收5000多年传统文化的精髓，将传统文化中的功能美和装饰美融入到当代艺术设计中，使我们的设计作品更加能够突出文化艺术气息。
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对工艺美术的看法范文2
66岁的张同禄，是中国工艺美术大师、景泰蓝非物质文化遗产第一传承人。在古玩市场上，他关注的主要品种正是景泰蓝。和其他淘宝者不一样，赝品才是他的主要揣摩对象。有一个问题困扰这位大师已经很久了：为什么珍品少人问津，赝品反而有人趋之若鹜？
民族绝品命运跌宕
景泰蓝，又名“铜胎掐丝珐琅”，是北京著名的传统工艺品，因为其釉色主调发蓝且在明朝景泰年间盛行，故得名。对于景泰蓝的美，仅存于世的两位景泰蓝国家级非物质文化遗产代表性传承人之一钱美华描述称：“完美，绝妙，无法言传。”
张同禄告诉记者，景泰蓝在明朝宣德年间工艺趋于成熟，此后在明清两朝一直是皇宫御用贡品，只有皇室才有权使用和收藏景泰蓝制品。清朝后期，珐琅工艺开始衰落，直到以后，具有鲜明民族风格的景泰蓝受到西方的欢迎，此后民间景泰蓝生产快速发展起来，并且迎来了又一个发展高峰。
民国初年，景泰蓝参加巴拿马万国博览会和芝加哥万国博览会都获得了金奖，这进一步增加了海外需求。民国年间，仅当时较有名气的“老天利”一家制作工厂，雇工就达350人，全行业的从业人员超过3000人。
在解放初期，由于多年的战乱和经济衰退，景泰蓝的发展也到了最低谷。当时北京有大小景泰蓝作坊200余家，大的不过二三十人，小的只有两三人，从业人员不足千人，整个行业处于萎缩状态。政府采取了抢救、保护和扶持的政策，发放贷款、订货、收购，使行业得到了迅速的恢复和发展。
景泰蓝在1975～1980年迎来了一个井喷式的发展。当时由于大量国家与中国建交，中国一方面需要向频繁来访的各国代表团赠送礼品，另外也需要能够换取外汇的货物。这个时候，包括景泰蓝在内的整个北京工艺美术行业从业人员超过3万人。
但随后的形势急转直下，在上世纪90年代后期，由于各种原因，中国工艺美术品的海外订单急剧下滑。到了1998年，北京工艺美术厂已经由鼎盛时期的4000人下降到不足300人。
2004年12月，北京工艺美术厂由于资不抵债(债务4000万元)，被北京西城区法院裁定破产，走完了46年的历程。由于北京工艺美术厂是工艺美术“四大名旦”――景泰蓝、玉器、雕漆和牙雕的集大成者，这个企业的倒闭，也标志着一个行业的危机的来临。
“原先北京工艺美术厂有1500多名职工，其中有四五百人是从事景泰蓝生产的，厂子破产后，能继续从事这个行业的只有十几个人，剩下的只有另谋出路，去扫马路或者卖白菜，也有的远赴外地‘打工’。”张同禄说。
据不完全统计，北京现存的工美大师和制作大师，已经由解放初的1600人减少到不足100人，曾经以“燕京八绝”为骄傲的北京工艺美术行业正在快速萎缩，其中濒临失传的宫廷艺术门类有17个，已经失传的有15个。
“中国传统工艺美术行业正面临一场生与死的考验。”一位专家痛心地表示。
市场化：工美行业的挽歌？
对于景泰蓝、北京工艺美术厂乃至整个工艺美术行业的衰落原因，业界一直有不同的看法。
其中一种说法是对景泰蓝的知识产权缺乏保护。在上世纪七八十年代，日本的竞争对手通过参观和“挖人”，将大部分的工序工艺甚至各种必须用到的独特原材料的选取，都学过去了，由此掌握了景泰蓝的制作工艺，并且通过价格战将中国的海外客户拉走。
但是张同禄对此种看法并不认同。在他和茅子芳等大师看来，将多年受到政府保护的特殊传统工艺美术行业一下子置于市场化的环境，是导致景泰蓝乃至整个北京工艺美术厂陷入衰退的主要原因。
张同禄从1958年进入北京工艺美术厂，曾经担任副厂长兼总工艺师，一直到2004年工厂破产，整整待了46年。他回忆，上世纪80年代初期，由于景泰蓝的需求量大幅上升，北京工艺美术厂这样的大厂接下来的订单做不过来，加上当时国家对乡镇企业的扶持政策，大量的订单被转给加工点。所谓的“加工点”，是指在北京郊区乡镇设立的工艺美术小厂。
最初这样做并没有带来太大的问题。一方面，为了保证质量，当时北京工艺美术厂这样的大厂会派出技术人员到加工点进行指导监督；另外一方面，由于当时对外出口贸易的权限并没有放开，这些加工点和大厂是合作的关系，加工点生产的景泰蓝必须销售给北京工艺美术进出口公司。
张同禄回忆说，由于出口渠道单一，当时对出口产品的质量检查也比较严格，但是随着对外贸易渠道的放开，这些加工点与大厂直接形成了竞争关系，开始以价格战来争取订单，由此也拉低了产品质量。“就是这些加工点把我们毁了，也把中国景泰蓝的名声毁了。”张同禄表示。
1989年，张同禄随团访问德国，德国商抱怨，中国景泰蓝在温度不是很高的灯光下也会出现“流水”的现象。张同禄一开始不信，拿过来一看，原来加工点生产的景泰蓝，在点蓝工序因为工艺水平低而导致釉面开裂，然后又用蜡抹平了裂痕。温度一高，蜡就化了。
北京工艺美术厂这样的国有大厂，为什么打不赢价格战？张同禄解释，“因为加工点不交税，没有场地租金成本，工人工资也低。”这样一来，在传统一般竞争性领域内，市场化导致生产效率提高、产品质量上升而价格下降的现象，在景泰蓝这个行业完全失效了。
“艺术品是一个特殊的行业，产品质量的好坏普通客户无法分辨。”张同禄说，景泰蓝之所以珍贵，首先与其生产制作工艺极度奢靡、繁复有关。可以说，像景泰蓝、玉雕、牙雕、雕漆这样的东西，之所以在中国成就了百年风光，和中国人对手艺极尽精致、不厌其烦，非要达到炉火纯青、登峰造极不可的心态有关。加工点不管这一套，自然能以低成本、低价格打开市场。
保护国宝刻不容缓
北京工艺美术行业的衰落，还被归咎为管理的混乱和政策的失误。改革开放后，有一段时间提倡“船小好掉头”，北京工艺美术厂被一分为六；后来又提倡“船大抗风浪”，又被合六为一，“由一个厂变成6个厂容易，因为加官容易；由6个厂变成一个厂难，因为减官不容易。”张同禄说。
1999年，在“让民间艺术回到民间去”的提法下，北京大大小小的工艺美术厂纷纷划拨至各区进行属地管理。而这些都有五六十年历史的“世纪老厂”，位置都处于二环之内及二环三环之间的黄金(195.00,-3.08,-1.55%,吧)地段，“匹夫无罪，怀璧其罪”，大小工艺美术厂无奈纷纷破产，厂址地皮被卖掉，用来发展房地产。
对于作为国家非物质文化遗产的景泰蓝工艺，张同禄很担心后继无人。景泰蓝的全部工序加起来有上百道，光学下来就要花上数年时间。而在目前这样一种不景气情况下，没有年轻人愿意学。眼下北京整个景泰蓝行业的从业人员年龄都已有50多岁，总人数不过数十人而已。
“关键还是要政府的支持。”张同禄认为，景泰蓝在解放后能够迅速恢复，与当时国家将老艺人集中起来成立合作社进而成立工厂，对这些传统工艺美术技艺进行保护有关。
张同禄还认为，日本的例子可以借鉴。日本具备一种与景泰蓝相似的工艺美术品种――七宝烧，烧是日语中陶瓷的意思。对待七宝烧的特级工艺大师，日本政府给予“国宝”待遇，他们的作品由国家收藏，家人也由国家供养。
对工艺美术的看法范文3
关键词：工艺美术；现代茶馆；装饰设计；应用策略；茶文化
中国茶文化不仅仅讲究内涵、价值、理念、修行、哲学这些精神层面的东西，还十分注重器物、形式等方面的内容建设。长期以来，我国茶文化本身带有的“东方闲情逸致”色彩以其“内敛质朴”的审美想象力，在世界上扮演着独具特色的文化形象，给国外的受众提供了独特的心理体验，尤其是近些年来兴起的茶文化旅游更是将我国茶文化的审美智慧展现得淋漓尽致。作为茶文化在形式层面的一种集中展现，现代茶馆融合了传统的装饰设计元素和现代工艺美术的诸多理念，给生活节奏较快的现代人提供了一个重要的消遣场所。从我国较为知名的老舍茶馆、杭州西湖茶馆等内部装饰设计来看，巧妙地将古今中外的工艺美术理念和元素应用到茶馆中是提升茶馆消费档次、文化底蕴、审美体验的重要方式。作为一种改善人们生活情趣和环境造型的艺术，工艺美术的诸多内涵和外延都可以在现代茶馆的装饰设计中进行大胆的尝试应用，从而提升茶馆的文化软实力。
1工艺美术应用于现代茶馆装饰设计的必要性
现代茶馆的兴起是城市化、工业化、国际化、商业化等趋势综合交叉的产物，常见的类型比如有茶艺馆、商务茶楼等，其基本的功能在于社会交际和商务洽谈等。现代茶馆设计相较于传统的茶馆设计最为本质的特点之一就是讲究“市场细分”和“文化享受”，是一种内嵌于现代生活的消遣场所。将工艺美术相关理念和元素应用到现代茶馆的装饰设计中具有很强的必要性：
1.1现代茶馆的人文关怀属性薄弱
我国茶馆在古代一般也被称为茶坊、茶肆、茶楼、茶摊、茶社、茶屋等，最早可以追溯到西晋时期，我国古代茶馆的整体特点是讲究喝茶消遣但不过分突出精神享受，只注重满足人们对于饮食的需求，水平档次层次较低等。大概从20世纪80年代开始，现代意义上的茶馆开始兴起，茶馆的风格定位主要是服务于现代都市人的物质需求和交往需求，融合了古代风格和现代风格两种基调。在茶馆的功能方面，现代茶馆主要是定位于发展茶业产业、促进茶文化交流等，因此对于茶馆的“文化软实力”之塑造来讲，需要在人文精神、传统文化、工艺美术等方面开展突破，给现代人提供一种文化家园的存在感。
1.2跨文化交际时代的文化自信力彰显
在我国茶文化的延续中，20世纪中后期现代茶馆的产生整体上与我国改革开放的进程相适应，在城市化、工业化、人口迁徙、国际化等浪潮的簇拥下，现代茶馆成为一种跨文化交际的产物和场所，很大程度上成为与“咖啡馆”、“酒吧”等西方文明分庭抗礼的一种中国文化软实力。对于当前阶段的茶馆经营、茶馆营销来讲，在一个跨文化交际的环境下巧妙地运用传统工艺美术的元素增强茶馆的吸引力和市场号召力，从心理层面给国人注入文化自信和文化自觉既是一种茶产业的突围行为，又是一种文化消费的升级行为。
1.3现代茶馆美学营销的必然要求
现代茶馆在精神层面上承载着传统茶文化的道德伟力，同时又融合进了时代的精神面貌，是一个集合茶叶消费、茶文化享受、社会交际的综合体。现代美学营销理论认为，在后消费社会时代，消费者更加关心的是内心的体验和舒适度、精神的享受和审美的开展，而不仅仅关心茶馆的茶水与服务等内容。从这一点来讲，当代茶馆的装饰设计本质上服务于茶馆营销，而借由茶馆装饰设计开展的营销实际上就是美学营销，一种“不依赖文字的沟通方式———感觉沟通，从感官、产品和价格的体验上升到一种美好感觉的沟通方式”，在这种沟通方式中消费者不仅仅可以消费茶水和服务，还可以消费文化氛围，追求生活的美感。
2工艺美术在现代茶馆装饰设计应用的基本原则
工艺美术是工艺美学的衍生产物，整体上来看主要是被应用于各种民俗场所和生活世界、工艺品设计等方面，无论哪个国家的工艺美术在寻求作品设计的时候主要的着眼点有两个：一是追求产品的物质实用性；二是寻求产品的审美导向性。大胆、创新、创造性地将工艺美术运用到现代茶馆装饰设计中应当至少遵循这样几个原则：
2.1市场细分原则
现代茶馆依据不同的划分标准，比如说地域、性质、功能等可以划分为不同的类型，不同类型的茶馆遵循的艺术设计理念、艺术氛围、消费档次、定位的消费者群体等又有差异，在这个意义上讲现代茶馆是基于市场经济和消费档次等进行科学布局、市场细分的产物，区别于传统茶馆那种“大杂烩”的感官形象。因此，工艺美学的应用不是简单粗暴地将传统工艺美学元素或者当代工艺美术元素进行简单的移植，而是要服务于主要消费者的审美想象需求。
2.2实用性和审美性并重的原则
现代茶馆在市场细分的基础上产生了一些明显的分化，高档茶楼的优雅精致和大众化茶馆的质朴淡泊形成了风格上的对比，但是无论何种类型的茶馆在布局工艺美术元素时要坚持做到审美性和实用性相结合的原则，因为工艺美学整体上偏向于审美和精神文化的氛围营造，对于讲究实用化、市场化和商业化运作的现代茶馆来讲，过度的美学营造不仅有可能会损害茶馆的营销，还可能会在艺术审美上形成令现代人反感的效果。古今中外工艺美学、工艺美术的产生和发展，都是在围绕着实用性和审美性不断地创新的过程中实现突破的，从人类早期的石刻、壁画到后期的书法、玉雕、国画等无不都是人们追求实用基础上的审美之产物，当然这种审美也不是抽象的审美，而是在具体的生活实践、生活实际的基础上进行创作的。
3工艺美术在现代茶馆装饰设计中的应用策略分析
在激烈的市场竞争和茶文化的明显分化、茶馆市场细分的趋势下，当前的现代茶馆在装饰设计上呈现出诸如视觉化趋势、功能分化趋势、人文化趋势等。将工艺美术的相关内容引入到茶馆装饰设计中可以有效为现代茶楼注入和谐的审美立场和提升其文化软实力。工艺美术在现代茶馆装饰设计中的应用策略主要可以从以下三点展开：
3.1色彩应用策略
工艺美学最直观、最形象的元素在于其色彩部分，也可以说色彩美就是整个工艺美中最具直观效果的一种美。我国传统的茶馆装饰设计并不讲究对色彩的特殊调度和运用，只是将茶馆作为一种世俗的消遣之地。我们认为，现代茶馆的文化乡愁气息最为重要的表现力就在于茶馆装饰设计的色彩调度。对此，基于市场细分和茶馆功能布局的综合考量，可以尝试“主色彩基调”+“分情境色彩”的工艺美术思想理念，即在整体茶馆色彩基调的前提下，根据不同的茶馆功能区域分布和茶馆定位、茶叶的类型等实施不同的色彩调度策略。比如说，对于红茶茶馆来讲可以采取红色、橘红色、黄色等暖色调作为主基调，而在不同的茶馆房间和功能区域则根据不同的茶品类型和格局，灵活搭配翡翠绿、墨绿、宝石红、豇豆红等分项主题的颜色，给游客和消费者提供多种多样的文化氛围营造。
3.2家具陈设的应用策略
工艺美术归根到底是一种生活化的美学思想，它立足于生活世界才会绽放出美丽的花朵。当代茶馆中家具陈设的应用是最能体现出实用性和审美性相结合原则的一种策略。对此，我们可以学习借鉴晚清时期流行的将“雕漆描金”等制成漆家具的方式，在茶馆中布局古色古香、原生态的家具，一方面增加传统茶文化的存在感，另一方面给现代人提供一个舒适的就餐环境和品茶环境。常见的家具陈设主要包括桌子（比如方桌、炕桌、酒桌、供桌）、屏风、窗格、案、榻、架等。这些家具陈设通过发挥其物质性、实用性的功能，同时又基于其自身具有的造型艺术和古家具风格，给现代人提供了一个好休闲的去处，反过来促进了茶馆的营销。
3.3吉祥纹案应用策略
中国传统茶文化中蕴藏着丰富的吉祥纹案图式，集中代表着我国古代劳动人民在长期的生活实践中形成的生活智慧，同时在国际上也形成了一个关于中国传统吉祥文案的“流行风”。我国古代的工艺美术典籍如《考工记》、《古玉图谱》、《蜀锦谱》等在分析古代的工艺美术时都十分推崇吉祥纹案的应用策略。作为现代人情感体验的一种回应，我国古代的吉祥纹案运用到茶馆的装饰设计中可以增加茶馆的人文情怀。比如可以在茶馆的醒目位置将诸如梅兰竹菊、书法图画、篆刻艺术、松鹤延年、传统风雨纹样等吉祥图案悬挂其上，增加茶馆的吉祥氛围和喜庆休闲氛围。同时，尤为重要的是要把握好茶馆的整体艺术风格，即便是在应用工艺美术思想方面也要把握好主体指导思想，不能在主导的装饰设计风格上形成不中不西、古今格格不入的艺术效果。
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对工艺美术的看法范文4
关键词：拉斯金；工艺美术；景德镇；陶瓷；市场
一、引言
陶瓷，在景德镇充当着重要的角色。它引领着景德镇从中国走向了世界，并逐步成为世界的陶瓷中心。然而，随着时代的发展，景德镇的陶瓷创作及市场，面临中国广东等地的仿制及国外陶艺家的冲击。现代化的今天如何继续巩固景德镇的瓷都地位，是景德镇迫在眉睫的问题。英国的理论学家约翰•拉斯金，虽未曾直接提出中国陶艺建设的问题，但是他的注重设计的实用性、设计是为多数人服务等一系列思想，不仅仅推动了英国的“工艺美术”运动的发展，同时对于当下景德镇的陶瓷创作、市场发展等问题同样具有借鉴意义。
二、选题的背景和意义
当下，国内外关于拉斯金思想、“工艺美术”运动思想的专门论述的文献颇多，然结合中国陶艺的研究甚少。拉斯金作为“现代设计之父”莫里斯的思想榜样，其一系列的思想不仅仅对19世纪的英国造成了影响，而且对当下的中国的设计，仍旧有借鉴意义。
三、拉斯金的设计思想
1.拉斯金的设计思想与景德镇陶瓷的关系约翰•拉斯金（JohnRuskin,1819～1900），又译作约翰•罗斯金，英国19世纪的散文家、画家、艺术批评家、社会改革家。他一生著述涉及绘画、建筑、雕刻、政治经济学、文学以及宗教等领域。他的艺术设计思想不仅影响了维多利亚人的生活方式,而且影响了欧洲、美洲的工业设计,对当时以及后来的美学乃至社会思想都产生了极大的影响1。同时，他也是针对1851年伦敦世界博览会的建筑和展品尖锐地提出现代设计理论的最重要人物2。尽管拉斯金一生并未从事任何艺术活动，但是他影响到了欧洲各国的“工艺美术”运动。关于拉斯金的核心思想，王受之从强调设计的重要性等3五大方面进行了论述。首先，拉斯金把造型艺术称为“大艺术”，把设计称为“小艺术”。在拉斯金看来，社会中必须要造型和设计兼备，否则社会便是有缺陷的。这里的造型，如果运用到陶瓷中，可以理解为是陶瓷造型。设计，可以理解为是陶瓷的整体色调、风格、装饰方面的艺术。第二，强调设计的社会功能性，即设计是为多数人服务。拉斯金所处的时期为英国维多利亚时期，当时的一些设计主要是为了王室贵族服务。然而，拉斯金注意到了工人、市民的需要，强调设计要为多数人服务。景德镇批量生产陶瓷的现象，正体现了为多数人设计并服务的概念。第三，提出了现代设计发展方向的看法。其中，要向自然学习的设计思想，与景德镇的陶瓷设计的理念同样也是不谋而合。将自然界的泥土经过人类加工、美化变身成为“人造”器皿，实际上也是自然的一种转化。除此之外，陶瓷设计还趋于模仿自然的趋势。第四，提出了早期的功能主义设计原则立场。功能主义即设计的实用性。拉斯金反对“为形式而形式”，强调设计的实用性。陶瓷餐具、茶具、花器被广泛应用于人们的生活中。除此之外，熏炉等香道器、陶瓷家具，也成为实用陶瓷的代名词。至于陶瓷饰品，例如耳环、手链等小工艺品，一定程度上也将废弃的陶瓷边角料重新利用，属于陶瓷的再生，更是将其功能主义发挥的淋漓尽致。第五，工业化和批量生产是不可避免的生产手段。这一点，实际上和拉斯金强调的设计是为多数人服务的这一理念有异曲同工之处。拉斯金所强调的工业化对于景德镇陶瓷的发展的启示而言并不单指批量生产。陶瓷在加工过程中的重要步骤便是置于窑炉中烧制，而窑炉的温度控制、造型设计等问题是陶瓷设计在工业化发展环节中的不容忽视的问题。窑炉等陶瓷制作环节中的辅角色的革新，也将影响景德镇陶瓷创作的作品质量以及陶瓷市场的发展。除此之外，拉斯金还认为环境的好坏大大地影响设计者的产品。景德镇作为百年瓷都以其特有的陶瓷文化影响着世界。如今的景德镇城市建设却有待提高：狭窄的马路、繁杂的电动车，这些就像拉斯金在演讲中所描绘的英国一般：“庄稼只有长在房顶上，而交通只有靠在房顶上建高架桥，或者在工厂下面开通道。烟雾已经遮蔽了太阳,大家只有靠煤气照明。”4罗斯金所抨击的环境恶化、土地被厂矿侵占等许多问题正是景德镇当下所面临的问题。拉斯金说：“除非你给你们的设计者提供美好的环境，否则你会发现他们不可能创造出任何美。”5随着“景漂”的迁入，艺术家虽然可借助景德镇得天独厚的陶瓷原料资源进行创作，但是基础设施的不完善，直接影响着陶瓷创作者的创作和后期销售等问题。但是景德镇也并非环境恶劣之所，乐天陶社便是例子。或许是由于乐天陶社的存在，景德镇雕塑瓷厂转为以80、90后年轻人为主的陶瓷艺术文化聚集地。2.拉斯金的设计思想对景德镇陶瓷的启示拉斯金的思想，主要体现在他的一系列著述中。1849年出版的《建筑的七盏灯》（TheSevenLampsofArchitecture）中强调，建筑必须做到形式与功能的统一性6。拉斯金反对并厌恶浮夸的过度装饰，推崇哥特式风格，强调实用主义。虽然建筑设计看似和陶瓷设计并不相关，但是拉斯金的追求“实用”的思想，对于陶瓷的发展同样具有借鉴意义。景德镇市场上的陶瓷，多以茶具、餐具等日用陶瓷和瓷板画、陶瓷雕塑品等装饰陶瓷居多。然而，过度装饰的陶瓷器皿，例如勺子，原本陶瓷餐具的重量便远大于塑料、金属制作的餐具重量。笨重的手柄、狭小的勺口，无不显示着“过度装饰”的意味。1851—1853年，拉斯金发表了《威尼斯的石头》（TheStoneofVenice）。这一书籍的发表，建立了他强调手工艺水平、提倡发扬中世纪手工艺传统的理论立场7。随着工业技术的提高，陶瓷的绘制愈发倾向印花的状态，致使手绘陶瓷价格呈一路飙升的态势。然而也侧面印证了如今市场对于纯手工艺品的需求和美的追求。随着生活水平的提高，人们不再单纯的局限于享受器物所带来的功能性和实用性，在此基础上愈发注重器物的美感性。如何顺应市场需求，提高陶瓷的审美度，同样是景德镇陶瓷创造和市场运营应该注意的问题。“对于生产商，你不仅应该记住你的责任是形成市场，而且是供给市场。如果你眼光短浅，只追求眼前利益,迎合大众的眼前需要。用离奇古怪、哗众取宠来吸引大众的注意力，使每一件产品都变成广告，偷窃别人的成果，暗中模仿，那么，你就不可能再出任何好的设计，你再也不可能看到好的设计。”8当下，景德镇陶瓷市场为何会受到德化等地陶瓷市场的冲击？很大程度上是因为景德镇有待创新。
四、“工艺美术”运动对景德镇陶瓷市场的启示
1.“工艺美术”运动的思想拉斯金的相关思想，促生了英国第一个设计运动“工艺美术”运动的产生，即19世纪下半叶，以拉斯金思想为指导，以工业化发展为背景，由一小批英国和美国的建筑家和艺术家为了抵制工业化对传统建筑、传统手工艺的威胁，为了复兴中世纪手工艺风气、通过产品体现民主思想而发起的一个具有试验性质的设计运动。主要代表人物是艺术家、诗人威廉•莫里斯（WilliamMorris）9。莫里斯继承了拉斯金的思想，并在手工艺、市场、设计中加以运用。“工艺美术”运动主张设计的真实、诚挚，形式与功能的统一，主张设计装饰上从自然形态吸取营养。他们的设计主要集中在建筑、产品设计等。他们一方面反对机器美学，主张手工艺传统；另外一方面则主张为少数人设计少数的产品（“theworkofafewforthefew”）。这个运动大约开始于1864年前后，即莫里斯成立自己的设计事务所时期，结束于20世纪初年。同时，它的影响遍及欧洲各国，促使了另一场设计运动——新艺术运动（ArtNouveau）的产生10。英国“工艺美术”运动主要由几个号称“行会”的设计公司组成。从设计内容来看，可分为:家具设计、建筑与室内设计、日用陶瓷设计等。其中，日用陶瓷以克里斯多夫.德莱赛，威廉.穆克罗夫特（WilliamMoorcroft），查尔斯.科克斯（CharlesCox）等为代表11。同拉斯金所强调的减少装饰、突出实用的主张一样，“工艺美术”运动中的设计作品，均以功能性为设计的首要考虑原则，强调就地取材和尽量控制使用装饰。2.“工艺美术”运动思想在景德镇陶瓷市场中的运用“工艺美术”运动继承了拉斯金的思想，并且由莫里斯发扬。景德镇陶瓷的创造和发展，在注重创新的基础上，也要保证传统的继承。同拉斯金和莫里斯强调继承中世纪手工艺传统一样，景德镇也要注重对本土文化的保护。景德镇雕塑瓷厂的主体部分是陶瓷商店，其余部分是大大小小的作坊。其都主要由原来的雕塑瓷厂的老工匠组成。江师傅（女）现今已60多岁，一直从事于陶塑上色的工作。成批量的陶瓷侍女塑像的上色需通过手绘完成。景德镇有大批如同江师傅一般的数十年如一日从事同一工序的手工艺人，也有不断涌入的美术类院校师生、国内外陶艺创作的人员。但是，人们似乎将目光更多的放在了所谓的“现代陶艺”身上，却不自觉的忽略了本该保存的景德镇本土手工艺文化。这一点，值得我们深思。
五、结语
本文主要以拉斯金的核心思想和“工艺美术”运动的思想为指导，力求通过对其思想的分析，结合景德镇陶瓷创作、陶瓷市场发展的现状，简述了其之间存在的关系。拉斯金强调的设计的重要性、设计为大多数人服务、设计要取法于自然、设计要注重实用性（减少装饰）、设计要注重结合工业化发展、环境对艺术创作有影响的思想，不仅仅影响了英国的“工艺美术”运动和莫里斯本人，同时，其思想也对景德镇的发展有指导性意义。注重保护景德镇传统手工艺文化，革新陶瓷造型和技术，也是景德镇发展应该注意的问题。
参考文献：
[1]刘须明、凌继尧.从约翰.罗斯金的一次演讲观其艺术思想的现代意义[J].东南大学学报（哲学社会科学版），2005-09-20.
对工艺美术的看法范文5
“艺术源于生活”是大家共识的道理，设计根植于生活并改变着生活，这也是艺术设计走到今天有目共睹的事实。达·芬奇在他的自然书目手稿里写道：“你是否了解自然界有多少种动物、多少种树木、多少种花草，有多少种泉水、河流、建筑物和城市，有多少种人类使用的工具，有多少种服饰、饰物和工艺品？任何一位名副其实的绘画大师都应有能力热情而优美地绘画出所有这一切。”师承自然并感悟其本质，表达自然的美介于客观与主观的认知中。
中国传统文化精神的主体是由哲学和文学承载的，它涉及到中国人的生活态度，审美精神，人生理想，这都和西方人有很大区别。我们的传统绘画是以“传神”为标准的对客体对象的描绘，注重 “意”的表达而非形的描摹，强调创作主体的主观意识。这与中国人文思想上对“心”的强调有着深刻联系。这也印证了中国人的哲学思想与人文素养。《易经·系辞》中提到:“在天成象，在地成形，变化见矣。”因为有了人的参与，方能创造出艺术形象。唐朝画家张的名言：“外师造化，中得心源”说明造化与心源，现象与本质，主体与客体的有机结合，是对绘画的认识和总结。
设计中的意是设计物全貌洗尽铅华的气质所在。例如书籍设计中的意蕴始终贯穿于封面、扉页到内页行文版式间。标识系统中的标志创意构思，立足于设计主体的客观精神面貌，行业风范。在精简标志图形语言中让人读出其隐含之意。再看日本禅意的设计艺术，始终表现出一种自然外物的空寂，它以“象外之象、意外之意”描绘出一个极静的空灵意境。
二、设计与传统工艺美术在哲学思想上的统一
20世纪的中国现代设计理念形成与发展过程，是一个从图案、工艺美术向现代设计逐渐转化的过程。史学家们论述的艺术史往往与设计史交织在一起。设计学科发展过程，从称谓上的图案、装饰艺术、工艺美术、实用艺术、应用艺术到现代设计等等。设计发展的历程中从未与纯艺术划清界限，美术研究与设计研究总是相互渗透，相互依存，共同支撑。在著名图案学家、图案教育家雷圭元先生的理论体系中，图案有广义与狭义之分，狭义上是指“平面的纹样的符合美的规律的构成”；广义上是“关于工艺美术、建筑装饰结构、形式、色彩及其所附的装饰纹样的预先的设计的通称”。
今天看来设计更多关注面向世界同领域的存在问题。如何解决存在的问题；如何认识世界的问题；同时设计在不遗余力地洞察人的心理对物的需求；解决人的心灵问题。设计的称谓源于英文“design”，实际上设计意识与认知与中国哲学思想有着共同的认知观念。设计艺术从本质上与中国传统的工艺美术大有共通性。传统的手工艺就是一种为了满足人们的生存和生活需求而进行的造物活动。从最初能够满足生活的基本需求，逐步发展到能够美化和丰富民众生活。从这里看出设计目的与其有着一致的理念。
设计是有计划、有意识地处理物的行为。但设计又不止于此，它不单是创造的思想，还通过物探寻生活和环境本质的生活思想。探寻之中包含了设计的初衷。我们生活的周围都被有意或无意识的设计过或设计着，无论是一个杯子，照明灯具还是伏案工作的桌椅、纸笔。地面铺设的材质，或到卫浴花撒出水孔的排序等等，都是被计划过之后制作出来，从这个意义上来说，一切都有设计的痕迹。人的存在必然设定环境，一点点去发掘交织于环境中巨大的智慧积淀的过程，就是设计的妙趣所在。
中国传统的手工艺是具有独特性、差异性和唯一性的，并在一定程度上别具感彩。含蓄、优雅是中国工艺美术的审美品格，是逐渐形成的文化传统。工艺美术作为人类的审美与造物活动，体现了一个民族的历史与文化。从艺术的角度，工艺美术主要从装饰和造型两部分开展演变，器物的形态与功用不断超越智慧的顶峰而流变至今。装饰的手法与内容也是恰到好处地结合物的气韵而配衬完美。仅拿中国古代的丝绸与瓷器来讲，丝绸与瓷器在我国劳动人民创造并使用的进程中，承载着逐渐浸润的人文精神和文化品格。在地域流通与时间潜移中，通过使用的感官接触，自然传播着时代的精神、欣赏气度、简净的造型，优雅的装饰、粹美的釉质，蕴涵着无限精妙在物与人的传递中不断被认可、欣赏与推崇。而今天看来工艺美术不仅要求技艺精湛，而且要有文化追求。较高的文化修养，才会有优秀的作品问世，才能制作出有中国文化根脉的艺术品。否则只有技艺而设计缺失，制作只是抄袭古人，高仿，或盗用他人的当代设计，最终技艺也会被时间所吞噬，不能留下代表地域文化和时代精神的工艺作品，致使当代审美的指向苍白而模糊。实际上，中国古代工艺美术之所以辉煌博大，就是因为代表着聪明才智的技艺在不断发展，其中隐含的设计意识一直在创新，因此风貌才会代代不同。
追溯艺术的根源使得设计引以为鉴。今天在信息与商业经济快速变化而重组的社会体系中，如何看待设计理念的实质；如何评判设计的精妙创意；如何确立设计的价值体系。权衡影响人的精神需求，这种需求越来越复杂多样，其目的是希望不断提升生活质量，不断改善自身的境遇。然而过剩设计会带来诸多浪费，设计营造奢侈风的背后影响着资源日趋匮乏，环境污染日益加重。正在考验精神与物质环境的承载力，引起人们对艺术与科学的思索，审视当下设计的社会责任和过度设计的评价体系。
三、设计与艺术的角色差异
我们对美的感知是个性化的，而纯粹的美则具有普遍的性质。不过在大多数情况下，审美判断涉及个人在具体时空内对具体对象的内容与实质进行审美判断，带有观念性、道德价值判断等，审美也就不再纯粹。作为艺术家，完全可以不必顾及任何审美概念，而完全从自己的审美感觉出发去表现。但是设计师需要考虑消费者的审美，因为他的设计产品需要被消费者购买。因此，对消费者的审美取向做认真的研究是设计过程的重要环节。设计师应经常欣赏极具创意的艺术品，体会艺术家的奇思妙想，学习他们的思考方法和实现手段。如果对周围的一切和其他的实践活动抱有狭隘的看法，那么设计师在思考和概念的构思过程中将不会获得灵感的启发，也无法吸取他人的优点。
但是就具体问题而言，艺术的确与设计有所区别，例如价值判断的标准问题方面。艺术可能更多地注重个人审美评判，而设计更加注重设计者、客户和消费者三位一体的标准。绘画的功能中最重要的是欣赏与装饰的功能。而设计则必定要有宣传、使用的功能。设计物的可使用性决定了设计思维的特征。而设计中视觉传达的功能则在于设计意图的诉求，这使得视觉传达设计在表象上更接近于绘画。
设计可以被看成是一种“理性的游戏”。理性的前提表明设计有别于纯艺术，它并不是纯粹个人化的情感宣泄和释放，设计必须受到许多来自市场、媒介等因素的限制，本质上是一种在特定条件约束下进行的创造性活动。创造性是认定一件真正意义上的优秀设计的决定因素，设计的创造性思维是创造力和想象力的结合，既符合设计原则，又带有鲜明个性的设计构思和想象。清晰、精确、逻辑性强的设计思维与随意、自由、形象性强的艺术思维，形成鲜明的思维模式对比，但是，经过训练，两者有可能相互融合而不是彼此对立约束。
艺术从商业设计中借鉴形象和手段，设计也在吸取着艺术的很多视觉语言和表现形式，由此，艺术的审美趣味也表现在设计中。在具体的表现上，艺术与设计常常表现出艺术形式的相互借用，以及对于约定俗成的意义与形象的共同使用。艺术虽然有教化熏陶的作用，但是一般不会有具体的使用目的。把艺术仅仅作为宣传的工具，这多少违背了艺术的本质。但是设计的作用一定有现实的作用，有着功利性的实用目的。
设计悄然化入我们的生活，伴随着当下经济社会的快速发展触角无所不在，带来一定的社会价值，改变着人们的生活及行为习惯。然而在一般人眼里，传统绘画和当代艺术更多呈现的是纯粹的笔触与画布相融合的感染力。无论描绘客体是抽象还是具象，张力喷涌的画面更多是艺术家的主张、观念、审美情趣。实际上当一项创意价值高的设计方案的历程，其创造性不亚于绘画本身。处在自然表述直接宣泄，调衡在审美原则与约束规范之间，更多的是提炼，改进。设计的独创性的价值在于使用者在感受中，抽离于艺术家的某种态度。
包装与广告等方面的设计，作为日常生活中的实用艺术，博物馆和美术馆基本不收藏。“设计不等于，但不大于也不小于艺术”这个题目采用了数学的表述方式，然而设计与艺术的关系，错综复杂，边界模糊，恰恰体现出艺术概念上的创新精神与生活实用主义之间的隔阂。
四、设计艺术的本质
设计本身不只是对物进行改观，嫁接文化符码的元素来构合。更多的是通过设计原动力对设计对象重新审视并将无限构思和感受有意识地运用到这些实体和现象上，更多地是多个层面的事物交互完善过程中的终点或下一个起点。设计是一门包含了各项学科知识的综合科学，视觉因素不能脱离其他相关领域，如文化、科技、历史及实践领域等。设计总是不断求新，总是向人们展现出最大的求变性。设计不仅是科学和技术的结果，而且也是人们在一定时期内的生存目的，生存环境，生存行为与生存条件的协调关系的舵手。
艺术家面对生活发出自己的质疑，让人们感动与思索。设计师则以通过设计对现实生活加以改善，为人类的生活环境与器物的美好呈现而设计，这是对“诗意的生活”的阐述。这其中的质疑与发现，也包含了思想与伦理层面的因素，即设计的价值观也会影响对生活问题的解决。设计的功能也包含着丰富和升华人们的生理体验和心理体验，以提升生活品质、传递信息和思维方式。
设计师的思维是在限制中求变化，在约束中求自由，必须随时观察专业领域的设计发展动向、社会需求的变化以及技术的演化进展；不断地反思设计产品存在的意义及其带给消费者的实际感受；以及如何通过明确的市场定位来提升设计的价值。设计会在一定程度上提高产品本身的价值。社会和市场的快速变化决定了设计师的思维不能安于现状，而应随时求变，随时求新。
有观点认为设计与商业并驾齐驱，那就贬低了设计的艺术性。确切地讲，艺术设计在商业和经济中起着非常重要的作用，设计定位按照人的需要、爱好和趣味设计产品。但是在设计产品以及物质环境时，同时也是在设计人自身。这意味着设计从关注市场目标转向以关注生活文化为目标，洞察生活中人的需要，物对人的意义。更确切地讲，物是消费中的价值性筹码。塑造消费价值，是透过物的改观满足生活者更高层次的需求。在情感消费或文化消费中的人所追求的远不是物质性的商品，更有商品背后的精神意义和艺术文化的附加价值。因此从这个角度，提升艺术设计的作用是很有必要的。
结语
在全球化急速发展的今天，中国文化以儒释道多元思想接纳了诸多外来文化，交融的同时也打开了我们的全球视野。然而我们看到，无论在艺术领域还是设计领域，极度模仿呈现常态，致使我们创意产业只是在低端的夹缝中求生存。设计强调的是创新。回顾中华民族的传统文化，其中不乏原创性精神，所以立足本民族的文化传统与设计意识，并坚守民族文化的精神根基，又不固步自封、停滞不前，而是应该积极探寻其中的客观规律，开拓想象力、创造力，跟随当今时代的需求与欣赏，留下具有民族精神的原创艺术品或设计作品。
*本文为教育部人文社会科学青年基金项目研究的阶段性成果，项目序号：10YJC760093
参考文献：
1. 周至禹：《思维与设计》，北京大学出版社，2007.11
2. 杭间：《设计道——中国设计的基本问题》，重庆大学出版社，2009.1
3. （英）罗伯特·克雷：《设计之美》，山东画报出版社，2011.4
4. 徐艺乙：《工艺美术的发展当与时代相适应》，《美术观察》2011年第6期
5. 《装饰》，清华大学美术学院学报，2011年第6期
臧勇:江苏技术师范学院艺术设计学院副教授
对工艺美术的看法范文6
首饰在中国已有几千年历史，可一提及珠宝设计时，脑子里还是只能浮想起国外那几个超级大牌？其实，中国有一群珠宝工艺师，一直在努力助推中国珠宝设计的崛起，56岁的刘红宝便是其一。
整齐的“三七分”，亲和力十足的面庞，一套笔挺的西装，温文尔雅的刘红宝透着一股浓浓的海派风范。作为中国工艺美术大师，刘红宝不仅擅长金银镶嵌制作技艺，还熟谙东西方设计理念。因此他的珠宝作品看上去既有古典端庄的中国情韵，又带有新奇独特的时尚元素。
痛失“祝福”
两只绶带鸟依偎在红梅枝头，背后绽放的牡丹映衬着朵朵祥云；牡丹之下寿石耸立，岁寒四友萦绕而生，引得蝴蝶翩翩而至……好一幅初春画色。经刘红宝一“指点”，绶带鸟飞到身上变成胸针，蝴蝶停在颈间化作吊坠，两朵小梅则在双耳绽放。让首饰融于工艺摆件之中，美观、实用。这创意，着实绝妙！
这件充满浓郁中国风的作品名为《祝福》，其中牡丹是运用螺钿镶嵌技艺制作而成。“从设计到完成，我花了整整十年时间。 但卖它，却只用了几天。”刘红宝的眼角流露一丝不舍的伤感。因为他的作品，件件都是孤品。
尽管身为设计师，但刘红宝却不接受个人定制，他只做自己中意的珠宝。许多人慕名前来求“宝”，都被他婉言谢绝。但在一个靠资本运作的高端市场，反其道而行自然受阻无数。要想不断地创作新品，材料是保障，可这需要雄厚的资金支撑。有次逛宝石市场，刘红宝发现了一颗罕见的红宝石，好货可遇不可求，他决定将其收归门下，不想却囊中羞涩。几经思虑，他忍痛卖掉了《祝福》。“十年的心血一下子就没了，心里很不好受，甚至彻夜难眠。”刘红宝把珠宝设计比喻成流淌在身体里的血液，支撑自己前行。
之所以对珠宝设计如此迷恋，源于儿时的经历。有一天，父亲的朋友带来本连环画《智取威虎山》，引起了他的兴趣，从此便与绘画结下了不解之缘。长大后，刘红宝顺理成章地进入了金属工艺一厂创办的工业中学。毕业后，他被分到了远东金属工艺一厂，就是现在的老凤祥工作。在厂里，刘红宝做的都是打磨宝石、镶嵌胸针耳环等费力又琐碎的活，师傅们大多不愿意接这样的订单，年轻的刘红宝便全揽了过来。厚积薄发，有一天车间主任鼓励他去参加中国工艺美术百花奖评比，刘红宝终于从首饰制作过渡到独立设计制作珠宝摆件了。
经过三个多月的努力，《珍珠麟》诞生了。这是运用中国工笔画精致细腻的描绘手法，创造出的一幅金鱼水中游的场景。水草是由象牙雕刻而成，与黄金珠宝搭配亮丽而不张扬，开创了工艺材料混搭先河。第一次亮相，刘红宝获得二等奖，他也因此被调到了上海首饰设计研究中心，履历就此改写，从车间里的一名工人华丽地转变为设计师，书写自己的珠宝传奇。
创作犹如品茗
从那之后，刘红宝每制作一件作品，都会留下一个故事。在纪念郑和下西洋600周年时，刘红宝决定设计制作一款《郑和七宝船》。几经打听，得知南京有家郑和博物馆，里面正好有一艘两米长的仿郑和下西洋的船模。于是顶着酷暑燥热，他与助手一同来到博物馆研究细节。由于年久失修，船体有些部分已经损坏，不能触摸，刘红宝索性弄来一把梯子，爬到顶端俯身拍摄下各种细节，一丝不苟。回到上海后，他又查了大量资料，才定下设计方案。
同为珠宝界的朋友很是疑惑，珠宝设计都是按照电脑设计图完成，不仅花样繁多，还精致准确，有必要为制作一件作品而亲临现场吗？刘红宝笑答：“只有这样，作品才会更加生动真实。”后来，《郑和七宝船》“起航”到了英国，被当做和平远航的象征，送给了英国女王的丈夫菲利普亲王。
对于珠宝制作，刘红宝这样说：“一颗宝石加上好的设计和制作，犹如一壶上好的铁观音，二道三道茶，陈香渐去后，散发出一种浅浅的甘甜，四道之后其特有的兰花香气才真正地弥散开来。”做珠宝，也是要细细品味的，不能急功近利。
《南海七宝观音》是刘红宝近几年的作品，因为是第一次接触佛像题材，他专程去了趟普陀山。经过反复设计与修改，他决定用白色琉璃做观音身躯，借鉴佛教“七宝”的寓意，在观音身上镶嵌红宝石、珍珠、玛瑙等珍贵石材。因为鲜少制作人物塑像，观音脸部的刻画就显得尤其困难，“宝相要端庄、慈祥，表情要柔和。反复尝试的过程，就像在洗涤心灵。有一阵子着实没有灵感，索性放下一切，‘神游’去了，直到几个月后重拾，才得以完善作品。”这件作品花了刘红宝足足大半年时间，才功德圆满。
当他手捧《南海七宝观音》再次登上普陀山后，中国佛教协会副会长、普陀山总方丈戒忍法师赞不绝口：“这是我国佛像造像史上第一尊用琉璃镶嵌珠宝的七宝观音，庄严又不失仁慈，相当好！”这种至高的赞誉，为刘红宝的艺术生涯留下了浓墨重彩的一笔！
坠入“情网”的大师
获得认可越多，刘红宝反而越能沉下心来，坐在老凤祥的工作室，悉心创作心仪的作品。然而最近，他又开始忙碌起来，为2015年的首饰个展尽力筹备着。
“届时会展出50到60件作品。除了以往的，还有近几年创作的首饰新品。尤其是用3D打印技术创作出来的珠宝首饰，将是展会的亮点。”于近几年兴起的3D打印，多为工艺师的宿敌，手作与“快速成像”水火不容，然而刘红宝却放下这样的成见，主动与之结合。在他眼中，敢于尝试是获取灵感的最好方式，相比于保守来说，能创作出更优秀的作品。
紧跟时代步伐，不拘泥于现状，刘红宝除了尊崇中国传统之外，对西方设计元素的运用也是炉火纯青。黄金摆件《情网》便是他的经典代表之一。“年轻时我曾前往爱尔兰克尔凯妮设计学院深造，西方人不喜欢繁琐的装饰，而是注重直线与面的组合以及立体感的呈现。”作品的灵感来自奥地利表现主义画家居斯塔夫・克里姆特的一幅作品，内容是相依相偎的两个心环，以金丝相互连接，其间穿插着一颗颗闪亮的金珠，织就了一张错综复杂，剪不断、理还乱的情网。
同以往充满画质感的多功能摆件相比，《情网》更具备现代雕塑般的质感，立体而抽象。作品中的几根金丝纵横交错，每根丝上又缀着大小不同的圆球，在焊接时既要保持丝线本身的笔直，又不能将旁边的碰弯，所以在制作前需要经过精密的设计。刘红宝不知熬了多少个日夜，才画出设计图。功夫不负有心人，《情网》的现世，令世人眼前一亮，他如愿摘得了“首届中国工艺美术精品及工艺美术大师作品博览会金奖”。
