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对艺术创作的理解范文1
【关键词】视觉传达设计 艺术创作 数字技术 渗透
作为现代化的新型发展技术，数字技术在很大程度上可以说是社会、经济以及文化的重要掌控者。然而，在数字技术背景下，无论是视觉传达设计，还是艺术创作，都以迅猛之势强烈冲击着传统的视觉传达设计和艺术创作。
随着数字化信息时代的来临，数字技术也将持续影响并不断改变人们的学习、生活及工作等相关方式。故此，人们应该跟随时代潮流，在数字技术背景下，不断对视觉传达设计以及相关艺术创作进行探索和研究。
1 数字技术背景下的视觉传达设计和艺术创作简述
（1）数字技术背景下的视觉传达设计。从客观方面理解，视觉传达设计就是一种复杂的表达行为。对某种事物、某种理念，或是某种情感进行准确传达，就是该行为的根本目的。然而，在数字技术背景下，视觉传达设计的理解和内涵又所有不同。充分融入数字技术的视觉传达设计不仅视觉语言形式有所变革，其视觉传达整体面貌也焕然一新，既活力无限，又现代感十足。同时，视觉传达设计作品的交互性和可感知性也得到了大幅度提升。总体而言，数字化的视觉传达设计将艺术和技术进行了充分融合，不仅激发了视觉传达设计的设计新思维，还对其创作方式进行了拓展，对整个视觉传达设计的发展和进步有着极大的促进和推动作用。
（2）数字技术背景下的艺术创作。从艺术境界层面理解，艺术创作就是指美术家、音乐家、雕塑家等各种艺术家进行作品创作的过程。从某种程度讲，在具体的艺术创作细节中，创作者往往会对现实生活进行仔细观察，真实体验并不断深入研究分析。从真实的社会经历和社会活动中选择、提取具有创造性和价值性的创作元素，并对其进行充分加工，或将其进行造型，或将其赋予人文含义。总之，这种运用科学合理的创作方法进行创造性劳动的行为就是艺术创作。在数字技术影响下，人们进行艺术创作的方式和素材获取的途径越来越广泛。数字技术背景下的艺术创作不仅对作品审美的需求更加严格，还要求艺术创作必须具备相应的技术特色和时代气息。
2 数字技术背景下视觉传达设计与艺术创作的相互作用
从艺术层面分析，视觉传达设计其实就是艺术创作中的一种。艺术创作的方式很多，范围也及其广阔，分类也可细分为很多类别。众多艺术创作形式中，视觉传达设计对视觉的依赖度最高。随着数字技术在视觉传达设计中的不断融合，越来越多优秀的视觉传达作品被设计创作出来。对比传统的视觉传达作品，这些作品更为优秀。无基于商业角度理解，融合数字技术进行的视觉传达作品创作不仅可以大幅度提升产品的推广力度和销售水平，还可以给企业或公司，甚至是整个国家或社会带来丰厚的经济、社会方面的双重效益。
受数字技术影响，视觉传达设计的思维方式和创作方式已有较大程度的改革和创新。从某种程度上理解，这也是艺术创作思维及其方式的发展和进步。就基本的表现技法方面，数字技术的融入让视觉设计不断趋向多元化。较为经典的是结合了文字、音频、图像等信息多样化的新型图文一体化技法。这些技法的出现使得人们的视觉感官获得了最大程度的延伸和享受，从而能够刺激设计师创作出独特且富有价值的视觉传达作品。从本质上讲，数字化背景下的视觉传达作品设计过程就是艺术创造的过程。在数字技术的不断促进和推动下，无论是视觉传达的设计创意，还是其设计形象，亦或是设计理念以及价值取向，都越来越趋于艺术创作。同时，越来越多的艺术家进行艺术创作时，也越来越突出视觉享受和视觉延伸。
结语
综上所述，在数字技术背景下，视觉传达设计和艺术创作无论是在设计理念，还是在创作手法上，都有着越来越多的共同点和相通点。两者在持续向前发展的基础上，既相互渗透，又相互影响，始终在不断发展和进步。
参考文献
[1]薛曼君.基于数字化技术的视觉传达设计创新研究[J].文学界（理论版），2011，02：251.
对艺术创作的理解范文2
关键词：素描；写实油画；艺术创作
素描是一种单色的绘画形式，深层次上解释是用来学习美术技巧、探索绘画的形体规律、培养绘画专业习惯的一种训练过程。素描对于写实油画的创作有重大的影响和作用，随着绘画艺术的不断进步发展，我们对于素描和写实油画也有了更深刻的认识。充分探索和运用素描技法，不断丰富写实油画的艺术手法和表现形式，以此来创作出更多高品质、高水准的写实油画艺术作品。
1素描和写实油画两种绘画形式的关系
1.1素描与写实油画区别之处
简而言之素描是一种单色绘画形式，同时素描包括的种类也很多，像中国国画中的水墨画、白描以及速写和绘画的草图在广义上都属于素描的范畴。可以说素描是绘画的基础和骨骼，同时亦是最节制和最需要理智来协助的艺术形式。写实油画是属于具象艺术的艺术形态，也是绘画的一种表现手法。写实油画是由绘画者观察和描摹外部的物体形象，结合自己的亲身感受对外界物象进行再现的艺术创作过程。写实油画的艺术作品符合了观察者的视觉经验感受，为观者提供了感官的审美愉悦之感。
1.2素描与写实油画的联系
素描是写实油画艺术创作的前提，是一切绘画创作的基础。素描是写实油画创作中的一个重要的设计构图工具，绘画者经常要进行素描的练习，这样有利用他们更加准确地掌握并理解物象形体，在素描学习中逐渐熟练地运用线条来勾勒出物象的形体，初步掌握这一基础绘画形式的要点和精髓。在油画的初级阶段所进行的准备工作大致上可以说是着色的一种严格素描训练，拥有较为高超的素描技术可以使得绘画者在物体造型和色彩的结合上更加具有气象。总而言之，在写实油画的创作中素描是必不可少的重要部分。
2素描在写实油画创作中的应用
2.1素描在写实油画空间构造的写实性中的作用
在绘画的发展过程中，空间特征经历了从二维到三维的一个转变发展。由于之前的二维绘画形式缺乏层次感和立体感，不能够生动形象地展示实物的具体状态，因此绘画者逐渐探索，充分利用素描中对于物体远近、明暗以及透视虚实的构图技巧来增强写实油画的表现力。使得写实油画的绘画者在平面上塑造物象的写实性和画面的感染力增强。
2.2素描在写实油画创作的题材和内容上的应用
随着写实油画绘画技术的不断提高，其题材和内容也不断的创新发展。素描可以使绘画者更加注重光、质感和空间的运用，在五彩缤纷的大千世界中用一双善于发展美的眼睛来进行艺术创作。素描技巧的娴熟运用，会让创作者在写实油画艺术创作的题材选取、色彩抉择和内容确定上更加遵从内心，从而创作出更好的作品。
2.3素描在写实油画创作中形体上的运用
素描绘画的基础是物体的形状和轮廓，形的问题主要在于素描技巧的运用。例如素描绘画中，通常将体当做立方体来描摹，把形视为平面形，形可以作为一个独立体存在并且体依赖于形因此形体结构是一个物体在空间中的具体存在方式。写实油画中的物象都是具体存在的，不过在创作过程中需要绘画者把自身的感受运用线条来勾勒出来，对于曲线和形的有效运用会使得写实油画的整体性和绘画性更加的突出。
3素描对写实油画创作的影响
3.1素描对于写实油画创作风格的影响
不同的绘画形式有着自身独有的特点，同时各种绘画技术也可以取长补短。素描是写实油画创作的前提即基础，素描家作品风格的不断变化也潜移默化的影响着写实油画的发展。淳朴、柔美的素描绘画会使油画创作中显示出一种宁静致远的风格特点。有些素描作品，通过对人像细节的绘画来展现人物丰富的内心变化，这样的作品也会在油画的创作中对人物神态的描画产生启发。
3.2素描对写实油画艺术创作表现形式的影响
不同绘画者对于素描绘画技巧的掌握程度不同，素描包括很多的表现手段：远近虚实、明暗透视以及前后等构图方式。每个绘画者对于素描的理解程度也不尽相同，这样的差异会具体的反映到写实油画的作品展示中。擅长于线面构图的绘画者会在油画的创作中突出线面的展示方法。在素描的明暗技术掌握娴熟的创作者会在写实油画的光线设计中展现出自身对于空间明暗的独到构思。画家对于不同素描技巧的侧重点会使得写实油画的表现手法呈现出不同的风格形式。
对艺术创作的理解范文3
【关键词】素描绘画；写实油画；艺术创作
素描作为一种悠久的历史创作艺术，考察绘画者的基本技能，如今素描成为一种独立的艺术形式。绘画者在长期的创作过程中形成对艺术的造诣，在进行专业的学习过程中，素描也是其他绘画形式的基础，只有先掌握了素描的基础和技巧，才能够获得专业的绘画知识和技巧。素描更加注重的是空间感和立体感，没有任何颜色添加，但是能够将物体或者人物的形象生动的展现在人们面前。
1素描描述
素描是绘画中的常见的艺术形式，已经成为在艺术创作中的重要形式。广义的角度来看，素描是一种颜色的绘画形式，从狭义的角度分析，素描就是学生在绘画学习中对于美术技巧与规律训练培养的过程，素描如今的形式是用单一的颜色表达情感。素描不只是绘画中的基本形式，更是主要的艺术形式。通常是进行基本功的训练来完成绘画技能的培训。在素描学习中，使用艺术表达形式对于物体结构进行分析，清清楚楚了解自然状态发展规律，选择正确的艺术形式来表达，创造出符合人们艺术审美的作品。素描培养了学生对于眼前物体进行分析和判断的能力，对于物体的观察能力和空间的想象能力，能够分析物体的组合和判断，通过素描来培养发现美，创造美的能力。提升艺术的感知能力。有着自己独特的理解对于美而言。素描主要通过找寻每个人身上的特点，再把每个人的特质放大，用艺术的形式呈现在大家眼前。
2素描在写实油画艺术创作中的作用
素描，不依附任何艺术形式而存在，具有独立的艺术形式。创作过程中没有那么复杂的形式。作为基本的艺术形式的载体，在十七世纪用来区分欧洲国家。在艺术创作过程，素描将对于人的把握和事物的观察细节融入每一个环节当中，从而创造出有生命力的作品。素描看似简单，实则考验绘画水平和能力。因为素描需要多种绘画技巧能力的综合，而写实油画在创造的过程中，能够将素描作为基本功，然后将油画创作的基本格局进行体现，写实油画中主要的追求内容就是真实，要求通过写实来呈现物体或者人物本身的真实魅力所在。写实油画基本功考察的就是素描。而深厚的素描功底需要人们进行长期大量的训练才能达成。画家在长期作画过程发现绘画的规律和方法。不断的增加画家在写实油画创作中的基本能力，能够使得画家的技术技巧运用的更加娴熟，再进行创作中激发想象能力，能够不断向人们呈现有厚重感和人文气息的作品。
2.1素描是写实油画艺术创作的基础
我国著名画家徐悲鸿对素描创作提出自己独特的见解，强调素描是绘画者的基本功，更强调素描帮助人们形成对绘画的基础性了解，是绘画中的重要组成部分，只有拥有良好的素描能力，才能够物体的认识更加全面和立体。素描能力在进行创造过程中，徐悲鸿在进行素描教育中每天让学生进行大量的素描训练，在这个过程中，绘画能力能够得到提高。素描是不仅仅是以素描形式完成。写实油画创作中，是以素描为基础的。因此在写实油画创作中不断将素描要素进行考虑，例如素描明暗、虚实关系等。素描中的关系跟绘画艺术创作中相互影响，相互存在。
2.2素描在写实油画创作的画面空间作用
人们视野中的事物是立体的，所以在进行平面中将立体的空间构建，这是艺术创作的基本形式，在空间构造的在过程中，是现代绘画中的重要形式。在初期阶段，因为观念和技巧的限制，人们对于空间立体的呈现能力较弱，素描中多种的表现形式，通过将这些应用进行写实创作。艺术性对于人物的描绘过程中，经常使用素描的空间绘画结构手法，注意运用阴影能够将人物更加立体的呈现。具有三维体系现象。同时能够利用虚实关系在塑造的时候，近大远小，对于绘画中的创作的空间立体感能够生动呈现。在进行写实油画中的，著名的绘画者能够通过空间立体呈现画面，将素描的技巧和写实油画进行结合，可以增加画面中的空间感，能够在视觉上带给人们新的感官体验。
2.3线在写实油画艺术创作中的作用
线条是绘画中的基本构成要素，在线中占据较大的比例，所占的比重较大。人们对于油画作品欣赏中，对作品有深刻的领悟能力和理解能力，在对线条的驾驭过程中，能够传递画家的精神世界和艺术表达，用最简单的线条勾勒出一个新的空间形式，在线条的转换中，能够烘托出人物之间的关系，能够传达背后的情感和态度，对周围环境的烘托也起到关键的作用，通过多样的形式构建不一样的空间轮廓，在进行构造的过程中，以线条作为分界点，在一定情况下作为作品的有力支撑点，线还可以作为背景的形式出现，这样使得整幅画面的空间立体感更强，内容更加的丰富，形式更加多样化和灵活，因此，在作品中很好的运用线条能够让整幅画面更具有别致的形式和韵味。绘画者在创造作品的时候，仅仅通过简单的几笔能将画面生动传神的展现在人们面前，但不是仅仅只是简单的绘画，更加重要的是能够把握好空间的构造。在加上线条的虚实的构造，使得图形的整体效果更加直观、主题更加贴切，人物的表达更加传神。作者的情感得到逐一层次的加深。
3总结
素描使得油画创造更加是具有艺术感染力，每一个人对绘画可能存在不同的理解，但是正由于不同的想法造就了多种形式、多种艺术风格的作品，有的作品注重线条的运用，有的注重线面的结合。但是毋庸置疑的是，掌握技巧能够使多样的形式运用更加灵活。油画写实是通过素描与色调的结合，创造出多彩的具有空间立体感的作品。
参考文献
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[2]孙博文.浅论素描对写实油画艺术创作的作用[J].大众文艺,2015(18).
[3]孙绍昆,程浩.论素描对写实油画艺术创作的作用[J].芒种,2015(11).
[4]肖伟.素描在写实油画创作中的作用与影响[J].大舞台,2015(05).
对艺术创作的理解范文4
我们经常说一个人非常有个性,那么这个人便会引起大家的关注,中国画也是如此,纵观中国画史,大凡有成就的画家,均是自成一格,独领。这就要求我们在中国画创作的时候也应该让自己作品有它自己的个性——即我们今天所谈的主体精神。
中国画的创作源于生活,中国画家历来坚持“师法造化”,所谓造化就是自然。石涛的“搜尽奇峰打草稿”把中国画创作最基础的阶段概括的淋漓尽致。“搜尽奇峰”那仅是艺术创作的基础,是画家强调要师法造化的阶段,但是好的作品应该是源于自然,高于自然的。画家对所要表现的对象进行取舍和夸张,加入自己的认知和感彩,通过一定的技法来把画家的内心情感表现在纸上,由此他提出了创作过程的“打草稿”——艺术构思阶段。此阶段是艺术创作的关键,将同一自然物,孕育出审美理想、审美情感、审美价值完全不同的千姿百态的艺术形象,孕育出自己独特的,也即“有我”的艺术形象,体现出艺术创作的主体独创性。
唐代张璪的“外师造化,中得心源”成为千古画家的座右铭。“师造化”为创作的基础阶段,那么“得心源”则是创作的精华阶段。”北宋的范宽语:“前人之法未尝不近取诸物,吾与其师于人者,未若师诸物也。吾与其师于物者,未若师诸心。”[1]这就要求我们在创作的过程中要有自己的想法和情感,有自己的独到的见解,要形成自己独特的艺术风格,而艺术风格与创作个性是密切相关的,是创作个性的自然流露。在一个艺术家的一生中,他的艺术风格往往是有所变化的,这也是随着作者阅历、学识、修养、感情的变化而变化的。
一幅优秀的成熟的作品,必然是在前人的基础上有所创新的。齐白石老先生曾经说过:“学我者生,似我者死,”“凡阅诸画,先看风、势、气、韵,次究格法高低,未前贤家法、规矩用度也。”[2]我们品味作品的时候,应该先看气质,再谈技法,气质不存在,技法也就不再具备意义。
二、关于创作的主体精神
创作的主体精神就是指创作者在艺术创作中所体现出来的艺术特色和鲜明的创作个性,是创作者情感的积累和体现,是创作者在实践中逐渐形成的相对稳定的艺术风貌。这种艺术风貌是由创作者的文化修养、性格、家庭背景、及其周围环境等诸多因素的决定的。
作为一个画家来说,画家的每一幅作品都能体现和表现出创作者的技法和作品的格调。而一幅好的作品最重要的不是传统的几种表现形式与技巧,而是艺术家创作的主体精神,这种主体精神主要体现在作品格调上。
三、用画说话,体现独立品格、彰显个性
在中国画的创作过程中,作者首先应该是经过严肃的思考的。一幅好的作品用来体现作者的情感和思想。
最近很流行的一句易中天教授的“三要,三不要。”“说真话不说假话,说实话不玩虚套,说人话不打官腔。”同样的道理可以用到中国画的创作中来。我们来做一个类比,“人话”就是发自肺腑的话,体现表达者真实性情的话,说真话,不来虚的。就像艺术家独立的创作思维和审美情感;“官腔”则是约定俗成的比较周全圆滑的表述方式,就像艺术创作中现成的普遍认为比较好的风格技巧。作为人而言,男女老少,各自有各自的性格习惯,各自有各自的表达方式,而艺术品其实就是艺术家说的话,如果所有的人一个腔调,艺术品就失去了它应有的价值——独立品格。
目前很多从事画画的人一味的追求技法,或者一味的模仿古人或某大师的风格,而忽略了前人创作的主体精神。艺术家应该是作为一个独立的个体而存在的,越是强调这种师承关系,就越掩盖了主体精神的可贵而如果想完成一幅有自己主体精神的作品,就要敢于尝试加入自己的东西,要领会到古人的经验如何拿来我用,如何借古以开今。要看你创作的一幅作品是不是诉说了你的情感,你的思想,说出了你想要说的话?“临摹用工,是学书大要,然必先求古人意指,次究用笔,后像行体。”[3]这些道理古人早就已经告诉我们了。拿朱耷的作品来说,之所以旷绝千古,靠的还不是他笔下的那些特立独行的形象所散发出的荒寒孤高的气质?
我们应该要让自己头脑保持对艺术的敏感和激情。在创作一幅作品前,是要通过作品传达自己的一种审美理想,一种精神世界,把某种气质、某种情绪表达到极致。体现独立品格,突出个性,当然,对于个性而然,不能简单的理解为不同于别人,不是搜奇抉怪。我们对中国画创作主体精神的认识不能停留在底层面上,停留在一个低层面上,因为艺术品除了新鲜,更需要深度。
参考文献:
[1]岳仁.宣和画谱[M].湖南美术出版社.2004,4.
[2]韩拙.山水纯全集[M].中华书局.1985,1.
[3]梁谳.学书论[N]
对艺术创作的理解范文5
关键词：美术绘画；技巧；色彩；意境；创作
1创作者进行绘画艺术创作的过程
1.1构思的过程
艺术创作的构思通常是从想象开始的，想象就其本质而言是人们根据无形的思维创造有形物体的过程。在这一过程中，创作者的思维一旦进入无尽的想象之中，那么它将不再受到束缚，它会在无限的时空中自由翱翔。尽管想象是一种相对自由的脑力活动，但想象的过程并不是无目标的进行天马行空式的猜想。就绘画艺术来讲，想象的进行决定于作者的“情”和“意”。这里讲的“情”就是作者的个人感觉和风格个性，而意就是作者进行创作的思想和心志。作者的情感和个性通常会影响绘画创作过程中的想象，这是众所周知的，也只有这样创作出来的作品才能反映出作者的真实风格和个性。想象只有受制于思想和心志，才能使创作过程中的想象不会背离艺术创作的主旨。虽然说想象只是一种主观的感受，也无法采用真实的语言和文字加以描述，但是绘画艺术的进行还是无法离开想象，想象在其创作过程中举足轻重。
1.2转化的过程
绘画艺术即使是以想象而开始，并把想象运用于创作的整个过程中，但是有一点必须明确，那就是绘画艺术创作构思的目的并不是想象。何为绘画艺术创作构思的真正目的？其实就是对创作过程中的想象进行合理的定位，并把优秀的想象甄选出来以进行最优的组合和配置。通过采用这些过程，作者要先把开始时的想象变成能激发灵感的初级意向，接着作者要进行初级意向的不同层次的艺术加工，这样就能逐渐将其塑造成为艺术形象。我们从这些内容可以清楚的明白，要想将无形的想象转化为有形的艺术形象，就必须要经历初级想象向初级意向的跨越式转变。虽然说创作者是可以把握无形向有形的转变过程，但有一点需要明确，转变过程的无形无质使其控制起来更加困难。其之所以体现出“无质”性是由于转变后的产物将其“质”完全遮挡了。因而要想对转变过程进行自如的控制，创作者就必须培养出优秀的才学并构思出良好的主题。
1.3创作的过程
一幅作品有很多有形之处，如笔法、布局等，这些都是人们评价它的重要方面。每一幅作品都富含有有形有质的画面，从画面的构图、分布、笔法等方面也很容易使人们明白作者的巧思妙想以及丰富的想象。由于绘画是作者用来表现自身思想和情义的，所以在欣赏绘画作品的过程中，我们就能通过其笔法和技巧来感受作者丰富的想象。这里所提到的作品的无形无质，也正是每部作品的可贵之处，是其艺术价值的核心。现实中的各种客观事物可以通过不同的方式来刺激作者进行无尽的想象，这样就会让作者就会产生对事物的客观和主观不同的认识，接着就能通过对其转化和甄选来实现对创作的构思。这种把“无”转变为“有”的过程也是艺术创作的核心和本质。
2影响美术创作的因素分析
2.1对生活的体验与感悟
绘画作为一种艺术表现形式，也是作者表现自身情感的一种方式，作者通常会把自己的亲身体验和感悟表现在作品之中。我们进行技术训练的方法有很多，主要的方法之一就是临摹各绘画大师的作品。通过这种方法，不仅可以不断提高自身的绘画技巧，也能使我们的绘画技术不断的向大师逼近，使我们能够在各大师原有成就的基础上取得更好地成绩。进行作品临摹时不要只关注作品的技法，还要时刻注意大师们是如何表现自身感情的，理解作品所要表达的深刻含义。这一过程就是在学习绘画过程中进行体验，只有进行无数次的深刻体验，自身才能感悟出绘画创作的精髓。除此之外，进行绘画临摹还能使我们的艺术鉴赏能力不断提高，是自身的艺术修养得到大大提高。在进行大量的临摹和练习之后，如果要想将自己的经历和情感配合绘画技艺表现出来，我们还得要注意观察生活，提高观察能力。要做到这点，就必须要不断丰富自身的感受，要不断参加社会活动，体验社会生活，感悟社会的点点滴滴。除了要增强自身的绘画技能，还要找出自己的兴趣所在，自己亲身进行体验，并用自己的绘画作品来表现这些情感。另外我们还要经常去体验大自然，不断在生活中发现创作灵感。不断去感受生活，去积累自己对生活的感悟，只有这样才能创作出异于他人并内涵丰富的优秀作品。
2.2作品的构思与想象
想象力对于绘画来说犹如金石般金贵，绘画者进行创作时除了要掌握一定的绘画知识外，还要具备丰富的想象力。如果作者只能通过绘画来如实反映客观事物，那么顶多称得上是一名出色的画匠；只有不断的进行思考，将观察到的客观事物进行改造，将自己的亲身经历和情感注入作品之中，才算得上是真正的艺术家。当今社会有很多画家在街头为反人画肖像，虽然说这些肖像画能够真实的表现出友人的身型和脸型，但他们也只能称得上是一名优秀的画者。他们所做出的作品并没有注入新鲜的要素，只是照搬而已。
2.3表现技巧因素
众所周知，绘画技能是优秀绘画作品产生的关键。如果创作者自身不具备良好的技能，那么优秀作品也很难被他创作出来。人们知道绘画作品可以表现美，而且绘画技巧也是表现美的一个重要途径，它不仅是一种很富有表现性的绘画语言，而且也是表现绘画美的一种比较直观要素。要想获得较高的绘画技能，就需要作者不断刻苦练习。这样作者不仅可以不断加深对绘画工具的熟练程度，也可以使其审美能力得到不断的提高，进而提高创作者的绘画技巧。作者在进行绘画创作时，可以采用的绘画技巧有笔的使用技法和颜色的使用技法等。
2.4色彩搭配因素
要想创造出优秀的绘画作品，创作者还要具备很强的色彩辨识能力，而且对色彩的使用也要有自身的个性理解。作者在绘画创作中进行色彩挑选时，首先要遵守的原则就是要根据自己作品的题材和内容进行甄选，其次色彩的选择还要能够充分表达自己的审美品位和情感。要想达到这样的色彩应用境界，作者就必须充分了解色彩的应用规律，并在此基础上进行创作。
2.5意境表现因素
意境是创作者通过作品给人的一种感受，它不仅与欣赏者本身特点有关，如审美的能力和倾向，而且还决定于作者的能力。绘画作品都会向观众表现出自己特定的意境，并会随着作者能力的高低而不同。这里所说的意境，指的是作者表现在作品中的自己对生活的感悟和对美的感受。不同的绘画作品所表现的绘画意境并不相同。例如对于山的表现，有些人会侧重于其巍峨的态势，而有些人会重点反映其秀美之态，这就是意境上的差异。由此可见，对于相同绘画作品，可能取得不同的意境效果，这就是由于作者的经历不同所决定的。
3结束语
从上文分析可以看出，在美术绘画创作的过程中，不仅存在着诸多环节。而且，意境表达、色彩搭配、构思、想象以及对生活的领悟和体验都在很大程度上影响了绘画创作。因此，在体验和感悟生活的基础上，要综合运用各种技术和手法来进行美术创作。
参考文献：
[1] 马丽华，黄秋实.关于美术绘画艺术创作的影响因素探究[J].芒种，2012（14）.
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对艺术创作的理解范文6
一、数字艺术的特征
1）丰富元素的数字化享受。
数字艺术的设计理念通过技术上的优势，创新艺术设计模式，丰富艺术设计手段，进一步改变人们对于艺术创作的认识。同时，数字艺术随着科学技术在表现手段与传播形式上时刻发生着变化，为人们提供了丰富多彩的艺术享受，对人们的物质生活带来的很大改变。数字艺术已成为人们生活与工作中不可或缺的重要组成部分。另外，艺术设计的智能化与人性化的发展趋势，将图片、音频与视频等资源有效整合，对传统的艺术设计理念是一种巨大的丰富，增强了艺术作品的感染力与影响力。
2）多元模式的艺术平台。
数字艺术已经应用于多种领域与平台，如建筑设计、环境艺术设计、影视设计、音乐创作等等。在不同的领域有着不同的表现形式，但是都对原有的创作理念形成一定程度上的冲击。数字艺术在对艺术创作的灵感激发，随着计算机信息技术的发展，艺术表达在不断丰富。多元模式的艺术平台，正是艺术家基于数字艺术对艺术元素的应用，从而创作出独特的艺术作品。例如，在建筑领域，数字艺术通过对建筑模型的整体表达，改变原有的平面、静态展现形式，使建筑整体构造以立体、动态形式展现出来，从而提升了建筑的艺术价值与商业价值。
3）打破传统手工创作限制。
艺术设计传统创作模式很大程度上依赖于手工制作，对于大型艺术作品的创作而言，创作量大、时间长，存在很大的限制。例如，传统的手工绘图需要运用到尺规、笔、纸等绘画工具，通过勾形、渲染后制作出来。但是，艺术家在需要更改设计时，面临着很大的难度。采用数字艺术则可以弥补更改设计上的缺陷，使艺术家的表达形式更加丰富。需要注意的是，数字艺术并不是对原有艺术创作形式的摒弃，而是继承与创新。数字艺术将传统的艺术设计通过技术手段高仿真模拟，节省时间的同时，提高了工作效率。数字艺术通过对艺术作品的缩放，使艺术设计更加规范与精细。数字艺术对基础绘画重视艺术家的思想表达与艺术表现力，因此，能够为艺术设计提供更多的自由创作空间。
二、数字艺术对艺术设计的影响
1）丰富了艺术设计表达形式。
在数字艺术的推动下，艺术设计的范畴有了很大程度上的扩展。多种数字媒体所带来的视觉、听觉上的有机互动，促进了艺术设计新的传播模式的形成。数字艺术通过对多种艺术元素的应用，数字技术在艺术家艺术思想的指引下，对多种艺术元素进行搭配，实现艺术设计的多元化、动态化与立体化表达方式，相对于传统艺术设计而言，在创作理念与表达方式上是一种重大革新。艺术元素根本上来源于现实生活，很多艺术家由于表达形式上的限制，无法通过传统的艺术表现形式完成艺术创作。通过数字艺术对多种艺术元素的组合，使艺术家的艺术表达更加全面，更加具体化或是抽象化，从而有助于艺术家的思想表达。
2）提升了艺术设计应用水平。
艺术从根本上有利于解决社会与人、人与自然之间的关系，促进人对于自身、社会与自然的理解。艺术设计作品基于满足人的需求与商业上的价值，在艺术元素的运用上，更趋于人的需求表达。因此，艺术设计变化也在一定程度上反映了物质生产与科学技术的发展或者是退步。数字艺术的应用，通过对科技的应用，使精神与物质之间能够有着更为充分的结合，使艺术作品更加实用与具体，从而为社会的发展创作出更多的动力。艺术创作基于现实生活，艺术设计者通过对艺术作品的实用性提升，为社会发展创作出更多的实用价值。
3）促进了艺术设计教学模式革新。
艺术设计的理念创新与技术应用的进步需要广泛传承与创新。因此，艺术设计的教学模式革新需要借助现代计算机网络信息技术，实现艺术设计新理念革新。同时，数字艺术的有效应用，需要设计者掌握计算机技术、摄影技术、机械原理等相关领域的知识，能够对各种领域中的知识化为启发灵感、创作的来源。因此，数字艺术也对设计者提供了相互学习的机会，使不同领域中的内容能够获得更多的应用，促进艺术创作水平上的提高。
三、数字艺术发展前景
数字艺术的发展方向仍然着重于艺术创作，但是在艺术创作形式与艺术创作的用途上回更加多元化。创作手段与艺术交流方式，随着数字艺术的推广与应用，将会呈现出更加丰富、系统的发展趋势。艺术使人类思想与文化上的产物，是对现实世界的反映。在当今时代中，如何将精神文明与物质文明有机结合，切实提升社会人的思想文化内涵十分重要。快餐文化的到来，在很大程度上冲击了传统艺术。生活节奏的加快，文化建设的相对落后，人们对于优秀文化作品极为渴求。数字艺术正是要基于社会人对优秀文化的需求，通过现代计算机信息技术，使艺术作品更接近于现实生活，满足社会群体的精神需要。随着艺术设计手段的不断丰富与成熟，艺术创作也正在逐步走向多元化与大众化，人们参与艺术创作的热情也将会极大增加社会对数字艺术的重视程度，从而从整体上提升社会文化内涵，密切人与艺术之间的沟通与联系，促进社会精神文明建设，实现艺术与社会的发展。
四、结语
