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视觉艺术专业范文1
论文摘要：文章明确了视觉艺术的基本概念及其在教育中地位的重要性，重点探讨了我国视觉艺术研究的现状，即思维单一化，缺乏系统化和创新性的研究方法。提出今后研究者要在分析我国视觉艺术环境形成因素的基础上（受不同历史、政治、宗教、风俗等因素的影响），融会中外优秀的视觉艺术经验，才能避免研究方法的误区，使我国今后的视觉艺术教育健康繁荣地发展。
早在史前时代，人类就用图像模拟和创造自然世界，今天视觉艺术已经成为人们传达文化信息的重要系统，是人文科学的新领域并占据着重要的地位，当代文化理论更称之为“图像的转换”。忽略了视觉艺术发展的有机整体必然造成文化的断层。到目前为止，对视觉艺术并没有一个完全合理的概念解释，一般是指人们将眼睛所看到的自然形象，进行有意识的描绘，完成某种功用，赋予艺术作品一种文化内涵，并通过不同的载体传播与交流思想。视觉艺术的形式有很多，主要有以下几大类：绘画、影视、雕塑、服装、广告、摄影、动漫、建筑、多媒体艺术等。视觉艺术教育已经成为重要的专业教育组成部分。视觉艺术研究方法直接决定着其教育的科学性。本文将分析我国视觉艺术研究存在的主要问题，并提出一些对策建议。
一、我国视觉艺术教育研究存在的主要问题
1.我国视觉艺术教育研究存在单一思维模式
我国早期的视觉艺术是在一个与外界相对隔离的半封闭环境中形成的，带有农耕经济特征和血缘宗法制度，是儒、释、道等不同文化形态相互融合的自发性独立文化体系。今天我国的视觉艺术产品随着经济形势的发展异常繁荣，视觉艺术研究却一直未受到应有的重视（其中还包括基础文化艺术设施的建设，如艺术博物馆、大学视觉艺术的学科建设），这既不符合社会发展规律，也难以推动文化艺术的整体健康发展。
例如，目前我国的绘画艺术研究就是一种典型的单一思维。由于我国的绘画艺术拥有传承数千载的历史背景并有人数众多的从业者，这造就了许多单一范围内（中国）根深蒂固的思维模式，违背了艺术的多样发展规律。学校的绘画教育甚至还停留在简单的基础训练和理论研究中，特别是我国油画的百年发展史，在缺乏对“真实”的学习和“文化断层”双重因素影响下，其功能性正逐渐丧失。
2.我国视觉艺术教育研究缺乏系统化
随着经济的快速发展，我国视觉艺术研究亟待与世界接轨。尽管有更多机会学习西方视觉艺术的先进经验，但目前有些人研究方法简单，不是拿来直接抄袭就是东拼西凑。主要原因是研究者在对视觉艺术学科间的比较研究中缺乏应有的联系，没有融会贯通，没有系统了解中西方视觉艺术及各种流派的变化，忽视系统的美学知识理论指导，而进行盲目的实践。长此以往，研究逐渐就会陷入尴尬的境地，没有自己的创新性和民族特点。
通过对我们本民族的视觉艺术与国外视觉艺术的研究可以发现，由于地域、民俗和宗教信仰的差别，在传统视觉艺术上存在明显的不同之处。缺乏系统化也表现在我国视觉艺术研究专著贫乏，难以在教育研究中起到指导借鉴作用。系统化研究就需要理顺视觉艺术发展的脉络，细致入微地从视觉艺术的绘画、图案、包装、招贴等方面比较研究中外在传统视觉艺术方面的不同之处，提高研究者的创作能力。
3.我国视觉艺术教育研究需要创新性的思维方法
视觉艺术的发展源自于人类无限的创造活力。长期的单一思维和缺乏系统化的研究方法从根本上阻碍了创造力的发挥，束缚了想象力的培养，其中包括创新性的思辩能力。因为创新性的观点来源于最少程度的思想限制和对课题的系统把握，有了丰富知识的指引，才能创新样式，保持视觉艺术发展的活力，并能指引健康的文化艺术发展方向。比如基础教育中强化构成艺术中的形式语言，而形式语言的图像符号就需要学生作为创新点展开无限想象的空间。视觉艺术的创新性思维方式的培养应当成为今后的首要教学目的。
二、我国视觉艺术研究误区及解决策略
视觉艺术的繁荣程度是一个国家经济繁荣的重要标志之一，而研究方法的科学程度从根本上又决定了视觉艺术的发展方向。我国薄弱的艺术教育力量和视觉艺术的历史经验无法适应视觉艺术研究发展的需求，一些行政干预也违背了市场规律。要解决思维单一化，前提是加强视觉艺术的基础教育，重视视觉艺术发展的文化地位，特别要排除行政思维等非专业性干预。
我国在视觉艺术研究中从根本上缺少跨学科、系统化的研究方向。目前在我国绘画艺术加速弥补文化断层的基础上，设计似乎也开始逐渐建立自身完整的研究体系，这主要得益于国际商业交流的频繁，促进了跨学科、系统化的进程。但视觉艺术设计较绘画似乎更加忽视自身艺术史的研究，对国外艺术史也存在断章取义，这必将使我国的视觉设计发展成为无源之水、无本之木。比如研究传统图案在包装上的应用，思维不能仅限于传统图案，若将当代文化内涵和中外传统图案设计元素联系起来，发现共同点，去掉不适合现代社会的因素，效果会更好。不同设计能够体现不同国度的风俗变化，扩展品牌的国际声誉，视觉设计更能达到出奇制胜的目的。系统化提示我们在设计中不仅要考虑功能性、装饰性，还可以从其他不同艺术形式中寻找装饰语言。要很好地运用形式美的要素，把不同的表现形式运用在同一平面上，使之协调整合成为一个完善的创意。因为形式要素中点、线、面的运用一定是相通的。当然，由于时代的不同，艺术风格也要相应变化，要考虑地域、风俗习惯、民族性、宗教信仰等各种条件，并且涉及到社会学、心理学、宗教学、民俗学等多学科的知识，使之融会贯通，更加系统化，成为雅俗共赏的设计样式。这样才能设计出有创新性、国际性的大品牌产品，为产品走向世界奠定基础。
创新性依赖于完善的创作思路，而提升创新性的关键在于解放思想、深入探索，挖掘创作者的潜力。这也迫使我们的视觉艺术教育研究进入这一良性循环轨道。
结语
本文主要是探究我国当下视觉艺术教育研究的一般思维方法误区，从视觉艺术的图案、包装等应用方面及绘画艺术实例，比较分析我国在视觉艺术研究方面的不足，从中找到今后需要改进、提高的地方。研究时避免单一化，追求多元化、跨学科的思维方式；将知识整合，汲取中国传统艺术的精华，创造出更接近自然、更人性化的视觉艺术作品；学习国外的视觉艺术创新性方法，在借鉴之后提倡更富新意的创作。因此，研究者要能跨学科，互相取长补短、融会贯通，推动我国视觉艺术走积极健康的发展之路。
参考文献：
[1]鲁道夫·阿恩海姆.艺术与视知觉[m].成都：四川人民出版社，2001.
视觉艺术专业范文2
[关键词]视觉传达设计 创新能力 问题意识 培养与策略
创新的核心关键就是问题，问题的提出代表着求知欲望，这就为科学研究提供了强劲的生命力，在设计方面同样如此，人性化设计、服务设计、体验设计、绿色设计等设计理念的提出都强调以人为本，在设计理念的不断变化过程中，问题意识起到了关键作用，问题意识指引设计研究，推动设计研究，完善设计研究，并最终解决设计中的实际问题，是整个科学研究活动的主线。设计的改良和发展是对传统理念的挑战，设计本身即是一种创造，发现问题、提出问题、解决问题是设计创造的过程，也是创造性思维的集中表现，因此重视问题意识，挖掘问题意识将成为设计研究活动中不可缺少的重要环节，从而使问题意识成为促进科学研究发展的常态形式，发挥问题意识在设计研究领域的推动作用。
一、视觉传达设计创新能力要素
（1）创新设计理念。视觉传达设计的主要目的是信息的交流与传播，随着时代的进步，其传播媒介、传播方式都有了巨大的改变，传播理念的不断改变其根本是人的延伸，视觉传达设计的科学研究是视觉符号的研究，所以基于不同时期的传播方式人的接受理念也在不断变化，在信息数字化发展的时代，新的信息传播理念的形成，已对固有的传播理念形成了巨大的冲击，而科学研究的创新方式是基于传统理念的提升，在科学研究的过程中，要能够把握视觉传达设计的发展方向，结合信息时代的特点，突破传统理念的束缚，以数字媒体时代为契机，使人们对于信息的接收方式从固定的以传统媒介为载体的模式转化为多元化、多维度的数字化载体模式。设计理念的创新要随着时代的发展而变化，绿色设计、服务设计，体验设计等理念的提出都是基于时代的发展需要而产生的。综合设计的不同需求，就要求更为广泛的学科内容，设计与艺术学、美学、传播学、材料学、营销学、心理学等学科内容的交互性越来越强，对于综合学科内容的把握有利于视觉传达设计更好的迎合市场的要求，使科学研究的跨学科性，跨专业性得到加强，科研创新是对旧理念的突破，是对新理念的实施，视觉传达设计的科研创新同样要符合时代的发展需求，理念的创新能够带来结果的创新，同样也能使设计发挥更大的作用。
（2）创新技术表达。良好的技术表现形式能够促进视觉传达设计的速度和效率，科学研究的过程和成果需要良好的平台，借助数字媒体技术在技术表现形式上的创新，能够使视觉传达设计的表现形式更丰富，媒介形式的多样化使信息在传播过程中交互性更强，覆盖面积更广，传播效率更高，数字传播媒介与传统媒介相比在传播环境上已经发生了质的改变，数字化技术的革新更好地表现了设计创意，同时使视觉传达设计的成果展示能够借助数字化技术呈现出虚拟现实的设计形象，数字化的形象展示融合了图形、色彩、音频等多种设计元素，使受众群体从视听觉等各个方面都得到了前所未有的体验感受，这是数字技术表现相较于传统技术表现形式的巨大优势。创新技术表达不仅使表现形式更加多样化，同时也使内容的复制、应用、修改、传播更加便捷，综合了技术与艺术的表现，促进了媒介与传播的融合。视觉传达设计本身就要求具有很强的时效性，借助信息技术平台的发展使视觉传达设计在各方面做到不断推陈出新，所以，视觉传达设计的创新研究需要技术的支撑，技术的创新也为设计提供了更为优质的平台，从而使设计不再受到技术的约束，做到相辅相成，相得益彰。
二、问题意识在视觉传达设计的创新研究的重要影响
（1）问题意识突破传统思维方式。问题意识是创新能力的重要组成部分，视觉传达设计需要更为突出的创造性思维能力，甚至批判性思维，打破传统思S的设计才能让人耳目一新，才能带来强烈的视觉冲击力和感染力，而实际中从事视觉传达设计的专业人员忽视了在数字媒体时代所反馈出的问题，比如信息载体的变化，数字时代的特征变化，而停留在传统的思维模式上一成不变，以传统的设计方式面对日新月异的市场环境终将被市场所淘汰。问题意识的提出基于现实设计中的真实问题，实际问题，是以合理的设计解决实际需求的过程，具有强烈的科学性和创新性，为设计创新提供不竭的思维动力。问题意识淡漠是制约创造性思维能力的关键，缺乏逆向思维、联想性思维、发散式思维、缺乏敢于怀疑能力是学习和科研创新的绊脚石。设计的本质即创造型思维的表现，优秀的设计则是建立在创新的思维能力之上，提出问题，带着问题去进行设计改良，才能更好地获得创新性的成果，西方的广告设计往往能够立意新颖，特点鲜明，其根本在于更重视创新性思维能力的培养。
（2）问题意识引导科研创新。在任何的科研活动中，问题贯穿整个科研整体，在视觉传达设计方面同样如此，视觉传达设计是通过视觉媒介表现并传达给受众的设计，无论包装设计、印刷设计、广告设计、品牌形象设计等，如何快速、准确、富有吸引力的表现是视觉传达设计的关键，确定了问题就确定了设计的目标和任务，就为解决问题提供了明确的方向，设计的创新来源于发现问题的能力，发现一个有价值的问题犹如开辟了一个新的研究领域，如仿生学设计的应用师承于自然，可充分应用于包装的外观设计和造型设计，无论是造型上的仿生亦或是功能上的仿生，创新性都是来源于细心的观察和发现，将有价值的设计元素提取并应用于实际的设计需求中，所以，问题意识的提出是关系到设计创新能力的关键因素，是引导科研创新的先决条件。
（3）问题意识促进创新成果。视觉传达设计问题意识的提出，恰当的设问，应围绕现实性、多元性、直接性来进行，解决方案的实施要具有科学性、可操作性、建设性。视觉传达设计要符合市场的需求，如广告设计注重创意内涵是为了满足人们的精神要求，包装设计注重视觉元素和造型是为了满足人们的审美要求，标志设计注重图形内涵是为了满足品牌形象的记忆与传播等，都从单一化的传播作用转化为满足人们精神文明需求多元化的视觉设计，从传统媒介到数字媒介的转变，传统视觉语言到数字化形式的转变，无不是由问题意识带来的设计创新成果，只有在设计中不断地提出问题并以创新的思路去解决问题，才能使视觉设计做到与时俱进，视觉设计是创造的过程，是将问题意识形态化的过程，问题意识的建设性越强，所呈现出的视觉设计成果也就越具有创新性，经济基础决定上层建筑，对于视觉设计而言，问题意识将决定设计成败。
三、视觉传达设计与问题意识培养
（1）保持对设计动态的敏感性。视觉传达设计的发展日新月异，从事视觉传达设计要具有高度的敏感性，在视觉传达设计方面，综合性、多元化的知识储备使设计理念、设计思维更具有深度，通过对生活中接触到的各种事物并学会以设计的眼光加以分析，要能够形成良好的艺术通感，感受与设计之间的某种内在联系以形成敏锐的设计嗅觉，设计来源于生活，视觉设计前沿动态的时刻变化要求我们要以独特的视角去看待问题，敏锐的嗅觉有助于我们快速的发现问题，并且不会对这些问题视而不见，如视觉元素（图形、图像、符号、文字、色彩）的变化，新材料、新技术、新能源的更新，当然，设计的敏感性同样离不开艺术与审美情趣的修养，艺术鉴赏能力的修养，也要求具有良好的职业道德和专业精神，视觉设计的敏感性是直觉与阅历的统一，是对视觉设计持之以恒的高度专注，是知识经验和工作能力的积累，所以，问题意识与培养视觉设计敏感性有着直接的关系。
（2）数字技术带来新问题。数字技术的发展使视觉传达设计研究面临着新的问题，同时也带来了新的机遇与挑战，技术的发展对设计的发展具有一定的强迫性，视觉传达设计要能够符合数字技术的需求，数字时代的变化使得视觉传达设计的表现手法变得多样化，抽象性、具象性、动态的、静态的、虚拟化等视觉符号形式，设计作品也因此具有信息量丰富、传达形式多样、注重时效性、交互性的特征，技术的更新使视觉传达设计的研究不仅要注重内容，而且也要注重其形式的变化，视觉媒介传播由单一性向多媒介组合方式过度，无论从事科研工作或是教学工作都应该将数字技术带来的变化紧密的与视觉传达按设计专业相结合，使视觉传达的O计观念、设计内容、表现手法，传播方式、反馈机制等方面都能够具有明确的时展技术的需求，适应数字时代带来的新变化，即是视觉传达设计的创新。
（3）发展定位带来新问题。
视觉艺术专业范文3
关键词：音乐教育；爵士乐；专业建设；学术视野；音乐理论；音乐实践；音乐本体；民族化
中图分类号：J60
文献标识码：A
爵士乐（Jazz），19世纪末20世纪初发展于美国新奥尔良的一种流行音乐现象，至今已有近百年的历史。中国大陆最早出现爵士乐是20世纪30年代的上海。由于历史原因，爵士乐曾一度消失在中国大陆的音乐生活之中，至20世纪80年代以后才重新受到部分学者、教育工作者和音乐爱好者的关注。然而高等艺术院校爵士乐专业的建设工作却一直时隐时现。欲言又止，诸多理论问题也是头绪难寻。呈现为一种自生自灭的自然状态。为此，笔者就我国艺术院校爵士乐专业建设若干理论问题作如下思考和解读。以求对该专业建设和发展带来一些有益参照。
一、拓展爵士乐专业的学术视野
拓展专业的学术视野，实现学术上的互补和相互渗透，其目的就是意识到学科之间的普遍性、特殊性、个别性的规律及相互关系，这对我国爵士乐专业的发展和深化，具有重要的战略性意义。音乐学学术视野是否狭窄，主要表现在其与其他相关人文学科之间、音乐学各子学科之间，甚至子学科的内部是否相互疏离甚至隔绝，此现象在当今音乐学学术研究中并不鲜见。为此。爵士乐专业的学术视野同样未能幸免。
1.拓宽学术视野的必要性
爵士乐是较早进入高等艺术教育的流行音乐现象，事实上已经成为流行音乐这一新兴学科的基础教学内容。经过几十年的发展它已经逐渐成为当代流行音乐教育的重要组成部分。作为新专业，爵士乐教育的定义与理念、内容与方法、发展方向等，简言之即专业的“定位”问题，一直是其办学理念、学科定位讨论的焦点。这种学术讨论是高等艺术院校爵士乐专业教育的基本要求。
探讨学科“定位”，首先要考虑的就是在音乐学学科内，爵士乐与其他子学科的关系，以及它在人文学科中的学术价值与人文意义。然而客观情况是，爵士乐专业目前还未能与其他学科实现学术上的良好互补和相互渗透，甚至有时未能取得其他学科的认同，孤立发展的尴尬局面依然存在。相伴而生的是，爵士乐自身也存在固步自封的局面。这种情况在我国高等艺术院校爵士乐教育发展中尤显突出。值得深思。
同样，考虑到学科发展的自身规律，也应该重视爵士乐专业学术视野的拓展问题。在当代学科发展趋势中，各种学科注重“跨学科”、“交叉学科”发展。爵士乐专业的孤立，势必成为不利发展的因素。所以尤其需要学术视野的拓宽，并且努力形成跨学科、交叉学科的新局面。
2.爵士乐专业的学术范畴
在高等艺术教育中，“专业”，是依据确定的培养目标设置于高等学校或相应的教育机构的教育基本规格和要求。从学科高度看，专业是学院办学理念、目标定位的具体体现。这一点在艺术人文类的专业中，则意味更深。因为考虑到艺术人文类高等教育的特殊性，专业，除了意味着的技术、职业，还意味着专门的学问。即其学术内涵。加深对“专业”的认识，首先应该为爵士乐勾勒其学术语境。把爵士乐专业的建设放在深层的学术研究视野当中，使它具有学术的高度、深度和广度。
爵士乐的学术研究有两个大的方向：一是爵士乐理论与技术；二是对爵士乐的解读与阐释。对于专业发展来说，两个方向应该齐头并进，相互联系，相互支撑；但叉各有目的与意义，它是涵盖社会、文化、哲学、美学、历史、创作、文本、技法等范畴的综合性的人文品质。
3.音乐本体研究
爵士乐本体研究应该包括几个不同的层面，即爵士乐理（J8.ZZ Theory）研究，爵士乐风格与表演研究。爵士乐发展历史研究，爵士乐与都市文化及方法论研究等。
英文通常把爵士和声、节奏、记谱法以及演奏技巧等理论统称为Jazz Theory。之所以统称，是因为这类理论主要面向爵士乐的教学和表演。但它们只是爵士乐本体研究的一个部分，而不是全部。
众所周知，爵士乐的教学与古典音乐有共同的基础.亦有其特殊的侧重和方法。如爵士和声、即兴演奏、独奏，爵士风格语汇、爵士编曲、作曲等。这一领域常见的一个问题是，人们常常会孤立地讲解爵士乐的理论，缺乏与其他音乐的充分参照。因此常常造成学生对爵士乐特性理解的偏误，由此引发的教学争论非常多见。
爵士乐的历史研究告诉我们，这种音乐体裁的根基深植于西方古典音乐，尤其是受到现代音乐、都市流行文化土壤的滋养，因此它与音乐学其他专业不仅不是隔绝的.还应该是贯通的，甚至可以作为现代音乐语汇的重要组成部分，在各传统音乐学分支学科中起到连接作用。换句话说，要让学生更好地理解爵士乐的独特性，需要有综合的音乐理论知识。
爵士乐风格与表演研究是内容更为丰富的一个领域，主要包括：爵士乐风格语汇与表演形态的研究，代表演奏家、作曲家的个案研究，爵士乐与其他音乐体裁、风格的融合研究，爵士乐组织形式与文化现象关系的研究；爵士乐风格与受众、交流及审美关系的研究等等。显然，上述研究是更加需要跨学科、交叉学科的研究视域和不同学科理论的积淀。
爵士乐作为都市文化和流行音乐现象，其研究方法和学习方法不仅仅局限于单一的技术操作层面，它往往涉及社会学、文化学、哲学、、心理学等学科，尤其与现代社会重大事件和变革息息相关。爵士乐涉及现代社会事件、重大变革、意识形态、审美趣味、精神信仰的现象并不鲜见。因而不能忽略爵士乐作为团队意志和精神力量载体的重要作用，其推动力和号召力不容小觑。
另外.还有一些“学习方式”问题也引发学术界的普遍关注。它涉及到实际教学不太关注，但又非常重要的课题.即流行音乐家是怎样学习的。学校流行音乐教育与流行音乐家的成长之间是什么关系等，这些问题仍然需要参考其他音乐学分支学科的研究成果和教学方法。
这些不同层面的本体研究有一个共同课题，即探寻爵士乐“本体”特殊性及相关理论问题的阐释与分析。这两个关联的课题构成爵士乐分析的方法论问题。此问题的出现，是因为爵士乐研究者们普遍发现，古典音乐成熟的音乐分析理论并不能完全适合于爵士乐分析，它需要跨学科、交叉学科的相关理论和方法来加以研究解决。
4.音乐历史与文化
爵士乐专业的学术视野不应仅限于单一技术层面的研究，爵士乐本身既是历史现象也是文化现象，并且与人类社会历史进程和文化发展同步，不能将其从人类社会进程和文化发展关系中加以割裂。因为，脱离具体社会和文化语境的爵士乐本体研究将是无源之水无本之木。脱离文化理解的爵士乐专业技能学习恐怕也难与时代特征相契合，更何况爵士乐本身即是现代社会发展的产物。把爵士乐专业契人大的音乐和人文学科背景中去，找到它的位置，找到它与其他专业学科关系的契合点，最大程度地使其在整体上构成完整性、系统性；并使其变异性、多样性能够成为人文学科交流与发展的有机组成部分。这一范畴的研究，需要社会学、人类学、文化学等学科方法和知识的介入。
美国爵士乐评论家、音乐学家马歇尔・斯特恩斯（Marshall Stearns）“爵士乐研究学会”（世界上最大的爵士乐综合研究机构）的创始人，曾在1953年说：“爵士乐研究学会的主要目标是在我们的社会中培养一种对爵士乐本质和意义的理解和鉴识。更具体地说，为了实现这个目的，协会要把研究者和音乐家们在爵士乐早期实践中获得的知识与技巧收集整理起来。与社会学者以及其他学者专家的研究结合起来。通过这种方式，爵士乐及其相关课题便可以获得学术研究的深度和广度，而这也是它完全应该得到的。这样，美国文明中一个至关重要而又受到忽略的领域，将得到阐释。”可见，多学科、多视角成为爵士乐研究主要目标，其中的本质、意义和价值判断业已成为爵士乐研究不容忽视的重要目的。
5.爵士乐研究在中国的文化意涵
中国的爵士乐肇始于20世纪二三十年代的上海。它在当时影响了中国流行音乐的发展，也曾经是近代中国大都市文化的重要组成部分，可以说爵士乐是“夜上海…‘不夜城”的音响记忆，当时舞厅、时装、唱片等时尚生活方式无不打上了爵士乐的印记。上海流行音乐留下的经典歌曲唱片中，处处留下了爵士乐队的风格印记。同时，中国的音乐作品也曾被美国爵士乐吸收。虽然时至今日爵士乐仍不是中国的“主流”流行音乐，但是爵士乐在中国当代大众文化生活中留下了深刻的印记，蕴含了丰富的时代特征、人文内涵和现实意义，值得关注、梳理和研究。
中国的研究者有一份特别的工作，或称扮演了一个特殊的角色，那就是大量翻译、转译、引进欧美学者的爵士乐研究成果，是名副其实的“二传手”。这项工作不仅为我们深入了解、学习爵士乐积累相关材料，而且为我们真正进入爵士乐的研究打下基础。
美国爵士乐教育的发展，正处于一个他们称之为“重塑爵士乐教育”的阶段，之所以提出这样的观点，是因为他们对发展了半世纪的爵士乐高等教育的反思所致。这一概念的提出，其实也正是对专业发展、学术语境的不断追问，以此获得更为宽广的学术语境和发展方向，使爵士乐专业得到更大的发展空间。所谓学术性质的背景，就是要让专业教学始终处在“问题意识”的不断追问之中，始终保持它的探索性、融合性和时代性特征。
二、加强理论与实践的相互作用
理论与实践的脱节在音乐学领域是一个不争的事实。多体现在形而上的理论研究与具体的音乐实践之间缺乏真正意义上的有效链接，各行其是。爵士乐在中国的发展也面临着此类问题。尤其是理论研究尚未达到一定的深度和高度，缺乏相应的理论思维支撑，与实践相比尚有较大的差距，无法形成对实践的有效引领，实践层面也尚未形成特有的风格与特征；反之，也影响到了爵士乐的理论建设和发展水平。
1.爵士乐理论与实践的关系特征
从爵士乐的发展历史来看，在最初是没有太多理论和观念的，而越来越丰富的实践积累最终导向了爵士乐的理论“自觉”。例如“二战”后“比波普”爵士乐出现以后，爵士乐手已经非常注重自身的音乐理论修养。另外如调式爵士（Modal Jazz）的出现则直接是来自爵士乐和声理论的创新。爵士乐作曲家乔治・鲁索的和声教材出版，启发了迈尔斯・戴维斯等音乐家的调式化音乐创作。欧洲古典音乐历史中。巴赫、拉莫、D.斯卡拉蒂、舒曼、瓦格纳等大音乐家既是创作者，也是理论探索者。可以说爵士乐同古典音乐一样，从无视规则的大胆游戏，逐步走向了越来越系统的理论积淀，甚至出现“理论先行”的情况。认识爵士乐的发展，值得强调的是，不可忽略爵士乐对理论重视的这个关键时期，正是在这一时期，爵士乐艺术价值和时代特征开始获得更多认可，出现了数量可观的理论性研究成果。
从教学来看，和欧洲古典音乐一样，爵士乐的学习同样是理论与实践并重并行的，同时它又有一些独特的手段与要求。从理论与实践的交互渗透过程来看，从某种意义上说，爵士乐的学习要求更高。
例如古典音乐演奏者的学习围绕“曲目”展开.因而曲谱是学习的“中心”，而在爵士乐手学习中（特别是独奏和小型乐队中），“听”是核心，然后重视即兴的“表达”，乐谱是参照而不是唯一，其目的是为了尽快把握一首“爵士标准曲”（jazz standard）。例如爵士乐手使用Fake Book，Real Book，只是辅助使用.甚至要随时辨别其记谱的错误。而唱片、录音、现场。对学习者来说，比谱子要重要得多。
再者，爵士乐专业的学习要进行大量音阶与和弦及和弦连接（chord changes）的训练，以及大量的乐句语汇积累，而这些内容不仅以“音色…‘速度…‘流畅性”等传统演奏的标准去衡量，更加重视和体现对这些材料掌握的灵活度及个性化的组织运用，具有强烈的即兴感受和领悟性质。可以说，爵士乐专业学习的“实践”理念，有相当独特的感性特征和内涵要求.要想在教学中达到这方面训练的目的，相应的理论指导和现场领悟是非常重要的。
当代爵士乐大师。如乔治-拉塞尔（George Rus―sell）、派特-马蒂诺（Pat Martino）、派特・迈锡尼（Pat Metheny）、乔・帕斯（Joe Pass）、Wynton Marsalls等，几乎个个都身兼演奏与教学的双重任务，那些称得上成熟的，但并非一流音乐家的爵士乐手也都从事教学工作。这从一定程度上反映了爵士乐教学的特殊性和社会需求度，也反映了它自身专业属性和社会属性并存的特殊存在方式。那么爵士乐在高等音乐教育中也就非常有必要找到自己的位置。
2.现状：理论与实践的脱节
从音乐学领域的现状来看，理论与实践的脱节是一个不争的事实。在近代学科追求独立和学科建设自律的趋势下，理论研究追逐形而上的探索，与音乐实践的有效连接被边缘化。各行其是的发展结果造成理论和实践的“两张皮”现象，不论是理论自身建设还是对实践的观照均显示出乏力的一面。这些问题同样存在于爵士乐教学之中，只是显现一些特殊性而已。
首先，当前爵士乐教学理论内容过于狭窄，还停留在基础层面。所谓基础层面指普及性知识介绍和讲解，爵士乐理论被爵士乐常识所取代。人们似乎更看重爵士乐的表演环节，随心所欲，无拘无束。表层现象遮蔽了作为理性存在观念意识和理论品格，仅从玩的心态将其理解为个性化欲望得以表达的自主行为。
爵士乐成为大学专业课程的重点、难点在于确立一定的教学标准，一定的理论体系。但该领域中争议颇多。较早建立普适性教学内容的雅梅・埃伯索尔德（Jamey Aebersold）就引来诸多批评，认为他的爵士教育内容狭窄。目前常见的爵士和声，爵士器乐演奏技巧出版物绝大多数属于爵士乐的“常识”知识，它们远不能完整地构成这门音乐艺术及其文化的架构。因此，“爵士乐理论”与爵士乐研究，还是一个亟待加强和需要大量学术投入的研究领域。
美国学者认为，现有的爵士乐常识教学还远远不够充分。常识部分的教学并不能给“风格…‘个性”“意义”“价值”这些对爵士乐极为重要的部分带来根本性的影响，更无法解决“创造力”的问题；而且即使“常识”部分，也还有大量值得商榷的东西。
爵士乐在中国的发展也面临着此类问题。尤其是理论研究尚未达到一定的深度、高度和广度，缺乏相应的思维观念和理论积淀，与实践相比尚有一定差距，无法形成对实践的有效掌控和引领。其次，我国爵士乐的实践层面也尚未形成独特的风格、个性与特征.反之，也影响到了其理论建设的水平。
综上所述，建构具备鲜明中国风格特征的爵士乐理论与实践体系是推动艺术院校爵士乐专业建设的基础，其有效互动的规律与发展还有待有识之士付出艰辛的劳动。
三、注重音乐本体研究
由于音乐语言缺乏语言艺术中相对明确的语义性和造型艺术中的具象性，因而在接触音乐作品的内涵问题时，是很难将内涵与声音形式这二者分割开来而完全采取二元化方式进行阐释的，这是由这门艺术自身的独特性质所决定的。…因此，对其本体研究的重要性再一次摆在我们面前。这就要求我们应对音乐本体，即它的符号意义、符号结构、构成方式、技法演进等有足够专业性的认识和把握能力。
1.本体研究的意义
相对于古典音乐，爵士乐的本体研究还处于起步阶段。，爵士乐本体研究的意义，一方面体现在爵士乐理论研究的充实与拓展。另一方面，它也是爵士乐专业教学的基石。过去学界对爵士乐的研究成果更多集中于历史、人文的阐释与梳理，对声音形态研究则相对仍处于不对等的发展现状中。如前所述，爵士乐的本体研究有一个基础性领域，即本体内容和它的方法论。
比如爵士乐重视即兴演奏，这就是一个比较特殊的研究领域。在古典音乐中，音乐作品分析的首要“文本”是曲谱。在理念上，我们认为曲谱是作曲家作品的具体体现，而在爵士乐中这个问题变得棘手。现实中很多爵士乐的作品没有固定的作曲家“手稿”，它的第一文本是“音响”（唱片），而同一个作品常常有很多不同版本的“音响”。由于即兴演奏的结果，这些录音每次都有或大或小的变化。另外，很多爵士音乐家的作品，是对传统“标准曲”的改编演绎，而不是原创。这些问题不仅给文本分析带来不确定的因素，也让我们发现爵士乐的作品观念与古典音乐的作品观念之间存在着较大的差异。因此，面对爵士乐本体分析的这个“对象”.首先给研究者在确定作品版本方面带来一定的难度。但这恰恰是爵士乐自身所独具的特征。
从更宽泛的角度看，爵士音乐的本体研究，包括演奏、创作、编配、风格化等诸多方面，可以说，本体研究是“专业化”教学的前提。爵士乐本体研究面临大量的工作，学术前景非常广阔，同时也非常具有挑战性。因为对爵士乐语言的研究不同于古典音乐的研究，它尚处在“分析工具”的探讨阶段，经典音乐学的作品分析手法面对爵士乐的表演和作品文本，尚存在许多不能被真正解决的问题。我国爵士乐本体研究则基本上处于吸收、消化的阶段。
2.爵士乐本体研究的两个主要方面
总体来说，针对艺术院校的专业建设，爵士乐本体研究有两个大的方面：一是爵士乐语言研究，如爵士乐和声、爵士乐编曲、爵士乐与其他音乐体裁的融合等；二是爵士乐风格语汇研究，如摇摆乐、比波普、调式爵士、融合爵士等等，其中还包括代表性音乐家的个人音乐语汇研究等。
爵士乐在音乐本体的丰富性方面已经获得了较为一致的认可。与摇滚乐、民谣等音乐体裁相比，爵士乐是流行音乐领域在音乐形式和语汇方面影响最大的类型。爵士乐的和声、节奏不仅辐射到流行音乐当中，也对欧洲古典音乐在近现代的发展产生了深远影响。但是坦率地说，仅就爵士乐目前的理论状况、“爵士乐”的观念和概念、笼统的爵士乐语汇提炼等，还远远达不到支撑一个专业领域所需要的知识体系。
爵士乐体裁内的风格流派细分令人惊讶。不同风格的爵士乐在形式与内涵方面可能有显著的差异。因此.很多研究者认为，至今没有哪种爵士乐的常见定义是可以全面概括“Jazz”一词的内涵的。风格，也是我们研究爵士乐本体及音乐内涵的重要方面。
在当下的爵士乐教学中，Jazz常常被简化为“即兴演奏”，缺少全面的风格分析和教学演示。学生因而把主要精力放在单纯的爵士音阶与和弦学习以及即兴演奏的实践方面。由于对风格概念的认识较为模糊，再加之聆听欣赏范围的有限性，为此学生很难真正进入爵士乐的世界。
以美国高校的爵士乐教育为例。回顾过去几十年的教学实践，笔者认为，爵士乐教学的一个突出问题是：学校课程中缺乏对爵士乐音乐语言、风格知识的传授，而更多的是进行乐队排演，强调音乐竞赛的成绩等。该状况在培养杰出爵士乐人才方面的局限性是显而易见的。
四、探索爵士乐民族化的有效路径
所有的外来艺术样式在本土的呈现过程中，除具备其原本的意象和形态之外，在与本土文化的融合过程中，尤其看重精神层面的解读与表达，这是其生长发育的要素。爵士乐这一西方大工业时代的产物如何实现与中国文化之间的对话呢？
1.爵士乐民族化发展的意义
爵士乐在过去一个世纪的音乐生命力和文化影响力，绝不只是体现在“流行”这一点上，在很大程度上还体现在它与其他音乐和文化交融时表达出的自由、包容和创造性方面。爵士乐是非裔美国人的创造，但更是各种音乐基因混合的后代。它的萌发地美国港口城市新奥尔良，本身即是一个欧洲、拉美、非洲文化的汇集地，正是这种特点给不同音乐文化的碰撞创造了历史机遇。
爵士乐几乎在刚刚形成体裁特征的时候，就已经吸引了德彪西、拉威尔、巴托克、斯特拉文斯基、米约、肖斯特科维奇等欧洲作曲家，他们均尝试借用爵士乐的节奏或音调特征来丰富自己的创作。在随后不久的“第三潮流”创作中，格什温、科普兰、伯恩斯坦等一批作曲家则证明了爵士乐在音乐融合方面的巨大潜力。
爵士乐蓬勃兴盛之后，在欧洲各国掀起了爵士乐热潮，更重要的是，爵士乐在欧洲产生了新的品种和更多的流派。随着爵士乐音乐手法及音乐理论的不断成熟，至20世纪50年代后创造力开始爆发，成为一种开放的音乐结构和游戏规则，它几乎可以吸收、消化所有音乐类型的元素，从各种民族民间音乐到古典音乐再到现代音乐，爵士乐已不再只是一种音乐体裁。20世纪60年代，爵士乐与拉美音乐结合时，产生了它受众面最广泛的新类型――拉丁爵士乐。这正是爵士乐在20世纪后半叶摇滚乐、电子音乐等新兴类型冲击下，还能长久立于不败的重要原因之一。
爵士乐于20世纪三四十年代在我国上海曾获得过短暂而惊人的发展。它并不比欧洲古典音乐的引入晚太多。但是由于特定的历史与政治、人文环境的影响，爵士乐没有取得像古典音乐那样在中国的成果。改革开放以来，流行音乐在内地重获生机。此时的爵士乐也并不像一般的流行歌曲、摇滚乐那样大范围流行。这种情况也引发了很多讨论。不少人认为爵士乐是“小众音乐”，甚至是曲高和寡的艺术形式。今天，诸如此类的讨论还在持续。
我们从爵士乐在中国简短的历史中可以获知，爵士乐这种音乐体裁的活力本质上源于它的多元文化背景，更依赖它体裁成熟后的融合力、兼容力和创造力。由此可以得到一种启示：爵士乐不仅可以同中国元素结合，而且这应该是它在中国获得良好发展的真正出路。只有充分与中国的民族音乐和文化交融，中国的爵士乐才可能更好地发展下去。
2.爵士乐的民族化与专业建设
爵士乐这一西方大工业时代的产物如何实现与中国文化之间的对话？我们不妨将问题分成两个具体的方面来考虑：
怎样的“民族化”爵士乐是有灵魂并能获得长久生命力？
整个20世纪，外来艺术形式的冲击和引发的争论“蔚为壮观”，其中如何将欧美艺术体裁“民族化”是一个核心命题。爵士乐同样面临这一命题。通过考察我国近现代音乐的发展历程，可以看到民族化的两种主要倾向：其一是中西结合，创作有中国民族特点的音乐作品；其二是直接以西方音乐语汇来表现中国文化意象和时代精神。如前所述，爵士乐在与本土音乐元素结合方面不是一个“难题”，而恰恰是爵士乐自身的“长处”，真正衡量其民族化成功与否的关键是作品的精神内涵。
现今国内舞台上，爵士乐常常以改编歌曲的方式出现。特别是在电视节目中，表演者以“爵士风格”对民歌、革命歌曲、影视歌曲和经典流行歌曲进行改编，包括对唱腔、乐队编曲风格的设定。这似乎成了爵士乐得以施展的唯一方法和机会。但是其中不难发现，这类改编虽获得了短暂性的“新鲜感”，却无法给人留下太多回味，甚至很快就被人遗忘，很少能留下一个经典的演绎版本。其中的原因还有待于我们不断去追问和深究。
20世纪三四十年代，爵士乐在我国有过一段“浅尝辄止”的发展历程。我们今天不难发现那个时代一些稍具爵士乐特点的流行歌曲作品，如《夜上海》《玫瑰玫瑰我爱你》等，仍然具有强大的生命力。成为了华语流行音乐的经典。甚至个别作品被美国爵士乐队翻奏，登上美国流行音乐排行榜。这其中的原因正是因为那些作品具有鲜明的时代旨趣，使它们成为那个时代的印记。这些作品给今天音乐人的启示是.具有本土意识和时代精神的创作才能深入人心。历久弥新。
不论改编还是创作，人们都似乎更关注音乐手法、不同音乐风格样式间的融合，因为这些东西更关乎我们这个时代对“创新”的渴望和诉求。但是，如果两种音乐体裁的结合缺乏“道理”，缺乏充分的考量和精心设计，匆忙地“混搭”，恐怕就只能是短暂的新鲜感而难以长久，更谈不上去感染、感动听众了。
同时，从专业教学的角度看，爵士乐的民族化发展。只靠单纯具备爵士乐背景的音乐人才是很难实现的。只有掌握了爵士乐手法，同时有着良好的民族音乐意识和文化认知的人，才有可能在这个领域有所作为。
这其实是一个爵士乐专业人才“培养目标”的具体要求，值得展开认真讨论。概括地看，教学单位要充分考虑到专业的灵活性、人才的适应性以及“民族化”表达的艺术诉求。因此，爵士乐专业的人才培养类型或许应该分为“爵士乐人才”与“接受过爵士乐系统训练的音乐人才”两大类型。
这就要求我们在培养爵士乐人才的时候，注重学生的综合音乐素养培养，特别是对本土音乐及文化的认知。教学中，综合的音乐文化熏陶不只是一个知识层面问题，而且应该有非常具体的训练内容和方法，以具体的学习实践引导学生以富有创见的形式把握中国音乐文化的语境，以有效的方式进行音乐形式与内涵方面的“融合”。要求学生必须具备中国音乐和中国文化的修养，应该在专业课程中加以体现。比如辅修中国传统音乐课程，对民歌、民乐的学习，同时契合爵士乐的学习方法和内容，将民乐学习与创作、改编及表演实践结合起来，而不仅仅是知识了解。
何种舞台空间是爵士乐在中国发展的最佳环境？
当我们对“民族化”做各种解释和设想并对专业进行设计时，不能无视爵士乐在国内的生存环境、传播状况和受众特点。如果爵士乐不能获得丰厚的环境土壤，那么“民族化”也无法真正加以体现。其实在很多自发的谈论中，我们常听到人们“抱怨”式地认为：一种音乐得不到国内的认可，主要在于观众不具备相关的素养。比如针对爵士乐，不少人会说：我们的听众听不懂。
视觉艺术专业范文4
关键词：文化产业;艺术产业;视觉艺术
一、视觉艺术概述及文化产业的前景
视觉艺术(Visual Art)是用一定的物质材料，塑造可为人观看的直观艺术形象的造型艺术，传统的视觉艺术包括绘画、雕塑、建筑与产品、织物等设计。视觉造型采用手工或以手工为主、机器设备为辅的工艺手段。
20世纪初电影技术的诞生与20世纪中期电视媒体的出现，拓宽了视觉艺术的表现领域，视觉艺术从单一媒体跨越到多媒体;从二维(平面)延伸到三维(立体空间)和四维(时间、空间)。20世纪下半叶，数字软硬件不断发展更新，网络技术与设备应用得到普及，数码艺术与设计的飞速发展极大丰富视觉艺术的语汇，新的视觉艺术形态层出不穷：数字二维动画与三维动画、数字游戏、数字影视、虚拟现实、数字出版物、网页程序界面、数字形象系统、数字广告、数字效果图、数码画、彩信……视觉艺术由传统形态上的实体化、静态化、单向化，开始逐渐向虚拟化、动态化、交互化方向转变。
目前，我国文化产业发展呈现良好势头，文化产业成为全国乃至全球最有前景的产业之一。联合国教科文组织关于文化产业(Culture Industry)的定义如下：文化产业就是按照工业标准，生产、再生产、储存以及分配文化产品和服务的一系列活动。尽管各国依据不同的视角对于文化产业的定义和文化产业政策不尽相同，但是，其作用得到国际间的普遍重视和认可。近年来，在新的国际、国内形势下，文化由传统的意识形态领域扩大为经济生活的重要组成部分，在推动经济发展的同时，还对一国在国际间的竞争力产生重大影响，文化软实力的重要性日益彰显。在此背景下，我国陆续出台《文化产业振兴规划》、《国家“十二五”时期文化改革发展规划纲要》等一系列支持文化产业发展的政策性文件，旨在将文化产业提升为国民经济的重要组成部分，推动文化和经济的全面振兴。这些政策的出台标志着文化产业已经上升为我国战略性产业，在未来经济社会生活中担任重要角色。由国务院常务会议审议通过的我国第一部文化产业专项规划——《文化产业振兴规划》中将“文化创意、影视制作、出版发行、印刷复制、广告、演艺娱乐、文化会展、数字内容和动漫等” 列为重点推进的文化产业，从政策上界定了发展重心。视觉艺术的触角涉及到文化产业的各个方面，作为文化产业的重要内容参与到产品的设计、生产、销售等等环节，视觉艺术产业已经成为文化产业的重要组成要素。“十二五”规划将文化产业确定为战略先导型国家支柱产业后，全国各地都加大了对文化产业的资金投入和政策扶持力度：建设产业基地、创意产业园等项目，培养文化产业上市企业，培育骨干文化企业，扶持中小文化创意企业，打造具有核心竞争力的知名文化品牌。文化消费市场空间巨大，视觉艺术产业发展前景广阔。
二、视觉艺术产业的定义及其发展
视觉艺术产业是以视知觉为主要满足对象，在唯美主义的意识支配下，使作品呈现表层上的、完全以娱乐视觉为目的继而产生心理和生理上满足以致产生商业行为的一切精神和物质的产业。视觉艺术产业是文化产业中演艺、娱乐、动漫、游戏、文化旅游、艺术品、工艺美术、文化会展、创意设计、网络文化、数字文化服务业等行业的主要组成部分。
视觉艺术产业是融合了视觉艺术、数字技术、创意设计、工业生产和商品营销等的新型文化产业;也是信息化社会新型产业化道路的典型代表。视觉艺术产业是市场经济运行的结果，其市场运作必须符合市场经济发展规律，生产、销售等环节必须有可操作性。
视觉艺术产品在市场经济体制下，成为特殊的商品，具有三重属性：一方面视觉艺术产品是以艺术手段创作出的视觉形式，无论视觉艺术产品是静态的还是动态的、交互的，都具有视觉美学价值，能够带给人们审美体验;另一方面，它必须遵循商品经济规则，以市场动态为导向，按照现代市场经济规律进行生产和销售;再一方面，视觉艺术产品是社会主义精神文明的重要组成部分，它以形象、生动的形式，承担着“提供优质丰富的文化产品，不断满足人民群众的精神文化需求。深入推进社会主义核心价值体系建设。加强社会公德、职业道德、家庭美德和个人品德教育，做好青少年思想道德教育工作，努力形成知荣辱、讲正气、守诚信、作奉献、促和谐的良好风尚”的重要任务。视觉艺术产品的设计生产需要社会主义价值观的导向指导。
随着高新技术的发展，视觉艺术产品得以大批量生产和复制，并通过现代传播技术在全世界迅速传播。个人手持移动终端的普及与4G网络覆盖，中国手机用户与网民人数跃居世界首位;3D电视频道开通与3D电视机、3D摄像机等硬件设备投入市场，使人们选择更多地在家中欣赏影视节目;数字办公、电子商务、虚拟社交、沉浸式娱乐、碎片化阅读等体现了数字化工作、生活、学习、娱乐方式，视觉艺术产品的存在越来越具有广泛性，消费成本越来越低廉、消费方式越来越便捷，视觉艺术产业消费主体呈全民性、大众化趋势，设计范畴涉及数字时代的每一个比特。视觉艺术的影响和作用无处不在。
与发展速度和广度不相吻合的是视觉艺术产业化整体停留在摸索阶段，配套管理滞后，视觉艺术产业企业起步较晚，基础较差，普遍存在总量偏少、规模偏小、结构不合理、资金匮乏等问题;视觉艺术产业缺乏管理运营经验，项目往往缺乏前瞻性的策划与有效的营销，以及贯穿始终的良好管理与资本运作。造成一些项目因资金断链而夭折或销路不畅，造成“有行业无产业”的情况;视觉艺术产品的知识产权保障制度不健全不完善，产权交易信息不对称，造成资源浪费。视觉艺术产业在数字技术与手绘能力上已经处于国际领先水平，但在脚本、情节设计与视觉形象等内容上缺乏原创，一些中小企业沦为为国外公司做“代工”，靠密集劳动赚取低廉的报酬。视觉艺术产业各行业专业人员匮乏成为制约行业发展的瓶颈，特别是缺少管理、策划、创意、营销的高端专业人才。而每年艺术设计类高校的大量毕业生面临就业压力，供与求发展不平衡。
三、视觉艺术发展中存在问题之解决路径
视觉艺术的发展不仅仅事关经济生活，还需要从国家文化安全与文化发展的战略高度来予以重视。在现代社会中，满足人民群众的文化需求、完善文化产业发展、推动我国经济持续高速发展、加速产业结构调整都离不开视觉艺术产业。健康良性的视觉艺术产业具有经济和文化的双重影响力，其文化力甚至超过经济效益，对提升国民素质、增强国家影响力均具有不可低估的作用。在文化产业的视域下，思考当前视觉艺术发展中存在问题，主要解决路径包括：
第一、建立产业集群，形成产业规模，完善产业运营的各个环节。提升视觉艺术产业的市场化程度，采取合理的市场化战略，引进竞争机制，适应市场化发展的需要。建设产业基地、产业园，在修造建筑与设施的同时，更重要的是构建公共服务平台，为企业融资贷款、产权交易、创业孵化等提供大力支持与有效指导，为优秀视觉艺术产品提供畅通的销售、传播渠道。统筹政府资金支持文化创新和重大文化项目，支持社会资本进入文化创意产业，帮助视觉艺术产业发展走出困境。
第二、培养行业人才。培训经营管理人才的综合素质，改变依靠经验、盲目摸索的现象，提升视觉艺术产业化各个领域的管理水平。培养文化素养、专业业务和市场实践相结合的复合型人才。引入艺术经纪人机制，以经纪人为中间机构构建文化市场和视觉艺术创作、生产的桥梁，整合设计、创意、生产、销售、推广等各个要素，实现视觉艺术产品的经济价值并提升视觉艺术的文化价值和其它附加价值。
第三、进一步完善文化产业的政策法规，创造适应社会主义市场经济需求的文化产业的经营体制和经营组织。提高对知识产权的保护力度，提升文化创意和商业模式创新的积极性。鼓励民间资本投资产业发展，发展具有民族区域特色的产业和品牌，鼓励视觉文化产品和服务体现社会主义精神文明的精髓和优越性。加大文化执法力度，取缔网络和手机等传播渠道上的文化垃圾，创建绿色清新的行业环境。
第四、以文化为本，创造高品质视觉艺术产品和品牌。中国有着历史悠久而丰富绚烂的文化与艺术，为视觉艺术产品内容设计提供取之不尽的宝贵资源，视觉艺术产业的策划、设计人员应立足本土，弘扬中国传统文化的精髓，发挥中国传统视觉艺术的表现优势，以中国传统艺术元素为基础突破创新，创造出具有中国艺术特色与文化意蕴、具有时代精神与新鲜面貌的视觉艺术产品。
第五、产学研结合，将艺术设计类高校学生的暑期实践、毕业实习与视觉艺术企业的项目相结合， 教师与企业策划师、设计师、技术人员、营销人员共同指导学生完成项目设计，使学生在实践中掌握知识，实现学校教育与社会需求的无缝接轨，培养建设视觉艺术产业的创新人才，实现中国视觉艺术产业的腾飞。
四、结 语
视觉艺术专业范文5
【关键词】视觉艺术 基础课程 教学实践
在高等院校教育顺应社会需求的前提下，视觉艺术专业已在我国综合院校领域蓬勃发展起来。但视觉艺术专业人才培养大都沿用传统的培养模式，没有体现设计思维的时代性特点，在此笔者结合教学实践，来谈谈自己的教学体会。
一、明确视觉艺术基础课教学目的
既然是视觉艺术，在基础课程的设置中要集中体现出视觉艺术语言的平面化表达。笔者认为，教学目的应集中体现在创造性思维能力的提升、平面化技法的快速表达、视觉抽象形的创意构想等能力的提高方面。
视觉艺术语言的平面化是视觉艺术的基本特征。把一切立体的物体进行平面性的概括和归纳，是学生应具备的基本专业素质之一。而以往的教学侧重绘画基本功的训练，以培养艺术家的形式内容来授课，这使学生升入高年级后感觉到与所学的专业课程没有太大的联系，不能够给学生提供一个视觉化的平台。长期以来，使得高年级视觉专业的学生对专业课程的学习感到吃力，在毕业创作上没有太理想的表现。
学生创造性思维能力的提升，是视觉艺术专业基础课程的根本出发点。何谓创造性思维？可以简单地理解为学生掌握和运用视觉语言进行创造性劳动的能力，这种能力的提升，就在于实践教学中的启发和诱导，如同诱饵一样，使学生闻香而动，体验创造的美妙历程。平面化技法的快速表达，使立体的变为平面的，具体的教学实践就是锻炼学生对黑白灰、色彩不同明度、纯度、色相的归纳能力，这应该成为视觉专业基础课堂实践的主要内容。视觉抽象形的创意构想，则是对学生提出的较高要求，一方面，学生在掌握黑白灰协调的同时，还要熟知不同色彩的本质，即色彩数理的秩序排列；不同色彩的意象，即色彩所蕴含的心理暗示、哲理意义。另一方面，对于现代美的形式规律要有较透彻的了解，对现代视觉构成的法则如聚散、韵律等要有足够的心理预期的感受能力。没有这些基础知识做铺垫，对视觉抽象形的创意构想就很难实现，这也是我们在实践教学中应着重解决的问题。
二、着力加强视觉艺术赏析是实践教学的前提
视觉艺术基础课程的教学目的要得到充足的体现，就应该让学生多看、多想、多思。多看，能让学生明确和规范视觉平面语言的表达形式；多想，能让学生体会创意的奥秘；多思，能让学生有更多机会触及创意思维的灵魂，只有这样才能培养出学生具有形式美感的眼光和时尚的审美观。这是目前大多数综合类大学视觉艺术基础课程设计中所欠缺的。笔者于2012年的5月分别到天津、北京两地的综合类大学进行设计基础课程教学研讨，包括清华大学美术学院在内，都在对设计基础课程的教学进行着不同程度的改革。部分院校对传统的素描、色彩等造型基础课程进行了名称与教学内容上的改变，有的称为“视觉基础科目”，去除了传统意义上的全因素光影素描、色彩的写生与临摹，取而代之的是具有现代形式美感构成的视觉语言的训练。如清华大学美术学院在教授本课程之前，教师给学生推荐大量的设计书籍来阅读，包括设计的发展史、视觉语言的构成形式、国内外设计发展过程中呈现出来的大家、流派、设计风格、代表作品等，让学生对视觉语言有一个初步的了解后，再进行分组讨论，总结出学习心得体会在课堂上进行阐述，教师进行条理性的课堂总结、归纳，从而扩大学生的眼界，提高欣赏水平，为后期的专业课学习开拓思路，储蓄力量。
三、合理安排调整授课内容
如何更好地讲授视觉艺术的“基础”课程，笔者下面以素描与色彩教学为例来说明。
（一）素描教学实践
1.黑白表现手法的概括与提炼是视觉平面化基础训练的首要科目之一，与传统素描教学的区别在于视觉语言的平面化；相同的地方在于都是视觉语言的造型基础。在教学实践中以人物形象为主，避免概括时对形象的造型流于形式。主要由以下三点组成：（1）石膏人物黑白分析训练，摒弃灰调，以黑白概括对象，以明暗展现形象，石膏像作为绘画训练的基本内容，初学者对其都较为熟悉，大家对其造型特征也比较明了，用它作为训练的内容，可以较好地把握其内外轮廓的特征，为进一步概括提炼对象的特征提供有利形式，同时石膏的质感也有利于黑白形的提练，建议给石膏像打上灯光，这样更有利于黑白形的概括。（2）灰层次的平面化训练，笔者建议选用老年头像写生（中老年男性或女性）的形式，选取中老年形象作为训练的对象，能够使画面层次丰富且分明，面部的沧桑感能给学生带来岁月的印痕，使视觉语言更加丰富。对人物平面视觉化处理时，要突出人物个性，适当夸张变形，使其个性特征更加形象化。（3）人物半身像或全身像，以青年男女作为研究对象来强化肢体动态平面化语言的表现。视觉平面化的结果是为了更好运用到今后的设计当中去，而对于人物的形象化概括又是运用最为广泛的，因此对人物肢体语言的概括与提炼是授课时的重点也是难点，可适当增加课时量，让学生得到充分的锻炼。
2.教学实验、实训内容主要包括以下三点：（1）作品分析（名作赏析）：强化平面语言的表现，突出视觉的平整性（展示优秀的课堂习作与大师设计图稿）。（2）材料与技法的演习实践：黑色水粉颜料加水调和。（3）完成作业：四开，留边，强调视觉化语言的协调性适合展示风格。 （转第页）（接第页）
3.教学重点、难点主要体现在如下四点：（1）黑白形的获取：受光与背光。（2）造型的准确性与概括性。（3）黑白的聚散对比。（4）画面的形式感与抽象意味。
（二）色彩教学实践
加强色调训练，使学生通过对自然界物体的写生，用限色的方式进行色彩的概括与提练，强化对色彩的归纳能力，削弱类似色的比较。对色彩的控制能力训练，教学中主要分为红色控制区域、黄色控制区域、蓝色控制区域、绿色控制区域训练等。每一种色彩控制区域，主体的色调一般占到70%—80%，临近色占到50%—60%，补色占到10%—15%。色彩控制区域的训练能够有效地归纳出色域的空间，临近色的组织和排列能够使设计的画面更加趋于和谐，有效地集中体现设计的主题思想，传达出色彩所蕴含的哲理。这一阶段的训练是下一阶段色彩意象表现训练的基础。教学中在对色彩的本质把握方面，要突出色彩秩序性的数理排列，因为这种排列不因人的意志变化而变化，是客观存在的。在实践教学中，要引导学生从色彩的本质出发，充分认识立体的构成形式规律，掌握并领悟不同色彩所蕴含的心理暗示和所富含的哲理，为意象色彩的分类训练打下基础。在色彩意象教学方面，对色彩的属性进行分解、不同色彩之间进行重构，使其形成具有新的色彩寓意的组合，把富含相同或类似的心理暗示的色彩混合或并置在一起，使其心理暗示或心理导向更加明确、寓意更加显著，从而形成色彩的意象。我们把具有浪漫寓意的色彩混合或并置在一起构成浪漫色彩；把具有华丽寓意的色彩混合或并置在一起构成华丽色彩；把具有厚重寓意的色彩混合或并置在一起构成厚重色彩；把具有快乐寓意的色彩混合或并置在一起构成快乐色彩；把具有动感寓意的色彩形态混合或并置在一起构成动感色彩等。这就是我们要教给学生的专业知识，有了这些专业知识，学生才能够很好地与视觉专业其他课目的设计建立起紧密的联系。教学中，教师可以结合大量的设计实例进行分析，让学生充分体会、领悟色彩意象的真谛，使学生能够真正掌握色彩、把握色彩、运用色彩，体会色彩平面化视觉语言的魅力，更好服务于今后要学的其他学科。
教学实践中的黑白稿、小色稿的训练应是教学的主要形式，不要求学生做得多么细致，应强调学生对黑白的理解、对色彩的感知。课堂的形式也可以是多样化的，既能以组为单位进行分项训练，也可进行小组讨论，同时还能进行草稿的会看。学习形式的多样化，能够激发学生学习的主动性，促进对知识掌握的深化。经过3年的教学改革实践，笔者感觉到这样的调整是成功的，从教学的形式上基本克服了旧有的教学模式的束缚，使4年的视觉专业课程形成了有秩的联系。
（注：本文为天津财经大学教学研究与改革项目“艺术设计实践教学研究”成果）
参考文献：
[1]靳埭强.靳埭强：视觉传达设计实践[M].上海：上海文艺出版社，2005.
[2]周至禹.设计基础教学[M].北京：北京大学出版社，2007.
[3]王中义，许江. 从素描走向设计[M]. 杭州：中国美术学院出版社，2001.
视觉艺术专业范文6
【关键词】粉丝经济；视觉艺术；传播；经济价值
一、互联网时代的“粉丝经济”
“粉丝”即热衷于某一事物或人物的人。他们不仅对这些事物或人有浓厚的兴趣，而且对其有较为深入的了解。在中国，“粉丝”概念最早产生于六间房秀场，其草根歌手在实时演艺过程中积累了大量忠实粉丝，粉丝通常会通过购买鲜花等虚拟礼物来表达对主播的喜爱。随着互联网的普及与发展，人们通过网络社交平台，以文字、声音、动画、图像等视觉形式传播和接收信息，实现了人与人、人与信息之间无障碍的互动交流。在互联网的作用下，“粉丝”不再仅仅追随影视名人，而是关注自己热衷的对象，参与到更多的领域，如一个产品、一家网店、一个节目、一个微博、一个微信公众号等。这一现象为商家提供了更多的商机，他们借助一定的平台，通过某个兴趣点聚集朋友圈、粉丝圈，给粉丝用户提供多样化、个性化的商品和服务，最终转化成消费，实现盈利。由此，粉丝经济广泛地应用于文化娱乐、销售商品、提供服务等多领域，并且得到了迅猛的发展。明星粉丝群体因互联网传播的无限扩大而迅速膨胀，促进了粉丝经济的发展。
二、粉丝经济与视觉艺术传播的结合
视觉艺术是指用一定的物质材料和表现形式，塑造直观形象的艺术，包含影视、绘画、雕塑、建筑艺术、实用装饰艺术和工艺品等。视觉艺术和设计学、计算机图形图像学、媒体技术等学科相互交叉，并与艺术设计学、视觉艺术设计、传播学、心理学、社会学等多门学科有着紧密的联系。[1]
视觉艺术在互联网技术发展的不断突破下快速发展，其中视频艺术的发展尤为突出。眼球经济的强黏性在视频中体现得淋漓尽致，从侧面印证视觉艺术在粉丝经济中产生的积极作用。例如，从最初的罗玉凤、芙蓉姐姐，到如今炙手可热的papi酱和叫兽易小星，她们和过去通过贴吧、BBS等PC端的热议而成为网红不同，如今的网红更多地依赖于视频这种传播性更强的媒介进行传播。
（一）视觉艺术传播的形式特点
在当代，视觉艺术以视频形式传播最为广泛，其传播特点在于受众广泛，同时结合读者心理将声音、动作、画面融合在一起，静动结合的方式十分贴切生活场景，容易引起受众共鸣，更容易引起爆炸式传播，从而催生粉丝经济。例如，网络视频制作者papi酱通过变声器制作的吐糟视频迅速走红，粉丝以每秒十位数的数字上涨，在很短的周期内暴涨到2000万。视频传播在这起网红案例中发挥着巨大的作用。视频的传播速度之快印证了视觉艺术发展到现在已经不仅仅是二维的天下，其三维视觉艺术的地位愈加重要。
（二）视觉艺术在网络传播中的作用
互联网时代催生了一大批平面设计师和三维动画师，他们的视觉作品脱离了平面印刷的桎梏而变得天马行空，更加丰富、有趣、直观。以网络为代表的新兴媒体的兴起，为视觉艺术的传播提供了强劲良好的平台，视觉作品通过新媒体即时的传播来考验受众的审美情趣，受众根据个人的喜好关注作品，倒逼视觉作品制作者不断创新。在此过程中，视频的作用逐渐增强，它将传统的艺术综合在一起形成流动的、动态的视觉传播方式，通过直观的视觉体验、丰富的信息表达，满足受众日益增长的求知欲望。视频创意形式对品牌包装和传播引发行业的热烈追捧，它体现出信息时代文化的一个显著特征，即视觉艺术与信息技术的高度融合所迸发的活力是所有传统视觉艺术所不能比拟的。
（三）视觉艺术加速粉丝经济的发展
粉丝经济和视觉艺术的结合提升了粉丝经济的品质和内涵，使得粉丝经济不再是一种简单的逻辑产物，增强了粉丝和影视演员之间的交流和互动，使得原本单调的沟通通过图片、视频变得立体而清晰，通过更丰富的信息传递，产生更多的经济效益。
Talkingdata发表的《2015移动视频应用行业报告》显示，2015年第一季度，整个移动视频应用用户规模为8.79亿，在移动互联网整体用户中的占比达77.25%。在所有移动视频应用中，短视频应用款数最少，仅占6.1%，但用羰的增长幅度却是最大的，同比增长401.3%。
新榜后台预估，截至2016年9月，“papi酱”活跃粉丝数已高达287万以上。《papi酱2015》共了24个短视频，累计总播放数达2192万次，评分高达9.4分。其中，《papi酱2015年度十大烂片最专业点评》除了在公众号上收获了10万 ，在优酷视频上的播放量更是达136万之多。[2]
papi酱的走红和视觉艺术密不可分。视觉艺术为粉丝经济的产生提供了最基础的传播方式，对粉丝经济的产生起着决定性支撑作用，也可以说正是新型视觉艺术的传播造就了papi酱。如果是一个简单的吐槽可能并没有那么多人关注，但是通过技术手段制作而成的短视频却迅速风靡大江南北，由此观之，互联网技术的视觉艺术所爆发的能量是难以估量的。
三、视觉艺术在粉丝经济中的表达
各种艺术都有自己的表现形式，在此我们着重探讨视觉艺术的表现形式。对艺术家来说，视觉不仅是通过人的眼睛来确定某一件事物在某一特定位置上的认识活动，也是努力寻找视觉形式的过程，表达造型元素的艺术多样化的体现。随着科技的日新月异，以网络为载体的各种互联网技术飞速发展，给人们带来了革命性的视觉体验。在当今瞬息万变的信息社会中，这些传媒载体的影响越来越重要。因此，视觉艺术的表现形式不断发生着变化，越来越丰富多彩。
视觉艺术的产生和发展一直以来是以粉丝经济为基础的。古今中外的书法和绘画名家，其作品之所以广为流传，源于其视觉形式的作品在时下广泛人群中的识别度，是受到大批人群审美肯定的结果，由此也就产生了粉丝群体。而之前的视觉艺术表现形式，是由绘画、雕塑、书法、戏曲等构成，进而随着时展和科技的进步扩展出新的传播渠道，以动态形式的视觉艺术表现形式得到了空前的发展，以媒体播放为主流的视觉艺术表现形式越来越多地被时代所接受。
随着数字媒体时代的迅猛发展，以视听艺术相结合的媒体表现艺术，将人们的审美体验推向了更高的阶层。视觉艺术的表现形式由初始平面形态、静态化，逐渐向动态化、综合化转变。从单一媒体跨越到多媒体，从二维空间延展到三维甚至四维空间，由传统印刷技术转化为新时代虚拟现实技术。正如电影、电视播放形式将画面和声音融为一体，使视觉艺术元素直接提升至个体的审美体验中，使观者产生更加清晰、更立体形象化的审美体验，其传播力度和直观的审美意识远超二维空间视觉形式的表现。现今的视觉艺术表现形式多以视听结合的媒体艺术迅速在粉丝经济中建立识别度和新鲜度，如同道大叔的同道星座大吐槽视频、罗辑思维脱口秀视频等就是以视频的形式，通过互联网传播至亿万网民，从而产生了巨大的视觉艺术价值和商业价值。
四、视觉艺术所带来的经济效益和边际效应
有原始记载的图形形式大约距今1.5万年，在法国南部的“拉斯科”洞穴画被认为是人类早期视觉传播的重要代表作，原始人作画并非审美，而是为了图腾崇拜。在中国远古时期，人们通过绘画形式为狩猎者预报天气和传播狩猎技巧，这可能是视觉艺术带来的最古老的实用性价值。远在古代，经商需有“幌子”（又名“望子”）和招牌，春秋时期的韩非子在《外储说右上》中记载：“宋人有沽酒者，升概甚平，遇客甚谨，为酒甚美，悬帜甚高……。”就指公元前六世o宋国的酒店“幌子”广告，并一直沿用至今。[3]然而这类广告的时空限制很大，传播范围有限。视觉艺术发展至今，已不仅仅是作为审美对象，不断丰富的视觉艺术形式所带来的经济效益也正在不断扩大。它在大众消费中所扮演的角色也越来越重要，因此有人戏称当今社会为眼球经济社会。人们对目之所及的贪婪和热爱超乎任何一个时代，同样也促成了如今粉丝经济比过去任何一个时代都要繁荣。
在网络时代，视觉艺术所带来的经济效益是非线性增长，视觉艺术的价值基于粉丝群和读者群的基数，互联网平台让传播变成一对多，一个视觉艺术作品通过互联网被全世界网民所观看，网民通过付费点击、广告浏览等多种形式与其产生黏性关联，视觉艺术被欣赏的过程所带来的经济效益是不可估量的。[4]就如因短视频走红的papi酱，仅仅只是凭借着四十几条每条时间不超过5分钟的原创视频，就在短短的不到半年的时间内吸引粉丝超过了500万，成为网红之后的她自带粉丝群体，很快被估值3亿元，获得1200万元巨额融资，被低估的短视频所带来的经济效益震动全国。
因粉丝群体的崛起，papi酱在各大网络的视频站点成为植入广告的载体，其阅读量成为巨额的广告收入的保证，因此拍卖广告竟成为2016年互联网大事件。在正式开始竞价之后，不到5分钟的时间价格就被抬高到1200万元。最终，整个广告被上海丽人丽妆公司以2200万元获得，成为媒体人罗振宇口中的“新媒体标王”。此次事件波及全国，受众涉及多个行业，其所产生的边际效应带动视频领域的疯狂创业，从而推动了视觉艺术形式向前继续发展，这些新视觉艺术形式未来将带给我们更多的惊喜，值得我们期待。
五、结语
当前，视觉艺术形式得到了迅猛发展，其所带来的价值越发凸显。形式的创新推动着多种视觉艺术的综合应用，给视觉艺术从业者带来更多挑战的同时，也给从业者带来了更多的机遇。深刻地理解视觉艺术在粉丝经济中的传播效力，能够指导读者更好地理解和梳理当下的视觉艺术价值，从而运用先进的视觉艺术理论于实践，适应市场需求，创造出更有价值的商品或者艺术作品。
参考文献：
[1]张炳刚.品牌视觉设计[M].北京：人民邮电出版社，2014.
[2]林小桢.浅析粉丝经济的发展[J].时代金融，2015（1）.
[3]张成良.新媒体语境下传统文化的视觉传播研究[J].现代视听，2015（2）.
[4]李文明，吕福玉.“粉丝经济”的发展趋势与应对策略[J].福建师范大学学报：哲学社会科学版，2014（6）.
