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造型艺术的审美特征范文1
关键词：摄影 统一 造型 直观 瞬间 永固 再现 表现 文化 艺术
摄影艺术本身即是一项全方位、系列化、深层次、高水准的复杂系统工程，多元化、综合化的辩证统一，是它的重要审美特征与艺术属性之一。为此，本文以“四统一”为视角，对摄影艺术的这一重要审美特征与艺术属性进行全面系统、深入细致的研究与论述。
一、造型性与直观性的统一
摄影艺术的第一大重要审美特征与艺术属性，是它的造型性与直观性的统一，也是它的“四统一”的第一个统一。
“摄影艺术是一门现代的造型艺术。它是摄影师运用照相机作为基本工具，根据创作构思将人物或景物拍摄下来，再经过暗房工艺处理，塑造出可视的艺术形象，用来反映社会生活与自然现象，并表达作者思想感情的一种艺术样式。”
首先是造型性。摄影艺术作为一门现代造型艺术，与绘画、雕塑、书法等一样，均以造型性为审美特征与艺术属性。当然，摄影艺术所使用的造型语言，又与绘画、雕塑、书法等不同，即摄影艺术独特的造型语言。其中主要有四种：其一是画面构图。又称“取景”，就是将主体、陪体、背景三元素有机、合理、巧妙地组织安排在一起，构成一个完整的艺术整体。其画面构图的方式又分水平式构图、垂直式构图、对角线式构图、十字形式构图等等；其二是光线。光线又称“用光”，指摄影时运用各种光源（自然光、人工光）对被拍摄对象进行照明，以达到最佳的造型效果。其中主要有正面光、侧面光、逆光、顶光、脚光等等。各种光线具有空间感、立体感、氛围感、意境感，可以烘托主题、塑造形象、体现风格；其三是影调。又称“色调”，是指画面上的明暗层次、虚实对比等等。可以起到突出主体形象、营造情绪氛围、制造特殊艺术效果等作用；其四是色彩。“色彩是摄影画面形式构成中的另一个重要元素，色彩不但在造型中起作用，而且对人的情感具有冲击力。”色彩又分为情感色（如红色表现热情、灰色表示冷静等）、象征色（如白色象征纯洁、绿色象征青春等）、温度色（如红色为暖色、灰色为冷色等）。摄影通过色彩的明暗过渡、组合变化等，形成画面的美感与和谐感。其主要原则与方法有：用色尽量单纯，主体与背景要有对比，形成色彩重音效果；强化某种特殊色彩的独特功能，形成色彩基调，达到先声夺人的艺术效果；在多样色彩中寻求统一。摄影艺术运用上述四大造型语言，充分表现生活之美与作者情感之美，打造出美学品格与艺术意蕴，最终凝聚为其造型性，即以形传神、以形达意、以形抒情。
直观性也是摄影艺术重要的审美特征与艺术属性之一。直观性又称“视觉性”，这也是所有造型艺术共有的特性。这种特性即要求创作中注重视觉艺术的形式美，强化其可视性、悦目性，又要求欣赏者必须亲眼目睹，方能从直观中获得审美愉悦与审美享受。
造型性与直观性二者紧密结合、有机统一，使得摄影艺术的内涵丰富、美学品位提升，具有了独特而又丰晒太阳的艺术价值，备受受众的青睐，并成为最为普通，最为大众化的艺术形式之一。几乎每个家庭、每个人，都与摄影艺术结下不解之缘，成为他们心中的最爱。
二、瞬间性与永固性的统一
摄影艺术的第二大重要审美特征与艺术属性，是它的瞬间性与永固性的统一，也是它的“四统一”的第二个统一。
“绘画、雕塑、摄影和书法从本质上讲，都是空间的静态艺术，不适于表现事物的运动和过程。但是，客观世界的一切事物都是处于时间和空间之中，根本不存在绝对静止不变的事物。因此，造型艺术要反映客观现实生活，就必须找到恰当的表现方式，也就是在动和静的交叉点上，抓住客观事物发展变化的某一瞬间的形象，将它用物质材料和艺术语言固定下来，这就是造型艺术瞬间性的特点。”
可见这种瞬间性对于造型艺术来说是何等重要，也就是说，包括摄影艺术在内的所有造型艺术的创作，一个十分重要的课题就是如何选择事物运动变化过程中那最精彩、最闪光的瞬间形象。德国著名美学家莱辛就十分强调造型艺术创作选取瞬间形象的重要性，他以古希腊雕塑《拉奥孔群像》为例，分析了该作品选取巨蛇缠住拉奥孔父子三人，三个受难者濒临死亡前的最后挣扎的一瞬间的形象，表现出人物激情的顶点。为此他专门写出了美学专著《拉奥孔》，并指出：“最能产生效果的只能是可以让想象自由活动的那一顷刻了，我们愈看下去，就一定在它里面愈能想象出更多的东西来。……在一种激情的整个过程里，最不能显出这种好处的莫过于它的顶点。到了顶点就到了止境，眼睛就不能朝更远的地方看，想象就被捆住了翅膀。”
摄影艺术的永固性，指的是它的瞬间形象选取拍摄下来之后，就被物质材料固定下来，不仅可以供人们反复多次地欣赏，而且可以流伟下去。许多珍贵的名人照片、老照片、经典照片，都成为艺术珍贵，在充满丰富的艺术价值的同时，又富有珍贵的收藏价值。
摄影艺术的瞬间性与永固性是辩证统一、完美结合的，它通过瞬间的静态表现永恒的动态，在瞬间中显示永固，又在永固中凸显瞬间。
三、再现性与表现性的统一
摄影艺术的第三大审美特征与艺术属性，是它的再现性与表现性的统一，也是它的“四统一”的第三个统一。
所谓“再现性”，是指摄影作品是对客观现实的再现。这一特性，是摄影作品最突出的特征。众所周知，摄影作品是对现实生活的真实再现与纪录，即使是摆拍，也以客观现实为准则，并无任何虚构。无论是人物、事物、事件，还是景物、动物、植物、器物，摄影艺术都以真实为生命与灵魂。正因为如此，许多摄影作品都成为珍贵的文献资料与历史物证。例如“”时期著名摄影家李振盛拍摄的许多老照片、的照片，都具有认识价值与审美价值的双重属性。而一般人日常生活照片，也同样是普通百姓的真实写照与真实纪录，同样具有珍贵的价值。
所谓“表现性”，与“再现性”相对应，是指摄影作品是表现人的思想感情的艺术。这种表现性也是所有造型艺术所共有的，法国著名雕塑家罗丹说过：“在艺术中，有‘性格’的作品，才算是美的……因为性格就是外部真实所表现于内在的真实，就是人的面目、姿势和动作，天空的色调和地平线，所表现的灵魂、感情和思想。”摄影作品也是摄影师思想感情的一种表现手段，这是毫无疑义的。
四、技术性与艺术性的统一
摄影艺术的第四大审美特征与艺术属性，是它的技术性与艺术性的统一，也是它的“四统一”的第四个统一。
所谓“技术性”，指的是摄影艺术有丰富的技术要素与高科技含量。例如拍摄时光圈、光速、焦距的掌握与运用，广角镜头、滤色镜头、变焦镜头的使用，数码摄影、电子显微摄影、天文望远镜摄影、红外线射影、全息摄影、水下摄影、航空摄影等等，都是各种科学技术的应用。
所谓“艺术性”，指的是摄影艺术毕竟是特殊的艺术形式，它符合“艺术”的一般定义：“人类以情感和想象为特殊性的把握世界的一种特殊方式。即通过审美创造活动再现现实和表现情感理想，在想象中实现审美主体和审美客体的互相对象化。”
所有的摄影作品，包括新闻照片、生活照片、广告照片等等，都是艺术作品，其艺术性是勿庸置疑的。
摄影艺术的技术性与艺术性的辩证统一、完美结合，形成了它独有的审美特征与艺术属性。
参考文献
[1]彭吉象著.艺术学概论[M].北京：高等教育出版社2002.P150.
[2]杨辛 谢孟主编.艺术赏析概要[M].北京：中央广播电视大学出版社1994.P179.
[3]彭吉象著.艺术学概论[M].北京：高等教育出版社2002.P161.
造型艺术的审美特征范文2
关键词：环境艺术设计教学空间意识建筑空间传统造型艺术
环境艺术设计是为满足人类生理需求和心理需求，建造适合于人的生存，有益于人的活动，并具有一定艺术氛围或艺术意境的物质空间的现代整体艺术设计学科。研究建筑内部空间组合与分隔及家具、陈设诸要素的造型艺术，称之为室内环境艺术设计。而研究建筑外部空间限定与组织及建筑、绿化、小品诸要素的造型艺术，称之为景观环境艺术设计,或室外环境艺术设计。由此可以认定，提供人们生活使用的环境空间，与限定环境空间的环境实体要素，以及环境空间与环境实体的营造法则，即成为环境艺术设计教学研究的根本和核心课题。就环境而言，空间与实体是构成它的相互依存、缺一不可的两个方面。而就环境艺术设计目的来论，其造型活动的核心，则主要是创造能够包容人的“内空体”空间环境。所以空间是设计的主体，人是设计的主角。
意大利著名建筑理论家布鲁诺·赛维（BRUNOZEVI）曾说过：“掌握空间与知道如何去观察空间，是了解建筑的钥匙。”我们将这一论断推广到整个环境艺术设计教学领域也是正确的。因而，环境艺术设计教学应该从环境空间的认识与掌握开始，教学指导思想中必须重视和强调空间意识的培养。
然而，环境艺术设计是多门类造型艺术并存的、新兴的关系艺术。它将传统的建筑、园林、雕塑、壁画、广告等各门类艺术，多层次、有机地结合起来，共同创造整体空间艺术氛围与意境。环境艺术“空间”的含义与表现形式，已经远远超出了任何一门传统造型艺术，或者称为空间艺术的概念，比以往任何一门造型艺术的空间都更为复杂、更难被人们所理解。在目前的环境艺术设计教学实践中，仍然比较多地存在着“重实体、轻空间”，片面地重视环境实体表象，而轻视环境空间功能和环境空间艺术意境的思想意识。这种片面、落后的错误思想意识，误导了环境艺术设计教学的方向及评价标准，严重影响和阻碍着教学的健康发展。因此，强化环境艺术设计教学的空间意识，正确认识环境艺术的空间特征，已经成为一个势在必行、不容忽视的研究课题。
一、既熟悉又陌生的环境艺术设计空间
人们每时每刻都生活于环境空间之中，也知道空间指的是什么含义。但是，若从教学的角度来探究环境艺术设计空间，又会感到它的概念是那样复杂与陌生。究其原因，主要有两个方面：一是“空间”本身的非直观性造成的。环境实体部分，因其具有直观性，很容易被人关注、认识和熟悉。相反，环境空间部分，看不见、摸不着，容易被人忽视，相对显得陌生。二是因为人们对造型艺术空间的知识了解和认识的局限性造成的。通常来讲，学生认识造型艺术的空间知识，大多从绘画、摄影的二维平面空间开始；之后是雕塑的三维实体（占有性）空间；最后到建筑、园林的四维（内空体）空间。由浅入深，循序渐进。在这个认识过程中，越复杂的“空间”概念，越需要专业知识的支撑和理性思维的参与方能把握。未经过相关专业知识训练的人很难认识和掌握复杂的四维，甚至是具有“多维特征”的环境艺术设计空间。
人们通过视觉和触觉就能够直接感觉环境实体。可是，环境空间印象的获得，如果仅仅依靠某些感官是无法完成的，它是建立在形状、大小、方位、距离等一般知觉之上的高一级的综合知觉。要想全面认识和把握环境空间的特征，通常还要调动人的一些理解能力。因此人们对实体的感觉和认识要先于空间，易于空间，而对环境空间的感觉和认识则后于实体。
传统高等艺术教育中的造型艺术，如绘画、雕塑和工艺美术等，是通过视觉和触觉，就能够直接欣赏到实体审美对象。它们运用的空间特征比较单纯，而且作用也次于实体艺术形象，人们多习惯于对实体形态的审美关注。新兴的环境艺术设计学科，主流诞生于传统造型艺术院校，是高等艺术教育中传统工艺美术设计形态向现代艺术设计形态转型期的新专业学科。其办学方法还处在探索和完善阶段，当新的教学体系尚未确立之前，旧的造型艺术教学观念、教学模式必然还会占有极大的优势。目前还有些环境艺术设计教学，依赖于工艺美术现成的教学体系和评价标准，甚至还会使用绘画和雕塑的审美标准来评价环境艺术设计的好坏，习惯于传统造型艺术的空间意识，而对环境艺术独特而重要的空间本质特点，则认识不清或重视不够。实践中往往把直观的环境实体形态，如地面、墙壁、天花板等围合空间的界面或空间的“外壳”,以及雕塑、壁画、植物、水体等环境小品和公共设施，作为指导教学和评价教学的主要对象。反而将提供人使用的环境空间场所，弃之于脑后，忽视它的存在。将环境艺术设计教与学的焦点，过分地集中于空间界面的造型装饰或环境艺术品的创造上。淡化了空间功能的探寻及空间整体艺术意境的学术研究，教学空间意识滞后于教学实践。造成用表面化的“装饰装修设计”，代替深层次“空间艺术设计”的一些不良教学弊端。
现行小学、中学美术课程，以及艺术设计类高考的备考科目中，均没有针对四维造型艺术空间知识的学习内容。一般人对造型艺术空间的了解，仅仅涉及绘画、手工美术或雕塑小品等二维、三维造型的基本概念。如何欣赏建筑与园林艺术？解读建筑、园林和城市环境的空间美学价值的知识十分欠缺。然而，进一步探究环境艺术空间特征时，我们发现它比传统意义的造型艺术，如绘画、雕塑、工艺美术和建筑的空间概念复杂得多，也并非是各门类造型艺术空间简单的累积之和，它的特征不是三言两语就能够表达准确的，它是现代整体艺术设计的新型空间概念，因而令人感觉陌生与难懂。
二、建筑空间与环境艺术空间
在艺术辞典或美学书籍中，绘画、雕塑、摄影、建筑和工艺美术统称为“造型艺术”或“空间艺术”。诚然各门类的造型艺术均离不开“空间”的特征，并且都会在环境艺术之中呈现出来。但是，它们各自的“空间”概念却不尽相同。
绘画的“空间”是平面二维的，尽管画面所表现的内容可能是三维，甚至四维的空间。但人与画面为静态相对，仅凭视觉观赏。雕塑的“空间”是立体三维占有性空间，是以三维实体占据空间，本身并不能产生空间，人只能从外部环绕欣赏它，雕塑形体与观众分离，人在形体外面以视觉或触觉感受它。工艺美术的“空间”与绘画、雕塑的基本相同，主要是平面二维和立体三维的。
建筑艺术是人造环境的“主体”或“骨架”部分，它与环境艺术设计的关系最密切。建筑的空间比其他造型艺术复杂得多，它属于三维限定性空间，并具有四维的特性，人是在“内空体”中通过运动觉和视觉把握对象。布鲁诺·赛维（BRUNOZEVI）曾经为我们生动地描述了建筑空间的特征，他说：“建筑像一座巨大的空心雕刻品，人可以进入其中并在行进中来感受它的效果。”“建筑的特征——使它与所有其他艺术区别开来的特征——就在于它所使用的是一种将人包围在内的三度空间‘语汇’。”应该讲这种空间特性，不仅仅是建筑艺术的特性，也正是整个环境艺术的特性。其实，除了建筑设计以外，室内设计、展示设计、园林设计和城镇规划设计等，与环境空间相关联的造型艺术设计，无一不使用这种空间“语汇”。从个体的室内、庭园、广场、道路等场所，到庞杂的城镇都市群体形态，无一不是能够包围人和物的“内空体”空间。布鲁诺·赛维进一步的论述更加肯定了整个环境艺术设计具有的这种空间特性，他说：“如果说建筑物内部的空间是由六个面所围成（地板、天棚和四面墙），这并不意味着由五面而不是六面围成的空场，如（无盖的）庭院或公共广场——就不能同样有效地数作空间了”，“……所有城市的空间只要视线被遮挡，不管用的是石砌墙还是成行的树木或护岸，都呈现了我们在建筑空间中所感到的同样特征”。日本著名建筑师卢原义信在《外部空间设计》中，也指出建筑外部环境空间是由地面和竖向界面两个要素构成的，比起建筑室内少了一个顶面要素。建筑是人类用自己的力量获取空间的艺术创造，自然成为最能让人了解和认识到空间的造型艺术。我们运用这一学科知识，推而广之，就能认清环境艺术设计的主要空间特征。
从环境艺术整体来看，单纯凭借建筑模式还不能完整地解读这门构成因素和表现形态极其复杂的现代艺术设计的空间“语汇”。卢原义信曾说过：“由建筑师所设想的这一外部空间概念，与造园师考虑的外部空间，也许稍稍有些不同”，“……即把整个用地看作一幢建筑，有屋顶的部分作为室内，没有屋顶的部分作为外部空间考虑。所以，外部空间与单纯的庭院或开敞空间自然不同。”这就是说，建筑所研究的空间，还不能完全等同于环境艺术探讨的空间。邓庆尧在其著作《环境艺术设计》中指出：“环境艺术是多学科互助的系统艺术，环境艺术是多门类并存的关系艺术。”由此可知，环境艺术设计的空间构成之复杂多样、表现形态之丰富多彩是任何一门传统造型艺术都不能企及的。它是以建筑艺术空间为“主体”，再综合其他造型艺术的空间特征，整合形成的新空间体系。
三、环境艺术的真实空间美
笔者认为，要探究环境艺术设计的空间规律与特征，寻觅与之相适应的教学方法，首要解决的问题是对这门新兴设计艺术的审美特征——独特的时空美，进行深入的解读与研究，并区别它与其他传统造型艺术之间的异同。环境艺术使用的是丰富复杂的空间与时间综合“语汇”，创造的是真实立体的空间形象。纵使环境空间由各种实体物质要素限定构成，可是诱惑视觉的形、色和材质等，并不是环境艺术审美的主要对象。反之立体真实的空间艺术形象，才是其他造型艺术不具备或无法比拟的艺术特征，真实空间美是环境艺术与其他造型艺术最大的区别。
1.环境艺术的真实空间性
工艺美术、绘画和雕塑等造型艺术的审美形象，主要表现在实体形态方面。不可否认，绘画和摄影等造型艺术，为了追求作品的逼真性或感染力，也努力地描绘和表现空间，写实绘画中应用的透视技法，即根据人眼观物的规律，精准地描画真实空间；摄影更能丝毫不差地记录或还原一瞬间的空间形象。但是，不管一幅画，画得多逼真；一张照片，拍摄得再生动，它们终归还是一个只能看，而不能走进去的虚拟空间。现代科技制作的电脑三维动画，或环型全景电影，能让人眼感觉到画面的纵深层次或环视四周景象，迷惑人的视听，产生空间幻觉。但仍然是针对人的某些感觉方面制作的“虚像”，终究无法把人带进真实的环境空间中，去感觉冷暖干湿，嗅闻芳香气息，触摸软硬粗细的真实存在。
建筑是最能让人联想到空间的造型艺术，是人类用自己的力量获取空间的艺术创造。建筑物包含众多的室内空间，建筑群体组合又限定出丰富的室外空间。可是它的整体气势、总体形象特征更多地是从外部获得的、给人带来类似雕塑体积造型的审美特征。
总而言之，只有环境艺术突出地表现了空间性审美特征。要欣赏环境艺术作品的基本条件是人必须进入其内部空间，边走边看，并将所有景象通过联想组合起来，才能获得完整的艺术形象与审美感受。试想一下，若仅仅凭借静止的、平面的照片或图画，就想欣赏和感悟到北京故宫、苏州园林、巴黎圣母院、威尼斯圣马可广场等艺术环境的丰富多变、生机勃勃的景致，及整体空间气势与空间意境，无疑是不现实的，只会落得个纸上谈兵或盲人摸象的结果。再如，旅游到了丽江古城外，或者杭州西湖边，而未能进入其内部游赏。就根本无法感悟到纳西人家小桥流水、天人和谐的空间意境；也欣赏不到“天堂”般绮丽多姿的西子湖风景美，留下的只有无限遗憾。唯有当观赏者亲临三度空间之中，调动眼、耳、鼻、口乃至全身感官，去接收周围各种审美信息，并经过综合联想与理解，方能实现对环境艺术全面的认识和评价。
这种基于立体真实空间的特殊审美体验方式，是认识和评价环境艺术特征的重要基础，也是指导环境艺术设计教学的基本原则。但是，由于受到种种因素的制约，教学中出现了对真实空间美艺术特征的认识不足，很多人往往把虚拟的设计表现效果，作为构思、设计、评价的最主要对象，其重视程度超过了对真实环境空间的注意。专业建立初期不少师生过分热衷于手绘效果图表现的竞技，之后又沉醉于电脑的虚拟视觉世界的再现。更有甚者，几乎把环境艺术设计课演变成了效果图技法训练课，或者装饰艺术创作课来上，用评价绘画或雕塑作品的标准来评价环境艺术设计。正如多年前布鲁诺·赛维批评错误的建筑评论时所言：“评论家们把评价绘画的方法扩大运用到整个造型艺术领域，这就把一切都缩减到仅有图面上的价值。”“这不仅是评论方法上的错误，也是由于缺乏一种哲学见解而引起的概念错误。”
2.环境艺术的时空综合性
现代物理的科研成果颠覆了千百年来人类对空间的狭隘理解，爱因斯坦之后空间与时间对立统一的辩证关系，越来越为人们重视。由庞杂的真实物体组成，通过连续观赏审美的环境艺术系列空间，必须以运动为基础才能实现。这种独特的运动观赏方式，给它的空间艺术结构中融入了时间的因素。以空间美创作研究为主的环境艺术设计教学，在讨论空间审美时，时间也就成为新的课题。波兰闵可夫斯基曾经提出“四维空时连续系统”的概念，这一理论认为空间除长、宽、高三维之外，还必须加上时间这一维决定因素。这正是环境艺术区别于其他造型艺术的时空综合的“四维空间”特殊性。
众所周知，通常艺术专业的分类方法之一是以空间和时间作为标准。音乐、舞蹈、戏剧和电影为动态的时间艺术类型；而绘画、雕塑、工艺美术，甚至建筑艺术，则为静态的空间艺术类型。实际上建筑艺术和园林艺术并非单纯的静态空间艺术，在三维之外均离不开时间这一维决定因素，具有强烈的四维空间特征。以建筑和园林为母体拓展开来的环境艺术设计学科，与生俱来带有空间与时间的综合性艺术特征。它不同于一般绘画、雕塑和工艺美术造型。而是呈现出复杂的、多层次的空间结构，要感悟和审美，观赏者必须沿着一定的路线“边走边看”。因此，环境艺术设计教学既要以造型艺术为基础，学习绘画、雕塑和工艺美术等表现空间的技巧，研究建筑和园林营造空间的方法。同时，还要借鉴和吸收音乐、舞蹈等表演艺术驾驭时间的知识技能。
音乐形象是在声音的运动中形成的，是活跃的、发展的、流动的形象。在流动的时间中音符、乐句都不停变换，形成几乎不重复的音响，正是这些不断变化的音响组合成了美妙动听的音乐形象。环境艺术形象虽然是固定的，但它必须沿着一定次序排列、延伸、连续和展开。室内外环境艺术，在构思、设计、欣赏时，同样讲究前奏、过渡、和尾声各不相同而又连续的计划安排。研究流动的时间、运用连续的时间，成为音乐教学与环境艺术设计教学十分相似的共同规律。
3.环境艺术空间的固定性
环境艺术设计创作必须具备真实的地址，作品建立于大地上某个不能移动的空间，受制于周边众多因素的影响和制约，这也是它区别于其他造型艺术美的一个鲜明特征。它不像大多数绘画、雕塑和工艺美术作品那样，可以随意搬运到不同的地点展出。中国瓷器和秦兵马俑可以不远万里漂洋过海到欧洲巡回展出；中国人也可以在北京、上海，甚至更多的城市，看到来自法国卢浮宫、意大利文艺复兴的馆藏绘画和雕塑原作。但是不论是谁、身居何处，要欣赏故宫、颐和园等中国皇宫及皇家园林，或者参观法国凡尔赛宫、罗马斗兽场和威尼斯水城，都必须通过旅行前往目的地，才能实现审美目标。环境艺术设计中的一栋建筑、一条街道、一个广场或一座公园，都根植于特定的空间之中，并与周围环境保持着各种联系，这就是环境艺术空间审美的固定性特征。
妥善处理好设计作品与周围大环境的关系，是关乎成败的设计原则。大环境是设计作品的背景条件，它能烘托设计作品。设计作品是大环境的精华部分，又提升大环境的审美质量。若两者关系失调，效果就适得其反。故宫、天安门广场的恢宏气势，出自于京城广阔平原上的中轴线整体布局；圣马可广场优雅的艺术氛围，得益于威尼斯水城和亚德里亚海的映衬；大理白族四合院坐西向东，是为了顺应苍山在西、洱海在东的地形地貌特征。成功的环境艺术设计作品就好似从当地“长出来”的，凸现着鲜明的地域特色，创造出引人入胜的“唯一性”景观风貌。旅游的魅力充分显示了环境艺术空间审美的固定性特征，并以此成为永恒吸引游人的“法宝”。
环境艺术空间的固定性特征，带给教学的研究课题是环境整体设计意识与环境个性设计风格。当前还有些设计教学实践中因为忽视这一空间艺术特征，导致师生无视本土文化传统和地方环境特色研究，盲目追捧流行环境“舶来品”，过分宣扬“洋”材料和“洋”工艺。仿效抄袭，缺乏地域特色，或者脱离本地环境，违背周围条件，孤立炫耀自我的作业。然而，稍稍考察一下实际，就会知道对于固定不动的环境艺术来讲，没有本地个性特征的环境形象，必然丧失吸引力。丑陋的环境作品因为固定不动，强迫人们观看，危害远远超过普通造型艺术劣质品。实践证明，整体意识是环境艺术设计教学的基本原则，个性表现风格是艺术创造的生命之源。
结语
综上所述，笔者认为，在当前环境艺术设计教学中，必须针对其专业要求，全面深入地认识它独特的艺术特征，加强空间意识的教育培养。师生务必突破传统造型艺术的空间概念和习惯，从传统造型艺术“感性”的虚拟空间感悟，转变为现代整体艺术设计“理性”的真实空间思索。以建筑和园林为“母体”，广泛吸纳各门造型艺术的空间知识，将立体真实空间意识注入环境艺术设计教学中。以造型艺术为主体，学习绘画、雕塑和工艺美术等表现空间的技巧，研究建筑和园林营造空间的方法；同时，还要借鉴和吸收音乐、舞蹈等表演艺术驾驭时间的知识技能，处理好环境艺术设计中的时空综合属性。重视环境艺术空间审美的固定性特征，扎根于现实生活背景，充分挖掘和应用本土历史、地理、民族民间文化资源；鼓励凸现鲜明地域环境特色和创造“唯一性”景观风格的原创精神，杜绝抄袭，避免概念。拓展参观考察、写生勘测等实践性教学手段，努力结合现实项目展开教学实践。树立全面、正确的空间意识，摒弃片面、错误的空间概念。
参考文献：
[1](意)布鲁诺·赛维著，张似赞译.建筑空间论.博远出版有限公司.
[2](日)卢原义信著，尹培桐译.外部空间设计.中国建筑工业出版社.1985年.
造型艺术的审美特征范文3
[论文摘要]美术绘画艺术，作为艺术家个性情趣与感悟的表现形式，是人们通过相关绘画语言的再现，借助视觉感受进行艺术审美信息交流的载体。在美术绘画艺术创作中，影响和制约艺术表现的因素很多，运用灵活的美术创作技法，发掘美术绘画艺术的创作因素，是现代绘画艺术繁荣发展的趋向。
美术绘画是一种在二维的平面上以手工方式表现自然的艺术，
随着摄影技术的出现和发展，绘画开始转向表现画家主观自我的方向，绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的载体形式，绘画按材料介质的不同，以素描，色彩为主要表现形式。随着现代绘画艺术理论的完臻构建，本文针对影响美术绘画艺术创作的因素，进行了简要阐述和分析。
一、艺术构图因素
所谓构图，是指艺术家在绘画创作时根据题材和主题思想表达的要求，把要表现的形象适当地组织起来，构成一个协调的造型艺术表现方式，它是作品中艺术形象的结构配置方法，是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。
美术绘画创作中，构图是对画面内容和形式整体的安排，构图的基本原则讲究：均衡与对称，对比和视点，变化与统一。常见的构图方法包括三个要点：
1、画面主题图形的位置。
2、非主题图形的位置以及与主题图形的关系。
3、画面底形的位置以及与图形的关系。
构图是美术作品的基础表现方式，对于绘画构图需要画家去精心营造、布局构思，这是一幅绘画创作成功的基础和关键，是影响作品格调、品位的直接因素。需要画家对其作品的构思立意，要作细致的理性化设计。构图的艺术手段，包括图底关系、空间处理、画面意境的基本设计。除此之外，画家的视觉审美感觉在艺术创作过程中也是极其重要的，它为画家提供了理性表达审美品位高低的评判标准。构图的本质就是是艺术形式美，是艺术作品的第一表现要素。
二、工具材料因素
美术绘画艺术作品创作，需要一定的工具和材料作为传达介质，进行艺术形象的再现，良好的绘画工具以及绘画材料，是美术绘画艺术作品创作成功的重要因素。从一定程度上来说，美术绘画的创作需要对绘画材料的特性比较熟悉，以便更好地应用于绘画艺术创作。一般来说，绘画艺术常用的工具材料主要包括画笔、纸张板材、以及颜料等基本内容。
1、画笔：是绘画的主要工具，画笔的质量，型号，笔头的方、圆、秃、尖、软、硬等是影响画面效果的工具材料因素。
2、纸张板材：是画面的载体，画面板材的吸水性、肌理、软硬、薄厚等性能是影响画面效果的重要因素。
3、颜料：绘画颜料的质量是影响美术色彩绘画效果的主要因素，选择好的颜料是绘画成功的基础。颜料的色泽、附着力、黏稠度、含粉量、调配后的显色性等，均是衡量颜料质量的标准。作画时对颜料的应用也因人品位高低不同，变化无穷。
三、表现技巧因素
美术绘画作品的成功创作，是与艺术家自身的绘画技能密切相关的，技巧是创造成功艺术作品的方法，画家的绘画技巧本身就具备了审美的功能，并且为绘画创作提供了表现性语言，是画面中较为直观的视觉要素。技巧来自于艺术家对绘画工具材料应用的熟练程度，来自于画家对艺术审美元素理解的阐释。美术绘画创作中常用的绘画技巧很多，一般主要包括各类绘画的用笔技法，用色技法，以及相关特殊的绘画创作技法等。
1、用笔技巧：是画家绘画时的用笔技法，一般包括涂、刷、摆、点、排、堆、擦、皴等等用笔方法。在运笔方向上可顺可逆，讲究力度的控制和审美，用笔讲究笔韵有序，画笔要随心随形而用，笔形相生。
2、设色技巧：是画家对色彩颜料的应用技法，包括色彩的色相、纯度、明度等应用规律的灵活运用；颜料的干湿程度、黏稠度、薄厚度的控制和把握：画面中的素描关系、冷暖关系、色调的处理；同类色、近似色、对比色、互补色等色彩关系的综合应用等，颜料的应用应体现出力度、装饰等审美韵味。
四、形象塑造因素
造型是造型艺术最为基本的特征，它是指艺术家使用一定的物质材料和手段，在一定的空间中塑造出艺术形象。由于这种艺术形象是直接的空间存在形式，在绘画艺术创作中，艺术家用线条、色彩、色调在平面状态中创造平面或立体的二度形象。
造型艺术的物质媒介决定了绘画艺术作品静态的永久性，它总是以静示动，寓静于动，以无声示有声，在一种永久的物质形态中表达深刻的审美蕴涵。造型艺术由于塑造的是可视空间的静态形象，因此就其本质而言，艺术家通过使用一定的物质材料和手段塑造艺术形象运动过程中审美特征上的瞬间性，这种绘画造型艺术的生动性来自艺术家对生活的体验感悟、观察思考，最终归属于艺术作品的审美取向。
五、色彩搭配因素
绘画艺术创作中的色彩搭配，是艺术家在美术绘画过程中，针对描述对象的造型需要，以及画家自身对于表现物象的感悟领会与创作意愿，对色彩应用规律在美术绘画创作中的实现。具体地说就是画家绘画过程中对于颜料的调和与运用。
色彩本身绚丽多姿、变化丰富，绘画创作时灵活掌握色彩的规律是非常重要的。其规律表现在色彩的色相、明度、纯度的基本变化，色彩的心理视觉感、调合性等基本内容。当然，具体的创作包括色彩的观察表现，调和与设置。因此，美术绘画作品的设色及应用，色彩的组织搭配起关键作用，体现色彩之间的统一与和谐美感。
六、意境表现因素
美术绘画艺术作品的审美特性，相对来说，除了作品自身所具有的构图，造像，形象，色彩美感之外，同时还应该具备着艺术家在作品当中，根据自己的生活感受，针对画家本人的艺术修养和创作意愿，所渗透于绘画作品之中的审美情趣，思想感情，或创作灵感。作品往往流露出一定的内涵意蕴，这就是通常所说的绘画的意境。
意境是绘画艺术中重要的审美标准，它是一种视觉征服力强的色彩境界，涵盖了画家对艺术作品的审美观、价值观、追求和意趣。它强调画面内容的意蕴，至少认为是含蓄深邃的，是震撼观众心理与视觉共鸣的美，具有一定的吸引力、趋同力和感染力。绘画艺术中，对于不同作品达到意境高度，往往因人而异。
七、审美定位因素
绘画艺术作品所蕴含的审美观念一般包括作品内容的创作动机、审美标准、主观评价等多方面的内容和趋向。在绘画创作时作品审美观念的定位是极其重要的，它决定着绘画作品艺术精髓的再现。绘画作品创作过程中，要结合绘画艺术的色彩、造型、艺术语言等诸多因素来探究绘画艺术的表现规律，界定绘画独特的艺术价值。
绘画艺术作品审美观念的定位直接来自艺术家本人的创作意愿。一般来说，艺术家是艺术品的创造者，艺术家自身的修养学识、品位爱好、人格魅力以及审美取向，是主宰绘画艺术作品审美定位的主要因素，可以说艺术家人性化的人生观，世界观和审美观，决定了绘画艺术作品的品位及风格。
八、结束语
总之，现代艺术的多元化发展形式，为美术创作提供了无限空间。绘画艺术作为美术作品的重要承现载体，是艺术审美领域较为广泛的视觉再现性艺术，坚持科学的观点，发掘影响绘画艺术创作的审美因素，有利于现代艺术理论的建构。
参考文献
造型艺术的审美特征范文4
关键词：宗教艺术；何朝宗；瓷塑造型；影响
中图分类号：J527 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）21-0031-02
一、何朝宗个人简介
何朝宗是明代福建德化窑的一名瓷塑大师，生卒年月不详，学术界并未对此形成一致的看法，但是比较流行的观点是明弘治至万历年间人。何朝宗创作的瓷塑作品充分利用了德化窑瓷土“猪油白”的特点，发挥各瓷塑家创作之长，并且吸收木雕、泥塑以及石刻等方面的造型技法，传神写意，展现人物内心世界，极具情韵，形成独具特色的“何派”艺术，将德化陶瓷雕塑艺术推向一个顶峰。
二、何朝宗瓷塑造型的艺术表现特点
（一）造型生动
何朝宗的瓷塑作品题材主要是宗教，造型各异，作品中有独特的韵律感与节奏感。例如《达摩渡江》好似古花瓶的造型，底座宽、中部饱满圆润，整体造型的突出点是躯干、头部、底座，外形呈现凹凸起伏，小腿微拢，踩在芦苇上，侧面前倾，拉起的衣角，生动再现了渡江时的情境，作品在静中表现了动感，作品拱起的胸部和手部的关系，造型因素内的统一与变化，形成了独有的艺术审美价值。
（二）雅俗共赏
何朝宗的瓷塑艺术作品，汲取了民间雕塑工艺的精髓，雕塑语言清新、质朴，自然流畅。在题材选取上，主要是佛像，这与当时人们信仰佛教有很大的关系，作品符合当时大众的审美接受与精神寄托，塑造的瓷塑作品生动形象。另外，在形式方面，充分发挥材质的审美特征，使工艺和艺术得到完美结合。何朝宗创作的艺术作品和百姓生活之间的联系非常密切，让社会大众能普遍理解与接收，达到了雅俗共赏的境界。
（三）独特的造型艺术特点
何朝宗作品的形象造型，是以人们能对人物进行接受的基础上，使用对称、S形以及均衡等技法来构图，让作品静中有动，大气磅礴。从人物的衣纹布局和结构的方面来看，松紧、高低、疏密搭配合理，与人物所处的环境是紧密结合在一起的。例如，在上面谈到的何朝宗的《达摩过江》中达摩的神态非常坚定，迎风而行，涉汹涌的江水，表现其普度众生、不畏辛劳的居心，形神兼备、情境统一，使思想性与艺术性有机融合，浑然一体。
（四）突出线描表现方式
造型艺术的基本元素是线条，尤其是二维造型方面，还是将线条作为基本的表现手段，在中国绘画中有着重要的位置，形成了独特的线条表现技法与理论。何朝宗的瓷塑艺术作品，吸收了工笔画内的线条布局和组织之间的关系，让线条在立体造型内的表现力全部释放。例如，何朝宗使用的“钉头鼠尾描”，这是他的构造元素，并且在当时雕塑艺术领域内，只有何朝宗采用了这一表现手法。何朝宗在线条的布局上面也深知中国画线条艺术的独特的造型特点和审美功能，在衣纹的表现上，能发现其绘画艺术方面的修养。每条衣纹采用的都是“钉头鼠尾描”等线条手法，宽窄、疏密粗细、顿挫、扬抑恰到好处，游刃有余，进而能很好展示画家的基本素养。在何朝宗对衣服纹理的处理过程中，在每一条衣纹线的落刀的地方都圆劲有力，花纹线弯曲但是并不轻飘，流畅自然。何朝宗创作的艺术作品，人物皮肤少，主要是服饰，因此，为线描塑造提供了一定的发展空间，这对作品表现方面起到了很好的作用。
三、宗教艺术对何朝宗瓷塑造型的多方面影响
（一）唐吴道子“吴家样”对何朝宗陶瓷雕塑造型艺术影响
唐吴道子“吴家样”的艺术特点是，强调整幅画面气氛的有机统一，例如采用兰叶描的笔法来展现人物衣服的褶折，能产生飞扬的视觉艺术审美效果。这和西方艺术中强调的写实性是不同的，中国画的线描艺术形式多样，总共有“十八描”，使形象表现舒畅自然，饱满而富有张力，表现了中国艺术独有的“写意与传神”特点，不仅不被表达对象所束缚，还能充分发挥作者主观想象，达到既高于真实，同时又不离开真实的艺术表达范式。
何朝宗的瓷塑艺术作品，为了让人物形象更为饱满、生动，采用了“吴家样”的表现方式，来创作人物的上半身。何朝宗所创作的立式塑像，身高为五个头，这与古代的塑像比例是不相符的，但是从作品的整体造型上来看，实际上就是他使用五个头高的艺术手法是对传统的革新，将塑造人物上半身与下半身形成对比，在对比中达到人物的和谐统一，进而让人物形象更为稳定、饱满。特别是在人物的衣纹方面，线条潇洒、衣袂飘飘，圆转流畅，将中国画的“线描”艺术表现力发挥到了极致。“吴家样”的表达方式的代表作品《达摩渡江》。
（二）唐代周“周家样”对何朝宗陶瓷雕塑造型艺术影响
“周家样”创作的仕女形象体态丰满、面容饱满，华美绮丽，色彩浓艳。何朝宗创作的观音形象，体态丰满，面庞圆润，手、脚肥厚，让人们在欣赏这些作品的时候，能受到形象的健康、和蔼、美丽。唐代周创作的“水月观音”之体对何朝宗影响很大，比如何氏作品《如意渡海观音》就是典型的“水月观音”样式。周的另一成就是将佛典仪范宗教化和生活有机结合在一起，让作品能从现实生活中源源不断地去寻找素材，进而赋予作品以生机勃勃的生命力，让艺术形象能完美表现时代生活审美特点。何朝宗所创作的观音像就很好的利用了这一点，虽然创作的是一些宗教人物，但是其符合同时代社会的审美思想与生活特点，并且将两者有机结合在一起，实现了心灵与视觉的有机统一。
（三）萧梁时期的张僧繇“张家样”对何朝宗陶瓷雕塑造型艺术影响
张僧繇“张家样”是采用了“点、拂、曳”等的技法入画，线条十分精简，对画中人物的形体塑造有一定的帮助作用，让画面更加具有立体感，人物像、佛像更为健康丰满，传神逼真，栩栩如生，这称之为是“凹凸法”。何朝宗的瓷塑作品，对人物进行形神兼备的刻画，还采用人体解剖方面的知识，来塑造人物，让人物具有一定的写实性。比如《文昌帝君像》就很好利用了“张家样”。
（四）北齐曹仲达“曹家样”对何朝宗陶瓷雕塑造型艺术影响
北齐曹仲达“曹家样”用笔主要是在衣纹的表现上非常稠密，能表现衣服紧身贴体的样子，史称“曹衣出水”。在何朝宗的作品中，在立式塑像的下半身处理和人胸腋紧身等细节与局部的处理上，使用了这一手法，有效压缩人物下半身，这从表面上是突出人物上半身的张力。上松下紧，之间的过渡和协调，经作者的艺术化处理，并没有使人感觉到任何不妥之处，实现了上半身、下半身的比例的有机搭配。比如上面谈到的《达摩过江》。
四、何朝宗对后世德化瓷塑艺术的深远影响
何朝宗之后，明代出现了陈伟，清代的游长子，民国的许义友等，直到今天，还有很多的瓷塑艺术大师，不断传承何朝宗的艺术手法，将“何派”艺术发扬光大，推动我国的瓷塑艺术不断向前发展。
五、结语
总之，何朝宗是明代陶瓷艺术大师，创作的瓷塑艺术作品具有造型生动、雅俗共赏、突出线描表现方式等特点，他善于汲取中国传统宗教艺术精髓，吸收唐吴道子“吴家样”、唐代周“周家样”、萧梁时期的张僧繇“张家样”、北齐曹仲达“曹家样”等艺术表达手法，形成了“何派”艺术，对我国瓷塑艺术产生深远影响。
参考文献：
[1]徐俊东.一代宗师何朝宗瓷塑艺术的文化解读[J].中国陶瓷.2008（03）.
造型艺术的审美特征范文5
关键词：摄影技术;油画创作;联系与影响;创新发展
现代光影成像技术的开发,推动了摄影艺术的发展。运用各种生活素材为载体,传达主体特定的思想情感活动,是摄影艺术再现功能的泛化。油画是绘画艺术中常见的艺术表现形式。油画创作是综合多种线条、色彩和形体等艺术造型因素,通过造型、设色和构图等艺术手段,塑造静态视觉形象,表达作者审美感受的艺术创造过程。
摄影与绘画同属于艺术的范祷,具有相通的审美特征,二者通过物质材料媒介,用形体构成、色调选配、和明暗对比等艺术手段从生活中截取典型形象,实现平面视觉艺术的直观表达,随着现代摄影技术的不断研发,摄影艺术的完美写实再现功能,从一定程度上来说,深化了绘画艺术特别是油画创作的影响。本文结合摄影与油画艺术的联系特点,阐述了摄影技术对油画创作的关系。
一、摄影技术与当前油画艺术的联系:
1具有相通的审美特征
在艺术形态的分类中,摄影艺术和油画艺术既都是视觉空间艺术的类别;又同属于再现性造型艺术的范畴。二者在艺术特征上同样具有造型性、视觉性、空间性、静止性、瞬间性特点。
2具有协调的视觉空间
摄影和油画本来都属于平面造型表现,借助光影、色调、线条和构图的变化效应,通过平面描绘形式,熔铸了自己对生活的思考和创作灵感,表现物象的空间立体感。
3具有瞬间的生活表现
摄影和油画艺术表现,都需要针对生活中的典型素材进行瞬间捕捉,把要表现的内容,选择一定的空间,用物化手段凝定下来,构成具有完美精神风貌和本质意义的艺术形象。
4具有统一的物象并列
作为平面造型艺术,摄影和绘画都可以把彼此交错的物象、形态和景象,通过造型、色彩、构图的形式在平面上直观并列地展现出来,构成和谐统一的完美整体。
二、摄影技术对当前油画艺术创作手段的影响
摄影和绘画艺术的发展,都需要借助一定形式的创作手段去实现,作为一种艺术表现形态,油画创作就是艺术家运用油画材料,通过多种艺术手段综合体现的艺术形式,摄影技术的发展,丰富了油画艺术创作的色彩、明暗、肌理、质感、光感与空间等造型因素。
1.摄影技术的运用,减缩了写生手段的繁杂化
油画艺术的审美再现,首先取决于创作者运用写生手段,对所要表现的物象进行长时间的观察与取舍,把其形象依照严谨的构图方式初步表现在草稿上,然后再进行具体的刻画描绘。而现代摄影技术快捷的再现功能,为油画创作提供了相当写实的物象造型资料,省略了相当多的写实活动。相对来说,摄影技术的运用减少了油画创作写生过程带来的麻烦。
2.摄影技术的运用,促进了绘画材料的广泛化
材料是艺术家内心表达的媒介,是视觉传达的载体。摄影和绘画所使用的物质媒介材料存在着很大的差异。摄影艺术是科技文明的产物,而油画所用的媒介材料是油画颜料、画笔和画布画质等材料。摄影技术的发展,促进了越来越多的新材料以新的形式和新的表现方法应用于图像艺术。同时也为油画艺术创作材料的开发及综合运用,提供了无限的发展空间,油画材料也由传统的布、纸、木、石、颜料、漆油、木板等拓展到金属、纤维以及任意的现成物品。随着时代的发展,绘画制作条件和工具材料逐渐广泛化。
三、摄影技术对油画艺术表现形式和创作观念上的影响
油画是绘画艺术中常见的艺术表现形式。油画创作是综合多种线条、色彩和形体等艺术造型因素,通过造型、设色和构图等艺术手段,在平面基础上塑造静态视觉形象,以表达作者审美感受的艺术加工形式创造过程。摄影技术对油画艺术的创作影响如下:
1促进了油画创作风格在思想上、形式上的多元化发展
油画风格是指体现画家生命特质和审美倾向的油画组织秩序与品质。具体受画家生命特质的稳定性,画家审美倾向的社会性与变化性等因素影响。在现代文明高度发展的当代视觉艺术中,摄影技术图像给人们带来的图像化审美形式已经成为时代特征。与此同时,新一代画家采用自由、开放的观察方式,引进一系列比如剪切、近焦距、取景框架、序列性等摄影技术,在油画创作过程中不断注入自己的创作思想与个性情感,体现了当代油画最显著的多样性和多元化特点。
2改变了油画艺术对文化符号图像的独创形式
摄影作为一种利用机械科技来记录视觉画面的方式,一经产生便预示着图像时代的到来,深刻地改变着人类的精神生活和思维模式,摄影技术从诞生由一开始对绘画图形及文化符号的借鉴,逐渐发展到现在绘画不断直接或间接地挪用越来越科技化的摄影图像,改变了油画绘画艺术对人类文化符号及图像创制的再现、记录、叙事、宣传等诸多固有功用,借鉴摄影技术中对于视点、尺寸图像分割法的油画创作,呈现时空、观念和风格的集合,标志着当代油画已进入了图像化的时代,当代油画与摄影图像的结合在表现技法上趋向融合。
3衍化了油画艺术对摄影技术记录的借鉴
油画是建立在对现实客观事物内在本质与规律基础上的模仿和再现,是记录具体物象的重要手段和方法,摄影技术的运用,生成了油画创作手段自身的物象再现功能的弱化,摄影技术对物象的快捷性记录方式,对油画创作艺术的再现功能提出了严峻挑战,油画艺术是按照一定的审美法则及创作规律,通过对物象的线条、色彩、形体、构图、肌理等创作要素的组合,塑造物体形象,它具有不可重复的特点。
而摄影技术则可以运用科技材料针对物象的造型进行机械性复制。同时,摄影技术的发展与运用,能够为油画创作提供可观的创作资料和素材,从一定程度上来说,油画艺术,是对摄影记录的借鉴。
四、结束语
现代科技的发展,推动了摄影艺术在社会生活领域的渗透,并以纪实功能和成像快捷的优势,发挥着重要社会功能,摄影与绘画之间的相互关系正发生着深刻的变化。在新的历史条件下,两种艺术形态的交融互动,将是一种长期的文化现象,这已成为当代艺术创作发展的必然趋势。坚持科学的发展观念,实现摄影与绘画艺术的共同融合,是现代艺术创新发展的需要。
参考文献
造型艺术的审美特征范文6
当今社会，现代设计艺术取得了长足的发展，其成就也得到了社会的认可。国外一些设计理念对于我国早期现代设计艺术的产生和发展有重要的影响。如今，许多被国际设计界认可、具有中国风格的设计作品，其成功与吸收中国传统民间美术的精华是分不开的。因此，越来越多设计界的有识之士已经将目光转向传统民间美术。融合民间美术造型的实例不胜枚举，如，香港凤凰卫视台标采用彩陶上的凤鸟造型，反映出丰厚的文化底蕴；中国联通公司标志运用了民间传统图案“八吉祥”之一“盘长”的造型；2008年奥运会标志则来源于中国印。这些造型既能带给人视觉上美的享受，又有着深厚的文化内涵，其实质在于赋予传统图形现代意义。传统民间美术是以实用性为主的艺术创作，要求做到物质需求和审美需求在形式上的统一。艺术设计则要求得到市场的认可，满足社会大众的需求，要求具有实用性和审美价值。民间美术更注重精神层面的创造，而现代设计通过简单的形象表达深层次的意义。中国民间美术对现代艺术设计的影响通过日常生活体现。造型丰富的民间美术涉及图腾崇拜、哲学观念等诸多方面，对现代艺术设计的创作产生了深刻的影响。民间美术作为一种传统造型艺术，变化丰富，异彩纷呈，其源于中国千百年的文化积淀和社会文化结构所形成的审美意识，源于民间艺术家的思维方式与造型意识，其根植于民间，来源于生活，具有广泛性和普及性。一些生活中的事物所具有的美好寓意和深刻内涵为人们所传承，成为民间美术造型中富有美学价值的重要部分。现代设计也普遍使用比喻的手法，既能够使抽象的概念转换为形象的视觉语言，又能够使图形更具有说服力和感染力。
二、民间美术色彩与现代艺术设计
中国古代盛行阴阳五行之说，并且用黑、白、赤、青、黄五种颜色表示，即中国古代的五色说。对应四季方位，即春为青阳，方向主东，守护神为青龙；夏为朱明，方向主南，守护神为朱雀；秋为素白，方向为西，守护神为白虎；冬为玄冬，方向主北，守护神为玄武；黄为远古五帝中心的象征色彩。五色是传统艺术用色的基本准则，作为正色，五色说占有相当重要的位置，这在民俗、服饰等社会形态方面表现得尤为突出。红色自汉代已被广泛使用，民间婚事、逢年过节、庆祝场合等多用红色之物，如红对联、大红灯笼、红蜡烛、红鞭炮等。因此，色彩在中国古代哲学、美学思想中具有极其重要的象征意义。色彩的特征与传统的价值观相互配合，使得人们对民间色彩的认识不限于表面的感知，而是对隐含的历史文化内容和观念形态的象征意义予以体现。民间美术色彩纯粹、简约的特色与现代设计追求的设计原则相近，对现代设计具有特别的借鉴性和示范性。
