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古典音乐起源范文1
【关键词】古典音乐 严肃音乐 文学赏析 舞蹈赏析 绘画赏析
本论文为陕西省教育科学“十一五”规划课题，课题编号sgh10171。课题名称：高师声乐课程适应中小学音乐教育改革的研究。
古典音乐泛指西洋古典音乐，即中世界欧洲主流文化背景下创作的有别于通俗音乐和民间音乐的一种承载厚重、内涵丰富的音乐形式。而现今的乐界，古典音乐多用来特指1750-1820年这段时间的维也纳古典乐派所创作出来的欧洲主流音乐，是一个独立的音乐流派，艺术手法考究。
古典音乐，在乐界，因其主要体现理性的情感表达方式，而被更多的学者认为是所谓的“严肃音乐”。[1]在我国，80后、90后这些从出身就带有强烈自由主义色彩的一代，更多地把个人喜好放在了情感宣泄自由的浪漫主义音乐上，逐步远离了带有强烈“严肃”色彩的古典音乐。因此，在自由主义蔓延的当代，如何正确引导和培养年轻的音乐人对古典音乐的兴趣，也就成了音乐教育中一个急需解决的教学难题。[2]
多元化的教学方式往往因其耳目一新的授课方式，而更容易被学生所关注和接受。通过对古典音乐深厚的文化背景的研究，本人采用以下的教学方式，取得了良好的授课效果。
在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典文学赏析课程
1750-1820年的欧洲，恰逢古典主义文学和启蒙文学盛行的时代，从莎士比亚、塞万提斯到巴洛克文学的兴起，无不体现当时新文化新思潮的改革，随即出现了昌盛一时的古典主义文学，兴起于当时文化科技繁荣的法国，随后扩展到欧洲其他国家。古典主义文学思潮是新兴的资产阶级和当时封建贵族在政治上妥协的产物。它和古典音乐的特点类似，有着鲜明的时代特色。
因此，在课堂教学中，加入古典文学课程赏析，通过对时代背景的理解，对当时文化意识形态的理解，更容易加深学生对音乐旋律背后诠释的文化的融会贯通。往往可以通过鼓励学生用自己的想象力复原文学作品中表达的大时代，同时鼓励学生用自己对于音乐的理解力通过自己独有的方式呈现当时的文学作品以及那个时代的特征，再对比古典音乐的表现形式，不仅可以激发自我的创作能力，同时通过对比和创作，更有效地吸收了古典音乐的精华，且达到了学以致用的效果。
在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典舞蹈赏析课程
舞蹈是在三度空间内用身体为语言的一种交流方式，是用人体的运动来体现的一种艺术形式。而且舞蹈往往借助音乐伴奏，用形体的动作更加丰富地诠释音乐的力量。舞蹈赏析是通过观赏舞蹈时，对舞蹈作品的感受、体验以及理解思考的整个过程，其本质上是一种认识活动同时伴有自我思维的升华过程。舞蹈作品很直接很形象地反映当时的社会生活、人物的情感特点、舞者对于生活的自我审美，是一种全方位多人共同参与表达的艺术形态。
在意大利文艺复兴时代，芭蕾作为欧洲古典舞蹈的经典流行并逐渐职业化。芭蕾在发展过程中有严格的规范和结构形式，要求女演员穿特制的足尖鞋立起用脚尖起舞。在古典芭蕾舞剧的赏析课程上，我们要求学生尽量重现18世纪的场景。我们的课程设计上，尽量模拟18世纪的欧洲剧场，前10分钟，学生通过阅读相关舞剧简介，对接下来赏析的舞剧有个最基本的了解，接着通过对《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》等经典芭蕾舞的赏析，有一个全面直观丰富的体验。最后，在课程结束前通过简短的讨论和提问来对比古典舞蹈配乐和整个舞台效果与真实的古典音乐之间的差异，理解所谓的欧洲现实生活和欧洲当时理想的意识形态之间的差异，从而轻松地理解所谓古典音乐严肃背后的理想主义色彩，通过讨论和提问的形式来达到每个学生的自我理解消化，且所提问题不当堂解决，留为下一节课程的授课中心，学生和老师共同准备下一堂的教学内容。
在古典音乐的教学课程中引入绘画赏析课程
在中世纪的欧洲，人们常常将绘画称为“猴子的艺术”，指的是人类如同猴子一样通过绘画的方式模仿人类活动，因此绘画是一种临摹自然的艺术，因为每个人对自然的理解有偏差也有自我
的独特性，绘画里面通过夹杂了画者不同的自我风格，而体现不同的意识流。
在教学中，我们主要加入对理性主义的“拉斐尔前派”作品的赏析，因为这个学派往往取材于神话、宗教传说以及一些文学作品，通过画者的理解和幻想而表达出来的，如《世界之光》、《盲女》、《基督家庭》等代表作。通过对这些作品的赏析，不但可以通过作品了解到当时西方很多的神话、宗教故事等文化起源的故事，同时还可以了解到18世纪欧洲的画家对于文化起源的理解和自我剖析，可以更全面地理解当时文化时代的意义，也理解到所谓“严肃”音乐在那种特定的时代大背景下为何“严肃”的原因。[3]
只要音乐教育者肯下功夫，结合时代特色，采用多元化教学，古典音乐也必将冲破“严肃”音乐的局限性，被年轻的音乐人和更多的音乐爱好者所喜爱和接受。
参考文献：
[1]宋莉莉.西方音乐简史与欣赏[m].济南：山东大学出版社，2007.
[2]周佳毅.浅谈中国古典音乐现状及发展前景[j].声乐舞蹈，2012，09：119.
古典音乐起源范文2
【关键词】跨界 美声唱法 特点 融合
【中图分类号】J616 【文献标识码】A 【文章编号】1674-4810（2014）10-0071-02
一 美声“跨界唱法”的产生与发展现状
美声“跨界唱法”作为“跨界音乐”中最受瞩目的一种艺术形式，其演唱风格的创新与突破为声乐艺术的发展开拓了更广阔的空间。它以美声和流行融合的演唱方式，演唱古典、流行、民谣及音乐剧选段等不同风格作品，在吸收了一些音乐剧元素的基础上，又融合了民谣、电影音乐等元素，展现了美声唱法的多元魅力。它包括了歌唱者的风格和技巧流派的借鉴，既有美声、民族、通俗多元化声乐作品的融合，也有歌唱者“反串”不同声乐角色等。声乐技巧的专业训练使歌唱家们可以娴熟地变换发声位置和方法，自由、富有弹性地将不同的唱腔挥洒于同一首歌曲里，适应横跨古典歌剧的咏叹调、民谣、影视歌曲、音乐剧歌曲、流行歌曲等演唱领域。特别在演绎古典作品时，既有美声唱法的优雅与庄严，又有流行音乐的个性与时尚，这种变化使古典音乐有了更多的受众，得到了更广泛的普及，它作为连接古典与流行的纽带，符合社会多元文化的发展和人们审美多样化的需求，深受大众的关注和喜爱，在世界乐坛上有着很强的影响力。
二 美声“跨界唱法”的类型及其特点
1.用古典音乐的演唱方式表现流行音乐
如歌唱家廖昌永在专辑《情释》中通过翻唱王菲的《红豆》、那英的《征服》、迪克牛仔的《有多少爱可以重来》等脍炙人口的流行歌曲，为古典音乐走近听众、走向市场做出积极尝试。
2.用流行音乐的方式演绎古典音乐
以古典的弦乐四重奏组合“古典辣妹”为代表，用流行音乐的形式和现代化的演出方式打破音乐的界限，将古典音乐的精粹与世界各地的声音和节奏互相结合，实现音乐的大同，把不被大多数人涉足的古典音乐展现出全新的概念。
3.流行音乐与古典音乐的交织融合
英俊潇洒的实力唱将IL DIVO（美声男伶）为大家充分展示了这一跨界音乐类型。他们把古典音乐和流行音乐完美地整合在一起，跨界方式具有广泛性和多样性，常见的有移植、改编、引用等。
三 美声唱法、流行唱法与美声“跨界唱法”的比较
1.美声唱法的演唱特点
美声唱法一词出自意大利语Bel canto，意思是精美、优美的歌唱。它起源于16世纪末，是一种着重声音华彩优美，咏叹性重于朗诵性或戏剧性的歌唱方法。美声唱法注重发声的科学性，特别讲究声音，追求声音的光彩、力度和连贯、流畅、柔美。要求气息通畅，高、中、低三个声区统一，音域宽广，声音幅度大，嗓音中始终含有增强音响的“微颤”（Vibrato），即弦乐器上“揉弦”般的效果。颤动的幅度比其他唱法也大，声带及喉部肌肉的紧张度较其他唱法小一些。它符合歌唱生理的自然规律，能使歌唱的功能得到充分的发挥，是欧洲传统唱法的发展。
2.流行唱法的演唱特点
流行唱法又叫自然唱法，是以情感为核心、以口语为基础、把情、声、形体动作及话筒使用技巧有机结合所形成的一种演唱方法。它起源于美国黑人的蓝调音乐――布鲁斯（Blues），形成于电声化高度发展的近代，是最符合当今人们审美情趣的唱法。在电声设备的辅助下，通俗唱法更易表达创作家以及演唱者的情感，更具有在心灵深处的震撼力。通俗唱法的特点是声音自然，近似说话，中声区使用真声，高声区一般使用假声，很少使用共鸣，故音量较小。演唱时借助电声扩音器，演出形式以独唱为主，常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美，感情细腻真实。流行唱法具备大众化、即兴化、生活化、包容性等特点，有独特的艺术魅力。
3.美声“跨界唱法”的演唱特点
美声“跨界唱法”是一种有一定美声基础又以流行歌曲演唱风格为主的唱法。主张运用科学的美声歌唱方法（如混声歌唱概念、气声的运用与结合、音量的控制与Vibrato的巧妙运用等）来丰满流行音乐。在演唱上要求声音比较自然、放松、通畅、吐字清晰，讲究气息控制和声音的强弱对比，到歌曲时显示出较强的爆发力，且感情表达相当细腻，行腔、走句、润腔、装饰音的处理非常到位。它兼备了美声唱法与流行唱法的优点，在中低音区运用流行唱法，表达情感朴实而真挚，能充分调动观众的情绪，具有很强的亲和力。在高音区运用美声唱法，能够很好地刻画人物的情感冲突，表现较强的戏剧性，以更有生命力的方式宣泄情感。它将声乐演唱技术与流行演唱的感性形式有机结合，保留了美声中对人的音色开发的科学方法，从而有效地防止了单纯流行唱法中长时间演唱极易造成声带疲劳的问题。美声“跨界唱法”在继承美声唱法典雅与大气的基础上，融入了流行音乐的时尚，是美声唱法在新时代的创新，是一种不局限于古典领域的新歌唱形式。从其共性特征看，歌唱曲目整体偏流行化；歌唱艺术形式上打破了古典音乐的限制，更加灵活和丰富。在不同风格作品中有着不同的体现，以艺术歌曲和咏叹调最为鲜明。
总之，美声“跨界唱法”的诞生为不同的音乐形态、不同的音乐风格的结合创造了条件，也为大众带来了全新的视听体验。它在现代声乐艺术多元发展的进程中，被越来越多的人所关注，成为全球音乐发展的一道亮点。
参考文献
古典音乐起源范文3
俄罗斯的古典音乐起源于民间，广袤的地域造就了俄罗斯古典音乐宽广壮阔的颂歌风格，呈现出坚定、悲壮的民族形象及性格特点，表现出骄傲、坚强、英雄的民族精神气质。例如，以战争为主题的《儿子战死在沙场》，和声雄浑，音乐庄严肃穆，气势磅礴，挥洒强烈的爱国热情与民族精神，是俄罗斯早期传统民间古典音乐的代表风格。
俄罗斯的古典音乐曲风，在已经“特有”的基础上，又发展出多样性。伴随政权的变动与统治者，不同治国政策而产生的剧烈时代的变革，作曲家的生活与经历也经受着巨大的不同。这些经历与感触，激发了大量的灵感，他们的作品有的深沉宏伟；有的敏感细腻或浪漫或沉痛，或欢快或哀伤，内容形式丰富，不拘一格，各具风情。这些作品无不深刻地反映了作曲家们在不同生活经历中热烈而又丰富的心路历程。每一个创作、每一种风格，都是时代赋予我们宝贵的精神财富。最具有代表性的古典音乐作曲家如：柴可夫斯基——俄罗斯音乐之魂，民族主义音乐集大成者；格林卡——民族乐派奠基人，俄罗斯音乐之父；肖斯塔科维奇——古典音乐最后一位大师。
田园美景造就浪漫曲风
柴可夫斯基是俄罗斯最著名的作曲家，19世纪伟大的俄罗斯作曲家、音乐教育家，被誉为伟大的俄罗斯音乐大师；他的音乐是俄罗斯文化在艺术领域内的最高成就之一。他在俄罗斯音乐史上，起到了承前启后的作用。柴可夫斯基的音乐在全世界舞台上一直被广泛的演奏着，是具有国际性意义的交响乐，是全人类音乐文献中的瑰宝。柴可夫斯基一生的作品非常多，他写的《天鹅湖》《芭蕾舞》是我们最为熟悉的。曲风明快、健康、优美。表现了俄罗斯宽广无限的田野以及俄罗斯人民大气的性格。每当听到这个乐曲，笔者就会想起，以前看到这个作曲家故居时的感叹。想象当时场景：窗口，外面阳光明媚，空气清透，白桦树随着风肆意摇摆，低矮的云层，层次分明。一望无际的草原，消失在地平线。远处散落的几栋木制房屋，悠闲自在的牛，别样的浪漫和艺术气息油然而生，令人神往。当他不问世事，隐居创作时，这些乐曲就是在他居所的书桌上完成的。正是这样的地方，才能写出如此美妙的音乐。
没落王朝引出“天鹅绝唱”
与《天鹅湖》的浪漫相比，柴可夫斯基的交响曲完全是另外一种风格，具有很强的思想性与个性。用音乐诠释出语言无法表述出的情感波动。当时的柴科夫斯基生活年代正处于沙皇专制制度腐朽没落的时期。他热爱祖国，关心俄国人民的命运，但他又看不到俄国社会的出路。他从生活中深深感受到俄国政治的黑暗与腐败，但他的政治态度却又是保守的王朝拥护者。这种无法克服的矛盾不断促使柴科夫斯基对祖国的前途、社会的出路、人生的意义进行深刻的思考，并把这种生活感受融化到他的创作中去。这可以说是柴科夫斯基创作上的基本思想倾向。柴可夫斯基一生中写了七部交响曲，其中一部叫做《曼富里德交响曲》，其余编号的为六部交响曲。从第四部交响曲开始反映他的青年、中年、晚年的真实写照，充满激情。而《第六交响曲》又被称为“天鹅绝唱”，整部曲调充满着失望、悲凉的情绪。否定了一切肯定、享受人生的乐观情绪。向人们揭示了一个永恒的真理——死亡是绝对的、无可避免的，而生活中的所有欢乐都是转瞬即逝的。这个情绪的出现，实际上反映的是当时亚历山大三世的暴力执政，俄罗斯人民处于一种被压抑状况下的真实心态。这种“悲怆”的情绪，成为这个曲子的特色。全曲分为四个乐章，以慢板、快板、快板、慢板的形式演绎，柴科夫斯基音乐的特征，如旋律的优美、形式的均衡、管弦乐法的精巧等优点，都在本曲中得到深刻的印证。因此，本曲不仅是柴科夫斯基作品中最著名、最杰出的乐曲之一，也是古今交响曲中第一流的精品。
封建社会的爱情幻想
与柴可夫斯基交响乐那样缠绵，晦涩不同风格的俄罗斯作曲家格林卡，他被誉为俄罗斯交响乐之父。在19世纪初，当古典音乐在德国、意大利、法国已经很发达的时候，俄罗斯还处于比较愚昧的状态。当时的农奴制，造成俄罗斯是一个非常保守、落后、封建的是社会。从格林卡开始，他周游世界，到这些发达国家游走，随之发现交响乐的美。回国后，就把交响音乐歌剧的写作技巧用在俄罗斯音乐的创作中，收集俄罗斯的民歌，然后融会贯通，创造出了很多好的作品。大家对他熟悉的作品是《鲁斯兰与柳德米拉序曲》。
《鲁斯兰与柳德米拉序曲》在音乐会上经常拿来演奏，它的速度非常快，典型的俄罗斯风格的乐曲，故事情节较为简单。鲁斯兰是一位英俊年轻的勇士，他娶了俄罗斯大公的女儿柳德米拉。在婚宴上，出现了一个巫师，用巫术将柳德米拉掳走，后来鲁斯兰用自己的智慧，刚强的意志，高超的武艺，战胜巫师，营救出妻子。整个交响曲，由两个主题构成，一个是热情奔放的婚礼场面，而到了中间时段，则转换为第二个抒情主题，以爱情二重唱的歌剧形式表现。序曲成功地展示出歌剧的主题思想，表达了正义战胜邪恶之后，人们欢庆胜利的场面。这部序曲的旋律轻快、华丽，演奏技巧高超，在俄罗斯管弦乐发展史上占有很重要的地位。它以鲜明生动的音乐语言概括了整个剧情，建立在整部歌剧的基本对比因素上，用奏鸣曲写成。全曲充满了明朗的色彩、欢乐豪爽的喜庆情绪和乐现主义的精神品格。格林卡从当时民族民间音乐中汲取精华，创作出独特的民族风格和气派，体现民族的文化传统、民族精神和性格的系列古典音乐作品。
战火中的进行曲
古典音乐起源范文4
一、音乐的多种存在形式
（一）中国的传统音乐
中国的传统音乐具有其非常独特的特色，与国外的古典音乐的不同在于，中国传统音乐的形式的多元化，用多重语境理论来理解就是，中国传统音乐的风格迥异，其创造的背景特点与我国渊源流长的历史文化是分不开的，古有三古，分别是古辞赋、古文化和古旋律，今有三新，分别是新唱法、新编曲和新概念。随着我国社会的不断发展和历史的不断变迁，中国音乐在风格和节奏上也出现了很多新的形式和乐种，有中国传统的纯粹风格和现代流行中国风等等，虽说各有千秋，但骨子里依旧流淌着中国传统音乐的特点，这种充满旋律式的音乐，带给人们以美好、单纯、柔美和秀丽的享受，运用多种中国传统的乐器进行伴奏，在民族乐器的巧妙融合中让音乐在旋律中充满了生命的气息。最重要的是，中国音乐的歌词就仿佛是一首诗，诗虽说有四个音，人们在朗读诗的过程当中也会有语调，但是这种音却不及音乐旋律的多样，音乐为歌词带来了生命，歌词为音乐带来了故事和中国经历的传统文化内涵。可以说二者是相辅相成的，缺一不可。
（二）国外的古典音乐
音乐是人们生活中不可缺少的一个调味剂，它与语言同样具有十分强大的力量，不同的音乐不同的乐种不同的旋律带给人们以不同的精神享受，国外古典音乐往往就具有这样一个特点，它不像充满民族语言特色的中国音乐，外国的古典音乐往往是让人们在它的旋律中就为之陶醉沉迷，就像是中国的轻音乐，其实在没有歌词的情况下音乐的灵魂都是互通有无的。伴随着时代的发展与进步，古典音乐所呈现的精神和意义仍旧从未改变，它就像埃及的金字塔，中国的长城，是人类的文化作品，是完美而优秀的。古典主义的音乐大师贝多芬和莫扎特等，花费一生的时间在寻找音乐和人类情感上产生的共鸣，一场场交响乐音乐会，一首首激情澎湃、气势恢宏磅礴的进行曲，带给人们的不只是场面上的壮观，更多的还有精神上的洗礼。
二、多重语境中音乐分析及影响
（一）音乐的传播方式
音乐是需要人们用耳朵进行聆听的艺术，所以研究音乐的多种传播方式就显得尤为重要了。在进行经典传播学分析的过程中，可以发现最具有代表意义的还是拉斯维尔的“5W”模式，除此之外，还有施拉姆的循环模式和德弗勒德的过程模式等等。音乐的传播是十分复杂的，所以如何对其进行研究以及选用的方法就显得十分关键了。而多重语境的理论研究模式主要是以近代语言学为开端进行研究的一种方法，将这种应用语言进行传播的研究模式与音乐的传播的研究模式进行融合，在考虑二者各自的特殊性的情况下，就会产生新的行之有效的研究策略，即由单方面的传播改为多角度的多方位的传播模式。例如，我们在欣赏中国经典曲目《二泉映月》时，如果单用一个声道进行播放难免会使得播放产生单调感，如果将声道增多，就会更富有立体感，使得听众在欣赏的过程中更容易获得身临其境的效果。
（二）音乐的使用场合
音乐的完美展出不仅与传播方式有关，还与音乐的播放场合有关，不同的曲目有其适合的不同场合，比方说，外国的古典音乐，在场面壮观的交响音乐厅中演绎，则会充分的呈现出古典音乐的那种独特的气势恢宏的壮阔美，而中国的一些经典的轻音乐，在充满小桥流水人家的环境里则能够更好地还原出轻音乐的那种贴近大自然的美，才能更好的突出中国古典乐器的完美音色。（三）音乐的语境创造每一种音乐都有其存在的意义和价值，人们在听音乐的过程中随着旋律的起伏往往能够被唤醒很多过往的记忆，还有就是幻想出新的画面来。音乐的这种产生效果与其自身能够营造的语境能力是分不开的，语境不单单只是在语言学中存在，如果用语言学的思维进行分析，我们会发现，其实音乐和语言一样，都具有很大的影响力，音乐就好比是一种无声的语言。音乐家通过音乐能够呈现出多种语境，音乐所能够营造的语境就像是文学作品一样，是多种多样的，需要我们不停地进行探索。
三、结语
音乐可以带给人们喜与悲，带给人们以美的享受，音乐家通过自己的实力创造出音乐的灵魂，让这个世界更加的丰富多彩。可以说，音乐作品中能够呈现出多重语境，而利用多重语境理论也能为我们分析出更多的音乐情感，让我们更能体会到音乐家创作时的心情。
参考文献:
[1]骆静禾.音乐的实践:解读西方音乐历史进程的一种视野—评迈克尔查南的音乐社会观[J].人民音乐,2015,07.
古典音乐起源范文5
爵士乐，一种起源于非洲的音乐形式。在不到一个世纪的时间内，这种名叫爵士乐的音乐，具有显著美国特色的音乐从默默无闻、起源于民间的音乐发展成为美国本土产生的最有份量的艺术种类。如今在全世界几乎每个角落都有人聆听和演奏它，爵士乐以多种形式呈现出繁荣景象，从根源布鲁斯、拉格泰姆(Ragtime)，经过新奥尔良爵士乐到Dixieland爵士乐、摇摆乐、主流爵士、比波普、现代爵士到自由爵士及电子爵士。令人惊异的不是爵士乐以如此众多的形式出现，而在于其每一种形式都相当重要，都保持了自己的特色及独具的魅力而流传至今。
上个世纪六十年代的代表音乐摩登爵士，就是爵士音乐家把古典音乐融入爵士音乐的产物。而美国作曲家格什温则是把爵士音乐融入古典音乐中的代表人物。他的经典作品《蓝色狂想曲》那段令人激动不已的单簧管独奏开始，便开创了爵士乐滑音技巧融入交响乐的先河。爵士音乐演奏技巧的融入使古典音乐的演奏更加华丽，音乐表现力更加丰富。而爵士萨克斯的独特爵士律动、复杂的即兴演奏必须要在具有高超的古典萨克斯演奏技巧和良好的音乐感觉基础之上才能做到。
与传统音乐比较而言，爵士乐的另一大特征是它的发音方法和音色，无论是乐器还是人声，这些特征都足以使人们绝不会将它们与任何传统音乐的音色混淆。这些特殊之处大多来源于用乐器或人声对美洲黑人民歌的模仿。如果我们有机会听到真正的黑人田间歌曲和灵歌，就会发现那些由粗嘎到圆滑、由窒闷到响亮、由刺耳到柔美、由野蛮到抒情的大幅度的变化是多么地富有特色、动人心魄。而在爵士乐中，更加入了非歌唱的吼声、高叫和，突出了这种感觉。除此以外，特殊的演奏和演唱技巧也是造成特异效果的重要手段，在这些技巧中最常用的是不同于传统观念的颤音。我们知道，所谓颤音是音高(有时也可能是力度)的有规律的变化造成的利用这种变化而产生富有生命力的音响效果。
法国作曲家比才、圣桑等都在自己的作品中使用了萨克斯管。萨克斯管又是爵士乐队小号乐队中不可缺少的乐器。现在经常用的有四种萨克斯管: 降B 高音萨克斯管(Soprano saxophone)。降E 中音萨克斯管(Alto saxophone)。降B 次音萨克斯管(Tenor saxophone)。降E 上低音萨克斯管(Baritonesaxophone)。几种萨克斯管的指法完全相同，全都是移调乐器，用高音谱表记谱。法国作曲家柏辽兹曾经写到：萨克斯的主要特点是音色美妙变化，深沉而平静，富有感情，轻柔而忧伤，好像回声中的回声、在寂静无声的时刻，没有任何别的乐器能发出这种奇妙的声响。
萨克斯还被誉为无与伦比的风流乐器。萨克斯管不但能出色地演奏古典音乐，而且更善于演奏爵士音乐、轻音乐，人们提到爵士乐时，第一个想到的乐器便是萨克斯管。爵士乐的最大特点是即兴演奏，在演奏中使强弱拍倒置，采取连续切分音的手法，使节奏变化无穷，音色上富有戏剧性，既激烈狂燥又安镑深沉，既滑稽又富于伤感。萨克斯管在音色上，在演奏滑音;颤音、吐音;超吹的特点方面,便适应了爵士乐即兴演奏的最大特点的需要。因此，即兴演奏也成为萨克斯管演奏者所追求的演奏特点。
二、萨克斯基本演奏法
管乐吹奏技术取决于唇、舌、呼吸、手指的协同动作。要完美地演奏萨克斯需要具备多种素质，在演奏技巧上要正确地掌握唇型，正确地运舌，恰当地控制气急，灵活地运用手指。这些技巧是在实践中逐步形成和达到熟练程度的。
1.唇型正确唇型的形成，简单地说来可以分为三步：第一步，让嘴巴在微笑的同时发Ai 的音，下额自然下垂。第二步，把笛头放入口中后发ou 的音，下唇自然收拢，下额自然放松。第三步，在准备演奏时发wu 的音，舌根下压、口腔打开。在演奏乐器的过程中要尽量保证嘴角自然，有力地控制笛头，而上下唇周围的口轮匝肌要适当的放松，要将哨片彻底解放出来，这样才能有好的音色。另外，笛头含在嘴里的分寸要把握好，不能过多或过少。如果含得过多，声音就会太分散并且高音部会不好演奏;如果含得过少，哨片由于受到挤压而得不到充分振动，会使音量太小，甚至没有声音而且还会使低音部也不好演奏。笛头含在口中的大概长度要因人而异，一般掌握在整个笛头的1/3 左右为好，要避免出现歪嘴或鼓腮等现象。
2.吐音是萨克斯学习过程中最重要也是最基本的技术之一。它可以使我们演奏的音乐作品更加富于音乐的表现力。正确的唇型、合适的肌肉感觉、气息的运用都是学好吐音的基础条件。掌握萨克斯的吐音技巧，就需要了解吐音的基本原理，避免演奏的错误的方法。有的学生在练吐音的时候，发出的声音过重、僵硬，使声音失常，破坏了音乐的效果。造成这种后果的原因主要是由于舌头触及哨片的面积过大、用力过重。还有的学生在连续吐音中，每起吹一音就断气一次，然后再吸气，结果使得唇部、两腮、颈部也在动，使起吹的音头粗野难听。吐音有长有短、有轻有重、有软有硬等等，产生这些不同的音响效果取决于舌头弹击哨片的力度、速度以及气流的速度和气量等。
在吹吐音时，舌根后靠，喉咙自然打开，舌头与哨片顶端的距离要近(约5-6 毫米的位置)，当舌头接触哨片最前端，发出如Di音的动作时，接触到哨片顶端后迅速恢复原状。舌头接触哨片顶端的面积要小，动作要迅速。当舌头离开后气流进入峰口(即进气口)，使簧片震动从而产生声音。在演奏吐音时，气息则是根本，是重中之重，不能只注意到舌头的动作而忽略了气息的重要性，如果光靠舌头动作演奏吐音，听起来感觉就会很僵硬，声音也不干净，因此，我们要特别注意气息的运用。
3.气息萨克斯的演奏中，甚至可以说在所有管乐器的演奏中，气息是重要技巧之一。在吹奏过程中，音质的优劣、音色的变化、高低音的控制及转换、吐音的清晰程度、力度的强弱、乐句的划分等等，无一不同气息有着直接的关系。因此，改善呼吸方法、提高气息控制能力，是萨克斯演奏过程中必须解决的首要问题。爵士乐在使用的乐器和演奏方法上极有特色，完全不同于传统乐队。
三、萨克斯爵士乐即兴演奏技巧
即兴演奏的法则我大概归纳了一下，我从下面几个方面来一一说明
1.听背景音乐，酝酿你即将开始的即兴演奏我们要做一段即兴演奏的时候，最好是先听音乐，对音乐的和声走向，节奏，韵律先有一个听觉上的印象，为你的即兴演奏做个准备工作，比如C，A，F，G 这个进行，我们可以先听4 小节或者8 小节，在这 48 小节之间，给你的即兴演奏打一个草稿。
2.划分乐段，确定乐句乐句是音乐的基本形式，一般两小节一句，或者一小节，三小节一句的都有，你要根据具体情况来确定自己的乐句，由乐句组成乐段，两句一段或者四句一段，有时候也会有三句一段或者五句一段的。这些工作基本上可以在你的准备工作中完成。我们一般听到的音乐有这样几种形式，AB，ABA，ABCA，ABAC，等等，大家平时多注意，应该可以发现更多，我在这不一一列举。
3.塑造音乐形象，确定你的音乐主题我们听音乐是需要有一个主题的，你主要在这8 小节里反映什么内容，表达什么思想，这就是我们要做的事情。当然也有主题不明确的，但是音乐的整体形象是要有的，在这8 小节或者16 小节中完成一个基本的音乐形象，然后在下一个乐段深化发展你的音乐形象或者主题，一般要经过第一主题，第二主题，发展变奏，深化主题，主题再现等，这是个大的框架，但是具体运用要根据音乐的具体情况来分析，不能死套公式，因为即兴演奏给你的思考时间是很短的。
4.用你的音乐语言，抓住听者的耳朵一段精彩的即兴演奏是会让人激动不已，而且久久回味的。当然这些是需要一定的技巧的，首先，你要注意对比，音符的稠密，高低音的起伏，旋律线的清晰会直接影响你这段演奏的情绪，而你的情绪会感染到你的听众，我们经常说，要想感动别人先得感动自己。这是个长期的问题，你要对c, d, e, f, g, a, b 这七个音符了如指掌，明白他们各自在调式中的主属作用及功能。
5.学会思考这里说学会思考的意思是说，我们在做即兴演奏的时候，必须要清楚你所演奏的每一个音符，所使用的每一个技巧，使你的演奏是经过大脑思考得来的，而不仅仅是你手上演奏的一个习惯。
6.不要说废话，学会适当的沉默这就好比说话，在你不知道说什么话比较好的时候，你最好是不说或者少说，这样做比你漫无目的的胡说要好的多。有些时候，沉默也是一__种表达方式。
7.听觉表情每一件乐器都有她独特的演奏技巧，每一个技巧其实都是人性化在乐器上的一种延伸。我们经常说，听到作品就可以看到演奏者的表情，就是这个意思。
8.呼吸是人类最重要也是人类最容易忽视的一个生理现象。我们大家谁也不会注意自己的呼吸，因为这实在是太平常了，可是如果呼吸出了问题，你的生命也就出了问题了。音乐的呼吸也是如此。学会掌握音乐的呼吸，最终能够控制音乐的呼吸，从而感染听者，让听者跟着你的呼吸来呼吸。这是即兴演奏的最高境界。首先你要先学会去感受音乐的呼吸，注意休止，切分，顿音，延长音的使用，注意你的呼吸跟你所演奏音乐的关系，注意你所演奏音乐的呼吸跟你的呼吸是否融合。在当代中国，广大爱乐者有着极大的自由来欣赏自己感兴趣的音乐，而爵士乐无疑已经成为越来越多的爱乐者关注、喜爱甚至痴迷的一个音乐大类。与古典音乐相比，爵士乐与生俱来的平民化血统使它更加贴近普罗大众，连引车卖浆之流都可以亲近它，酒吧饭馆处处可闻其声，而与摇滚乐等当代流行音乐相比，爵士乐又似乎有着更为深邃的情感以及更为深沉与蕴蓄的表现形式，或轻摇款摆，或重拍如磐，自有醉人妙处。比古典音乐俗，比流行音乐雅爵士乐这种寓雅于俗、以俗见雅的中间化特点，使得它能够轻易罗致包括众多古典音乐迷和流行音乐迷在内的广大受众，而在当代中国，爵士乐欣赏热潮正是方兴未艾。
古典音乐起源范文6
【关键词】跨界；界定；古典钢琴音乐；流行钢琴音乐
一、关于界定
“界定”一词在现代汉语词典中的意思为：划定界限，确定所属范围，也就是我们所说的概念。“跨界音乐”这一概念的使用最早起源于大约半世纪以前的美国乐坛。本文所讲的“跨界钢琴音乐”是“跨界音乐”中的一种，或者说是由最早的声乐上的跨界现象延伸到钢琴音乐上。在音乐中的“跨界”不是指地理中所说的领土、领空范围中的界限，而是指音乐中各种音乐元素、类型分类过后的由两种或两种以上类型的相互渗透。
二、“跨界钢琴音乐”的一个前提
跨界钢琴音乐必需要有一个前提——钢琴音乐的界限。只有有了界限才有跨界这一词可谈。在音乐中的各种界限都是我们将音乐进行的分类。钢琴音乐中的分类是多样的，根据不同的分类方向可以分为各种不同的类别，通常我们按时间顺序分为：
早期键盘音乐，1709年意大利人巴尔托洛奥﹒克里斯托福里（Bartolomeo Cristofori）制造出第一架钢琴标志着钢琴时代的到来，直至以后的中世纪与文艺复兴时期的钢琴音乐。1600——1750年音乐开始进入了巴罗克时期。这时的钢琴音乐与当时的建筑以及美术等审美一致，以豪华、绚丽、带有很强的装饰性为主要特点。1750——1820年钢琴音乐发展到了鼎盛时期，具有平衡、清晰、严谨、有节制等特点。1820——1900年钢琴的浪漫主义时期所表现的钢琴音乐特点是过分华丽、充满戏剧性的对比色彩、注重感情的表达。印象主义时期大约是在1880---1930间，在音乐表现上通过和声与音色唤起人们的感官印象，从而表现出模糊的意象。在钢琴音乐上通常是通过弱音踏板使颤动的和声与音色飘浮在空间。进入20世纪后，音乐的表现不再是那么统一，而是每个作曲家都有自己的一种表现音乐思想。
这种按时间进行顺序进行分类的统称为古典音乐，与古典音乐相对应的是流行音乐。钢琴流行音乐中以爵士音乐及情调音乐为多。
钢琴爵士音乐具有一定的即兴演奏性，但也有较多的是通过一些已有的乐曲为题材进行改编的。在节奏方面大量运用切分音节奏，长期或连续地打破原有按小节划分的强拍，表现得极其复杂。钢琴情调音乐以理查德﹒克莱德曼为代表，通常作为一种背景音乐。
有了这些分类，才有了界限，有了各种各样的界限才能够去谈“跨界”音乐。从宏观上看，在古典音乐与流行音乐这两大音乐艺术流派之间的跨界，从微观上看古典音乐和流行音乐在各自的内部各种不同的时期及不同类型之间也是可以跨界的。从演奏上看，这种跨界可以是一种技术上的跨界，即某一演奏者可以以自身的高超的演奏技术来演奏不同类型的钢琴音乐，也可以是演奏者在演奏某一首钢琴曲，一首钢琴曲的演奏效果和技巧已经超越了这两种或多种风格和技巧，以达到两种或多种风格和技巧的大融合，从而能够形成一种新的风格与技巧。如理查德·克莱德曼最初是演奏古典音乐的，后来转入了流行音乐。作为一名出色的钢琴演奏家，他能够自由地行走于古典音乐与流行音乐之间，同时他又能以自己高超的技术以流行音乐为表现形式地来演奏古典音乐（如致爱丽丝），从而行成了自己独特的一种超越于古典音乐与流行音乐的演奏风格。
三、跨界音乐与拼贴音乐的异同
拼贴音乐，是把完全不同的作曲家、流派和风格等音乐粘合在一起，使其作品中“引用的材料的时空跨度和对比度等方面达到前所未有的程度”i，这种音乐通过解构和重组对传统音乐进行新的解释，建立起新的意义。跨界音乐与拼贴音乐常被人误认为是相等的，虽然两者有相类似的地方，但两者还是不同的。
拼贴音乐与跨界音乐的共同点：它们都是由多种风格多种音乐元素进行的一种融合物，都具有复杂性。这种融合可以是多样的，如各个时间段的不同，各种流派的不同，各种风格的不同，各种类型的不同等内部的融合（巴罗克时期钢琴音乐与浪漫主义时期的钢琴音乐）及外部的融合（情调钢琴音乐与古典主义时期的钢琴音乐）。
拼贴音乐与跨界音乐的不同点：两者的组合程度不同，拼贴音乐是要将所要组成的各种音乐元素做出最大程度的对比，所讲究的是各种元素的不同，是一种对抗与分离状态，而跨界音乐与之相反，它所要求的是将各种音乐元素做最大的融合，这包括技术的融合和音色的融合，是一种多合一的状态。两者的组合形式也不同，拼贴音乐具有板块性或局部性，在一段时间内所表现的是某种固定的音乐元素或风格或流派，而每一个板块都可以单独作为一个整体，跨界音乐由于各种元素或风格的融合从而具有统一性，整体性。
四、对“跨界钢琴音乐”研究的意义
“跨界钢琴音乐”是新音乐中的一个小门类，对于新音乐的研究已是音乐学研究的重点问题，2011年5月23日至25日在北京现代音乐节上专门就“中国新音乐的现状和未来”进行了研讨，在本次研讨会上将“跨界”作为一个重要议程。“跨界音乐”已是音乐发展到今天不可回避的研究对象，它是音乐向前发展中寻找突破的一个徘徊时期。
对“跨界钢琴音乐”的研究具有科学与实践意义。科学意义：在当代人类社会中，各行各业和人类的需求都趋向于一种全新的社会化现象发展——跨界。作为人类不可缺少的音乐文化，当然也同时向着多元化的跨界现象发展。这是一种历史发展的必然结果，是历史发展的产物。哲学告诉我们，任何一种事物都不可能孤立而单一地出现，它都是依靠于其它事物，而同时去发展。社会是发展中的社会，音乐也是发展中的音乐，要想音乐有所发展，如果只靠音乐中的某一单一现象或某一单一元素来发展音乐，那是不可能的。从音乐发展趋势与长远的价值来看，音乐只有相互融合，相互渗透，相互学习，才能够有未来，有长远的发展，有更好的音乐。本文所讲述的是乐器之王——钢琴音乐的跨界，这对钢琴音乐理论的发展与创新具有很大价值。
实践意义：钢琴的跨界现象将钢琴音乐进行了内部融合，从而使得钢琴音乐大众化。通过跨界中的钢琴音乐，将带动人们去接受不同的钢琴音乐，同时也使人们去慢慢了解不同的钢琴音乐，从这个角度来说，跨界钢琴音乐对于听众起到了一个过度和大融合的作用。那么对于演奏都来说，演奏跨界钢琴音乐是一种新的挑战，在挑战的同时，演奏者也可以不断提高自己，从而寻找到更高，更新的自身要求。作为一个对钢琴音乐跨界研究者来说，对这一现象的研究是必要的。通过研究这种现象的发展方向与趋势，才能够提高我们自身的研究水平和演奏水平，才能够在今后的钢琴音乐理论发展中不断提高和寻找到新的观点。
注释：
i 沈旋 谷文娴 陶辛 《西方音乐史简编》 上海音乐出版社 1995年 472页
【参考资料】
[1]《新格罗夫音乐与音乐家词典》[Z].英国麦克兰公司出版，2000.
[2]雷金纳德，史密斯.布林德尔.新音乐—1945年以来的先锋派[M].人民音乐出版社，2001.
[3]张式谷.西方钢琴音乐概论[M].人民音乐出版社，2006.
[4]宋学军，王小夕.中国新音乐的现状和未来——2011北京现代音乐节·中国美育论坛之新音乐跨界论坛综述[J].人民音乐，2011（8）.
