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古典音乐的背景范文1
【关键词】古典音乐 严肃音乐 文学赏析 舞蹈赏析 绘画赏析
本论文为陕西省教育科学“十一五”规划课题，课题编号sgh10171。课题名称：高师声乐课程适应中小学音乐教育改革的研究。
古典音乐泛指西洋古典音乐，即中世界欧洲主流文化背景下创作的有别于通俗音乐和民间音乐的一种承载厚重、内涵丰富的音乐形式。而现今的乐界，古典音乐多用来特指1750-1820年这段时间的维也纳古典乐派所创作出来的欧洲主流音乐，是一个独立的音乐流派，艺术手法考究。
古典音乐，在乐界，因其主要体现理性的情感表达方式，而被更多的学者认为是所谓的“严肃音乐”。[1]在我国，80后、90后这些从出身就带有强烈自由主义色彩的一代，更多地把个人喜好放在了情感宣泄自由的浪漫主义音乐上，逐步远离了带有强烈“严肃”色彩的古典音乐。因此，在自由主义蔓延的当代，如何正确引导和培养年轻的音乐人对古典音乐的兴趣，也就成了音乐教育中一个急需解决的教学难题。[2]
多元化的教学方式往往因其耳目一新的授课方式，而更容易被学生所关注和接受。通过对古典音乐深厚的文化背景的研究，本人采用以下的教学方式，取得了良好的授课效果。
在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典文学赏析课程
1750-1820年的欧洲，恰逢古典主义文学和启蒙文学盛行的时代，从莎士比亚、塞万提斯到巴洛克文学的兴起，无不体现当时新文化新思潮的改革，随即出现了昌盛一时的古典主义文学，兴起于当时文化科技繁荣的法国，随后扩展到欧洲其他国家。古典主义文学思潮是新兴的资产阶级和当时封建贵族在政治上妥协的产物。它和古典音乐的特点类似，有着鲜明的时代特色。
因此，在课堂教学中，加入古典文学课程赏析，通过对时代背景的理解，对当时文化意识形态的理解，更容易加深学生对音乐旋律背后诠释的文化的融会贯通。往往可以通过鼓励学生用自己的想象力复原文学作品中表达的大时代，同时鼓励学生用自己对于音乐的理解力通过自己独有的方式呈现当时的文学作品以及那个时代的特征，再对比古典音乐的表现形式，不仅可以激发自我的创作能力，同时通过对比和创作，更有效地吸收了古典音乐的精华，且达到了学以致用的效果。
在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典舞蹈赏析课程
舞蹈是在三度空间内用身体为语言的一种交流方式，是用人体的运动来体现的一种艺术形式。而且舞蹈往往借助音乐伴奏，用形体的动作更加丰富地诠释音乐的力量。舞蹈赏析是通过观赏舞蹈时，对舞蹈作品的感受、体验以及理解思考的整个过程，其本质上是一种认识活动同时伴有自我思维的升华过程。舞蹈作品很直接很形象地反映当时的社会生活、人物的情感特点、舞者对于生活的自我审美，是一种全方位多人共同参与表达的艺术形态。
在意大利文艺复兴时代，芭蕾作为欧洲古典舞蹈的经典流行并逐渐职业化。芭蕾在发展过程中有严格的规范和结构形式，要求女演员穿特制的足尖鞋立起用脚尖起舞。在古典芭蕾舞剧的赏析课程上，我们要求学生尽量重现18世纪的场景。我们的课程设计上，尽量模拟18世纪的欧洲剧场，前10分钟，学生通过阅读相关舞剧简介，对接下来赏析的舞剧有个最基本的了解，接着通过对《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》等经典芭蕾舞的赏析，有一个全面直观丰富的体验。最后，在课程结束前通过简短的讨论和提问来对比古典舞蹈配乐和整个舞台效果与真实的古典音乐之间的差异，理解所谓的欧洲现实生活和欧洲当时理想的意识形态之间的差异，从而轻松地理解所谓古典音乐严肃背后的理想主义色彩，通过讨论和提问的形式来达到每个学生的自我理解消化，且所提问题不当堂解决，留为下一节课程的授课中心，学生和老师共同准备下一堂的教学内容。
在古典音乐的教学课程中引入绘画赏析课程
在中世纪的欧洲，人们常常将绘画称为“猴子的艺术”，指的是人类如同猴子一样通过绘画的方式模仿人类活动，因此绘画是一种临摹自然的艺术，因为每个人对自然的理解有偏差也有自我
的独特性，绘画里面通过夹杂了画者不同的自我风格，而体现不同的意识流。
在教学中，我们主要加入对理性主义的“拉斐尔前派”作品的赏析，因为这个学派往往取材于神话、宗教传说以及一些文学作品，通过画者的理解和幻想而表达出来的，如《世界之光》、《盲女》、《基督家庭》等代表作。通过对这些作品的赏析，不但可以通过作品了解到当时西方很多的神话、宗教故事等文化起源的故事，同时还可以了解到18世纪欧洲的画家对于文化起源的理解和自我剖析，可以更全面地理解当时文化时代的意义，也理解到所谓“严肃”音乐在那种特定的时代大背景下为何“严肃”的原因。[3]
只要音乐教育者肯下功夫，结合时代特色，采用多元化教学，古典音乐也必将冲破“严肃”音乐的局限性，被年轻的音乐人和更多的音乐爱好者所喜爱和接受。
参考文献：
[1]宋莉莉.西方音乐简史与欣赏[m].济南：山东大学出版社，2007.
[2]周佳毅.浅谈中国古典音乐现状及发展前景[j].声乐舞蹈，2012，09：119.
古典音乐的背景范文2
新一轮教育改革要求我们更多地以孩子为中心，因此幼儿音乐教育也必须向传统的音乐教育模式发起挑战，顺应整合课程的发展趋势，关注艺术教育在五大领域中的中介作用，促进幼儿在以音乐为媒介的整合课程中的发展。
西方古典音乐因其严谨、复杂的曲式结构，悠久的发展历史，音乐本身的民族特色及其严肃的表现方式，让众多一线幼儿教师在幼儿音乐教育教学中因难以驾驭而鲜有尝试。
一、西方古典音乐的发现之旅
（一）西方古典音乐的概念
我们现在所说的“古典音乐”，确切的说应该是“西方古典音乐”，即Classical music。对西方古典音乐的界定是有广义和狭义之称。广义的概念是指那些从中世纪文艺复兴时期开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的传世作品。狭义的西方古典音乐特指欧洲古典主义时期（约1750-1720年）以海顿、莫扎特、贝多芬三巨头为代表的“维也纳古典主义音乐”，因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。
（二）西方古典音乐各个时期的风格特点
音乐是文化孕育出的精华，是文化的外延。根据古典音乐的产生时期及其在不同时代文化背景下不同的风格特点，人们通常把西方古典音乐划分为巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期等几个阶段。
巴洛克时期的音乐以蒙特威尔蒂、巴赫、亨德尔为代表，因为当时宗教改革风起云涌以及中产阶级的日益壮大，这一时期的音乐与文艺复兴时期的音乐相比呈现出的特点体现在乐曲的音高、速度和力度的对比更加强烈甚至略带夸张，而且音乐的表现形式开始多样化。
维也纳古典主义狭义上是指以海顿、莫扎特和贝多芬等三位维也纳大师为代表的乐派，这一时期的音乐受欧洲启蒙思潮运动的影响，在音乐表现上取代巴洛克时期的多装饰和富丽堂皇，着重在于展现人性及实现声响美，其在音乐中散发出来的理性和智慧的光芒，更是成为古典音乐的艺术典范。
浪漫主义音乐思潮产生于18世纪末19世纪初资产阶级革命的动荡时期，当时欧洲流行德国古典哲学和空想社会主义学说，这样的社会文化背景也直接导致了这一时期的音乐在小巧和温和中无不透漏出令人陶醉的浪漫气息。
二、西方古典音乐对幼儿发展的价值
西方古典音乐以交响乐为主，讲究和声和节奏，曲式以深刻严肃而见长，突出主客观的对立，着重美学及功能性。古典音乐的这些特点虽然让很多人盲目的觉得他们太难以理解而“望之却步”，但据研究证明，人类大脑中许多与学习相关的联系，都可以在胎儿及婴幼儿时期用古典音乐去激发。
（一）西方古典音乐与胎教
随着时代的进步，古典音乐应用于胎教的功能性受到越来越多人的认同，其中，古典音乐因为曲式的复杂性和严谨的构成模式被普遍认为有助于培养胎儿及婴幼儿的认知能力，而且这种能力的培养也有助于他们随着年龄的增长去学习有关数学、科学以及语言方面的知识。此外，由于西方古典音乐大多是钢琴曲或交响乐，例如莫扎特的《弦乐小乐曲（K525）》就是一首以小提琴为主的多声部弦乐演奏的音乐作品，乐曲虽然复杂却有着极其规律的变化模式，古典音乐这样的特点有助于培养胎儿及婴幼儿强烈的时间感和空间感，长此以往，孩子解决问题的能力、接受新鲜事物的能力自然也就有所提高，这些对于幼儿在智力游戏及科学实践中潜力的开发也起到了很好的基础作用。
在胎教日益受到重视的今天，我们也越来越容易在各种胎教书籍、网站上发现推荐适宜胎教的各类古典音乐，但不难发现，莫扎特的这首经典小夜曲仍旧高居榜首。
（二）西方古典音乐与学龄前儿童
古典音乐具有丰富的内涵，其音乐本身的内容和严谨的表达方式，对于学龄前儿童的发展也具有重要的价值和意义，这体现在：
1、可以从中学习到一些音乐知识，了解一些音乐家的励志故事。莫扎特是一位英年早逝的天才音乐家，他曲折而富有故事性的人生经历必然会为幼儿所吸引，因为喜欢听故事正是每一个幼儿的天性。同时在音乐营造的氛围下听故事，有助于幼儿潜移默化的建立旋律感、律动感和节奏感，为以后音乐的学习打下牢固的基础。同时，故事的记忆、复述和想象，有助于幼儿未来学习能力的提高，促进其语言能力、注意力、想象力和创造力的发展。
2、可以培养儿童逻辑性和理性的发展。古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有严谨的曲式结构且曲式结构合理，注重逻辑和形式的美感。这些都有助于幼儿在音乐的感受、欣赏、学习和表现过程中逐渐培养起缜密的逻辑思维模式和理性思维方式。古典音乐的这些本质性的特点在《K525弦乐小夜曲》中同样有着深刻的体现，小夜曲由四个基本部分组成，其主旋律在第一部分的中间开始出现，此后，在后几个小节中开始反复出现，乐曲的反复性和规律性有利于儿童在捕捉乐曲旋律的同时培养其逻辑性和理性的发展。
3、古典音乐有助于幼儿情感的发展。正如音乐家斯特拉文斯基所说：“音乐就是情感，没有情感就没有音乐。”古典音乐作为“流行”于各个时代的“经典”音乐，任何一首乐曲都是作曲家情感的凝聚和体现。《K525弦乐小夜曲》是莫扎特在布拉格演出歌剧《费加罗婚礼》获得巨大成功之后，紧接着创作出的作品。整首乐曲节奏活泼流畅、旋律温柔恬美，充满了明朗的情绪色彩和青春气息，跳荡着无忧无虑的情感，象征着幸福完美的感情。因此，儿童在感受、欣赏和表现乐曲的同时，自然会感受到曲作家强烈的感情，并且也会受到感染，从而促进自己情感的形成和发展。
4、古典音乐促进幼儿审美的发展。古典音乐作为艺术的一种，本身就是一种美的体现。幼儿在欣赏古典音乐的同时，审美的能力将与音乐审美目标同时发生，从而促进幼儿审美能力的提高。
三、西方古典音乐应用于幼儿音乐教育的现状及存在的问题
（一）应用现状
虽然西方古典音乐以其严谨的结构、和谐的旋律而经久不衰。但是大部分人在听到“古典音乐”这几个字的时候，脑海中仍旧不由自主的浮现出演奏者高雅的服装、严肃的指挥、恢弘的表演阵容、面容肃穆的听众……从而很难对“古典音乐”产生亲近感。
那么“古典音乐”在幼儿教育中的状况究竟又是什么样的呢？
笔者曾在陕西省多所幼儿园见习或实习，期间对于这些幼儿园的音乐教学进行了细致的观察并进行了详尽的记录，结果发现，部分幼儿园音乐教学仍旧是传统的“学唱歌”——老师教一句，幼儿唱一句。在“学唱儿歌”和“律动表演”的主旋律中，部分学校也会开展专门的奥尔夫音乐集体教学，由受过相关培训的老师进行执教，不过这样的机会每个班级并不是很多。然而，在众多的幼儿园音乐教学形式和教学内容中，将古典音乐的欣赏纳入到正常的教学活动设计中的少之又少甚至没有，因此笔者在看到这一现状时也甚感担忧。
通过笔者在幼儿园的访问观察发现，西方古典音乐在幼儿园的教育教学活动中所占的比重少之又少，甚至是空白，这样的音乐教育现状让人不得不深感担忧。
而与西方古典音乐在幼儿园“市场”冷淡的场景相比，奥尔夫音乐教学在幼儿园相对发展比较“繁荣”。大部分幼儿园会有受过专业学习和培训的教师负责全园幼儿的音乐教学活动。
（二）当前幼儿园音乐教学中存在的问题
部分幼儿园在吸收奥尔夫音乐教学法的同时，虽然学会了奥尔夫音乐教学的方式和模式，但是在对其教学精神的领会方面仍旧存在着一些问题和不足，具体表现在：在对孩子进行音乐的培养上存在着专业化倾向；强调某一作品的工艺性，轻视幼儿的整体性发展；教师教学中，忽视幼儿的主体性，教学方法比较单一；只把音乐教育简单的理解为“唱儿歌”“打节奏”等，不注重音乐教育与其他领域的整合。
在国际幼儿教育界已经逐步认识到“整合”对于儿童学习的重要意义的前提下，幼儿园整合课程的设计显得尤为重要和关键，而以音乐为中介的幼儿多元发展也成为众多幼教专家的研究方向。而在关于如何“整合”方面，加德纳教授的“多元智力理论”为我们提供了解决问题的理论基础。
四、整合活动设计思路——以《K525弦乐小夜曲》为例
（一）理论基础
1983年，美国哈佛大学发展心理学家Dc.Howard Gard—ner在批判智力单因素论的基础上，运用发展和认知心理学、生物进化论、人类学、心理测量学等领域的知识，通过对天才儿童、大脑损伤病人、环境和教育影响等方面的实证研究和事实分析，系统的提出了多元智力理论。
加德纳认为，“世界上两个人没有完全相同的智力组合，每个孩子都是一个潜在的天才儿童，只是经常表现为不同的方式，除了‘天才’之外，对一般人而言，只要教育得当，每个人的七八种潜能，都能得到相当高的发展水平。全面开发学生的潜能不仅是必要的，而且是可能的。”
20世纪90年代后期，加德纳在扩展研究并探讨多元智能在教育实践中的运用的过程中，对自己原先提出的7种智能进行了修改，增加了八种智能。这样，代表儿童不同发展发面的智能包括了：语言智能——人身上所表现出来的对语言文学的掌握能力；数理逻辑智能——数学和逻辑推理的能力，科学分析的能力；空间智能——在头脑中形成一个外部空间世界的模式并能够运用和操作该模式的能力；音乐智能——能够敏锐的感受音乐和创造音乐的能力；身体运动智能——运用整个身体（或身体的一部分）解决问题或者表现创造的能力；人际关系智能——理解他人的能力，即善于理解和认识他人的动机，与他人交往合作的能力；自我观察智能——欣赏大自然并善于把握自然中各种物体和物体之间关系的能力。
加德纳的多元智力理论使我们认识到，教育需要在尊重儿童发展的个别差异性和注重儿童发展的全面性方面寻找一种平衡。将多元智力理论应用到幼儿园，一方面是提醒幼儿园教师“每一个孩子都是不同的，每一个孩子都是一个潜在的天才”，从而不以统一的标准要求所有的儿童、不制定所谓的标准、认同孩子在学习以外的其他方面的表现并予以鼓励。在另一个方面，给孩子提供更大发展空间和发展舞台，能够在更为自由和宽广的天地里探索自己更为感兴趣、更喜欢、更宁愿专注于的事情。而这些正是幼儿园整合课程发展的迫切要求的体现。
在整合课程中，必须以幼儿的核心经验进行课程设计，课程的内容既要充分考虑各个领域课程的发展要求，即既可以按照《幼儿园教育指导纲要（试行）》中划分的健康、语言、科学、社会、艺术等五大领域进行设计，也可以根据多元智力理论划分的儿童发展要求，即语言智能、数理逻辑智能、音乐智能、空间智能、身体运动智能、人际关系智能、自我认识智能和自然观察智能来进行设计。
（二）乐曲分析
莫扎特一生共创作了13部小夜曲。G大调弦乐小夜曲（K·525）创作于1787年8月24日，是当时器乐小夜曲的典范。此曲是莫扎特在布拉格演出歌剧《费加罗婚礼》获得大成功之后，紧接着创作出的作品。这首弦乐小夜曲，是为黄昏或晚间贵族们娱乐、餐宴而作，曲子极为美丽，抒情宜人。
这首《小夜曲》全曲共分为四个乐章，好似一部小型的交响乐。
第一乐章是4/4拍子的奏鸣曲式，是进行曲风格，具有轻快、流行的气质，轻快活泼的音乐符合孩子纯洁活泼的天性，必然可以吸引他们的注意。第二乐章是2/2拍子的三部曲式，曲调十分浪漫抒情，在这个部分适宜的加入一些符合乐曲背景的故事，既符合乐曲的特点，又能为幼儿所喜欢。其中中间部分第一小提琴和大提琴卡农风的对话，由于高音区和中音区的互相对照，加强了音乐的戏剧性，并在征收小夜曲的色彩对比上起到了很大的作用。第三乐章为3/4拍子的复三部曲式，明快、有力的第一段和柔和、甜美的第二段相应成趣，为小舞步曲中的杰作。这部分似乎是在暗示着故事将有一个美满而快乐的结局，王子和公主将要过上幸福的生活，幼儿的情绪也必将随着音乐而有着无法抑制的快乐。第四乐章是2/2拍子的回旋奏鸣曲式，洋溢着轻快的青春气息，如同一个故事结束了，老师和幼儿还沉浸在刚刚的故事中，砸着嘴巴慢慢品味呢。
（三）整合活动设计思路（活动月）
活动名称：《小夜曲K525》
活动目标：1.通过活动参与，体验《小夜曲K525》的旋律；2.知道作曲家的生平及曲子的创作缘由；3.认识提琴的种类及其声音；4.培养幼儿聆听古典音乐的爱好。
活动准备：
1.幼儿准备：（1）让幼儿习惯聆听音乐，可以在幼儿午睡或做工作时放轻缓的古典音乐；（2）训练幼儿以音乐代替老师的口令进行集合、安静、I-N所等。
2.教师准备：（1）收集有关17、18世纪欧洲宫廷生活图片；（2）收集提琴的图片及音乐；（3）让家长陪同幼儿聆听《小夜曲K525》。
教学设计与内容：
（一）情境布置
1.整体教室布置：利用窗帘布、桌布、皱纹纸、床罩等材料，将教室布置成17、18世纪欧洲宫廷的样子。
2.区域布置：（1）娃娃家：将娃娃家布置成欧洲贵族饮用下午茶的地方（提供茶具及假的西点，供角色扮演）；（2）绘画区：雕塑——用纸黏土做出你所知道的欧洲绅士、淑女的样子。撕贴画——撕出欧洲宫廷建筑的轮廓；（3）建构区：运用大积木或乐高建构欧洲宫廷建筑；（4）图书区：放置与17、18世纪欧洲宫廷文化相关的书籍。
（二）手偶剧表演：以《小夜曲》为背景音乐，利用手偶生动的讲述莫扎特和音乐的故事，并请幼儿复述和扮演。
（三）影片欣赏：放映有欧洲贵族宴会的影片（建议：卡通《凡尔赛玫瑰》）
（四）说故事：以《小夜曲》为背景音乐，讲述《灰姑娘》或《睡美人》等以宫廷为背景的童话故事，可以请幼儿复述、角色扮演。
（五）戏剧扮演：1.请幼儿扮演成欧洲贵族的绅士或淑女参加宴会；2.故事分角色扮演。
（六）认识乐曲中的演奏乐器：提琴家族：大提琴、小提琴、中提琴、低音提琴。
（七）校外教学：带领幼儿参观幼儿园附近的乐器行，认识提琴家族。
（八）游戏：让幼儿分组进行猜乐器游戏。（乐器声音提前准备）
（九）音乐律动：随音乐节奏自由摇晃身体或进行有节奏的动作表现。
（十）音乐画图：随着音乐的节奏、旋律，根据自己的体验，自由创作画面。
活动延伸：有趣的下午茶。在教学分享时间举办这个活动，让幼儿体验欧洲贵族的饮茶文化。
五、结语
古典音乐的背景范文3
[关键词] 古典音乐 电影配乐 有机结合
doi：10.3969/j.issn.1002-6916.2012.23.011
古典音乐作为电影配乐，相比于其它的电影配乐有着很多独特的特点，这些特点的形成与古典音乐的创作年代、创作背景以及主题内涵有着很大的关系。古典音乐与电影艺术的有机结合也会使电影艺术的叙事产生质的飞跃，本文将对古典音乐在电影艺术中的使用价值进行分析。
一、深化电影主题
当代电影的题材可谓琳琅满目，特别是在社会意识形态越来越开放的今天，人们生活的社会呈现出异化的趋势，于是，描写血腥暴力、伦理犯罪，表现社会阴暗丑陋一面的电影越来越多，其中的很多还成为了电影界的翘楚。为了更好的描写这些题材，对观看者造成更大的心灵冲击，配乐者喜欢用最为严肃严谨的古典音乐对血腥暴力的场景进行配乐，这是影视剧配乐中对位的手法，即画面中演绎的内容与音乐所表达的情绪之间是一种对比的关系，以此使音画的结合产生更加丰富的表现层面，揭示更加深刻的内涵。
例如，由安东尼·霍普金斯主演的著名影片《沉默的羔羊》，讲述了一个充满了血腥、恐怖的罪案故事。影片男主角汉尼拔医生是一个变态杀人狂，处监狱但仍然具有强烈报复心理。在影片76分钟，杀人魔汉尼拔医生在杀死两名警察后，画面中的收录机中响起了巴赫的《哥德堡变奏曲》，这是一首典型的巴洛克风格的音乐，采用卡农的对位方式，不断变奏。钢琴的旋律轻快，画面中，汉尼拔伴随着音乐如指挥家一般陶醉着打着节奏，眯着的双眼仿佛是在回味刚刚行凶的过程。音乐过程中不时伴有受伤警察的，两者极不和谐，形成了强烈的对比。
二、提高影片格调
如今的电影市场繁荣发展，从恢宏巨制的好莱坞大片到小投资小规模的独立电影，浩如烟海，其格调当然也层次分明。并不是说投资越多的影片，格调就一定越高，小制作的电影就一定俗不可耐。一个影片的格调可以由很多方面决定，台词的深度、场景的选择、灯光的运用等等，音乐的配制也是极为重要的一环。古典音乐因其旋律线条优美，和声对位严谨，曲式结构考究，又因其创作年代悠久，饱含历史感，因此无可厚非的成为音乐殿堂中最高雅的一类。运用到影片中，自然也会提高影片的制作档次，在观影人心中留下永恒的印记。
罗曼·波兰斯基拍摄的《钢琴家》，讲述了二战期间，一位天才的波兰犹太钢琴家，四处躲藏以免落入纳粹的魔爪。他在华沙的犹太区里饱受着饥饿的折磨和各种羞辱，整日处在死亡的威胁下。他躲过了地毯式的搜查，藏身于城市的废墟中。幸运的是他的音乐才华感动了一名德国军官，在军官的冒死保护下，钢琴家终于捱到了战争结束，迎来了自由的曙光。作为一部反映波兰犹太人在二战期间遭受德国人残酷迫害的电影，必然跟肖邦的音乐有着千丝万缕的联系。肖邦的作品华贵中透着凄美，旋律如泣如诉，娓娓道来，他是波兰音乐史上最重要的人物之一，是欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。他自幼喜爱波兰民间音乐，不满20岁已成为华沙公认的钢琴家和作曲家。后半生遭遇波兰亡国，在国外度过，创作了很多具有爱国主义思想的钢琴作品，抒发自己的思乡情、亡国恨。肖邦音乐中的内涵与《钢琴家》所要表达的主题惊人的吻合，二者的结合必然使电影的格调突显，成为同类作品中的翘楚。
三、增加剧情张力
电影世界里，仿佛不少边缘、异化人物都爱听贝多芬的音乐。最经典的莫过于《发条橙》中的亚历克斯，他爱死了这位古典音乐家，每天晚上，亚历克斯总是以贝多芬《第九交响曲》第二乐章为一天终结。于是，在影片中我们见到了一个被解构被颠覆的贝多芬的作品，男主人公喜欢在《第九交响曲》的伴奏之下，幻想着更刺激的暴力和犯罪，音乐带给了他进行犯罪的动力和。贝多芬的音乐传统意义上讲是高尚的、圣洁的，他的音乐可以被当作古典音乐中的权威。当男主角不幸被捕入狱，接受精神治疗时，医生让他不断的看充满血腥暴力的画面，听成为纳粹阅兵仪式背景音乐的贝多芬乐曲，这是导演的别具匠心，是对贝多芬的艺术初衷完全意义上的颠覆，这种做法使影片上升到了一个更高的层次。
用高雅的音乐为看似“低俗”的影片做噱头是一种冒险，倘若处理不当，未免会让导演陷入故意卖弄，华而不实的行列。但库布里克的冒险却让这部影片在一定程度上增添了一条情节副线。从热爱贝多芬的歌曲，然后在音乐的“灵感”之下放纵自己的行为，再到怕听贝多芬的歌曲，直到最后对贝多芬的歌曲没有感觉。影片中的角色因为贝多芬的音乐和好友闹别扭，因此埋下了祸根，最后被好友出卖，进入监狱。一切似乎就是顺其自然了。追溯到源头，似乎贝多芬的音乐就是这场闹剧的直接导火索。
四、丰富电影类型
为古典音乐专门创作的电影是近些年来新兴的一种电影形式，在古典音乐与电影配乐相结合的领域，这是一种很罕见的情形。因为一般来讲，电影创作中声音总是处于画面的依附地位，即画面第一，声音第二。然而此类影片正好与之相反，即音乐占据了主导地位，画面是为音乐而服务的，这类似于mv的创作理念。古典音乐在传统上认为是一种无语义的艺术门类，不同的欣赏者对于音乐内涵的理解与脑海中随之浮现的画面也会不尽相同。然而，此类影片的画面给欣赏者提供了一个联想的方向，画面在影片中是创作者对音乐意境的感悟的具象表现，影片剪辑的节奏与音乐的节奏高度同步，影片的张力与音乐的起伏相互协调，完整统一的表达着同一个主题。
电影艺术与古典音乐的结合还是个新兴事物，还有许多不足之处等待去完善，许多空白等待电影人去填补。
古典音乐的背景范文4
关键词：幼儿教育 古典音乐教育 学习品质
【中图分类号】G613.5
“学习品质”指的是幼儿在幼儿园学习活动中表现出来的心理现象，“学习品质”的好坏直接关系着幼儿教育水平的高低以及幼儿能力的培养水平的高低。因此，良好的“学习品质”需要幼儿园高校的教学活动来进行，其中古典音乐教学就是有力的方式之一。
一、音乐对幼儿学习品质培养的思考
音乐与语言一样是人类重要的精神表现，而音乐又存在于每一个个体生命中。人类制造音乐的过程实际上便是感知自身生理、心理变化的过程，而这种感知能够受到基因遗传的影响。因此，音乐是生命本能。而对幼儿进行音乐的教育，有助于营造出一个健全的并能增进幼儿对音乐学习的环境，有助于培养幼儿对美的感知与创造能力，从而增强幼儿的自主精神、好奇心以及创新能力等。
二、如何进行古典音乐与幼儿学习品质的培养
（一）选择适宜的音乐材料，满足幼儿的兴趣与好奇心
人在幼儿时期会对周围的事物产生强烈的兴趣，尤其是在面对新的活动材料时更是如此，往往会表现出极强的好奇心及热情。而幼儿教师选用适宜幼儿的音乐材料便能促进幼儿音乐能力的发展，从而激发出幼儿的潜在英语素质。新鲜、丰富、有趣的音乐能够吸引幼儿的主动性。因此，在幼儿园的音乐教学中，必须要充分考虑到幼儿的兴趣、特点及需求，并遵循幼儿身心发展的特点，从而选择适宜幼儿的英语材料，为其营造一个良好的音乐学习环境。
在选择音乐时，不仅要注重幼儿的兴趣，还必须要有利于幼儿的身心发展，同时还要具有艺术性与教育性。而古典音乐就是一个很好的音乐材料选择，与其它音乐形式相比，古典音乐具有统一性、整体性及严谨性，也正是因为古典音乐具有的这些特征才使其情感得到了完整的诉说，对古典音乐来说其曲式结构的严谨、尾声的使用、音乐结构中的因子以及丰富的和声运用与配器技术共同构成了一个整体。而这样的整体则与幼儿的个体生命有着相似之处，虽然幼儿是尚未成熟的个体，但也是生命个体，同样也着自身的循环系统、呼吸系统等，因此幼儿也是具有整体性的。而在音乐教学中，古典音乐的完整性和有机性给了幼儿一个完整的印象，并为其塑造了良好的审美体验。如在进行古典音乐《加速度圆舞曲》的欣赏时，教师可以将音乐作为背景，并利用游戏或动作的演示，从而使幼儿能够借助游戏或动作的演示来想象，体现古典音乐中的倾听、辨析与互动的乐趣。
（二）创新音乐教学模式，培养幼儿的创造精神
幼儿园要为幼儿营造良好的音乐学习环境、条件，大力支持幼儿进行的音乐自发创造或表现。古典音乐作品与生命一样一直在持续的运动，其运动的过程既有缓慢的、也有快速的，而所有的这些都是生命形式运动的表现。因此，在幼儿园的音乐教学中，对幼儿的音乐教学需要保持运动的状态，同时还要关注音乐对幼儿生活的教育价值，以音乐来促进幼儿对生活的体验与观察，增强艺术与幼儿生活的联系，进而培养幼儿对美的感受与发现。如幼儿教师可以将《胡桃夹子》中的《玩具进行曲》引入到幼儿的音乐教学中，并根据音乐的表现形式，创作适合幼儿的舞蹈表演，将对音乐的欣赏和舞蹈充分融合在一起。伴随着滑稽、欢快、幽默的乐曲，幼儿大胆地利用舞蹈将其对乐曲的理解表现了出来。这些不断流动的音乐符号、旋律，能够唤起幼儿对音乐的表现，也能感知到艺术创造的美。
（三）捕捉幼儿学习音乐的关键期，培养幼儿的主观能动性
优秀的品质是建立在主观能动性基础上的，而幼儿便处于自主学习能力与主动学习习惯培养的重要阶段。在这一时期，幼儿开始对音乐感兴趣，并能用动作来表达其对音乐的态度。因此，针对幼儿学习音乐的关键期，教师引导给予幼儿不同的音乐教学，以此培养并激发幼儿对音乐的兴趣。在这一时期内培养幼儿的音乐兴趣，能使其对音乐产生良好的音乐感觉，从而开发幼儿的音乐天赋。
在进行音乐教学时，首先是要充分了解到每一个不同年龄阶段幼儿的特点，从客观的角度，细致的观察幼儿对音乐的需求，并据此予以正确的音乐教育。比如幼儿会对节奏感与声音较强的音乐表现出特别的喜爱，而节奏不仅存在于人的生命个体本身，还存在于音乐的节拍中，也正因为音乐有了与人生命相契合的节奏，才使得音乐能够打动人心。在古典音乐中同样具有节奏，而这种节奏是人为制造出来的，其从根本上服从的是音乐，强调的也是音乐，但是节奏却完全依赖于运动。如在《狮王争霸》中，狮王争霸的场面全部都是通过节奏的强弱起伏以及节奏的乐曲来展现的，在幼儿教育的过程中，这样的节奏同样能唤起幼儿无限的生命价值体验。
针对幼儿个性的特点以及音乐的规律，幼儿教师需要设计内容丰富多变的教学方式与内容，从而吸引幼儿对古典音乐的学习兴趣。如《狮王争霸》中，可以组织学生进行角色扮演，教师扮演狮子王，伴随着《狮王争霸》的音乐带领着幼儿威风凛凛的出场。这样的体验式教学方式，在一开始就让幼儿沉浸在音乐与表演的状态中，从中体验到音乐带来的内心感受。其次，教师还可以根据《狮王争霸》创设教学情境，让幼儿全部扮演成“狮子”，并进行“比比谁力气大”的比赛，从中选出真正的“狮王”，这样在游戏式的教学方式，能够让幼儿感受到古典音乐节奏的快慢、力量的强弱，进而深入的体验到古典音乐带来的深层次情感，达到精神上的满足。
结束语：
激发幼儿的创造力是幼儿实现自我思维能力与个性品质结合的重要基础。而培养幼儿的创造力则是一项复杂的工作，这就要求必须要先培养幼儿的音乐创造力，并创新音乐的教学模式来启发幼儿。古典音乐的价值是永恒的，也是被人们认可的。古典音乐作为一种与生命相契合的艺术表现形式必定能够幼儿的“学习品质”带来巨大的帮助，并促进幼儿的健康全面发展。
参考文献：
古典音乐的背景范文5
【关键词】音乐修养 古典音乐 音乐教学
音乐是一门有着独特文化形态的艺术，能够将人们的生活和社会地位等方面真实地展现出来，而在听音乐的过程中，人们能够结合现实生活，感知到音乐所要体现的细腻感情，同时对提高音乐修养也有着至关重要的作用。随着物质文明和精神文明的同步发展，教育体制不断改革，态度、情感和价值的展现成为了音乐教学的关键，简而言之，培育学生的音乐修养成为了音乐教学的主要工作。作为音乐中的经典，古典音乐始终给人们一种古老的味道。运用好这些经久不衰的经典音乐，不仅能够使学生感受最震撼的音乐效果，同时还能够大大提高学生的音乐修养，使学生从身体到心灵，体味一场真正的古典盛宴。
一、古典音乐对学生音乐修养的重要性
优雅动听的音乐能够激发人们内心深处的感情，并与音乐产生共鸣，当真正走入到音乐中后，还能够激发人们对人生、对未来的思考。在音乐中，流行和古典等仅是一个时间的代名词，并不是将音乐划分开来。每一个时代的音乐具有不同的特色，这些音乐贯穿了时代，为后人留下了丰富的精神文化遗产，这也就是我们所说的流行和古典。但不管他们的存在是否被接受，是否广为人知，它都代表了一个时代的声音①。但是在教学的过程中，很多学生偏爱流行音乐，对古典音乐的认知非常浅薄且不认同，但是古典音乐是人类文明发展中流传下来的瑰宝，赋予了不同时代的不同文化气息，例如贝多芬的第五交响曲《命运》，该作品将当时资产阶级革命时代，人们所展现出来的勇于抗争、争取自由的精神充分地体现了出来。不仅能够使学生的精神得到提升，同时还能够使他们更加乐于了解音乐，敢于走入音乐世界。除此之外，与流行音乐相比，古典音乐往往是由多种声乐、配器演奏出来的庞大阵容，其带给人们的震撼效果，是其他任何音乐所无法代替的。从节奏的把握、和声的创作等每一个环节均透着作曲家的心血。这些经过很长时间考验的音乐，在带给学生精神洗礼的同时，还能够有效提高他们的音乐素养。
二、如何运用古典音乐培养学生的音乐素养
（一）视听结合，在古典音乐欣赏中体味音乐魅力
采用音乐符号来实现“视觉”触及，帮助学生进一步接触古典音乐，更加利于学生在赏析音乐时，将感知到的画面在脑海中展现出来，使抽象音乐更加形象直观。在赏析主题较为鲜明的音乐过程中，可以通过一些影片或者图片将音乐的大背景展示出来，引导学生真切感受作品所要表达的主题，同时还能够起到为学生提供想象载体的效果。例如，在赏析圣・桑的《动物狂欢节》时，由于该曲从序曲展现狮王雄壮威武的形象，到终曲所有动物大团圆的场面，所要表达的是热闹的节日氛围中各种动物滑稽有趣的形象。教师通过图片将每一段音乐所展示的不同动物形象，通过图片传达给学生，再辅以音乐相伴，学生仿佛进入到了音乐世界中。一场音乐盛宴，在激发学生对音乐感知的同时，也使他们逐渐体会到音乐的魅力，进而更加热爱音乐，为塑造学生的音乐修养创造了极佳的基础条件。由此可知，通过视觉的激发，再加之听觉的刺激，相辅相成，将音乐的各种元素串联起来，使音乐更加形象生动，帮助学生进一步理解音乐所要表达的内涵，使他们对音乐的理解能力更强。
（二）“律动”引发感受，提高学生对音乐的感知能力
音乐本身能够结合动作来展现，在配合相应动作展现时，学生的感觉也会变得更加敏锐，对音乐中所要表达的非常细微的含义和主题更加敏感，体会也更加深刻。例如，赏析巴赫的《G大调小步舞曲》，由于该曲是一首舞曲，其具有独特的规格性，是一种非常典型的古典舞曲。正是因为该曲是小步舞曲，为此，教师利用该舞曲的特性，在引导学生赏析时提出一些简单的问题，引导学生走入到音乐不同阶段带来的不同感受中，而强烈的节奏感，也刺激学生思想随之起舞。每一位作曲家都有其独特的风格，给每一个人的感受也大不相同，而这些不同的感受，均源自音乐中不同元素所带来的不同效果。但是由于学生很难抓住乐曲的拍子，为此，仅靠听是无法有效解决该问题的，这时教师将不同的律动进行对比，使学生能够把握住赏析音乐的关键，深刻体会旋律，进而不断提高感知能力。
（三）“游戏”强化体念，提高学生对音乐的体味兴趣
如今的学生有着独特的思维模式，在他们的成长中，科技的发达带给他们更加宽广的世界，他们的思想更加新潮，传统的教学方式，不仅会局限他们的思维，他们也不乐于接受，为此，将“游戏”元素带入到教学中，引导他们在边学边玩中感知音乐，提升音乐修养②。在游戏的过程中，他们能够全情投入到音乐的感受中，音乐的跌宕起伏，使他们的情绪也随之受到影响，进而为音乐修养的培育创造了极佳的环境。例如，在赏析莫扎特的《小星星变奏曲》时，该曲是莫扎特为一位女弟子创作的作品，其以鲜明的主题，单纯质朴、轻快的节奏展现了一个丰富且可爱的氛围。学生在最初并不能够感受到该曲的变化，仅是发现其与《闪烁的小星》有些相似之处，并且能够听出演奏所使用的乐器。教师将“三变”游戏带入到教学中，通过游戏引导学生走入变奏曲的曲式风格中，辅以钢琴弹奏将每次变奏的序曲展示出来，使学生更加形象地感受主旋律的变化；随着游戏的深入，通过钢琴演奏，多媒体的配合，将“小星星”的三次变奏展现得更加生动形象，学生不仅更加了解如何体味音乐，同时对音乐的不同变化也有了更加细微的感受。通过较为简单的变奏，使学生对音乐的感知更加深入，同时利用游戏作为切入点，激发学生全身心投入到音乐感知中，为学生创造了更好的想象空间。再结合多媒体将抽象转变为形象生动的图片，学生更加明确主题，逐渐走入到了音乐殿堂，感受着音乐带来的不同变化，有效提高了学生的音乐修养。
注释：
①闫飞.论古典音乐与青少年艺术修养的提升[J].新西部，2010（8）
古典音乐的背景范文6
【关键词】电影音乐 古典音乐运用
电影音乐泛指电影中所用的一切音乐和歌曲，也专指作曲家为影片创作的音乐和歌曲。电影音乐具有抒情、剧作、背景气氛、贯穿结构等美学作用和功能，是电影的重要有机组成部分，也是音乐艺术的一种新的体裁。它通过录音技术与对白、音响效果合成一条声带，随电影放映而被观众所感知。有的电影音乐因其在影片中的特殊魅力而超越了电影本身，从而单独分离出来灌制成唱片而独立发行销售。在电影音乐中除了片头配乐、片尾曲和主题歌以外都是“提示音乐”，简短的悦耳音乐，有时只有几秒钟，他们只是为了配合场景和场景过渡，为了分散观众对剪辑效果的注意力。但有时这种作用却胜过了电影故事、场面和演员的表演。
古典音乐是指中世纪的格利高利圣咏至19世纪末叶创作的音乐。古典音乐包括巴洛克音乐、古典主义音乐、浪漫主义音乐等不同时期不同体裁的音乐：而狭义的古典音乐被理解为一种带有古典风格的音乐。古典音乐有着极其复杂的配器及和声走向，一般有庞大的交响乐队演奏。巨大的乐幅篇章使得其它风格的音乐无法比拟。由于大师们的高超技巧及其呕心创作，更使古典音乐具有深刻的思想内涵。在无声电影时代，古典音乐是唯一的电影音乐。
电影与古典音乐的关系可以追溯至电影初生之时。在电影刚刚诞生时，为了摆脱在看无声电影时的憋闷感，甚至采用在银幕后说话的办法，但终因这种尝试过于天真而很快被另外一种形式所代替――现场器乐伴奏。这种现场器乐伴奏的出现，据说是为了掩盖放映时机器的噪音。伴奏乐队的形式有大有小，大则几十人，小则几人。最早的器乐伴奏十分随意，均由乐师根据画面上的情绪自己选择成品音乐。这些作品很多即是古典音乐。后来，出版商们出版了各种电影音乐伴奏曲集，音乐伴奏有了较为固定的乐谱。他们还针对电影画面的内容，对音乐进行分类，如进行曲、抒情曲、小夜曲等，以供乐师们在配乐时选用。舒伯特的《未完成交响乐》第二乐章，常被用来表现明快流畅的情绪和田园风格：肖邦的夜曲被用来表现爱情场面：贝多芬的《爱格蒙特序曲》用来表现追击场面等。许多电影出版商为了降低成本，还将这些曲谱灌制成唱片。可见，此时的器乐伴奏和唱片的播放已不仅仅是为了掩盖机器的噪音，而且极大地填补了听觉上的空白。也正是这两种音乐伴奏形式，伴随着电影走过了30年的默片历程。
在无声电影时期，音乐从头至尾不断，但是只起伴奏的作用。进入有声电影时期。影片中的听觉形象除了音乐之外，增加了语言和音响效果，使音乐在电影综合艺术中得到了解放，开始能够更符合音乐艺术规律地、合理地使用音乐。作为一种听觉艺术，音乐进入电影综合艺术之后本质不变，其要素仍是旋律、和声、节奏和色彩，但电影音乐的审美方式与普通音乐的审美方式有着众多的不同，其中最重要的莫过于电影音乐的非独立性，这就是说电影音乐创作的艺术构思、艺术结构和音乐形象，都受影片的艺术总构思、总结构和画面视觉形象的制约，有时，音乐的听觉形象还要与语言、音响效果的听觉形象相结合。所以，电影作曲者要关注的东西简直是太多了。这在一定程度上增加了音乐创作的难度，画面、音响、人声、节奏、基调、影片的情绪等等，这些因素都是一个优秀的电影作曲者所必须考虑的。一个优秀的在艺术上力求完美的电影作曲者，他根本无法也不可能像一个纯粹的传统作曲者那样。全身心地甚至是疯狂地肆意在个人情感的感性世界中忘情地表现独特的自我：他必须小心翼翼如履薄冰一般，考虑着电影音乐进程中的其他种种元素，考虑着音乐与它们之间的关系是否符合电影意图的传达，是否有利于这种意图的传达，甚至在时间长度上都没有完全的自由，而必须受到来自画面长度的精确的束缚。因此，从根本上说，电影音乐本身并不具有音乐原本所有的独立性，它必须也只能在同画面、音响乃至人声等元素的相互融合中，来完成电影整体的艺术意图的传达。与此同时，电影音乐受电影蒙太奇的限制，随剧情发展而变化，因而每个音乐片断的时间长度，均受到严格限制(误差通常不能超过半秒钟)。为此，在音乐的写作和处理上，必须作特殊安排。例如，可能采取自由或不完整的曲式，甚至出现一个动机、一个和弦、一声打击乐：在乐思的发展上有时必须很快推向，或直接过渡，迅速结束等。这使电影音乐的创作成为一种特殊的课题。同时，电影音乐在电影中出现形式的片断性与自身整体性的诉求存在矛盾。电影音乐在影片中是分段陈述、间断出现的(早期的电影音乐例外)。但电影音乐又必须有整体的构思和布局。因此，解决片断与整体的矛盾以求统一，是电影音乐的特有课题。而纯音乐是一个完全独立的系统，它通过旋律和节奏等音乐元素唤起听者内心的情感感受，引起听者的某些联想和想象，并进而达到表现相关的主题的目的。极端一点说，音乐可以直接唤起人类的情感或者表现情感。当然，也有更为简单的看法，“说到音乐，我不觉得音乐能表现什么。比如说表现了什么画面和场景。音乐有时就是音乐，它不需要表现别的，它就要展示自己的美。”不论是引起听者的联想和想象也好，还是直接唤起人们的情感也好，还是纯粹展示音乐本身的美也好，纯音乐都不存在同另一个外在的艺术元素之间的关系问题。传统的作曲家从来都不需要考虑音乐以外的任何东西，他只需沉浸在音乐的世界当中。尽情地听凭他的才华挥洒音乐的激情，直抒胸臆，简单而强烈。
在电影艺术中，把大段的古典音乐运用的独具匠心、丝丝入扣的是澳大利亚优秀电影《闪亮的风采》。这部影片描写了犹太钢琴家大卫・赫尔夫高特充满传奇色彩的生活经历。影片不仅探讨了音乐。也探讨了爱的意义。爱，可以毁灭一个人，亦可以拯救一个人。大卫因变态的爱而疯狂，又因得到真爱才在疯狂中生存下来，最终焕发出生命的光芒。为配合剧情需要，片中采用了大量的古典音乐名曲。影片一开始，少年大卫演奏了肖邦的“波罗乃兹舞曲”，表现出他对音乐的挚爱和天赋的音乐才能。而后随着情节的发展，影片中出现了肖邦的“雨点序曲”、“C小调序曲”、李斯特的“钟”、“匈牙利狂想曲第2号”、里姆斯基・柯萨科夫的“野蜂飞舞”、贝多芬的“d小调第九交响曲”、“月光奏鸣曲”等多首观众所熟悉的古典音乐名曲。这些古典音乐在影片中配合大卫的成长过程，除表现他天才的演奏技巧外，也深刻地刻画了他的心理变化过程，同时起到了渲染气氛、抒 感等作用。尤其是拉赫玛尼诺夫的“第三钢琴协奏曲”作为这部影片的主题曲贯穿始终。在影片的处。大卫在音乐会上演奏着这支曲子。在跌宕的节奏和起伏的旋律中。乐曲艰深的内涵诱使大卫长期潜伏的心理压抑爆发了出来，最终导致大卫精神分裂。在影片结尾处，在爱人吉利安的精心照料下，大卫的精神状况日趋正常。曾是祸因的拉氏“第三钢琴协奏曲”使他从毁灭中重生又回到了舞台，仿佛是凤凰涅榘。灿烂的生命之光感动了在场的所有人。在这部影片中。古典音乐的魅力得到完美的体现。
今年来，随着音乐形式的创新和发展。电子音乐、流行音乐、摇滚乐在电影音乐中长期占领着主导地位，古典音乐在电影音乐中逐渐式微。甚至有消失的迹象。在电影艺术中，古典音乐面临着双重困境。第一是电影音乐自身的问题，当然也是所有电影音乐形式必然面临的困境。音乐和电影是两个各自独立的艺术门类。音乐是时间艺术。它被认为是所有艺术中最为抽象的艺术，因为它与人类的内心情感最接近，并且常常是从人类的潜意识里影响我们的情感：第二是古典音乐在自身的诸多特性方面与电影格格不入的问题。首先，那些交响乐、协奏曲、奏鸣曲、交响乐主义诗歌。它们与电影的叙事性、紧凑性和观赏性难以契合。电影音乐所需要的音乐是短小精悍的。与歌剧中拘谨、小气冗长的音乐是完全相反的。其次。所有的歌剧齐奏乐，尤其是较典型的那部分，都带有修辞的音乐标准和一定的社会文化。它们镌刻的是当时代的文化历史语境。它们无法被真实地、完全地置入特定电影的特定文化历史语境之中，因为两者的文化历史语境永远不可能完全契合。由于这种双重困境，古典音乐在电影艺术中举步维艰。
但是，古典音乐由于其独特魅力，仍具有极大的市场的，不能断然抛弃。改造是重生之道，只有改造才能使之更具适应性。更有活力。在不影响古典音乐内涵的前提下，适当的改编会使这一古老的音乐形式更适应现代观众的欣赏口味，同时在古典音乐的应用上力求大胆创新而不拘泥于生搬硬套。也有助于将古典音乐的魅力更大限度地发挥出来。因此电影音乐人对所选取的古典曲目一般都要经过不同程度的改编，这样可使人们所熟知的曲目听起来更具感染力。也就是说，古典音乐在影片中的应用能否取得成功，关键在于对古典音乐进行的再创作。在好莱坞电影的黄金时期及其之后的年代里，将著名的古典音乐作叙事性的改造似乎已经成了一种普遍的电影音乐实践活动：在电影《珍妮的画像》中，蒂奥姆金和赫尔曼都改变了德彪西的部分作品：在影片《西部的执法者》中，维克多・杨将柴可夫斯基的音乐更加舒缓地引用和模仿到了其中。有些时候，完全可以依据影片的需要将古典音乐予以变形。在《金耳环》中，维克多・杨使得瓦格纳的音乐更显讽刺化。在《虎胆龙威》中的《欢乐颂》，作曲家迈克尔・凯曼就引用了贝多芬的曲子来描写和强盗。原来的音乐在这里被赋予了明显的节奏，成为了不断变换的声音元素，一段不完整的乐章。最后当赃物被发现时，音乐又变成了管弦乐的合奏。接着在影片《纽约大劫案》中，凯曼和麦克蒂尔南又联手对传统的《集合到国旗下》男儿们澈了不少改变，如同在音乐中做了一些游戏。使之更生动具体。更好地为电影服务。
