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古典音乐的发源地范文1
到白沙，很多都是为了来看一眼壁画。
白沙壁画仿似白沙的封面一般存在于玉龙雪山脚下的这个古镇上。
除了壁画，这里还有被称为“音乐活化石”的白沙细乐，如今享誉世界的纳西古乐也正是据此创作而成。
白沙壁画、白沙细乐和白沙古镇一样，都有着悠久的历史。白沙古镇是丽江纳西文化的发源地，而壁画和细乐则自然地成为了白沙两个最负盛名的文化代表。
白沙明代壁画为国家级重点文物保护单位，据史料记载，以大宝积宫为代表的丽江壁画，是在明初至清历时期的300多年的时间里陆续绘制完成的。壁画融汉、藏、纳西文化为一体，众教合一，展示了藏传佛教和儒、道等的生活故事。白沙壁画对各种宗教文化和艺术流派兼收并蓄，独树一帜。壁画中所涉及的题材比较广泛，有对当时自然风光的描绘，也有对宗教人物的细致刻画，这些都或隐或现地表现了当时的世俗生活风貌，对后人了解那个时期的社会文化是一个很好的参考。
古典音乐的发源地范文2
一、概述
在吉他乐器中，古典吉他和电吉他是相对的，它与小提琴、钢琴并肩齐名，在乐器的整个发展历程中，有着不可或缺的重要位置。不过，古典吉他在确立这个名称之间，还有个正式的名字――六弦琴，和lute琴、竖琴等均属于古典式的琴弦乐器行列，它的适应性、典型性和艺术性较为明显。
二、国外发展阶段性分析
（一）公元8至9世纪
从分属类别的角度来讲有拉丁吉他和阿拉伯吉他之说。“吉他”类属于弦琴体系中古典式把式乐器中的一类。其实，把式弦琴乐器在民间受到欢迎且较为流行。公元8世纪末至公元9世纪始，阿拉伯吉他和拉丁吉他就出现了，这也是古典吉他的起源。学术界认为，东方是吉他的发源地，或者准确地说古典吉他的根源，可以从伊贝利亚半岛中世纪的弹拨乐器中可以追寻，具体的例证就是21世纪圣地亚哥德柯姆斯特拉大教堂正门的浮雕。
（二）公元13世纪
公元13世纪时期的卡斯提利亚国王阿尔风索十世，是最早的古典吉他音乐的追溯者。公元15世纪，吉他的舞台上又多出了把式琴弦的分支鲁特琴，从而导致了阿拉伯吉他的风光逐渐衰落走出了历史舞台。几乎在同一时期，维拉琴也作为拉丁吉他另一形态进入了普通民众的眼帘。从外部形状来看，出现在公元13世纪的吉他有两类：摩洛风吉他和四根弦的拉丁风吉他，前者呈长圆形、外形像葫芦，后者则是四根弦、多个小孔附着在背部圆雕处。这段时期，古典吉他基本都是扁圆形状的头部，到15世纪时，被称为“维乌埃拉”的拉丁风吉他弹奏方式开始出现划片式。
（三）公元16世纪
维拉琴新的演奏方法肇事于16世纪，变划片式弹奏为手指直接弹奏，并开始在民间、贵族、王室中盛行开来。至此，这种新乐器和新的弹奏方式渐渐地被人们掌握，鼎盛时期出现在16世纪30年代至80年代，在西班牙普及程度最高。也是在公元16世纪，古典乐器另一个重要分支――鲁特琴也登上了历史的舞台，并保持长久不衰。追溯到文艺复兴时期，把式弦琴发展并不盛行。这个时期的音乐家开始创作新的作品、加工原有的作品，为后来一段时期出现成熟的音乐作品奠定了基础。进入16世纪真正的文艺复兴，维拉琴和鲁特琴普及程度达到了鼎盛，很多作曲家和演奏家陆续涌现出来。同一时期，演奏吉他的乐谱出现了文字和符号的形式，弹奏方式也出现了和弦反复拨奏，发展趋势呈现中兴状况。
西班牙作为16世纪古典吉他的发源地，此时的古典吉他主要有四弦和六弦两种，用途各自不一，四弦吉他主要以和弦反复拨奏为主，流行歌舞和民歌是其主要演奏形态，实效性较高。六弦吉他和前者不同，演奏曲目的主要途径是借助逐个音符进行弹奏。从古典吉他的分类角度分析，四弦吉他属于普通的大众演奏型乐器，六弦吉他基本应用于王室宫廷和贵族府邸。不过，前者多声部演奏的王室宫廷风格也比较普及，在西班牙、意大利和法国等地区，均已开始出现了类似于这种风格的演奏曲目。公元16世纪50年代至60年代，在法国的贵族阶层中，也逐渐对这一类的演奏曲目开始关注了。
维乌埃拉基本出现在西班牙地区，现在能够保存的七本有代表性的古典吉他演奏曲目的集辑中，出版来源地基本出自于西班牙。演奏维乌埃拉和著名音乐家及其创作的音乐作品比较多，其中包括佛安里雅那、米兰、皮萨多尔（曲集1552）、巴尔德拉巴诺（曲集1547）等作曲家作品。公元16世纪40年代至50年代，维乌埃拉音乐进入了鼎盛时期，作品演奏较为集中。提恩托、幻想曲等作品处于这个阶段的演奏高峰，作品创作的内容覆盖了多声部音乐创作和自由创意等方面。同时，演奏技巧在变奏曲中呈现了多样性特点，演奏过程中民族风格也逐渐地清楚呈现出来。
所以，从古典吉他发展历程来看，尽管此时的琉特琴音乐与维乌埃拉的音乐共存于同一时期，不过从古典吉他外部形态的角度来看，琉特体系中并没有维乌埃拉音乐，维乌埃拉仅从属于吉他类别。因此，在中世纪欧洲特别是西班牙的音乐体系里，古典吉他受到关注的程度是最大的。
（四）公元17世纪
维拉琴、鲁特琴和西班牙吉他一同进入了公元17世纪后，古典吉他发生了新的变化。维乌埃拉的音乐悄然从历史的舞台中退出了，新的样式开始出现，及大字G的五组弦加入了低音范畴并渐渐在民间开始普及和流行。巴洛克吉他，也就是西班牙吉他的叫法也在公元17世纪开始出现。这种类型的吉他以复弦为主（包括五组复弦），还具有一根最高的特殊弦。从调弦的角度来看，在公元17世纪全音调高的现象也出现了，这种特殊的变化和目前的调弦结构类型差不多。到了巴洛克时代，因为鲜明、简易的演奏特点，西班牙吉他得到了基层民众的普遍欢迎。需要指出的是，尽管大量民众都青睐于西班牙吉他，鲁特琴还是占据着重要的地位。巴洛克时期还出现了两位重要的音乐家：素有“音乐之父”的巴赫以及怀斯，他们为鲁特琴音乐的发展发挥了很大作用。
（五）公元18世纪
在这之前，古典吉他还是基本以四根复弦为主，这种以复弦为主的吉他存在调音复杂的缺点。在这样的背景下，五根单线吉他开始出现并逐渐得到了大众的认可。直至1970年，第六根弦也进入了吉他体系中，它的六弦式定音模式即EADGBE模式成为了目前吉他的主要模式。到了公元18世纪初期，琉特琴的记谱法和吉他记谱法基本类似，较为普遍的吉普方法是塔勃拉吐拉，也就是用平行线来代表弦，同时在上面标记有关的数字符号来确定音高。一根新弦和其他相关单弦也增加进了低声部，并开始出现目前比较流行的调弦方法。古典时期，意大利地区弹奏吉他的音乐人才最多，其中比较出名的有格拉尼亚尼、卡鲁里、莫里诺等研究古典吉他的学者。他们创作了不少较为经典的弹奏作品，比如卡尔卡西，他的不少作品现在已经列入了初学吉他课程体系，是一块不容忽略的练习范本。再如，朱利亚尼的一些奔放豪迈特色的作品，也是非常有名的，他与索尔齐共同创立了两大演奏派别。
（六）公元19世纪
19世纪的前半个时期，由于机器工业的出现导致了古典吉他的发展受到了影响，最突出的表现就是古典吉他的调弦改成金属制成。不少有名的吉他制作匠师，如英国的帕诺尔摩、法国的拉柯特、奥地利的斯陶法等开始涌现出来。不过，西班牙的托列斯是真正确立目前吉他比例规格形状的巧匠。19世纪50年代开始，古典吉他兴盛趋势渐减，就连法国的科斯特、维也纳的默茨这样的音乐大师，也没有创作出多少音乐作品。从音乐发展的内部原因来分析，这个时期欧洲开始盛行浪漫主义音乐，人们的审美取向发生了变化，比较喜欢华丽宏大为标杆的作品。因此古典吉他便难以发展下去，同阶段只有西班牙的维尼雅斯、费雷尔及卡诺创作了为数不多的抒情作品。其中，帕尔加的创作热情较高，不少丰盛、热烈的古典吉他的作品都是出自他手。
（七）公元20世纪和21世纪
这段时间流行音乐和爵士音乐普遍开始出现，同样对古典吉他造成了影响。不过，此时一些新类型的古典吉他开始出现，外部构造和以前相比大不相同，比如，尼龙弦得到了广泛运用。最为令人瞩目的是，古典吉他的构造得到了改良，耶佩斯将六根复弦吉他改成了十弦吉他。古典吉他的改造除了在西班牙以外，还在德国、意大利和法国等国家有了发展。东方国家的日本此时也广泛运用古典吉他。21世纪以来，吉他的科技化发展程度越来越高，电吉他得到了广泛运用。尽管电吉他操作上十分方便，古典吉他仍然具有自己的优势，如演奏有灵气、灵活自如，这也是古典音乐爱好者喜欢它的重要原因。所以，在充满现代气息的城市环境里，具有独特艺术风格的古典吉他，更能带来不一样的艺术享受，古典吉他必将迎来它的再次复兴。
古典音乐的发源地范文3
关键词：艺术歌曲；属性；特点；德奥
艺术歌曲是声乐作品中最重要的组成部分，对于不同的民族来说，不仅具有不同的特点，也体现出了不同的属性。德奥艺术歌曲是艺术歌曲的发源地，因此，具有非常鲜明的代表性，它具有最大的价值并不是它的数量多么强大，而是它的精神和创作观念，正是这种观念促进了德奥艺术歌曲的持续发展，对世界范围内的艺术歌曲都产生了非常积极的影响。本文以德奥艺术歌曲以及舒伯特、舒曼等作曲家为例，详细分析了艺术歌曲的属性和特点，希望为艺术歌曲以后的发展提供帮助。
一、德奥艺术歌曲的属性
在中国和外国的艺术歌曲中，一些优秀的作品都是在选择上就已经经过了慎重的甄选，而且所选择的母本都是在文学领域中有一些成就的作家的作品，在这种情况下会给人一种非常强烈的感染力1。所以说，在艺术歌曲的创作中，如果从文学和音乐的结合上进行分析，那么可以看做是诗歌和艺术歌曲的结合。因此，艺术歌曲最重要的就是创作歌曲，而且非常注重文学和音乐的结合，这也就是广义上的艺术歌曲。而我们经常说的艺术歌曲，实际上指的是以舒伯特为源头而出现的，具有一定特点的声乐作品，也就是狭义上的艺术歌曲。另外，德奥艺术歌曲是艺术歌曲的开始，具有一定的代表性，不管是在声乐教学中还是在民族的艺术歌曲创作中，都存在着非常深远的意义。
二、德奥艺术歌曲的特点
对于德奥艺术歌曲而言，主要以舒伯特和舒曼等创作型的作曲家为主，下面以舒伯特和舒曼为例，分析一下德奥艺术歌曲的特点：
（一）音乐风格方面的特点
在德奥的艺术歌曲中，舒伯特属于古典主义和浪漫主义过渡时期的作曲家，也就是说，他所创作的作品不仅具有古典的影子，而且又带有浪漫主义。而且，他的艺术歌曲通常情况下都是比较自由的，情感非常真切，曲风顺畅，对人物的心理描述掌握的非常到位，充分体现出了作者对自由、幸福以及爱情的向往2。对于舒伯特来说，他最喜欢的就是利用分节歌或者是变化分节歌的形式来进行创作，再加上旋律和歌词完美的结合，使他的艺术歌曲具有非常强的歌唱性。比如，让人痴迷、忘情的《小夜曲》、真诚、安静的《圣母颂》等，都体现了他富有歌唱性的音乐风格。除了这种安静沉稳的形式表现出了古典音乐的特长，他的艺术歌曲还具有较强的浪漫主义情怀。而舒曼的音乐最主要的就是浪漫主义情怀的体现，他的作品基本上都属于旋律温柔、感情细腻等风格，不仅表现了爱情的主题，而且会给听者一种跟随的情感，使其跟随者不同寻常的想象力去感受不一样的情感。比如，《妇女的爱情生活》《桃金娘》等，都是他非常得意的代表作品。他最喜欢的创作形式是通谱体，一般情况下，这种创作形式的结构不是特别规律，而且错综复杂，通过不协调音程以及大小调和模糊调的应用，给听者一种朦胧的感受。舒曼的艺术歌曲创作为浪漫主义开辟了一个全新的领域，而浪漫主义的创作特性在他的作品中充分得到了体现。所以说舒曼艺术歌曲最明显的创作特征就是诗意和幻想，给人一种朦胧的感情。
（二）歌词方面的特点
在艺术歌曲的歌词方面，舒伯特将歌曲的曲调与浪漫主义的抒情诗词非常完美的结合在了一起，而且是世界上的第一人，被人们成为音乐史上的“艺术歌曲之父”。在艺术歌曲的创作中，舒伯特非常重视诗词的韵律和语言的重音，对诗歌中的感彩掌握的非常准确，并且通过旋律的运用和钢琴的伴奏对诗词进行了完美的体现。在舒伯特的歌曲中，能够将旋律和节拍非常完美的结合在一起，当听者在倾听舒伯特的艺术歌曲时，会感受到歌词中的韵律之美，这是其他作曲家所不能与之相媲美的3。而舒曼是在舒伯特创作的基础上对艺术歌曲的赋予了更多的浪漫主义情怀，因为舒曼的文学修养比较高，因此在艺术方面的表现要更加有深度，再加上他非常注重诗歌本身所带有的艺术，在诗词选择上也非常慎重，所以他被人们称为“诗人音乐家”。与其他的作曲家相比，舒曼更具有诗人的特质，比如敏感、神经质等，也正因为这些诗人的特质，使他的作品都表现出了对生活的想象和向往，从而在诗歌中融入了更多的情感。用舒曼自己的话来说，他用音乐的手段将诗歌创造的更具诗意。
（三）钢琴伴奏方面的特点
对于艺术歌曲的钢琴伴奏而言，在舒伯特的艺术歌曲创作中，充分展现了钢琴伴奏的地位，彻底了以往以声乐为主，钢琴伴奏为辅的歌唱形式，使钢琴伴奏和旋律人声处在一个相同的位置，将二者融合在一起，从而体现出了诗歌的内容，塑造了音乐的形象，表达了思想情感。为了能够充分强调诗词的内在含义，体现出浪漫的情怀，在《冬之旅》中，舒伯特就运用了不同伴奏交织的形式，比如连音、和弦以及跳音等交换使用，从而最大程度的体现了艺术歌曲中的情感，并且使用钢琴伴奏在前奏、间奏以及尾奏加大参与力度，从而起到加强人物内心情感的作用。舒曼在钢琴伴奏方面的造诣非常深，而且还开辟了钢琴伴奏的新领域。在上文中提出，舒伯特将钢琴和歌唱放在了相同的位置，而在舒曼的艺术歌曲创作中，基本上是将钢琴和声乐融合在了一起，形成了一个整体。比如，在歌曲《自从我看见了她》中，舒曼将短小的动机，通过模进、转调以及扩充等创作手法的应用，使其成为了一部钢琴和声乐交融的“交响曲”；又比如在《核桃树》一曲中，钢琴伴奏和人声以一问一答的形式完美展现了本首歌曲的意境；再有，在《当我凝视着你的眼睛》的歌曲中，主要是以钢琴和歌声共存的形式存在的，其“卡农”式的唱法促进了音乐的良好发展，而且还提升了歌曲的意境。另外，舒曼还会在歌曲中加入前奏、间奏以及尾声的形式来体现歌曲的意境，从而将情感充分的表现出来，开辟钢琴伴奏的新领域。综上所述，虽然舒伯特和舒曼的作品都是德奥艺术歌曲的代表做，而且具有一定的共性，但是他们在个人的风格和创作上却又存在着很大的不同。德奥艺术歌曲是声乐艺术的灵魂，因此掌握它的特点非常关键，所以，一定要了解舒伯特和舒曼创作的风格，从而观察他们之间存在的区别，实现艺术歌曲风格、气质以及音乐上完美的统一，促进艺术歌曲的持续发展。
作者:杜思伟 单位:广东岭南师范学院
注释：
1.孟卓.我国艺术歌曲特点浅析[J].大众文艺，2011，03：26-27.
古典音乐的发源地范文4
关键词：钢琴爵士乐；节奏；切分；摇摆
中图分类号：J624.1 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）08-0103-02
在所有音乐种类中，爵士乐是最为流行的种类之一。许多音乐家、学生以及普通的音乐爱好者对爵士乐都具有浓厚的兴趣。然而，在传统的音乐教育中爵士乐的学习始终没有得到应有的重视。
一、起源
爵士乐初源于19世纪末20世纪初的美国，它是一种融合了欧洲与非裔美国人两种文化的专业领域音乐艺术。爵士乐由民歌发展而来，有多种源头，其中最主要的是以下三种：
（一）黑人的精神圣歌――最有名的非洲―美洲音乐是宗教性的。这些优美动人的歌曲白人也听，不过比乡村黑人教堂里演唱的这类歌曲多一分上流社会的味道。今天人们所知道的福音音乐（gospel music）更准确地说是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感，
（二）布鲁斯――"布鲁斯"一词被译为"悲伤"。它是来自流浪者乞讨的艰苦生活的歌曲。在蓄奴制被废，黑奴得到解放以后，非洲―美洲音乐的发展很快。军乐团所弃用的乐器加上新获得的迁徙自由形成了爵士乐的根底
（三）拉格泰姆――用钢琴演奏的舞蹈性音乐。"拉格泰姆"是Ragtime的音译，词意是"参差不齐的拍子".故又称为"散拍乐"，它是从非洲民间音乐发展而成的，它以丰富的切分和自由的即兴为其赢得全世界流行乐迷和钢琴演奏家的青睐。特别是爵士乐也属于流行乐，由于其风格独特，变化丰富，因此能够巧妙加入爵士乐因素的流行乐作品往往可以与众不同，脱颖而出。
二、诞生
爵士乐的发源地是新奥尔良，爵士乐团通常在游行队伍的前面演奏，至1900 年左右，新奥尔良铜管乐队将拉格泰姆与蓝调音乐融合到一起，这被认为是爵士乐诞生。
现今，爵士乐是一种，融合了不同民族的传统音乐和专业学术领域的作曲家的作品的音乐形式。最常见的爵士音乐种类： 灵歌、 蓝调、 拉格泰姆，布吉乌吉。爵士乐的主要特点：即兴创作；复杂的节奏；旋律与和声特殊的结构；各种音色和拟声元素。
三、爵士乐的节奏
在爵士乐中，节奏是表达的主要手段之一。
爵士节奏中，常见“三对二”――不以常规的重拍为重拍，改变切分音的细节 ，音的错位的rubato节奏等等。在爵士音乐中节奏的特点被反映在错位、 摇摆， 切分和重音。
（一）切分音
爵士音乐中充满着切分音，而这些切分音给爵士乐增色不少。切分音的重音在中间。比如在行走时可以感觉到切分音：如果在每走一步之前拍手。在爵士音乐中，有几种类型的切分音：三个音的小切分，在小节之间的4个音的切分（有同音连线的），还有带有休止符的切分音。由不同的切分音有慢速和中速，特别是一个好方法是象声词读出来。在爵士乐的切分音与古典音乐中的切分音是不同的。在爵士乐切分音是加速的、 放慢速的，在重拍保持更长的时值。
非洲的切分音也用在爵士乐中。在非洲切分音中，重拍或是提前或是错后。原来旋律从原有的节拍上发声移动和错位。旋律变得有节奏地自由。这被称为“交叉节奏”：他们将两拍子音乐与三拍子音乐结合在一起。并且在“交叉节奏”中将小节中的双数重音改为单数重音。
（二）摇摆
爵士乐另一个非常重要的特点是有“节奏的摇摆”。“swing”在的翻译是上摇摆运动。“摇摆”是音乐家的通过一系列技术的转换成爵士乐中的一个主题的能力。摆动的主要手段是运用切分音、 和节奏的改变。开始学习爵士乐的人们首先要掌握的是“摇摆”。“摇摆的音乐”，是一种韵律摇摆、声音之间过渡、节奏的韵律转换的技能。摇摆的基本特征来自于"近似的节奏"。" off-beat "。这种" off-beat "使得节奏或提前或错后。从技术极大地影响技法和奏法。建议您多听听有和领先爵士歌唱家-路易 ・ 阿姆斯壮，艾拉 ・ 菲茨杰拉德、 B.B KING、 法兰克辛纳屈、 雷・查尔斯和其他人的录音。初学者掌握swing基本技术，建议您用以下方式学习。
1、训练节奏：数1/4拍，然后数八分音符，然后数三连音，最后将它们综合在一起。
2、重音的移动，将重拍移位到传统节奏的弱拍上。从简单的节奏开始，可以用奏拍手的方式训练节奏。
3、奏法，找到正确的演奏技法对于音乐性格起着至关重要的作用。
在学习swing之后，您可以开始学习不同体裁的节奏： Blues、 Bossanova 对于一个学生来说，学习表演爵士乐片断时必须重视对节奏感的训练。要先从简单的爵士乐逐步开始。因此有必要考虑到学生的音乐能力、 他的演奏水平，以及对音乐理论的掌握程度。这种对爵士乐训练应基于通过练习爵士乐习题来得以实现。这些练习和所有后续工作的目的是要形成一种内在的节奏脉动、 熟悉复杂的节奏，为学生弹奏爵士乐作品做准备。形成爵士乐节奏感可以从说唱（da na ba等）象声词来感受爵士乐节奏的脉动。因为当我们只是查拍子时是无法认真聆听和感受节奏的。
想训练好学生的节奏感，需要认识和学量的不同体裁的爵士乐节奏。在发展的节奏性原则需要特别注意声音的攻击性和音的结尾。因为，需要准确的弹奏出爵士风格的断奏和连奏。重要的是演奏出热情和轻松的气氛。
（三）即兴创作
埃灵顿公爵认为，即使当演奏爵士乐作曲家现成作品是也应该赋予作品即兴创作成分。左手更多是在模仿低音提琴、吉他和打击乐，所以左手应该相当活跃地作为独奏作品的领导者，用节奏营造爵士乐表演气氛。
四、对于初学者学习爵士乐的推荐计划
（一）听听老师示范演奏或音频资料。
（二）了解曲式结构。
（三）找出有节奏困难片段用击掌的方式复述出来。如休止符、切分音、自由延长、摇摆。
（四）了解和声。
（五）分手演奏，找出困难片段。
（六）与老师合奏：老师演奏一只手，学生演奏另一只手。
（七）敲击出准确的节奏积极地弹奏出来。
（八）单独的弹奏出开头与结尾，细节，力度对比等。
（九）完整地演奏出整首作品，敲击出重拍，敲击出不同乐章的自然过渡到另一个。
（十）两只手同时演奏，但是分别听其中的一只手的内容。
（十一）演奏出音乐会的效果。
结语
本文对爵士乐的起源、诞生、节奏、及学习方法等几方面进行了分析，希望通过本文的论述能够引起爵士乐音乐爱好者以及音乐专业在校生的重视，对学习爵士乐的初学者带来一些帮助。
参考文献：
[1]德克・苏特罗.我的第一本爵士乐书[M].北京：人民邮电出版社，2013.
[2]格劳特帕斯卡利.西方音乐史[M].长沙：湖南文艺出版社，2000.
[3]傅雷.傅雷谈音乐[M].长沙：湖南文艺出版社，2002.
[4]杰夫・戴尔.然而，很美[M].浙江：浙江文艺出版社，2013.
[5]莫里斯・杰罗.爵士乐[M]北京：人民音乐出版社，2010.
古典音乐的发源地范文5
关键词：哈辉“新雅乐”；国学传播；文化复兴；国学音乐化
中图分类号：J209 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2016）02-0229-04
从建国初期的“土洋之争”到20世纪的“国学热”，传统与现代从“针锋相对”走向“你中有我，我中有你”，传统文化得以多样化的方式传承，变化的是形式，不变的是精髓。2010年8月7日哈辉《辟雍・新雅乐音乐会》世界巡回演唱会启动仪典在孔庙上演，开启了哈辉的新古典音乐艺术丝绸之路，同时也给传统文化开启了绚丽多彩的新篇章。
哈辉，中国古典音乐演唱家，新雅乐创始人，中国国学推广大使，组建了新雅乐府。2008年初春，哈辉个人艺术演唱风格正式由“民歌”转型为――“跨界古典”演唱风格，08年5月参加奥运会倒计时100天，演唱新雅乐歌曲《2008-礼》。同年受到以色列文化部与外交部的邀请，2010年10月在特拉维夫―古罗马遗址举办《弦诗・哈辉新雅乐演唱会》。哈辉在搜狐博客“哈辉新雅乐时代”中写道：“《关雎――后古典雅乐》可谓我艺术生涯的转折点，在这张新专辑上，我倾注了自己所有的创作热情，灵感与创新，一方面是为自己的艺术梦想，一方面是要通过我的音乐向大家再现中国古典文化的精髓。”
一、哈辉“新雅乐”的艺术形式
哈辉“新雅乐”作品形式多样，犹如百花园里盛开的鲜花，绚丽多彩、争奇斗艳、数不胜数，每一件作品都散发着独特的艺术魅力。本文从哈辉《辟雍・新雅乐音乐会》、古罗马《弦诗・哈辉新雅乐演唱会》、《关雎――后古典雅乐》专辑以及新雅乐单曲中列举了一些主要的艺术形式。
（一）诗、乐、舞
在古代，诗歌、音乐与舞蹈三者是结合为一体的。《乐记》中说：“诗，言其志也；歌，咏其声也；舞，动其容也。三者皆本于心。”《诗经》、《楚辞》、唐诗、宋词、元曲在古代都是用来歌唱的。
哈辉的新专辑主打歌曲《关雎》就是选自《诗经・周南》的开篇，配以中国画的水墨意境，诗与歌的完美结合展现出一幅唯美的画卷。《诗经》在文学史上的地位毋庸多言了，先人们当时到底是怎样歌唱的，我们已经无从考证，哈辉演唱的这首《关雎》由作曲家林海赋予了古色古香却又新鲜清雅的释义，鲜活再现了“关关雎鸠，在河之洲。窈窕淑女，君子好逑……”的周代社会风习及伦理道德认识。
（二）书法
墨在中国传统文化中占有重要地位，书法代表着古代的文化。舞蹈《墨香》中舞者象征着墨的颜色的黑色服饰，单臂水袖舞动着，以灵动的身形把水与墨的交融表现得淋漓尽致。背景有一老者的书法表演如游龙戏凤、行云流水，一气呵成的书法艺术和古琴时而苍劲有力时而清脆幽静的音乐声融为一体，把对中国传统文化的敬仰之情传导到每一人的心里。
（三）茶道
中国的茶文化有几千年历史。茶道兴于唐而盛于宋，唐人云：“以茶可行道，以茶可雅志。”今人将茶道归结为“廉、美、和、敬”，即“廉俭有德，美真康乐，和诚处世，敬爱为人”。
歌曲《茶香》中哈辉在现代乐器技法与古韵古风混合的音乐声中表演了茶艺，歌唱虽与现代歌曲风格更为相近，但在其他表演者身着汉服，执宫廷礼仪的背景画面中，歌、乐、茶艺凝聚成茶道的灵魂“天人合一”，体现出传统文化中以“和”为核心的茶道精神。
（四）吟诵
吟诵有着两千年以上的历史，亦称“吟咏”，是人们对汉语诗文的传统诵读方式。书不尽言，言不尽意。言之不足故有咏叹。通过吟诵，诗词文赋的内涵和韵味更能得以完全呈现，堪称传统文学之活态。因其逐渐消亡，已被列入国家非物质文化遗产行列。
李煜的《虞美人》在哈辉似唱非唱，顿挫起伏的吟诵声调中，配以古琴演奏家王鹏低沉又悲愤的音调表现了李后主的亡国之痛、故国之思、凄楚之情，对千古传诵不衰的著名诗篇《虞美人》进行了最详尽最精炼的解读。
（五）古琴
古琴在古代称之为瑶琴、玉琴、七弦琴。号称乐器里的活化石，是中国最古老的弹拨乐器之一，在孔子时期就已盛行，有文字可考的历史就有四千余年。因其与雅乐清音相伴，被视作是古代君子的修身之器。古琴的声音带着中华民族博大精深的文化底蕴和灿烂文明从古回荡至今。
古琴演奏家王鹏演奏的古琴曲《鸥鹭忘机》出自《列子・黄帝篇》，其中《好鸥鸟者》讲述了这样一个寓言：“海上之人有子欧鸟者，每旦之海上，从鸥鸟游，鸥鸟之至者百住而不止。其父曰：“‘吾闻鸥鸟皆从汝游，汝取来，吾玩之’。明日之海上，鸥鸟舞而不下也。”
意为：在那遥远的海岸上，有个很喜欢海鸥的人。他每天清晨都要来到海边，和海鸥一起游玩。海鸥成群结队地飞来，有时候竟有一百多只。后来，他的父亲对他说：“我听说海鸥都喜欢和你一起游玩，你乘机捉几只来，让我也玩玩。”第二天，他又照旧来到海上，一心想捉海鸥，然而海鸥都只在高空飞舞盘旋，却再不肯落下来了。
解释：“鸥鹭忘机”一词即来源于上述寓言的前半部。“忘机”是道家语，意思是忘却了计较，巧诈之心，自甘恬谈，与世无争。“鸥鹭忘机”即指无巧诈之心，异类可以亲近。后比喻淡泊隐居，不以世事为怀。
王鹏精湛的演奏技艺让闻者能由心灵感受到乐曲的神韵，闻之有尘俗尽释、超然物外之感。
二、哈辉“新雅乐”的演唱技巧
国外的媒体形容哈辉的嗓音与演绎――“如在丝绸线上滚动的水露珍珠，圆润而轻灵，飘逸而醇香，音聚而带神聚，形散而神不散”。哈辉的唱腔淳厚质朴，跌宕有致，具有“圆、润、糯”三大特点，被美国格莱美奖古典评委Josh先生称为中国独特的“吟弦腔”，堪称一绝。
（一）唱――“吟弦腔”
哈辉独特创新的唱腔“吟弦腔”，赋予了作品全新的艺术魅力。
“圆”：字正腔圆，原是戏曲唱念的基本原则方法，现代声乐的发展吸取了中国戏曲演唱的这一精髓，已成为歌唱艺术的重要原则了。字正是指字准、字真、字纯；腔圆指的是声音的圆润和腔调的婉转。哈辉的吐字清晰，咬而不死，咬而无痕，把“字正腔圆”这一原则在她的新雅乐作品里体现得淋漓尽致。
“润”：哈辉新雅乐作品演唱中运用了许多对唱腔加以美化、装饰、润色的技法，归纳起来主要有：断音润腔法、装饰音润腔法、音色变化润腔法、声音造型润腔法、力度变化润腔法、节拍、节奏润腔法等。这些技巧被哈辉恰当地综合运用到了极致，对形成其作品独特的艺术风格、韵味和艺术感染力起着决定性的作用。
“糯”：哈辉的音色软糯，流畅舒展、婉转柔和。音色取决于情、气、腔，在哈辉的作品中，情感的表现丝丝入扣，拿捏得一分不多一分不少；气声的运用推波助澜，让情感与音乐浑然一体；在润腔的美化中赋予歌曲灵魂，让文化的精髓伴随着音乐“润物细无声”。
（二）演――“清雅传神”
哈辉的表演清新、儒雅、灵动、轻盈，似一幅水墨画，没有太多雕琢、奢华的痕迹，却如清泉，甜润入心。其风格凸显出了中国女性所特有的――柔美、含蓄、娴雅与古雅之魅力。哈辉演唱会上由著名服装设计师叶锦添设计的服装古朴典雅，具有极强的视觉冲击力。汉代服饰多样化地展现，结合汉代的礼仪融入表演，加上古典舞的造型和韵味，舞台画面与哈辉的演唱成为视觉与听觉的盛宴，唯美到极致。
三、哈辉“新雅乐”的文化内涵
哈辉说：“传统文化博大精深，含义广泛，但无论是承载诸子百家思想精髓的文化典籍，还是包含了陶冶性情，颐养心性的琴、棋、书、画的显性文化元素，其根本是整个华夏民族生生不息，难以割裂的民族精神和民族气节。”
（一）唐诗、宋词等经典名篇佳作
唐诗、宋词是中国文学史上的两颗明珠，体现了唐宋时期人们对精神文化生活的追求，具有时代的烙印。唐宋时期因国家的繁荣昌盛，人民文化生活也日益丰富多彩，涌现了许多才华横溢的诗人、词人，留下了宝贵的传世名篇佳作。新雅乐作品中很多取材自唐诗、宋词，如《山行》（唐 杜牧）、《春晓》（唐 孟浩然）、《蝶恋花》（宋 苏轼）、《青玉案 元夕》（宋 辛弃疾）、《相思》（唐 王维）、《鹊桥仙》（宋 秦观）、《一剪梅》（宋 李清照）等。在古代的形式、古代的内容上，哈辉和她的创作团队以现代的技法创作和演唱赋予唐诗、宋词以全新的面貌，使前人留下的非物质文化遗产得到了一种全新的更适合的流传方式。
（二）儒家思想
儒家思想主要内容可概括为：“仁、义、礼、智、信、恕、忠、孝、悌”。这九个字从古代沿用至今，教人做人做事的道理和行为准则。不管时代如何变迁，做人做事的道理却是不会变的。
作为“新雅乐”的创立者，哈辉在她的音乐中充分体现了“礼”和“乐”的融汇，使“礼”的内容赋予“乐”的形式，以“乐”求“礼”，以“乐”载“道”，使听众在满足于感官愉悦的同时，又能从内心感受到音乐的意蕴。“礼”是中国传统文化的核心，也是我们中华民族的一种思维方式，一种行为准则，而“礼”都是围绕着“德”展开的，是为了弘扬和表彰“德”而设计的。有德的人必然是最懂得爱人的，懂得珍视人的价值的，懂得尊重别人的。哈辉说，她要做的音乐就是一个人的精神，一个民族的精神。
其代表作品有《2008-礼》、《孔子曰》、《女德》等。《2008-礼》这首作品曲调平和，柔缓而又庄重，通过“礼”“乐”的融合，充分展现了传统礼乐“敬、静、净、雅”的要旨，形成了一种全新的音乐风格，同时成功地加上了中国文化的烙印。在5000多年文化背景的积淀下，新雅乐作为世界性的传播语言，把中国传统文化以音乐的审美意象呈现给世界，向世界展示了中国文化的深厚及魅力。
（三）茶文化
中国是茶的故乡，也是茶文化的发源地。茶文化的内涵其实就是中国文化内涵的一种具体表现，谈茶文化必须结合中国汉文化而论之。中国素有礼仪之邦之称谓，茶文化的精神内涵即是通过沏茶、赏茶、闻茶、饮茶、品茶等习惯和中华文化内涵、礼仪相结合形成的一种具有鲜明中国文化特征的一种文化现象，也可以说是一种礼节现象。
哈辉新雅乐作品《茶香》通过茶艺与歌唱的结合以新颖的方式融汇中华民族茶文化与礼仪涵养予其中，是对茶文化更为雅致的解读。
（四）酒文化
酒文化作为一种特殊的文化形式，在传统的中国文化中有其独特的地位。在几千年的文明史中，酒几乎渗透到社会生活中的各个领域。为创作复兴中国酒文化 泸州老窖高端品牌“国窖1573”特邀哈辉“新雅乐”团队为其创作长达4分钟的电视宣传影片，讲述中国酒文化，著名作曲家吴璇，作词家郭晓晔再次联袂合作，创作了《与君饮》。哈辉作为首位国学推广大使，让国人品鉴美酒之余了解中国酒文化。
中华民族的文化博大精深，立足哈辉的“新雅乐”作品，本文列举了几个方面，不足以概括全貌。哈辉的“新雅乐”作品以及其他国学复兴使者们不断创作的新作品将会给国学精髓更多更好的演绎。
四、中国国学传播的创新方式对文化复兴的现实意义
国学是中华民族辈辈累积、代代相延、时时创新的精神脉动，是在时间的淘洗和实践的磨砺中聚合凝练的智慧结晶，是闪烁在历史长河之中光耀子孙后代的灿烂星空，是中华民族之生生不息、奋斗不止的心灵磁场、情感纽带和身份认同。
哈辉“新雅乐”这一国学传播的创新方式，以其内容的创新、形式的创新、精神的创新给中国文化的复兴开辟了更广阔的天地，使国学音乐化、音乐乐教化，国学插上音乐这一特殊艺术形式的翅膀，飞向中华民族大众的心里。
（一）内容的创新赋予文化复兴时代的气息
现在我们所称的“国学”是指中国传统文化中的精华与当代文化中的精华相融的学术精髓简称，决不是简单的复古，不知继承、改造和扬弃的国学其生命力势必不能长久。中国传统文化中的精华主要来自儒家思想，其核心就是道德教育，教我们如何做人，如何修身、然后方可齐家、治国、平天下。儒家对中国文化的发展起了决定性的作用。
哈辉“新雅乐”在传统文化的传承方面与时俱进，内容结合时代的需求更加详尽和提升。例如：她把她对“妇德、妇言、妇容、妇功”的理解展现为女子生活礼仪的《茶香》；把女子对丈夫忠贞思念之情化为《相思》与《长相知》；新雅乐的代表作《礼》打开了很多远在海外的游子之心；专为儿童创作的国学启蒙经典《声律启蒙》让每个孩子发现原来我们在说话和写作的时候，语言竟可以如此优美，同时让他们可以感受到中华古典音乐的古韵之美。从小培养他们诗一般的心灵。
（二）形式的创新开拓文化复兴广阔的道路
20世纪初兴起国学复兴热潮，各种各样的国学复兴形式在探索中开展，如国学培训班、国学进课堂、国学讲座、国学专题电视节目、国学知识竞赛等。哈辉作为首位国学推广大使，近些年来一直潜心研究国学音乐化，旨在“以礼修身，以乐化性”。以其多样的艺术形式给国学开创出更广阔的道路，如：书法、舞蹈、古琴、茶道、吟诵等。自哈辉“新雅乐”世界巡演开始以来，中国国学文化在全世界范围内影响巨大，各国人民对汉文化的学习与研究热情上升到空前的高度。国内的国学音乐化进展神速，国学吟诵活动和国学内容的音乐创作作品等精彩纷呈，通过音乐来演绎国学，让传统文化得到了更好的保护和传承。
（三）精神的创新是文化复兴精髓的升华
中国历史悠久，上下五千年的文明，凝聚了数不尽的文化精髓。经数十朝，历几千代，中华文明所繁衍出来的传统文化，一直伴随着人类社会的发展而支撑着我们的精神世界。历史经验告诉我们，任何民族在任何时展变化，必须重视弘扬本民族的传统文化，离开了传统文化，就丢掉了民族之魂，失去了发展的方向，也就淡化了民族特色。
作为中国国学推广大使，哈辉经常受邀参加国际间文化交流活动。她认为国内的文化作品与国外相比最大的差距就是民族个性的缺失。许多作品不是抄袭国外就是元素的简单重复堆砌，而真正可以为世人所称颂的作品一定是“思想性”和“形式美”和谐的统一。在哈辉的《相和歌―子衿》、《茶香》、《关雎》等诸多作品中都体现了国学文化和艺术形式的融合，在听觉上感受到音乐的美，在视觉上感受到汉服的古典美及表演的形式美，在心灵上感受到文化精髓的美。为此哈辉表示，艺术家首先要打开思路，解放思想，立足国内的同时放眼世界，学习借鉴外国文化的优秀成果，尤其是要从文明的根基上吸取养分；其次大胆创新，但又不能失去自己的民族性，尤其是像中国这样有着悠久文明史的国度，更应该从我们自身的文化中得到创新的灵感；最后艺术家也要加强自身的学习，要时刻对未知的世界保持好奇心，创作的激情才不至于衰退。
五、结语
中国古典文化正在复活，沉睡的东西逐渐苏醒，文化复兴是一项长期而艰巨的工作，国学使者“哈辉”们任重而道远，由哈辉引领开创的国学音乐化道路正在成为我国文化复兴道路中不断探索、发展创新的一项新尝试。在“新雅乐”的音乐传递过程中，秉承中华民族传统文化的核心“以和为美”的精神理念，使听者达到人与自身的“和”，人与人之间的“和”，人与社会的“和”。故此，“新雅乐”所起到的是传承礼乐文化、复兴礼仪之邦精神的传承作用，让更多的中国人通过“新雅乐”，回归到民族的根性，回归到礼仪之邦“仁与礼”的精神起点上，凝聚华夏子孙之魂，促进民族和谐与统一。“哈辉”这样一些国学复兴的引路人，他们对民族文化复兴具有强烈的责任感与使命感，并不断孜孜以求地以振兴中华礼乐文化，弘扬中华核心价值观为己任，以自己深厚扎实的文化内涵与卓越的艺术技能让国学精髓世代传承，让我们的民族文化之花常开不败！
参考文献：
〔1〕杨荫浏.中国古代音乐史稿（上册）[M].人民音乐出版社，1981.
〔2〕龚妮丽.音乐美学论纲[M].中国社会科学出版社，2002.
〔3〕王次.音乐美学[M].高等教育出版社，1994.
〔4〕项阳.当传统遭遇现代[M].上海音乐学院出版社，2004.
古典音乐的发源地范文6
【关键词】钢琴演奏；复节奏；分手练习；慢练
一、前言
复合节奏（Polyrhythm）也称为复节奏。换句话说，就是同时进行几种不同的节奏，就是对于一个整体节拍来说，其中可以完成多个分节拍的划分。例如：选取一个6拍作品，一般来说我们以以下方法进行展示：强，弱，弱，次强，弱，弱。对于复合节奏来说，其可以将6拍进行“4拍+2拍”的拆分，这样一来，其主要的表现形式就是“强，弱，次强，弱，强，弱”这一个方式[1]。民间音乐活动是多人之间合作的活动类型，是复合节奏的早期发源地，有一段时期在中南美洲、非洲以及印度的音乐文化里大量存在，影响力非常大，同时还非常有趣，后来逐渐发展成为一种非常重要的节奏形式。在古典音乐作品中最早使用到复合节奏，其出现量的变化是在浪漫主义时期。与此同时，在浪漫主义时期则实现了质的飞跃，发展到20世纪，跟其相关的古典音乐以及浪漫主义音乐发展空前[2]。对于那部分标新立异的印象派音乐来说，最为常见的一种形式就是复合节奏形式。在后期各种风格的音乐之中，复合节奏已经得到了非常广泛的运用。
二、钢琴演奏中复节奏的分手练习以及慢练技巧
（一）复节奏的分手练习
大多学生在复合节奏学习的过程中，没有足够重视分手练习的重要性与有效性。他们认为开展分手练习会浪费时间。其实，开展有效的分手练习可以减轻大脑负担，同时还可以降低技术难度。明确每只手的弹奏任务，可以从根本上避免盲目急躁情况的出现，这样一来就可以促使练习者冷静地完成弹奏，实现高质量高效率的演奏。所以做好左右手配合是复合节奏分手练习的主要目的，使双手可以同时完成两个不同的节奏。如肖邦《幻想即兴曲》谱例：
同时还可以完整统一练习者左右手的音乐线条，促使其更加清晰地表达，在上述基础上促使练习者双手声部结合，实现自然完美的演奏。《论钢琴演奏》中有提到“复合节奏”的问题，该书由著名钢琴家约瑟夫・霍夫曼所作。其针对“复合节奏”问题做出了以下详细的分析：“只有一个办法完成两个不同的节奏的两只手同时弹奏。那么就需要针对音符进行分手练习，之后弹到准确无误就可以了。在分手练习之后再两手合弹，不用对其中的任何节奏进行考虑。”[3]可以看出，约瑟夫・霍夫曼非常重视复节奏分手练习的重要性。但是分手练习并不是弹奏的目的。这样一来，在同一节拍速度下就可以在单手练习的基础上左右手不同节奏分别能够独立完成，最后完整以及统一，并且实现音乐节奏的完美演奏。在进行节奏弹奏的过程中，需要练习者在大脑中α礁鍪值慕谧喔芯踅行有意识的倾听，同时还要完成两个不同的节奏记忆的建立。在此基础上，练习者就试着合起来双手完成整合弹奏，在分手练习的过程中，练习者需要同时听两个节奏，在听的过程中，完成左右手不同节奏律动的独立系统的构建。
上述提到的练习方法实质上是专业级别的钢琴老师主要提倡的一种复合节奏，也是非常有效的练习方法。在实际工作中，大部分钢琴老师都会按照自己的经验反对对节奏进行准确划分，他们认为准确划分会促使音乐节奏处于一个支离破碎的情况下，进而难以完成有效的演奏。如果专业钢琴学生音乐天赋较好，那么上述方法值得学习，效果也非常显著，同时还可以促使音乐实现有效的完整统一。但在实际工作中，对大部分钢琴学生来说非常有必要进行相关的分手练习工作。所以需要在实际工作中，合理有效地划分复合节奏，之后进行相关的节奏练习，完成有效的分手练习，在此基础上实现最有效的双手配合，完成音乐作品的完美演奏。如肖邦《幻想即兴曲》谱例：
（二）复节奏的慢练
大部分钢琴练习难题的有效解决首选的也是最有效的方法就是慢练，慢练也是复合节奏最科学最有效的一个练习方法。有经验的老师都会强调慢练的重要性，大部分老师还会重点教慢练的方法，因为如果不会慢练，就不会弹钢琴。
慢练最大的特点就是需要弹奏者实现思维的高度集中，专心致志，之后要相应地放慢速度，拉大音与音之间的间隔。在实际复合节奏慢练的过程中，练习者具备足够的时间去完成音跟音之间的分析与思考，促使每一个音可以被准确有效地放到正确位置。音被放置成功之后就会出现非常有序的音乐线条，在练习之后，音实现连贯。这样就可以促使练习者左右手出现非常独立的音乐节奏，从而实现音乐整体的“泾渭分明”情况。但是需要注意的是，在进行慢练弹奏的过程中，练习者需要准确地读谱，同时还要完成冷静的分析。
在开展复合节奏练习的过程中，左右手没有直接对应关系是最难解决的问题。所以需要在实际工作中对上述节奏进行一系列科学有效的分析，之后在慢练的过程中高度集中思想。这样一来就可以基本解决这一难题。本人根据多年的教学经验认为：完成一系列有效的教学以及练习工作来实现复合节奏的练习，首要的就是从根本上掌握复合节奏所存在的左右手关系，在此基础上对学生进行正确的指导，之后画出复合节奏结构图，这样一来学生在学习过程中一看就清楚复合节奏。
在举一反三之后就能够在按照复合节奏左右手音符实际数目最小公倍数的基础上完成任何复合节奏对应错位关系的计算。例如《幻想即兴曲》第二段一开始是两小节形式的左手分解和弦，其练习一般不会出现什么问题。在第二小节练习的过程中，就会出现“3对2”的节奏形式，这时候大部分练习者就会存在明显双手合不上的情况。产生这种情况的主要原因是：在日常练习的过程中，练习者已经弹习惯了对应关系练习，其具有非常限制的规则性。如果是左右手非规则性对应关系的复合弹奏，那么我们就会发现左右手的第一个音实质上是对齐形式的，右手第二个音之后才会出现左手的第二个音，这是弹奏的基本原则，或者说夹在右手第二音和第三个音之间的就是左手第二音。在进行乐曲慢练的过程中，“2对3”的复合节奏就可以直接完成。所以，在练习复合节奏的过程中，需要从根本上掌握正确的左右手对应关系，之后再完成有效的慢练练习，这样一来就可以从根本上解决慢练的问题。
对于练习过程来说，慢练只是整个过程中非常重要的练习方法，并不是最终的练习目的，也就是说还需要练习者完成分阶段的提速工作，对音乐感觉进行有效的体会，之后就按照自己的感觉去弹奏乐曲，逐渐达到乐曲原来的速度，但要注意双手快速弹奏不需要过早或者过多，因为非常有可能出现左手节奏重蹈覆辙的情况。在实际工作中，会存在非常错乱的左右手节奏对应关系，因此还要坚持分手练习，同时还要做到一步一个脚印，这样一来就可以准确完成流畅的弹奏，对于音乐节奏的前后统一需要重点关注，同时还要保证音乐风格的统一。如果操之过急，则会产生反作用，即“欲速则不达”。如肖邦《幻想即兴曲》谱例：
三、结束语
综上所述，对于复合节奏的练习来说，具有非常简单的练习方法，那就是先完成划分时值的分析，在分析完成之后还要掌握正确的左右手的错位关系，然后开始分手练习，保证准确无误之后实现慢速合一，最终达到原速需要经过分阶段的提速练习，同时还要有感觉地提速练习。所以，学生在进行整个复合节奏练习的过程中，需要进行有效的分手练习以及慢练。这是非常有效的方法，同时也可以算是一种捷径。时值准确划分主要的目的就是促使学生做到心中有数，对于速度提前有一定的掌握。但是需要记住的是，不可以完全依赖，禁止生搬硬套，需要重点关注音乐的感觉，同时关注音乐的表现，从而达到非常显著的表演效果。
【参考文献】
[1]秦琴.探索高校钢琴教师的专业成长之路――读《培养世界冠军的钢琴教育家但昭义系列丛书》有感[J].美与时代（下），2015（12）：120-122.
