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古典音乐与现代音乐的融合范文1
关键词：跨界音乐 融合 价值观
跨界音乐也称混合音乐，是指把两种或两种以上的音乐风格交融在一起的音乐形式。它的诞生为不同的音乐形态、不同的音乐风格的结合创造了条件，也为大众带来了全新的视听体验。跨界音乐的含义可分为两层：广义上泛指任何几种音乐融合在一起而形成的音乐，狭义上则单纯指古典音乐与通俗音乐相交融的古典跨界音乐，它是跨界音乐中最流行、最具有代表性的一种音乐形式。跨界音乐的历史时间不长，但是它符合社会多元文化的不断发展和人们审美需求的多样化的要求，深受大众的关注和喜爱，在世界乐坛上有着很强的影响力。
1 跨界音乐的起源和定义
跨界音乐的产生比较晚，大约起源于上世纪五六十年代，最早出现于美国。它的产生与音乐排行榜有关，一张新唱片登榜在不同类别的音乐排行榜上即被认为是某种意义上的音乐形式的交叉，成为跨办音乐的原始模型。伴随着这种发展趋势，出现了许多跨界音乐人，如古典辣妹组合、神秘园组合、莎拉.布莱曼、马友友、陈美等等。上世纪90年代，跨界音乐在中国逐渐兴起，女子十二乐坊的二胡演绎、刀郎的老歌新唱、西洋器乐伴奏在中国传统戏剧中的使用等等正成为一种新锐时尚的生活态度和审美方式，跨界音乐在中国的艺术领域获得了更新的诠释。
音乐和音乐家的跨界现象发展到今天具有广泛性和多样性，如何给跨界音乐下一个准确的定义？根据查看的相关资料以及所听到的跨界音乐，笔者总结为在广义上是指不种类、不同形态、不同风格的音乐相融合的一种艺术形式，在狭义上是指古典音乐元素与流行音乐元素的相互交织、结合的艺术形态。“通俗地说就是将不同领域的歌唱方法、演奏方法根据需要改编的一种新的艺术形式，由多种音乐元素混合而成更容易被大众接受和欢迎”。[1]
2 跨界音乐的特点
（1）跨界方式具有广泛性性和多样性。常见的有移植、改编、引用等。从更加宏观的角度来看，就是在古今中外、东西南北、雅俗文野、激进保守和乐内乐外之间的纵横驰骋、自由跨越。如中国作曲家周文中用古琴曲作为蓝本，用西洋的室内乐的编制来呈现的《渔歌》。
（2）跨界音乐人大都具有深厚的古典音乐修养。跨界音乐人大都毕业于专业的音乐学院或受到过名师指点，这是由跨界音乐本身的性质所决定的。跨界音乐脱胎于古典音乐，跨界音乐人必须有坚实的古典音乐基础，才能驾驭这些作品，并在此基础上进行变化创新。
（3）跨界音乐是一种嫁接，更是一种发展。[2] 跨界音乐由多种音乐形式融合而成，既不同于母本，又继承了母本的优点，是一种突破和创新。我们在以看到跨界音乐以打破传统、运用时尚元素和现代技术、融合多态风格的面孔吸引了更多不同层次的听众，形成了新的音乐演绎手法和演出方式组合。
3 跨界音乐的分类
（1）用古典音乐的演唱方式表现流行音乐。如“华人世界第一男中音”的廖昌永用在专辑《情释》通过翻唱王菲的《红豆》、那英的《征服》、迪克牛仔的《有多少爱可以重来》等一系列脍炙人口的流行歌曲让古典音乐走近听众、走向市场作出了积极尝试。
（2）用流行音乐的方式演绎古典音乐。
以古典的弦乐四重奏组合“古典辣妹”为代表，“用流行音乐的形式和现代化的演出方式打破音乐的界限，将古典音乐的精粹与世界各地的声音和节奏互相结合，实现音乐的大同，把不被大多数人涉足的古典音乐展现出全新的概念。”
（3）流行音乐与古典音乐的交织融合。英俊潇洒、实力唱将il divo(美声男伶)为大家充分展示了这一跨办界音乐类型。他们的音乐把古典音乐和流行音乐完美地整合在一起，在音乐界可谓是独树一帜。
（4）民族与古典相整合的中国特色的跨界音乐。在这一跨界音乐形式中，谭盾的《地图》极具代表性。他将原汁原味的湘西本土音乐与现场交响乐融为一体，为我们呈现了一场传统与现代、时间与空间连接在一起的跨界音乐盛宴。
4跨界音乐产生和存在的必然性
无论是在西方还是在东方，跨界音乐能够长期存在并迅速发展，一定有它的必然性。
首先，跨界音乐的产生和发展符合欣赏者价值观和审美需求。人们传统的价值观认为，古典音乐等于高雅艺术，是上层社会的欣赏特权，欣赏古典音乐意味着高雅的品味和高贵的身份和地位。跨界音乐则化解了人们想显示自身的高雅品味却又缺乏对古典音乐的理解之间的矛盾，跨界音乐通俗易懂的特征使受众不同程度地产生“艺术修养较高”的自我认定，体现了受众的价值观。另外，接受群体审美需求的多样化导致了流行音乐创作风格的多样化，而吸收古典音乐元素则为多元化的音乐创作提供了丰厚了创作母体，满足不同人群的需求。从波切利与莎拉.布莱曼在中国演出获得的巨大成功右以看出，多元文化更加受到现代社会人们的喜爱。跨界音乐艺术正是满足了观众对古典、民族与现代等多重文化因素的需求，才受到人们广泛的欢迎和赞誉。同时，对青少年来说，欣赏跨界音乐也是一种时尚，正如何晓兵教授所说：“流行音乐的低龄消费群体真正想购买的，并不是原来意义上的音乐，而是以某种热门音乐为载体的时尚生活方式”。[3]
其次，跨界音乐的内涵在于融合和创新。在各种音乐元素通过自我调节融合在一起的基础上，结合创作者和表演者的更新与超越，从而使其表现力更加丰富，更具广度和深度。
第三，跨界音乐所蕴含的文化内容是跨界音乐长久发展和生存的基石。跨界音乐是一个极具包容性的概念，它所包含的音乐因素比世界上任何一种类型的音乐都要丰富，它应该具有旺盛的生命力和极大的发展潜力。无论是不同民族或不同风格或是古典与流行、严肃与通俗的音乐都能为跨界所用，并赋予原形式以新形象，从而更加鲜活、更具有时代感、更容易被大众所接受。
第四，经济发展、商业利益是跨界音乐发展的又一驱动。企业的营销宣传、演艺公司的商业演出往往会选择社会上正在流行或已经出现流行趋势的音乐形式，这无疑使跨界音乐成为被选择的对象并被进一步推动发展。一些作曲家、演奏家、音乐人也会通过不同的方式尝试对古典音乐的改编，以达到名利双收的目的。这些低成本、高效益和广受欢迎的跨界形式便成了古典音乐延续和重构的载体。
5跨界音乐未来发展的展望
古典音乐与现代音乐的融合范文2
【关键词】大学音乐教学；古典；流行
中图分类号：G642 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）02-0202-02
一、大学音乐教学中古典与流行的关系
目前还没有明确的关于古典音乐的界定，其具有十分模糊的概念。然而在人们看来，古典音乐就是持久价值较强的音乐。古典音乐流传至今的原因就在于其自身的价值和优势非常大。现代音乐的界定十分清晰，易于流传且易懂通俗的大众音乐就是流行音乐。比较流行音乐、民间音乐以及古典音乐，可以发现流行音乐的表现形式十分现实和直接，其十分强调现实生活中简单、质朴的感情世界。也就是说，流行音乐对听众与演唱者之间的感情交流和宣泄更加重视。这也是流行音乐具有相对窄小的音域，精悍短小，传唱度高的原因，也是现代社会人们更加喜欢流行音乐的一个原因。[1]
尽管流行音乐与古典音乐的表演形式各不相同，但其具有基本一致的构成方式，体现在和声、音高和节奏等方面。这两种音乐都是在表达人们的内心情感，所以也具有一致的情感表达处理。立足于本质角度，可以发现流行音乐和古典音乐的一致性非常高，二者只是在表现形式方面具有较大的不同。在高校音乐教学中，可以有机地结合流行音乐和古典音乐，并在结合之后保证其应用的科学性。
围绕目前音乐传播的现实情况来看，流行音乐和古典音乐的融合趋势十分明显。许多古典音乐家都能够革新古典音乐，只是革新的程度有所不同，这些音乐家将一定的流行因素应用到古典音乐中去，进而使得古典音乐呈现新的生命力和面貌。理查德・克莱月作为著名的钢琴演奏家，其将流行音乐的演奏形式融入到了钢琴演奏中去，并且通过他的实践，可以看出，将古典音乐应用流行音乐的形式进行演奏获得的效果也非常理想。[2]
目前，大学生的音乐素质还存在一定的问题，外界环境容易对大学生产生影响，影响他们正常的发展和成长。因此需要将流行和古典在大学音乐教学中相结合，从而对学生的音乐素质进行提升和培养，对流行和古典的关系在教学中进行协调。
二、大学音乐教学中古典与流行结合的意义
（一）对学生的综合素养进行提升。在大学音乐教学中结合流行音乐和古典音乐，它们的特点和特色存在差异，其受众以及表现形式等方面的差异也十分显著。教师在教学过程中，应该对教学形式和内容进行积极地改进和探索，对现代流行音乐的表现形式进行应用，从而改编古典音乐。除此之外，两种音乐的结合还能够对学生的创新能力和思维能力进行培养，对其综合素养进行提升。
（二）对学生的知识体系进行丰富。在培养大学生综合素养的过程中，知识的丰富程度对其会产生很大的影响。对学生来说，音乐教学可以帮助其进行健康的人格塑造。[3]在大学音乐教学中，结合流行音乐和古典音乐，能够有效提升学生的艺术审美能力、思维能力以及思想意识。
（三）对音乐教学效果进行提升。在教W的过程中教师会整合教学资源，深入探索和分析现代流行音乐以及古典音乐的教学内容、方式和方法。教师在课堂教学中，若想对教学内容进行表现，就需要保证应用的教学形式能让学生接受起来较为容易，这样，学生在学习音乐的过程中才能更加投入，能够在教师的引导下对相关知识进行学习，从而提升鉴赏音乐的能力。
（四）对课堂教学活动进行完善。在大学音乐教学中，教师应该结合流行音乐和古典音乐，整合教学形式、教学方法以及教学内容。[4]教师应该深度解读教材，以教学内容的需要为依据进行合理的教学活动设计，对多种教学工具进行应用，从而对课堂教学活动不断地进行完善，丰富教学形式，使其更加多样化，将学生参与教学活动的主动性和积极性激发出来。
三、大学音乐教学中古典与流行的结合方法
（一）结合流行和古典音乐的教学内容。随着时代的变化和发展，人们的兴趣爱好也会随之发生变化，为了更好地适应时代的发展和变化，古典音乐也应该进行改变、创新。古典音乐能发展到现在，就代表了其艺术价值非常高，但是若想将其传承下去，就需要对它的表现形式以及演奏方式进行改变，从而将学生的注意力吸引过来，实现音乐的持续发展。
（二）对大学生古典音乐的认知进行完善。围绕目前高校音乐教学工作，在教学过程中学生更愿意对现代流行音乐知识进行学习，在古典音乐认知方面存在一定的问题，其认为古典音乐具有较高的艺术价值，然而已经不适合在现代进行欣赏。[5]所以，在教学中学生并不喜欢古典音乐教学，因此在学习过程中态度也不够积极主动。对学生的音乐素养进行全面提升，培养其综合能力是大学音乐教学的主要目的。对此教师应该将古典音乐相关的知识讲解给学生，并对这方面知识的教学进行加强，从而使得大学生对古典音乐的看法发生转变。
教师可以对学生进行引导，使其在学习过程中与生活实际相结合。例如，教师可以先将肯尼基的《回家》播放给学生听，询问学生，如果在汽车站或火车站听到这首乐曲，是否会有回家的冲动，是否能够在乐曲中感受到家的味道。随后再将这首乐曲的相关背景和知识告诉学生，这种提问的教学方式能够培养学生学习古典音乐的兴趣，促使他们对古典音乐逐渐产生喜爱之情，发挥自身的主观能动性参与到古典音乐教学中去，提升自身的音乐素养。
（三）将学生创新音乐的热情激发出来。学生有兴趣学习，教师开展教学工作才会更加顺利。所以在教学过程中，教师需要将学生进行音乐学习的主动性和热情激发出来。[6]教师在教学的过程中，应该对学生主体的学习地位进行尊重，在此基础上促进他们将主观能动性发挥出来，深入地体验和理解教师提供的音乐素材，与此同时，还要让学生实现创新，对其视野进行有效拓展，从而将其参与音乐教学的热情激发出来。
（四）对传统音乐教学方式进行改进。若想在大学音乐教学中结合流行音乐和古典音乐，不仅需要有机结合两种音乐的教学内容，还需要创新、改进教学形式。若想对传统的“学生听讲、教师讲授”的教学模式进行转变，就需要将先进的信息技术应用到教学中去，将音乐相关的资料以及素材通过多媒体进行呈现，使得学生结合唱和听。除此之外，这种教学方式还能够使学生与教师间的交流得到加强，让学生的情感体验更加丰富，进而对教学效果和质量进行有效提升。
四、结语
本文围绕着基于大学生音乐教学中古典与流行的结合进行了探讨，首先介绍了古典与流行的关系，随后分析了古典与流行结合的意义，最后提出了结合方法，有效地将流行音乐和古典音乐在大学音乐教学中结合起来，进而对学生的音乐知识系统进行拓展，对学生的音乐素养进行提升。[7]
参考文献：
[1]饶丽.大学音乐教学中古典与流行的结合路径探讨[J].现代装饰（理论），2015，（10）：279.
[2]杜鹏宇.流行音乐在高校教学中的新思考[J].佳木斯教育学院学报，2010，（4）：233-234.
[3]毕宇虹.现代流行音乐中的古典浪漫元素――以周杰伦的音乐为例[J].音乐时空（理论版），2012，（2）：55-56.
[4]邵莹.浅析中小学音乐教学中民歌与流行音乐的互动关系[J].音乐时空（理论版），2012，（3）：124-125.
[5]彭建辉，杨士春，王普江，施涛.中国流行音乐高等教育探究――以四川音乐学院流行音乐学院为例[J].音乐探索，2012，（4）：116-120.
古典音乐与现代音乐的融合范文3
关键词：古典音乐；新探戈音乐；皮亚佐拉
中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）03-0087-01
一、探戈音乐的起源
现代探戈发源于阿根廷的首都布宜诺斯艾利斯。大约在19世纪中叶，大量来自欧洲和非洲等地的移民涌向布宜诺斯艾利斯，聚集在市南郊的博卡区。来自非洲的黑人，来自意大利热那亚等地的移民等，他们大多谋生于码头工或者水手。探戈舞最早就是从水手、工人、流浪者、失业者、民间歌手和等生活底层中产生的，因此早期的探戈名声并不好，被认为是下等人和不健康的舞蹈。就音乐上来说，探戈是哈巴涅拉的同类，二者有共同的节奏型。到了20世纪初，现代探戈基本形成。现代探戈音乐的代表人物是皮亚佐拉，他被人们称为“探戈音乐之父”。
二、探戈音乐的改革
（一）旋律节奏
节奏是探戈的重要组成部分，也是探戈音乐的重要标志。早期的探戈音乐在节奏上并不复杂，使用较多的就是基本的附点与切分节奏型，突出不规则的切分性。节奏型大多为3+3+2节奏型，在音乐中体现一些更具动力性与现代性。
复合节奏技术：
除了在作品中广泛运用上述这一不规则的节奏型之外，皮亚佐拉还经常在其作品中使用纵向的复合节奏技巧。复合节奏形成交错、急促的和声重音的频繁出现，使音乐更具摇摆感觉的动力性。
（二）和声技法
传统探戈音乐的和声较为单调，缺乏变化。虽然在演奏时方便、悦耳、通俗，容易让听众理解，也很容易让舞者跟着起舞，但在音乐表达上显然较为浅薄乏力。20世纪的古典音乐，在和声技法上突飞猛进，创造了很多新的用法及和声用语。
（三）曲式技法
传统的探戈音乐曲式结构通常比较简单而且短小，主要包括一个节奏感较强的动力性段落和一个具有长线条旋律的抒情性段落，并将这两个不同性格段落直接进行罗列，形成相互之间的对比效果，因此，A-B-A的三段式成为探戈音乐中最为普遍的结构形式。在欧洲古典音乐发展的过程中，其曲式科学不断成熟与完善。
（四）复调技法
在皮亚佐拉之前，复调对位技术对于探戈音乐而言是异常陌生的，作为欧洲音乐从中世纪到巴洛克时期主导性的音乐写作风格，其身上那种古老的气息似乎与探戈音乐的卑微出身格格不入。因此，在探戈音乐的创作中，如何既能保持探戈的原有韵味，又能将复调技法融入到作品中，成为摆在所有探戈音乐家面前的音乐难题。
（五）配器方法
早期的探戈音乐采用的乐器主要是小提琴、长笛和吉他，以三重奏的形式演奏，后来也逐渐开始采用其他的乐器。由于探戈最初活跃于社会的下层阶级，要想购买用来演奏探戈音乐的乐器――钢琴对于那时的人们来说是非常昂贵，因此，班多钮手风琴便顺理成章地走进了探戈音乐的历史舞台。
（六）爵士风格
爵士乐是起源于非洲的一种音乐形式，其乐曲风格极其耀眼，节奏一般以鲜明，强烈为主。爵士乐的因素在皮亚佐拉的创作中具有很大的影响，他不仅把爵士乐丰富的装饰音、错位重音、变化和弦等元素融入到探戈中，还把爵士乐的即兴思维融入到探戈音乐中，为探戈音乐注入了新的活力。
三、“新探戈音乐”的影响
新探戈音乐的出现，向世界音乐展示了一条可以借鉴的音乐融合之路，这种融合在内容上可以是相当宽泛的，可包括本地性的民进音乐风格、西方音乐各类现代技法及风格，甚至各类更为通俗化的流行音乐种类。
同时，新探戈音乐也对古典音乐产生了反影响。自从皮亚佐拉大幅提升探戈音乐的审美格调后，古典音乐界也开始关注皮亚佐拉，至今已经形成一股用古典音乐的方式演奏皮亚佐拉作品的热潮。
结语：皮亚佐拉是成功的，他不仅创作探戈，更创造了新探戈，他改变了探戈生存地位，向全球范围扩张探戈的生存空间，他的音乐成为探戈音乐发展史上一个难以逾越的里程碑。就象提起钢琴人们就会想起萧邦、李斯特，提起小提琴人们就会想起帕格尼尼一样，当人们提起手风琴和探戈就一定会想起皮亚佐拉。他的作品是世界音乐宝库中真正的艺术奇葩。
古典音乐与现代音乐的融合范文4
随着社会的进步与发展，音乐的形式也越来越丰富。由于音乐环境的不断完善与改变，这便给音乐的改革带来了极大的机遇。每一种音乐形式都有吸引观众眼球的自我特点。无论演员还是听众，他们在表演或欣赏方面，不再局限于过去古典的，传统的音乐，更多的是追求新颖的，多样的音乐形式。这便出现了一些争议性的问题：例如，现代音乐的出现是否说明古典音乐已经过时了？是否在现代音乐作品中已经完全摒弃了古典音乐的元素？或者是，有的人认为，古典音乐是高雅的艺术，而流行音乐是很俗的音乐形式等？其实，这些问题是非常需要专业院校的学生深思熟虑的。
一、音乐剧与古典歌剧
音乐剧是由喜歌剧及轻歌剧演变而成。早期称作“音乐喜剧”后来简称为“音乐剧”。是19世纪末起源于英国的一种歌剧体裁，是由对白和歌唱相结合而演变出的戏剧形式。音乐剧表演是以音乐、舞蹈、戏剧表演三者融为一体的表演形式。
古典歌剧是由文字、音乐、肢体语言、空间和灯光组成的总体艺术品。古典歌剧 （classical opera）在题材上力求贴近人心，强调歌剧音乐与戏剧内容更加紧密的结合。旋律简洁明快，乐队的重要性得到重视，并去掉了“数字低音”写法。以格鲁克、莫扎特、贝多芬的歌剧为典型作品。
音乐剧和古典歌剧中都有歌词，但音乐剧与歌剧却有着不同的特点。音乐剧的歌曲有许多流行音乐，在演唱上是以说唱的为主要形式的，表演上看起来是很自如的。而歌剧全是运用传统的美声唱法。一部歌剧中既有宣叙调又有咏叹调。歌剧中舞蹈成份较少，而音乐剧的舞蹈成分非常重，但是最主要的还是音乐部分。一台音乐剧的歌曲大概在二十到三十曲。许多音乐剧都偏向于某个方面。有的是歌曲，有本文由收集整理的是舞蹈，有的是剧情的戏剧表演。
二、音乐剧《猫》的音乐
音乐剧《猫》是作曲家韦伯，根据艾略特的诗集《老负鼠讲讲世上的猫》谱曲的歌舞剧。讲述的内容是将人的悲欢离合和一些感性的事情通过一群精灵猫表现出来，是一部以动物拟人的表现手法，成功演绎了一群杰里科猫在舞会上发生的事情。虽然《猫》的剧情很简单，但结尾点题，发人深省；在剧中除了声乐演唱外，还运用了大量的芭蕾、爵士、踢踏等多种舞蹈，呈现出全剧中三十多只猫的不同形态，年龄，性格等。表演生动，创作上独具想象力；而音乐美妙动听，易于传唱，最为可贵的是，作曲家把猫赋予了人性化。
1、音乐剧《猫》中的《回忆》
现代音乐作品中流行和古典的融合是非常时兴的。许多流行歌曲就像音乐剧的插曲，《猫》中的《memory》.作曲家韦伯在创作时，就考虑到要标新立异，故在音乐上采用非常多的现代音乐元素，譬如，爵士，电子乐，摇滚，运用了丰富的和声效果，音乐风格上仍保留着古典技法的思维方式但又突破了古典歌剧的规则限制，巧妙地与古典歌剧融合在一起。同时，还保留了歌剧中的非常优美的长调唱段，使得作品轻松欢快而又不显轻浮。正式由于音乐风格的自由化，往往加入了流行音乐的因素。音乐剧《猫》中韦伯就尝试了许多不同的风格，乡村例踢踏舞、歌剧、流行，甚至还有赞美诗的成分，例如，在剧中开始的合唱部分，就体现出了宗教意味，运用了“阿利路亚”赞美诗。每一种不同音乐风格的运用，都与人物的塑造，性格，角色的特点，氛围环境是息息相关的。两次“回忆”同样的旋律，演唱者的身份发生的变化、调式调性的转换，力度的对比给我们带来的是不同的感受。如就像后一首音乐的情绪是和睦、温馨、幸福的，音乐经过两次转调，力度层层推进，极富有震撼力。
2、演唱唱腔
演员在演唱《回忆》这首作品时，唱腔上与传统的歌剧演唱是有所不同，但又保持着联系：歌剧演唱绝对采用的是美声唱法，其中采用了大量的咏叹调和宣叙调，最为重要的是靠独唱的咏叹调引领全局，每一种歌唱方式都有乐器伴奏。演唱者有合唱队伴唱，在某些歌剧中，合唱队的阵容甚至达到了整个交响乐团的规模，歌剧中还运用了大量的音乐元素，其表演并不是说出来而是唱出来。而音乐剧则属于流行音乐范畴，多数用流行唱法，也有用美声唱法的；这种唱法，其实是在科学的美声唱法的基础上而有所变化的，流行唱法也是要有气息的支持，共鸣腔体的运用，只不过是比美声唱法呼吸自然一些，腔体运用的少一些，在咬字方面，也需要有字头和字尾，但是不需要过分夸张的咬字，表现上更为自如罢了。无论演唱的唱法有多少不同，但都是建立在科学的发声方法上，通过科学的演唱，诠释音乐作品的内涵。这可以说明在演唱的唱法上，现代音乐作品还是和传统音乐作品是相互联系的，相互影响的。
3、声乐表演
古典音乐与现代音乐的融合范文5
【关键词】电影音乐 古典音乐运用
电影音乐泛指电影中所用的一切音乐和歌曲，也专指作曲家为影片创作的音乐和歌曲。电影音乐具有抒情、剧作、背景气氛、贯穿结构等美学作用和功能，是电影的重要有机组成部分，也是音乐艺术的一种新的体裁。它通过录音技术与对白、音响效果合成一条声带，随电影放映而被观众所感知。有的电影音乐因其在影片中的特殊魅力而超越了电影本身，从而单独分离出来灌制成唱片而独立发行销售。在电影音乐中除了片头配乐、片尾曲和主题歌以外都是“提示音乐”，简短的悦耳音乐，有时只有几秒钟，他们只是为了配合场景和场景过渡，为了分散观众对剪辑效果的注意力。但有时这种作用却胜过了电影故事、场面和演员的表演。
古典音乐是指中世纪的格利高利圣咏至19世纪末叶创作的音乐。古典音乐包括巴洛克音乐、古典主义音乐、浪漫主义音乐等不同时期不同体裁的音乐：而狭义的古典音乐被理解为一种带有古典风格的音乐。古典音乐有着极其复杂的配器及和声走向，一般有庞大的交响乐队演奏。巨大的乐幅篇章使得其它风格的音乐无法比拟。由于大师们的高超技巧及其呕心创作，更使古典音乐具有深刻的思想内涵。在无声电影时代，古典音乐是唯一的电影音乐。
电影与古典音乐的关系可以追溯至电影初生之时。在电影刚刚诞生时，为了摆脱在看无声电影时的憋闷感，甚至采用在银幕后说话的办法，但终因这种尝试过于天真而很快被另外一种形式所代替――现场器乐伴奏。这种现场器乐伴奏的出现，据说是为了掩盖放映时机器的噪音。伴奏乐队的形式有大有小，大则几十人，小则几人。最早的器乐伴奏十分随意，均由乐师根据画面上的情绪自己选择成品音乐。这些作品很多即是古典音乐。后来，出版商们出版了各种电影音乐伴奏曲集，音乐伴奏有了较为固定的乐谱。他们还针对电影画面的内容，对音乐进行分类，如进行曲、抒情曲、小夜曲等，以供乐师们在配乐时选用。舒伯特的《未完成交响乐》第二乐章，常被用来表现明快流畅的情绪和田园风格：肖邦的夜曲被用来表现爱情场面：贝多芬的《爱格蒙特序曲》用来表现追击场面等。许多电影出版商为了降低成本，还将这些曲谱灌制成唱片。可见，此时的器乐伴奏和唱片的播放已不仅仅是为了掩盖机器的噪音，而且极大地填补了听觉上的空白。也正是这两种音乐伴奏形式，伴随着电影走过了30年的默片历程。
在无声电影时期，音乐从头至尾不断，但是只起伴奏的作用。进入有声电影时期。影片中的听觉形象除了音乐之外，增加了语言和音响效果，使音乐在电影综合艺术中得到了解放，开始能够更符合音乐艺术规律地、合理地使用音乐。作为一种听觉艺术，音乐进入电影综合艺术之后本质不变，其要素仍是旋律、和声、节奏和色彩，但电影音乐的审美方式与普通音乐的审美方式有着众多的不同，其中最重要的莫过于电影音乐的非独立性，这就是说电影音乐创作的艺术构思、艺术结构和音乐形象，都受影片的艺术总构思、总结构和画面视觉形象的制约，有时，音乐的听觉形象还要与语言、音响效果的听觉形象相结合。所以，电影作曲者要关注的东西简直是太多了。这在一定程度上增加了音乐创作的难度，画面、音响、人声、节奏、基调、影片的情绪等等，这些因素都是一个优秀的电影作曲者所必须考虑的。一个优秀的在艺术上力求完美的电影作曲者，他根本无法也不可能像一个纯粹的传统作曲者那样。全身心地甚至是疯狂地肆意在个人情感的感性世界中忘情地表现独特的自我：他必须小心翼翼如履薄冰一般，考虑着电影音乐进程中的其他种种元素，考虑着音乐与它们之间的关系是否符合电影意图的传达，是否有利于这种意图的传达，甚至在时间长度上都没有完全的自由，而必须受到来自画面长度的精确的束缚。因此，从根本上说，电影音乐本身并不具有音乐原本所有的独立性，它必须也只能在同画面、音响乃至人声等元素的相互融合中，来完成电影整体的艺术意图的传达。与此同时，电影音乐受电影蒙太奇的限制，随剧情发展而变化，因而每个音乐片断的时间长度，均受到严格限制(误差通常不能超过半秒钟)。为此，在音乐的写作和处理上，必须作特殊安排。例如，可能采取自由或不完整的曲式，甚至出现一个动机、一个和弦、一声打击乐：在乐思的发展上有时必须很快推向，或直接过渡，迅速结束等。这使电影音乐的创作成为一种特殊的课题。同时，电影音乐在电影中出现形式的片断性与自身整体性的诉求存在矛盾。电影音乐在影片中是分段陈述、间断出现的(早期的电影音乐例外)。但电影音乐又必须有整体的构思和布局。因此，解决片断与整体的矛盾以求统一，是电影音乐的特有课题。而纯音乐是一个完全独立的系统，它通过旋律和节奏等音乐元素唤起听者内心的情感感受，引起听者的某些联想和想象，并进而达到表现相关的主题的目的。极端一点说，音乐可以直接唤起人类的情感或者表现情感。当然，也有更为简单的看法，“说到音乐，我不觉得音乐能表现什么。比如说表现了什么画面和场景。音乐有时就是音乐，它不需要表现别的，它就要展示自己的美。”不论是引起听者的联想和想象也好，还是直接唤起人们的情感也好，还是纯粹展示音乐本身的美也好，纯音乐都不存在同另一个外在的艺术元素之间的关系问题。传统的作曲家从来都不需要考虑音乐以外的任何东西，他只需沉浸在音乐的世界当中。尽情地听凭他的才华挥洒音乐的激情，直抒胸臆，简单而强烈。
在电影艺术中，把大段的古典音乐运用的独具匠心、丝丝入扣的是澳大利亚优秀电影《闪亮的风采》。这部影片描写了犹太钢琴家大卫・赫尔夫高特充满传奇色彩的生活经历。影片不仅探讨了音乐。也探讨了爱的意义。爱，可以毁灭一个人，亦可以拯救一个人。大卫因变态的爱而疯狂，又因得到真爱才在疯狂中生存下来，最终焕发出生命的光芒。为配合剧情需要，片中采用了大量的古典音乐名曲。影片一开始，少年大卫演奏了肖邦的“波罗乃兹舞曲”，表现出他对音乐的挚爱和天赋的音乐才能。而后随着情节的发展，影片中出现了肖邦的“雨点序曲”、“C小调序曲”、李斯特的“钟”、“匈牙利狂想曲第2号”、里姆斯基・柯萨科夫的“野蜂飞舞”、贝多芬的“d小调第九交响曲”、“月光奏鸣曲”等多首观众所熟悉的古典音乐名曲。这些古典音乐在影片中配合大卫的成长过程，除表现他天才的演奏技巧外，也深刻地刻画了他的心理变化过程，同时起到了渲染气氛、抒 感等作用。尤其是拉赫玛尼诺夫的“第三钢琴协奏曲”作为这部影片的主题曲贯穿始终。在影片的处。大卫在音乐会上演奏着这支曲子。在跌宕的节奏和起伏的旋律中。乐曲艰深的内涵诱使大卫长期潜伏的心理压抑爆发了出来，最终导致大卫精神分裂。在影片结尾处，在爱人吉利安的精心照料下，大卫的精神状况日趋正常。曾是祸因的拉氏“第三钢琴协奏曲”使他从毁灭中重生又回到了舞台，仿佛是凤凰涅榘。灿烂的生命之光感动了在场的所有人。在这部影片中。古典音乐的魅力得到完美的体现。
今年来，随着音乐形式的创新和发展。电子音乐、流行音乐、摇滚乐在电影音乐中长期占领着主导地位，古典音乐在电影音乐中逐渐式微。甚至有消失的迹象。在电影艺术中，古典音乐面临着双重困境。第一是电影音乐自身的问题，当然也是所有电影音乐形式必然面临的困境。音乐和电影是两个各自独立的艺术门类。音乐是时间艺术。它被认为是所有艺术中最为抽象的艺术，因为它与人类的内心情感最接近，并且常常是从人类的潜意识里影响我们的情感：第二是古典音乐在自身的诸多特性方面与电影格格不入的问题。首先，那些交响乐、协奏曲、奏鸣曲、交响乐主义诗歌。它们与电影的叙事性、紧凑性和观赏性难以契合。电影音乐所需要的音乐是短小精悍的。与歌剧中拘谨、小气冗长的音乐是完全相反的。其次。所有的歌剧齐奏乐，尤其是较典型的那部分，都带有修辞的音乐标准和一定的社会文化。它们镌刻的是当时代的文化历史语境。它们无法被真实地、完全地置入特定电影的特定文化历史语境之中，因为两者的文化历史语境永远不可能完全契合。由于这种双重困境，古典音乐在电影艺术中举步维艰。
但是，古典音乐由于其独特魅力，仍具有极大的市场的，不能断然抛弃。改造是重生之道，只有改造才能使之更具适应性。更有活力。在不影响古典音乐内涵的前提下，适当的改编会使这一古老的音乐形式更适应现代观众的欣赏口味，同时在古典音乐的应用上力求大胆创新而不拘泥于生搬硬套。也有助于将古典音乐的魅力更大限度地发挥出来。因此电影音乐人对所选取的古典曲目一般都要经过不同程度的改编，这样可使人们所熟知的曲目听起来更具感染力。也就是说，古典音乐在影片中的应用能否取得成功，关键在于对古典音乐进行的再创作。在好莱坞电影的黄金时期及其之后的年代里，将著名的古典音乐作叙事性的改造似乎已经成了一种普遍的电影音乐实践活动：在电影《珍妮的画像》中，蒂奥姆金和赫尔曼都改变了德彪西的部分作品：在影片《西部的执法者》中，维克多・杨将柴可夫斯基的音乐更加舒缓地引用和模仿到了其中。有些时候，完全可以依据影片的需要将古典音乐予以变形。在《金耳环》中，维克多・杨使得瓦格纳的音乐更显讽刺化。在《虎胆龙威》中的《欢乐颂》，作曲家迈克尔・凯曼就引用了贝多芬的曲子来描写和强盗。原来的音乐在这里被赋予了明显的节奏，成为了不断变换的声音元素，一段不完整的乐章。最后当赃物被发现时，音乐又变成了管弦乐的合奏。接着在影片《纽约大劫案》中，凯曼和麦克蒂尔南又联手对传统的《集合到国旗下》男儿们澈了不少改变，如同在音乐中做了一些游戏。使之更生动具体。更好地为电影服务。
古典音乐与现代音乐的融合范文6
［关键词］职业院校；音乐教育；内容；建议
一、职业院校音乐教育内容
（一）音乐基础理论知识
音乐的基础理论知识是职业院校音乐课程中最为基本的内容，其自身具有间接性、完整性、渐进性等特点。该课程是学生提高音乐水平、学习其他音乐知识的根基，更是促进学生艺术素养提升的先决条件。若音乐基础知识不扎实，就无法进行音乐鉴赏课的学习，其中音乐基础理论知识主要包含认知了解乐谱、音调、节拍、音量调节、呼吸运用、和声等内容，这些基础构成要素影响着音乐作品中的情感及艺术效果，是所有曲目最基础的内容。音乐基础知识的认知熟练程度，决定着学生音乐鉴赏力的高低，职业院校教师应根据学生的具体情况，制订不同的教学方案，将学生的认知、理解等作为学习基础音乐知识的切入点，在教学过程中，教师应加强基础知识的普及性，提高与其他音乐课程的融合度，详细为学生讲解相关含义，由深到浅，并能根据不同内容向学生提出启发性的问题，激发学生的音乐思维。由于基础知识内容相对来说比较枯燥，教师可以充分利用多媒体教学，将抽象知识变得更具象化，便于学生理解，强化学生印象，将这些知识变得更为生动，从而激发学生的兴趣，调动学生的主观能动性，全面夯实学生的音乐基础理论知识。
（二）中国传统音乐
我国音乐的发展历史悠久，诞生了许多伟大的音乐艺术家，他们有着与众不同的审美角度。在创作音乐过程中，充分结合历史传统文化，并将其融入作品中，充分体现出艺术家的爱国情怀，展现了我国音乐艺术特有的东方魅力，因此，职业院校应在音乐教育中，增设中国传统音乐鉴赏课，让学生深入了解我国音乐的发展历程，提高学生对国内音乐的认同感。例如，让学生欣赏古代古琴艺术，学生由于初次接触，比较陌生，教师可以采取适当的教学手段积极引导学生，先将钟子期的故事作为课堂欣赏内容的铺垫，让学生了解钟子期与伯牙对古琴的热爱及深厚情感，然后向学生简单地介绍我国古代的音乐器材，用多媒体播放古琴演奏出的乐曲，为学生营造良好的学习氛围，使学生充分融入教师设定的场景当中，进而激发他们内心对古琴的真实情感，被古琴的东方神韵所吸引、震撼，感受到古代音乐艺术家对自由世界的向往，同时还能提高学生民族自豪感，充分陶冶学生的艺术情操，增强学生的艺术涵养。
（三）西方古典音乐
西方古典音乐在世界音乐中极具代表性，对古典音乐的欣赏是职业院校音乐欣赏课程中最基本的内容之一，主要是因为其音乐风格迥异、形式多变，很多著名音乐家的艺术精神值得学生学习。从以往学生的表现来看，当教师提到古典音乐时，学生的表现比较“冷漠”，没有深刻全面地了解古典音乐，大多数学生认为古典音乐与现实生活相差太远，对自身的欣赏能力不自信，更热衷于现代流行音乐。对此，教师应结合学生实际情况，综合分析古典音乐，进而找到合适准确的入口，让学生逐渐接受古典音乐。教师应让学生了解古典音乐的风格与表现形式，多为学生播放古典音乐曲目，并讲解相关艺术家的创作背景，从而让学生对其有所了解，进而提高对古典音乐的热爱。
二、职业院校音乐教育内容建议
（一）分组式培养学生音乐才艺
在学生掌握基础音乐理论知识后，教师应积极组织课外活动，拓展学生视野、增强学生知识面、启发学生音乐智慧、深入挖掘学生内在潜能，从而促进学生德智体美劳全面发展。教师在日常教学过程中，应细心观察学生在课堂中的表现，了解每位学生的性格特点及兴趣爱好，然后根据学生在音乐方面不同的能力分成各个小组，进行深度培养。可以将歌唱能力佳、嗓子条件好的学生分在一起，组成演唱小组；将那些对音乐作品有着极高兴趣的学生组成音乐欣赏组；将喜欢音乐表演器材的学生组成演奏组；还有一些在舞蹈方面具有较强天赋，并且喜欢跳舞的学生，可以组成舞蹈组。从而充分发挥每位学生的专长，强化学生音乐能力，让学生在小组中充分展现自我，通过这样的培养方式，调动学生学习的积极性，让每位学生均参与到教学活动中，进而提高学生不同方面的音乐能力。
（二）积极开展组织竞赛类活动
此外，教师还应积极开展并组织相关竞赛类活动，主要以音乐知识、音乐技能为主的课外拓展活动，通过组织这样兼具娱乐性与知识性的活动，提高学生竞争意识的同时，让学生更敢于直面困难，在逆境中学会成长。学生会在参赛前，充分总结自身的优势与专长，进而选择适合自己的活动，学生会为了获得优异成绩，调动自身的知识体系，将以往学习过的知识重新回忆、进行整理，为比赛最好充足准备。其次，由于比赛活动是存在竞争的，这就要求学生要提高自我的竞争意识，不仅要了解自己的能力，还要审视对方选手的优势，这样才能用自己的优势击败对方选手存在的不足。从而提高学生的心理承受力，也进一步夯实了学生的基础知识。
参考文献：
［1］王梅.对职业院校音乐教育内容的思考和建议［J］.文学教育（中），2011（12）：23-24.
