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音乐表演艺术论范文1
中图分类号：J604.6 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）02-0060-02
同一首优秀作品，由于表演者的不同最后会产生不同的表现效果。音乐表演艺术相对于其他艺术形式来说，具有自身独特的特殊性。一般情况下，其他的艺术形式都是一次性的创作，而音乐作品则不是这样。音乐作品可以由多个不同的人一起表演。对于同一作品来说，也可以由不同的表演者进行诠释，演出时的个人情绪等因素都能够影响到演出效果。这主要是因为表演的形式不同，不一样的形式美呈现不同的演出效果。
一、形式、形式美的含义及概述
所谓的形式，就是指事物内在要素的结构或变现方式。所谓的形式美，它与具体的内容无关，但是会与结构整合在一起出现，其受太多因素的影响，会引起人们视觉、听觉上的美感。
形式美在美学当中占据非常重要的位置。暂且不谈论音乐表演，其他艺术形式也具有形式美，只不过是形式美出现的方式不同而已。形式美与艺术形式具有完整的统一性，它并不是脱离了艺术而单独存在的。形式美与具体的内容是不存在联系的，但是它与结构是统一完整的。对比中西方对形式美的诠释，不外乎是景外之景、象外之象、韵外之致。
任何事物都具有内容与形式两个方面，音乐也不例外，也同时兼具内容与形式。音乐形式是外在的变现，而音乐内容则是音乐创作人根据自身的音乐素养、专业知识以及灵感与创造力在某一个特殊的时间创造而成的，二者是共存的，脱离了某一方，另一方的存在便毫无意义。没有内容只是形式单独的存在，那么这便不是完整的音乐作品，它是空洞的，没有现实意义的；如果没有形式，只有内容，那么这首作品也不存在意义，它虽然有内在，但是人们根本就不能够用正确的方式认识它，这样的作品也不能被称之为完整的作品。
柏拉图认为形式包含着两个方面，即外在的形式和内在的形式。外在的形式就像我们的眼睛能够看见的；内在的形式是由各种内部要素组合在一起紧密联系所发生的化学反应。外在形式直接冲击人们的视觉，给人们以感受；内在的形式是需要人们用心去体会的。音乐表演艺术的外在形式就是呈现在人们的视觉以及听觉方面的感受，让人们对音乐作品有新的认识。
形式美的创作需要艺术家根据自身的综合素养以及对整首音乐作品的把握来进行创作，创作并不是毫无目的的诠释，它需要考虑的因素有很多，如对当代社会的考察与观察，对人民大众欣赏水平层次的考量，以及对人们心理的描写等。一首好的音乐作品的诞生并不是艺术家的灵光一现，它是艺术家知识与素养的自然呈现，看似偶然实则是理所当然。一首好的作品需要有内涵，同时也需要形式的表达，形式美在音乐作品中肩的作用是不可忽视的。
二、影响形式美的因素
在音乐表演当中，能够影响形式美的因素有很多，但是占据主要影响的还要数感性材料，它能够在内部直接对形式美产生影响，这些感性材料具体有以下几种。
（一）音色。音色是表演艺术当中的“灵魂角色”，它主要包括音质、工艺以及情三个因素。音质，主要是针对乐器来说的，即使是同一件乐器，由不同的人进行演绎也会有不同的表达效果，这与乐器的材质没有关系，与表演者有很大关系。工艺，就是表演者对于外部环境的掌握，对音乐作品的理解，对演出时技术的把控等，想要达到何种演出效果，就要尝试使用相对应的表达技巧。情，就是情感与感情，这里所说的情感与感情是表演者对整首音乐作品感情的把握，在演出过程中，表演者不会因为情感方向没有把握到位而影响整首作品的失败。音色的把控与掌握与表演者自身内部的能力息息相关，因此说，想要将一首音乐作品完美呈现出来，首先要做的就是提升表演者自身的实力。
（二）音准。对于一般的表演者而言，音准的掌控与把握一直是一个难点。由于多种律制的存在，音准的存在也是具有相对性的。在民间有这样的说法，所谓表演者对于音准的把握，一般情况下都是“从不准到准，然后再从准到不准”，所谓的“从不准到准”是表演者通过自身后天的努力得到的结果，是对整首音乐作品完美把控的体现，是一种正向的努力得到了升华。“从准到不准”是一种境界的升华，一般艺术大师在进行演出的时候，对于音乐作品的理解与掌握已经不再局限于音准上，他们更加关注的是情感的表达，此时音准就已经成为“配角”。音准是影响一首作品完美展现的重要因素之一，但所有一切的表达还要基于具体情况进行分析与考量。
（三）力度。这里所说的力度也就是音强，一首完整的音乐作品不会是没有起伏的，即使是一首平静的曲目也会有微小的波动，这里所说的起伏与波动能够带给音乐作品层次感与立体感，使音乐作品能够环绕在我们周围。关于日常的力度训练方面，每一位表演者由于对自身要求不同，因此也就会出现不同级别的训练。对于高水平的表演者来说，他们对自身的训练要求一般情况下是在几十个级别，他们要求自身要具有这样的能力。可以说，由于对力度掌握的精准与到位，因此对于整首音乐作品的把控能力就会比较强，演出达到的效果也就会非常好。
（四）速度。这里所说的速度与我们日常理解的速度有区别，但又具有一定的联系。这里所说的速度，是宏观表现音乐形态以及对段落结构逻辑的形式美的掌控，它与乐谱有关，与表演者有关。统一音乐作品乐谱是一样的，但是由于不同的表演者，因此也就会出现不同的表演速度，也就是对整个作品进程的把控不一样。
（五）节奏。节奏与演奏的乐器、演奏者以及整首音乐作品的感情都是具有连带关系的，也就是说，节奏并不是单独存在的。节奏并不是简单的循环，一首完整的音乐作品的节奏可以是跌宕起伏的，也可以是平静温婉的，还可以是悲愤高亢的。一首完整的音乐作品节奏的把控，并不是靠演奏者的随意性来展现的，它与整首音乐作品的感情需要也有关系。对于《二泉映月》这首作品来说，期间的跌宕起伏、音强音弱的处理，不仅要求演奏者自身掌握这种技巧，也需要对作品完全熟悉。
以上各种因素都是影响形式美的关键因素，理论上需要全面考虑到位，但是在实际演奏过程中，还需要具体问题具体分析，根据当时的实际情况来对节奏、速度、力度、音准以及音色做出相应调整。
三、形式美的结构之美
（一）整齐一律。音乐这种艺术形式与其他艺术形式相比较，具有更强的统一性与整齐性。对于音乐作品来说，如果在演奏过程中出现某一个地方的失误，那么在随后的演出中是没办法进行补救的，它会成为一个错误出现在整首音乐作品当中。音乐作品当中的不和谐因素需要及时剔除，不然它会一直存在于其中并且无法抹掉。
（二）平衡对称。音乐表演当中的平衡对称指的是对立面的交替，可以是A与B对立，也可以是C与D对立，还可以是更多元素的对立。这种对立的主要作用是能够将整幅作品结构撑起来，使更多音乐当中无法表达的元素得到诠释。对于一首完整的音乐作品来说，并不是说演奏者的技艺超群，或者演奏者对于情感的表达非常到位、对于场面的控制节奏适中，除了这些必要的元素之外，还需要将作品当中应该体现的特点表达出来，其中就包括了平衡对称。平衡对称看起来是微不足道的，但是在具w演绎过程中如果将其表现得淋漓尽致，那么这首音乐作品的演出就是成功的。
（三）符合规律。黑格尔认为：“在符合规律的关系中所见到的，既不是同一定性的抽象重复，也不是同与异的一致性的交替。”规律并不是说一致性的集体出现，它是一种本质上出现差异，但在某种程度上又具有某种联系，这里所说的联系是在结构或者空间领域的某种联系。总之，音乐作品要符合规律，无论是前期的创作还是后期的演绎，都要遵循规律进行，否则即使技巧再熟练，表演起来也是一堆乱码。
（四）和谐。和谐是一个大话题，但是也同样适用于音乐当中。首先，音乐作品的创作是来源于生活的，我们生活的大环境直接影响创作者的思路。其次，在音乐作品当中也需要和谐来构建整首作品，例如，各个元素之间的和谐、音调的和谐、情感的和谐等。和谐能够使音乐作品更加优美，以一种舒适的状态呈现给人们。
四、结语
音乐表演目前已经被越来越多的人所接受，也成为最受欢迎的艺术形式。音乐表演艺术形式的不同主要是形式美的不同，人们对于音乐表演艺术形式美的追求，一直是在理论联系实际的道路上进行的，在这条道路上，我们需要联系理论并根据实际情况出发，在实践的过程中，将音乐表演艺术中的形式美完善到最佳，使之为音乐艺术的表演增光添彩。
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音乐表演艺术论范文2
摘要：声乐表演具有较强的艺术审美价值, 通过现代音乐美学研究, 分析音乐中的文化内涵和艺术表达, 能够更好的表现声乐表演带给观众的审美价值。鉴于此, 本文拟通过分析现代音乐美学对声乐表演艺术的影响, 分析声乐表演艺术发展趋势, 以明确现代音乐美学对声乐表演的启示。
关键词：现代音乐美学; 声乐表演; 艺术;
一、现代音乐美学研究对声乐表演的影响分析
(一) 音乐美学的现象学理论对音乐创作的理论指导
对于声乐表演来说, 优秀的音乐作品是声乐表演价值的一种体现, 因此, 也就强调了在声乐表演艺术中音乐创作的重要性。如何更好的进行音乐创作, 积极的利用音乐美学理论作用明显。上世纪初期, 现象美学开始萌芽, 自此现象美学理论被提出, 该理论一经提出就得到了音乐界专家的普遍关注, 且针对现象美学的研究也逐渐深入, 在很大程度上推动了现象美学的研究发展, 也进一步丰富了现代音乐美学的理论体系。从哲学角度上来说, 每一项事物都是两面性的, 因此现象学美学的研究同样遵循了哲学上的这一观点, 并分为主观和客观两个方面进行研究:从客观角度上来说, 其研究的重点主要是针对事物的本身特点;而从主观的角度上来说, 主要是针对人的主观意识为研究对象, 进而通过对人的感官体验和审美需求进行研究, 具体到声乐表演艺术中, 其研究的对象则主要是针对声乐表演艺术的观众, 通过对声乐表演的创新和技术提升, 达到声乐表演与观众之间的统一性, 满足观众视听审美, 这也是现象美学研究对声乐表演艺术质量的一种重要的衡量标准。那么对于声乐表演艺术中的衡量标准是什么?笔者认为应该是在对声乐表演作品、表演形式等方面实现与观众的共鸣, 满足观众角度的感官、心理、精神上的审美需求。
纵观我国声乐表演的发展, 从传统单一的声乐表演形式, 到经过不断的创新与发展逐渐成为一种形式多样、内容丰富的声乐表演艺术, 另外在现代美学研究中现象美学不断的进入我国的音乐艺术中, 东方音乐艺术与西方艺术实现了结合, 不断的丰富了我国声乐作品内容, 其创新发展的理论价值也更加增强。由此可见, 对于声乐表演艺术来说, 现代音乐美学中的现象学理论对于声乐表演艺术的观赏性、审美性具有较强的影响价值。
(二) 现象学音乐美学理论对声乐表演中“同一性”的解释
现象学美学的研究已经近一个世纪, 可以说现象学美学的研究也为音乐艺术带来更多的理论价值, 尤其是从音乐作品的创作以及声乐表演这两个方面, 其中在音乐作品创作中, 现象学为其提供了创作理论基础, 而在声乐表演方面, 现象学则为其提供了表演的艺术效果和表演目的。具体到对声乐表演的“同一性”问题上, 现象学音乐美学理论进行了特殊的解释, 具体如下。
众所周知, 声乐表演艺术主要是由表演者、乐谱、剧本三个部分组成。可以说, 这三个部分之间并没有直接的联系。具体来说, 声乐表演的表演者根据乐谱的内容进行歌唱和表演, 但是不同专业水平的表演者对于乐谱的演绎也会呈现出不同的表演风格, 因此观众的审美享受也会存在一定的差异性, 也就是我们所说的“同一性”问题, 针对声乐表演中的这一问题, 现象学美学理论进行了解释, 现象学认为在声乐表演中, 表演者可以结合自身的专业水平和对乐谱的创新, 用一种独特的方式演绎出来, 突破一成不变的乐谱演唱, 将乐谱的符号和音节进行创新, 编创过程中融合表演者的特殊风格, 而“同一性”问题也能够很好的避免。现如今, 现象学音乐美学理论对声乐表演中的“同一性”问题的解释, 已经被广泛的认可, 并通过表演者进行编创展现。可以说现象学美学理论的这一解释, 促使声乐表演艺术更加具有生命力, 表演形式也更加鲜活。
(三) 音乐美学中的释义学理论对声乐表演的美学影响
释义学是现代音乐美学的重要理论之一, 且对现代音乐美学研究具有一定的推动作用, 也是不断促进现代音乐美学发展的主要动力。释义学美学理论的研究, 主要是从客观的角度对历史进行解释, 在声乐表演中, 则主要是针对声乐表演的发展历程, 释义学于19世纪正式的融入到声乐表演中, 在声乐表演的过程中, 融入对音乐艺术历史的编创, 通过表演者、乐谱的演绎反映出某个阶段的音乐艺术, 可以说, 释义学在声乐表演中的运用, 促进了现代艺术和传统艺术的完美结合, 尤其是在传统音乐形式逐渐淡化的背景下, 释义学美学理论在声乐表演中的运用, 更加具有历史价值。
总之, 现如今, 很多优秀的音乐作品都多多少少受到了释义学理论的影响, 可以说音乐作品对于时代的表现力越来越强, 但是还需要注意的是释义学理论过于注重对事物表面的研究, 其研究深度不够, 对此20世纪初期伽达默尔进行了深入的研究, 并挖掘了音乐作品中更加深层次的艺术内涵, 例如某个音节和旋律所展现的音乐历史和年代, 进而更好的丰富现代音乐作品的创作符号。由此可见, 释义学理论对于声乐表演中音乐作品的内涵、历史等研究都有重要的理论参考价值。
二、现代音乐美学对声乐表演的启示
(一) 现象学音乐美学理论引领声乐表演的艺术延伸
从现象美学理论来看, 其注重对事物的全面发展, 因此声乐表演艺术的研究, 能够从现象美学理论中得到一些在客观和主观上的启示。
一方面, 有利于提高表演者的专业技术水平。对于表演者来说必须要不断的提高自身的专业水平, 例如音乐理论、基础知识等, 不断的扎实表演者的专业技术, 以便对音乐作品和乐谱进行创新, 更好的发现音乐作品的内涵魅力, 创作符合演唱者自身且独具特色的音乐作品。与此同时, 现象学音乐美学理论还强调对音乐的历史、文化内涵研究, 因此, 表演者在进行声乐表演中, 还可以提升自身的文化修养, 更加准确的表达音乐作品的历史性和审美性, 达到音乐作品、表演者与观众之间的审美协调。
另一方面, 有利于丰富声乐表演艺术的作品形式。同一种音乐曲目, 进行不同的演绎, 所展现出来的艺术形式也是不同的, 通过现象学音乐美学理论的启示, 可以不断的丰富声乐表演艺术的形式, 民族、美声、流行等音乐形式相互融合与创新, 对于丰富声乐表演艺术作品形式, 完善声乐表演理论有着重要的借鉴价值。
(二) 释义学音乐美学理论对声乐表演艺术的理论支持
声乐表演艺术不同于一般的语言艺术, 因此音乐作品所表现出来艺术内涵也具有其独特性。在某个音乐作品的演绎, 所要传达的音乐内涵往往不仅仅是音乐表面的意思, 还包括音乐作品创作、演唱者以及欣赏者的情感, 因此, 从现代音乐美学理论角度来看, 声乐表演对于音乐符号的呈现, 就不能够机械化的进行乐谱演唱, 还应该从释义学理论出发, 深度挖掘音乐作品内在的价值, 通过表演者对音乐作品的理解, 注入相应的情感, 这样演奏出来的音乐作品才更加能够走进欣赏者的内心, 赋予音乐作品从内而外的生命力。可见, 声乐表演艺术需要释义学音乐美学理论作为支撑。
三、现代音乐美学研究下未来声乐表演艺术的发展
(一) 加速声乐表演艺术历史文化与时代的结合
随着音乐文化事业的不断发展, 需要越来越多的音乐界专家和声乐表演者不断的开拓创新, 运用现代音乐美学理论, 创作出符合新时展需求的音乐作品, 提高新时期音乐美学的审美价值。现代音乐美学的研究, 不仅是对声乐表演艺术全面的创新, 同时也是对音乐历史文化、艺术内涵的一种全新解释, 可以说, 现代音乐美学研究在很大程度上加速了声乐表演艺术历史与时代的融会贯通, 无论是音乐作品、历史文化、表演形式, 都让音乐作品拥有历史和时代的双重角色, 这也是新时期、新思想、新理念的一种结合, 不仅丰富了声乐表演的理论基础, 而且强化了理论与实践的有效结合。
(二) 全面客观的看待声乐表演艺术
在未来的声乐表演艺术发展的过程中, 必须要针对现代音乐美学中提出的现象学、释义学等理论基础, 全面客观的分析和认识声乐表演艺术, 这也是声乐表演艺术未来发展的必然需求。具体来说, 可以从以下几个方面进行全面的认识:一是全面客观的认识声乐表演的主体。声乐表演者作为声乐表演艺术的主体, 其不仅是单纯的将音乐内容表达给观众, 更重要的是能够利用现象学理论, 充分的发挥表演者自身的专业知识, 不断的进行艺术创新, 满足观众的音乐审美需求, 达到情感艺术、审美艺术与音乐艺术的统一。二是注重声乐表演的实践过程。实现理论与实践的结合, 才能够更快的推进声乐表演艺术的发展, 因此, 在声乐表演过程中, 必须要紧密的联系实践, 将现代音乐美学理论融入到表演中, 突出作品的现代化风格和历史文化气息, 并在实践的过程中, 发现和补充音乐作品的不足之处, 并积极的借鉴西方先进的音乐理论, 用实践促进艺术发展。
(三) 充分的认识音乐作品的时代性和艺术性
时代赋予了音乐不同的艺术魅力, 因此, 对于音乐表演者来说, 就需要充分的认识不同时代背景下的音乐作品需求不同的角度对于音乐作品的需求也存在一定的差异性, 这就需要全面的认识到音乐作品中的创作思路和音乐作品所要表达的情感。综合多个角度和层次需求充分的认识音乐作品的时代性和艺术性, 正确的演绎和表达音乐作品。
充分认识声乐表演风格的时代性和艺术性。表演风格是音乐作品的另一种表现形式, 不同的表演风格能够表达不同历史内涵的音乐作品, 而且通过历史角度对音乐作品进行诠释, 然后再结合表演者的风格, 演绎音乐作品的内涵。需要注意的是在现代音乐美学研究下声乐表演的风格, 不仅要体现音乐的历史文化艺术, 同时还要融入时代的表演风格。
(四) 不断的追求声乐表演的创造性
在未来的声乐表演艺术发展中, 需要不断的追求声乐表演的创造性, 这种创造性也必须要充分的运用现代音乐美学理论, 并敢于对音乐美学理论进行深层次的研究, 例如现象学理论对声乐表演中观众需求的挖掘, 结合对现代音乐美学理论的认识, 进行艺术创新等。
音乐表演艺术论范文3
关键词：传统音乐表演艺术；传承；发展
继承发展中国传统文化是每个炎黄子孙都应该义不容辞的责任。但是随着21世纪地球村概念的不断普及，外国文化逐渐入侵我国本土文化市场，韩流日流的火爆程度甚至超过了我国本土流行音乐文化。如何能够在各种文化充分涌流的现代社会使传统音乐表演艺术文化重新焕发生机成为了传统音乐教育者着重研究的问题。中华文化博大精深，源远流长。但却因为时代潮流的冲击而黯然失色，新一代年轻人因为媒体的导向，逐渐向外国文化倾斜，中国传统音乐表演艺术不但受众群体逐渐变少，甚至面临着后继无人，濒临灭绝的险境。对于祖辈留下来的宝贵的文化遗产，教育工作者应该取其精华，去其糟粕，推陈出新，革故鼎新。将古老的传统文化与新生文化进行适度融合，在增大传统文化的关注度的同时，宣传原汁原味的传统文化。传统音乐表演艺术应该在政府和民众的共同努力下来进行，政府发挥其组织社会主义文化建设的职能，适度拨款；学校普及传统音乐表演艺术的教育，对年轻人进行兴趣培养，审美熏陶；民间艺术工作者积极宣传，努力提高自己的艺术表演水平；富有极高造诣的传统音乐表演艺术家应出版著作，便于对传统音乐表演艺术爱好者的培养和指导。传统音乐表演艺术的传承与发展有利于提升中华民族的自信心，增强中华民族的文化自觉和文化自信。而这一过程需要传统音乐教育者的不懈努力。
一、传统音乐表演艺术的发展
（一）传统音乐表演艺术的教育现状
传统音乐的传承一方面是民间心口相传的传承，一方面是在教育制度的要求下，以师生关系为前提，规定教材为指导进行的系统教育。就民间传播而言，虽然已有的经验和传统风俗能够为其提供有力指导，贴近传统音乐自然生长环境的授课地点使其更能够汲取传统音乐的精髓，但是民间的传统音乐传承仍存在师资力量薄弱，教育设备落后，教育系统不完善等缺点。而就教育制度下的传承而言，学生生活在坐落于城市的培训学校，远离自然，原离传统音乐得以孕育而生的生态环境，原离充斥着人文气息的民间艺术家集散地，这使教育制度下的传统音乐传承在一定程度上华而不实。如何使教育过程更“接地气”，更原汁原味地体现传统文化来自民间的的特性成为体制下音乐教育亟待解决的难题。现代的音乐课堂，必须注重理论与实践的结合。从实践出发，以理论为指导，从民间汲取养分，从国外吸收经验，注重传统音乐的推陈出新，革故鼎新，同时又要把经典的，古老的，有高超水平的传统音乐原汁原味地保存下来，奉之为中华文化的瑰宝。教师群体应不断提高自身的音乐涵养，把国内外最新的研究成果带给学生们，开拓其视野，为传统文化的传播提供后备力量。注重在音乐传媒，音乐教育，音乐创作等方面的人为调控。把控信息时代的价值取向，生产适合观众口味的具有传统音乐元素的音乐作品。音乐工作者应该树立高度的民族责任意识，在精心音乐创作的过程中不应该仅仅考虑商业利润，更应该在自己的作品中插入中国传统音乐表演艺术的元素，引导歌迷对传统音乐的正确认识。
（二）传统音乐表演艺术教育的大众化普及
目前，仅仅是音乐表演专业的学生才能够接触到一些传统音乐表演艺术的教育。但事实上，由于我国的高等艺术院校并未设置完整的中国传统音乐表演艺术课程，这给对传统音乐表演艺术富有浓厚兴趣的音乐专业学生带来极大的不便。如果能在中国高等音乐教育学院设置传统音乐表演艺术专业或者设置相关的辅修课程，不但能够满足一部分学生的需求，还能吸引更多的音乐专业学生对中国传统音乐文化进行深入了解和研究，进一步培养富有良好音乐专业素养的传统音乐表演艺术者，提高我国传统音乐表演者的整体素质。其次，不仅应该注重对音乐专业学生的传统音乐表演艺术教育，还应该注重对民间传统音乐业余爱好者的教育。国家应成立中国传统音乐表演艺术文化保护基金，基金应在社会的监督下用于成立非盈利的公益性质的民间传统音乐表演艺术学校，主要面向学校，社区，社会的各个行业和阶层，进行具有专业性保障的，同时也适合整体学员认知水平的免费教育。对于民间已有的专业传统音乐表演艺术组织和团体，组织者应该注重学员从小的教育和兴趣培养。为年轻的表演者提供充足的舞台表演机会，使其在学习阶段就能积累大量的舞台经验。传统音乐表演艺术团体的经营者应该注重在师资力量，教学设备，服装舞美等方面的投资，稳健提升其教育水准。
（三）传统音乐表演艺术教育的重要性
中国传统文化是中华文明区别于其他文明的标志，传统文化是一个民族的民族特色，民族精神的代表。推动传统音乐表演艺术的教育可以让国人找到历史归属感，增强民族自信心。传统文化具有很高的发展空间和发展潜力，如果推广成为产业文化，其物质利益和文化利益都是丰厚的。传统文化的教育普及还可以提高世界人民对中国的重视程度，使世界人民加深对中国的了解。中国传统音乐表演艺术作为传统文化的一种，既是历史的积淀和精华，又是新时期可以借鉴，值得探索的文化宝藏。
二、建议
（一）发挥政府组织社会主义文化建设的职能
对于一些后继无人，濒临灭绝的中国传统音乐艺术表演艺术种类，国家文化部应该具体问题具体分析，将一些符合条件的优秀剧种列入国家非物质文化遗产名录，引起群众的重新关注。同时，国家应该下拨经费，专门用于推进中国传统音乐表演艺术的传承与发展工作，使一些颇具历史积淀，地域特色，传统风俗的小型的，从事传统音乐表演艺术工作的民间团体得以在观众群体稀少的当下继续正常运转。保证民间艺术工作者的固定收入，有利于为传统音乐表演艺术的传承和发展培养专业人才。
（二）坚持传统教学模式，糅合时代特点
保持传统的口授心传的教学方式，使中国传统音乐表演艺术能够原汁原味地传承。由于中国传统音乐与西方音乐在本质上的不同，以至于在西方音乐教学体系下培养出来的音乐人才无法领悟到中国传统音乐文化的精髓所在。为了避免文化异化所带来的一系列问题，保护文化源头，继承传统基因成为中华传统音乐表演艺术传承与发展的重头戏。与西方国家系统科学的音乐教学模式相比，中国传统音乐表演艺术教学更加注重心口相传的教学方式，这顺承了中国传统音乐从艺工作者千百年来的从艺经验。讲究“师出名门”的中国传统音乐表演艺术者不但看中艺术手法上的传承，更看重人品格调上的代代延展。
（三）传统音乐表演艺家适当增强理论研究，总结新的教学方法
相比于西方的音乐体系，我国的传统音乐表演艺术缺少完善的理论支撑。已有的研究成果虽然也取得了可圈可点的成绩，例如“借字”方式的旋律发展手法，传统律制的定律风格等等。但是这些研究成果仅仅是研究者个人的经验，并没有得到应有的重视和大面积的普及。我国大多数民间的传统音乐表演艺术的开展依旧处在由表演者自身的艺术水平主导的阶段，表演水平良莠不齐，并没有展现出中国传统音乐表演艺术的韵味和精髓，导致新一代年轻人对传统音乐文化的误解和轻视。所以，在传统音乐表演艺术方面已有极高造诣的艺术工作者应积极承担传统音乐的继承和发展工作，总结自身经验，传播先进思想，为民间业余传统音乐表演艺术工作者提供正确的技术引导，精髓点拨。从基层出发，提高我国传统音乐表演艺术工作者的整体水平，促进我国传统音乐表演艺术领域的振兴。
三、结束语
21世纪，中国国民经济总值跃居世界第二，成为世界性的金融大国，然而在经济飞速发展的同时，在新潮文化不断收获越来越高的关注度的同时，中国传统文化逐渐黯然失色。以中国传统音乐表演艺术为例，在媒体，舆论都导向现代流行音乐文化的情况下，中国传统音乐表演艺术可以说是在夹缝中生存，甚至，其中的不少剧种正面临着后继无人，濒临失传的境地。如何让中国传统音乐表演艺术紧跟时代潮流，俘获稳定的颇具规模的观众群体，是传统音乐表演艺术教育工作者亟待解决的问题。传统音乐如果能够被好好地传承和发展，就能够大大发挥其传统文化自身的魅力和特性，不断增强中华民族的凝聚力和自豪感，增强中华民族的文化自觉和文化自信。就目前而言，传统文化的传承和发展存在教育不到位，政府不重视，媒体忽视，受众群体老化等问题。如果能够引起政府的足够关注；电视，广播，网络等大众传媒进行适度的引导；学校设立教授传统音乐表演艺术的专门课程，聘请优秀教师或民间艺人对学生进行兴趣培养，树立正确的价值导向，那么，传统音乐表演艺术的复兴是指日可待的。
作者:安静 单位:贵州商学院
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音乐表演艺术论范文4
关键词：钢琴艺术表演时代化个性化民族化
钢琴表演艺术是一门理论实践性的艺术学科。钢琴表演艺术作为艺术作品的二度创作过程，是建立在遵循作曲家原意的基础上、具有表演者个性风格特点的作品再现。钢琴表演艺术学科的实践运用和音乐美学的审美观是密不可分的。在音乐的表演过程中存在着两种方向的运动：一是表演者把内心的精神转化为音乐，即精神变物质的过程。二是观众把这种音乐再通过大脑的理解转化为精神，即物质变精神的过程。好的表演艺术形式总是可以通过自己的表演，积极地影响和感染观众，帮助观众提高对音乐的鉴赏能力，调节观众的欣赏角度和趣味。任何表演艺术的存在都脱离不了时代、个性以及民族这三方面因素的影响和制约。随着社会的不断进步和时代的发展，对钢琴表演艺术提出了更高、更新的要求。因此个性、时代的不断进步，以及深厚的民族文化底蕴是钢琴表演艺术发展的源泉和动力。钢琴表演艺术除了在原有的优秀传统表演基础上要不断发展，还要考虑出新，结合不同层次群体的心理需要，从现代社会人们希望出现新事物的角度，以及对钢琴表演艺术、钢琴文化传播途径的新需求，真正使钢琴表演艺术繁荣昌盛。
一、个性化表演是钢琴表演艺术发展的基础
钢琴表演艺术据其特性及其作品的需要，表演者采用单独、侧面对观众的表演形式。这种传统的表演形式为表演者创造了一个对音乐更好地理解和阐释的艺术氛围，在突出表演者自我意识的同时，向观众传达对音乐的逻辑性和严谨性的理解；也正是这种传统的优秀的表演形式，我们才能欣赏到各种不同风格的表演。风格既表现于内容，又表现于形式，它是由内容和形式的统一所表现出来的总体的特色。对于一首作品，表演者根据自己想表达的思想内容，选择能够反映、表达自己心理的表演形式。不同的表演形式，也是表演者风格和修养的体现。例如演奏贝多芬的《热情》，表演者除了根据作品给予指定的表现形式进行表演创作外，施纳贝尔突出了严谨、理性的古典学风；李赫特尔感情激荡，气势恢宏，风格浪漫；鲁宾斯坦呈现了温文尔雅的气质；霍罗维茨则表现了炉火纯青的技术和强烈的个性；肯普夫表现出对作品的深刻理解和成熟的技巧。正是有了这些不同风格的创造，《热情》才会像钻石一样始终闪耀着夺目的光芒，产生了不同的审美价值。这对于有音乐素养的听众来说无疑是一种精神上的享受和心灵的慰藉。
在钢琴表演过程中，个性与共性不可分割地存在于一个有机整体里，共性寓于个性之中。也就是说，表演者把对作品的整体理解和感情寓于他们不同的表演形式之中。作品给演奏者提供了创作的基础，但也有许多潜在的不定点和空白，给了演奏者填补、再创造的空间。演奏者就可以借助一些手段，创造另外的一种音乐审美效果，拓展音乐表演的视界和话语空间。茵格而顿指出：“像绘画那样的‘原作’在音乐中是不存在的，音乐作品本身只能提供一个多层次的未定点。只有通过一次次的音乐表演来实现一个变体。每一个变体都包含有表演者的独特创造，并使音乐作品成为表演者和作曲者共同创造的艺术复合体。”[1]表演者在这个多层次的未定点的基础上，通过自己对作品的理解以及内心体验的思维活动，进行抒发人类思想感情并赋予音乐作品生命力的二度创作，尽量完善音乐意境，表现音乐情感与内容，并使其成为联结音乐创作和音乐欣赏的纽带。
钢琴表演艺术随着社会的发展和需要更应突出个性化的艺术表演形式。任何艺术如果脱离了创新与发展，就会变得苍白无力，没有生命力和活力。这就对传统的钢琴表演形式有了更高的要求和迫切的需要，同时对表演者来说，除了要有深厚的文化底蕴外，还要有跟上时代的敏锐头脑，来丰富自己个性化的钢琴艺术表演过程。
二、时代化表演是推动钢琴表演艺术发展的因素
“美”产生于人——主体的愿望，而主体愿望的产生则源于他的“社会性”！[2]任何创作活动都有一定的社会性，同样，钢琴艺术的表演形式也不能脱离社会性而存在，它与时代的不断发展有着必然的联系。
钢琴表演艺术传统延续下来规范化的表演模式可以被真正有音乐修养的少数群体所接受，是“精英”“贵族”式的欣赏方式。时代的发展、社会的需要、网络传媒等现代交流手段方式的迅速发展与改变，使钢琴音乐面对的是更多、更为广泛的群体，钢琴表演艺术应从音乐表演多元化角度，积极探索如何在表演形式以及音乐表现上使广大观众更好地接受。这也是推广钢琴音乐、提高国民整体素质教育和音乐修养，使更多的人能够欣赏和享受音乐的“准精英”式钢琴音乐的推广方式。
钢琴表演艺术发展至今，由于现代社会文化、观众对象的不同，“阳春白雪”式的钢琴表演艺术在后现代文化的特征上应有所突出。由于“观看并不是一面一成不变的镜子，而是充满生气的理解力。”[3]所以根据观众理解的差异，对于作品的艺术表演再现做出的反映，有可能正确、有可能歪曲。当然真正的艺术是不能以大众的喜好和接受能力作为艺术的标准的，这违反了艺术的原则。正如戏剧界所认同的：“观众不一定都是对的，但无视观众的艺术家却永远是错的。”[4]为了让社会能够更为广泛地接受和认同严肃音乐，我们可以在钢琴音乐的表演过程中采取更容易被大众心理所接受的传媒方式和艺术表现手段。“人是精神和肉体的结合物，所以每遇到一种运动，不仅视之而已，同时还有意用我们自己的动作来表出它们。……”[5]所以表演者在钢琴表演过程中，由于从内心生发了音乐的感受并产生了肢体动作，从而更好地表达作品内容及抒发自我情感的手段，即表演形式。它是音乐表演的重要组成部分，是音乐作品和观众思想产生共鸣的必要手段。作为媒介，表演形式有着举足轻重的作用。它帮助表演者创造一种情景，通过观众的想象来产生感情。随着时代、网络、高科技的发展，观众对钢琴音乐特别是适合现代钢琴作品新的表现手段有着强烈的渴求和愿望，希望表演者具有时代感、与生活体验相接近的表演形式，表现与观众共有的对现代生活的体验与感受，从而感染观众，同时也给钢琴表演艺术注入新的血液和生命力，使钢琴表演艺术从不同角度更完美地获得其美学体验。这也是现阶段社会发展对钢琴表演艺术的迫切需要，也是钢琴音乐、钢琴教育和文化发展的一个重要的方向和目标。
三、民族化表演是钢琴表演艺术发展的灵魂
21世纪更是一个在不断发展中求生存的时代，音乐的审美价值趋向多元化、开放性，但总的文化精神是一脉相承的，体现着一种民族精神，闪耀着华夏祖先的文明和智慧。
李凌的美学思想认为，“所谓‘民族风格’，它包括了这个民族的思想、情感以及它要表现这些思想、情感所选取、缔造的音乐形式上的一切特色的总和。”[6]追求表演艺术的民族风格，应该成为钢琴表演艺术遵循的一个美学原则。中国第一位在国际上获得西洋音乐演奏奖的钢琴家傅聪，正是因在他的钢琴演奏中充满了中国灿烂文化的诗情画意般的境界，以及中西贯通的音乐表现力而享有“钢琴诗人”的美誉。他演奏的肖邦被认为“赋有肖邦的灵魂”。傅聪之所以对西洋音乐理解得深刻，“大半得力于他对中国古典文化的认识与体会”。因为“只有真正了解自己的民族的优秀传统精神，具备自己的民族灵魂，才能彻底了解别个民族的优秀传统，渗透他们的灵魂。”[7]这也是傅聪在钢琴表演艺术上能做到真正中西融合贯通，用中国的古典文学表现西方音乐意境的精髓所在。
中国古代对音乐美学的研究源远流长。儒、道、法家对音乐美学都有系统化、理论化的研究。傅聪的父亲傅雷非常重视对傅聪进行中国传统文化教育。自小用近乎私塾的方式，从孔孟先秦诸子、《国策》《左传》《晏字春秋》《史记》《汉书》《世说新语》上选教材，以富有伦理观念与哲理气息、兼有趣味性的故事、寓言、史诗为主，以古典诗歌与纯文艺熏陶结合在一起，亲自对他施教。“我的东方人的根，真是深，好像越是对西方文化钻得深，越发现蕴藏在我内心里的东方气质。”[8]所以在傅聪的演奏中有蕴含中国音乐美学的“无我之境”。这和他自小得益于中国深厚的文化背景和成熟的领悟力是分不开的。
民族性有着博大精深的文化底蕴。是艺术再创造的土壤和源泉，是创造具有特色的表演艺术的动力所在。中国的钢琴表演艺术要坚持发扬民族性，与时代共进，突出个性意识，才能使钢琴表演艺术在社会发展潮流中始终保持活力，在时代变革过程中展现新的魅力。
参考文献：
[1]赵保清《浅谈音乐表演艺术》南京艺术学院院报2001年第2期
[2]《论音乐表演艺术的创造性——从布莱希特“陌生化”表演艺术理论得到的启示》冯效刚人民音乐1997年第11期
[3]艺术风格学：(瑞士)海因里希·沃尔夫林著、潘耀昌译：中国人民大学出版社2004年1月第251页
[4]《试论音乐表演艺术中表演者主体地位的确立》张放音乐探索1999年第1期
[5](德)罗采《卡里哥纳》H·里曼著缪天瑞译
[6]彭根发《李凌音乐表演美学思想初探》交响——西安音乐学院院报1996第4期
音乐表演艺术论范文5
【关键词】音乐表演艺术；创造性思维；素质教育
一、音乐表演艺术的创造性特点
1.丰富的知识基础。音乐表演艺术家通过对传统的科学文化知识沉淀，奠定了自己丰富的科学文化知识基础具有深厚的文化底蕴，通过不断地整合与重建等形式，改变了事物的固有状态，推动了音乐走向世界的步伐。实施证明，凡是有成就的艺术家，都是经过自己的不懈努力得来的成果。2.独特的人生阅历。较常人相比，音乐表演艺术家具有其独特的人生经历，具有较强创造性思维和想象力。艺术家自身的阅历，能够刺激人的思维，产生想象力和创造力。缺乏艺术家想象力的作品很难引起音乐欣赏者的共鸣。3.强劲的抽象思维。每一部优秀的表演艺术都具有较强的抽象思维，如果音乐表演艺术作品中缺乏抽象的思维，那么这个作品会失去表现力、层次性，变得黯淡无光桑树，也就是丧失了音乐表演艺术的现实意义。
二、音乐表演艺术的作用
1.提升智力水平。大量事实表面，人类大脑分左、右两个半球进行分工协作，其中，左半球主要负责数理计算和抽象思维能力，右半球主要负责感知能力及空间观念。创造性活动主要是以作用半球协作为基础。因此在进行音乐表演创造的过程中可以有效地提高人的智力水平。2.提高鉴赏水平。音乐表演艺术能够向人类渗透大量的形象思维，提高人类的思维能力，不仅可以培养人类的表现力，还促进人体各个机能器官协调发展，在音乐鉴赏中，从简单到复杂。提高学生的音乐鉴赏水平并开拓学生的视野。3.培养学生们的创造性思维。随着我国经济的变化和发展，文化也呈现出发展的多元性，教育工作者也越来越重视提高学生的的创造性思维，为我国创造出更多的独特艺术作品作品。
三、培养音乐表演艺术创造性方式
1.评价法。教师先将学生的声音用录音笔记录下来，然后引导学生听取录音笔中的信息，让学生对自己的声音做出客观的评价，教师在旁边指导，帮助学生调节好自己的声音。同时，教师要积极引导学生之间进行互动、评价，通过学生间的互评，不仅能够提高学生语言表达能力的时候，而且，学生在对他人的各省进行评价时，可以集中学生对音乐表演学习的全部注意力，加深其对上音乐知识的了解。2.比较法。通过对比不同音乐表演作品中的音色、速度和力度进行比较，从而深化对作品的理解。感受音乐发生的变化，发挥出音乐的想象力和创造力。同时也要坚持把艺术想象作为核心的原则，对所以内容进行精心的处理与选择，教师要引导学生对作品展开想象，培养学生身临其境的感受，提高音乐的表演质量。3.形象思维法。引导学生通过丰富的联想，培养音乐中的形象思维，增加音乐的感染力和表现力。所以，教师要结合学生的心里特点，采用表演、卦象、故事及录像等场景，刺激学生的感官，从而对学生的行为、情感及心理产生一定的影响。引导学生在最佳的情绪状态下，开展有意义的想象，从而提高学生对音乐表演的创造性。4.创作表现法。学生在进行音乐创作的过程中，要加强对以往学过的音乐知识、表现方式的巩固，然后发挥自身对音乐知识的想象力，对音乐表演艺术进行再创作。要表达出自己内心的真情实感，进而培养学生对音乐表演艺术的创造性思维。例如，在欣赏音乐活动的时候，教师应引导学生结合自己所感受到的音乐，通过各种动作、力度和幅度将音乐表现出来，展示出音乐所表达的意境。激发学生对音乐的创作兴趣，提升学生对音乐的创作信心。
四、推进音乐表演艺术创造性培养的措施
1.利用学生已有的知识经验。学生应该掌握了有关音乐基础知识理论和经验。例如，节奏、节拍、声调等，学生普遍具有较强的音乐表现力，为培养学生音乐创造性思维奠定了基础。教师可以在课堂上创造一个思维空间，培养学生丰富的情感，让学生在快乐中真实的表达自己的情感。例如，学生演唱《学好雷锋好榜样》这首歌曲时，教师应先交代雷锋的生活经历及相关故事，以树立学生对雷锋的崇拜精神，了解歌曲背后的故事和意义，有利于学生更好的解读歌曲的情感，从而实现最佳的演唱效果。2.利用教师丰富的经验。教师在音乐课堂教学中要培养学生的发散性思维。例如，学生学习音乐的初级阶段，一般会采用跺脚或拍手的习惯练习音乐中的节拍。教师要利用自身丰富的知识经验，让学生了解节拍的内涵，引导学生利用节拍的相关知识，进而制定了相关的音乐节奏普。
结论：
音乐表演属于人们喜爱的一种模式，能够提高学生的创造性思维。音乐艺术教学活动过程中要融入创造性思维，强化学生对音乐表演艺术的感受力，对帮助学生全面、协调发展，提升综合能力据有重要意义。
参考文献：
[1]意何.音乐表演艺术的创造性思维及培养[J].中国音乐学,2008,01:130-134.
[2]支慧.音乐表演艺术的创造性思维及培养[J].音乐时空,2015,15:111.
音乐表演艺术论范文6
关键词：舞台表演艺术；声乐演唱；重要性
中图分类号：J722 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）08-0096-01
舞台表演艺术是一种美学现象，通过意象表达与诠释，与观众取得心灵共鸣。舞台表演艺术，是演唱者在舞台上演唱时将肢体语言和面部表情有效结合的一种形式，不仅拉近了演唱者与观众之间的距离，还有助于演唱者挖掘歌曲深层次内涵。舞台表演艺术是声乐表演中不可或缺的一部分。
一、舞台表演艺术具有美学意义
在民族声乐演唱中会采用花腔表现鸟儿的鸣叫，利用演唱者娴熟的技巧将其展现出来，就将“鸟鸣”进行了美化，同时它又是演唱者技巧的体现。舞台表演艺术是一种配合观众心理活动的审美创造活动，是观众的精神食粮，同样具有音乐美学艺术。演唱者进行舞台表演带给观众的不仅是视觉感官冲击，还具有与观众的心理、精神产生共鸣的审美特质。观众可以从心里感受到表演者在舞台上体现出来的审美观念及美学特征，透过一段旋律或演唱者的举眉投目，都会与观众产生情感互动。因此美学意义在舞台表演艺术过程中作用重大，是一种独特的美学现象，是一种意象的诠释，取得演唱者和观众心灵情感共振的一种形式。舞台表演者舞台美学的意义对自身的舞台展现具有积极影响。
二、舞台表演艺术促进演唱者内心情感的表达
现今的声乐演唱作品，采用更为丰富的表演艺术阐述内心的情感，舞台表演形式多种多样，演唱声乐作品，表演者的一颦一笑、一举一动都和歌曲角色密切相关。演唱者通过自我表情的变化来刻画角色的心理变化，将起伏的情节及感情变化展现给观众。例如歌曲《在希望的田野上》，这支歌曲要体现的就是改革开放以后中国新农村面貌，通过明亮甜美的歌声进行歌颂。观众透过舞台表演要体会到一种美丽的景色，还要体会欢乐劳动的场景，并要感受到对美好未来向往之情。展现这些不同的内容需要采用不同的眼神、情绪、形体动作来展现，这样才能达到满意的效果，还可以帮助演唱者对音乐作品进行深层次的感觉探索。深刻理解音乐作品作者想要表达的情感及意境，演唱者需进行二度创作，然后在舞台上有感情的表现出来。
三、舞台表演艺术在声乐演唱时的体现和运用
舞台的表演通常以眼神、手势及表情、动作体现出来。
（一）眼睛。眼睛是心灵之窗，人类情感都能够通过眼睛表现出来。在舞台表演中，即便手、身、口、步各方面都准确，如果眼神不拢神不精，依然无法打动观众，抓住观众的心。声乐表演中演唱者需要通过眼神和观众进行交流，因此眼神需有神，通过眼光将高低、远近的不同景物展现出来，透过眼睛表达情感。
（二）手势。手势是一种非语言性的语言，演唱者在舞台上进行表演的时候不能缺乏了手势的表演。手势的运用不但能够渲染气势，有助于情感的表达，还利于形体造型。需要注意的是，声乐演唱中需要以唱歌为主，不能采用夸张地手势将观众的注意力分散。
（三）表情。人类种种情感都会在脸部表现出来，称为表情。情生于内而表于外。感情和表情密切相关，真情实感就是真实的感情与面部表情一致，虚假的感情就是表里不一，即所谓的“皮笑肉不笑”。不同的感情在面部体现各不相同。演唱者在舞台上的表演要真实、自然，不能矫揉造作，需要表里如一，他的表演就是音乐作品的二次创作，需要演唱者依据音乐作品内容来展现自己的表情。
（四）动作。舞台动作具有艺术性，演唱者在舞台上漫不经心的随意动作并不能称为艺术动作。艺术动作由意志产生，并具有一定的目的性。设计舞台表演动作，必须先明确目的，舞台艺术动作都具有特定的目的，目的不同引发的具体动作及表现方式也不相同，目的明确才会有准确的动作方向。例如《咱当兵的人》这首歌，表达了一位高大、自豪的军人形象，刚劲有力、节奏明快的动作才能够将这种形象完美的体现出来。对作品的体验就是动作的任务，它产生于目的，音乐作品的情感基调各不相同，对歌词和旋律进行深入的探究才能够掌握感情的基调，找准感情基调对于形成准确的动作具有很大的作用。舞台表现需要演员通过艺术想象，把生活中的天性动作转换成艺术动作，表现音乐作品的深层次内涵。
声乐演唱时讲究表现个人气质及个性，不同的人对音乐作品的二度创作水平不同且风格迥异，在表演的时候需要与自身情况相结合，辅助眼睛、手势、表情及动作等，展现个人独特的演绎魅力。舞台表演艺术是一种无声的语言，是声乐演唱中不可或缺的一部分，是舞台形象的美化。
参考文献：
[1]张享铭.论舞台表演艺术对民族声乐的作用[J].中南林业科技大学学报（社会科学版）. 2011，05（5）：163-164.
[2]李建华.论声乐舞台表演的动作性[J].怀化学院学报.2010，29（4）：94-95.
