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古典主义音乐成就范文1
关键词：钢琴演奏；艺术风格；分析
中图分类号：J624文献标识码：A文章编号：1005-5312（2012）15-0129-01
一、巴洛克时期古钢琴音乐创作
巴洛克时期是古钢琴音乐创作进入繁荣发展的时期，该时期的古钢琴作品是一种带有独特时代特色的音乐风格特征，它要求在演奏中应该重视各旋律线条的歌唱性，以及各声部层次的均衡性和音乐表现力的装饰性。演奏巴洛克作品的速度不必太快或太慢，乐谱上的速度术语只是相对的概念；力度也无需使用很大的力量，渐强或渐弱应该采用“阶梯式”的力度变化；踏板要慎用，不必踩的太深或太长，应该根据各声部的旋律线条来使用踏板，要保持各声部的清晰；触键要用指尖的位置，连奏要快而敏捷，断奏力求轻巧，应该清晰地弹奏各声部线条的主题对比，完美地再现巴洛克时期的音乐风格。
古典主义时期的钢琴音乐创作在西方音乐史上占有重要地位，该时期的钢琴作品是从巴洛克音乐基础上发展来的，然而，在演奏技术上又有了很大创新。演奏古典主义作品的速度要比巴洛克作品有较大幅度的变化，体现在快板乐章与慢板乐章之间速度上的鲜明对比；力度可以运用不同的弹奏方式来表现乐曲的强弱变化，有的作品为了增强钢琴演奏的音响效果和力度对比，可以将手臂的力量运用到演奏之中，用以表现旋律的强弱变化和音乐矛盾的冲突；装饰音的弹法比较自由，不必像巴洛时期那样严谨，可以根据演奏者对乐器的理解来决定装饰音的速度和数量（如颤音）；踏板的运用真正是从古典主义时期发展起来的，踏板的主要目的是增强乐句的连贯性，以及使声音获得饱满的演奏效果，演奏者使用踏板要注重和声织体、句法和音色的清晰度；触键与巴洛克时期的方法基本相同，用指尖位置触键以保证音色的灵巧和圆润，并且通过典雅、均匀、流畅的演奏来演绎古典主义音乐的高贵气质。
三、浪漫主义时期钢琴音乐创作
浪漫主义时期既是钢琴音乐创作的辉煌时期，也是钢琴演奏技术迅速发展的鼎盛时期，如果说早期的浪漫主义作品还保留着古典主义音乐的痕迹，那么中、晚期的浪漫主义作品则体现出作曲家对创作思想和美学理念的创新，增强了钢琴演奏技术的即兴性和炫技性，他们把钢琴演奏技术推向了更高的艺术境界。演奏浪漫主义作品可以加入手臂的全部力量，甚至可以打破常规的指法模式，使钢琴演奏更具有戏剧性的效果。速度要比古典主义时期作品又有较大幅度的扩张；强弱力度的起伏变化，有很大的张力；注重多层次旋律线条的歌唱性与抒情性；—的使用更加复杂、细腻，增加了多种踏板的使用方法；演奏方法也多种多样，或是用指尖轻巧地演奏，或是用指—情地演奏，或是用手臂强力地演奏等，由此开拓了钢琴奏技术的新局面。
四、印象主义时期的钢琴音乐创作
印象主义时期的钢琴音乐创作虽是从浪漫主义音乐中孕育出来的，但是在钢琴演奏方法上则另辟蹊径，对手指的触键有着特殊要求。演奏印象主义作品的手指不必像弹奏巴洛克、古典主义作品那样用指尖位置触键，强弱力度应该随着旋律整体结构的线条织体变化而转换;踏板应该根据和声色彩来变换而并非简单地以和弦、乐句为更换单位。特别是演奏德彪西的作品需要在弱音范围内做出无穷—色层次，在钢琴弱音区PP、PPP、PPPP的力度中，利用持续—板的余音振动和抚摸般的触键方法来营造出宁静致远、漂浮梦幻的音乐意境，但触键音色并非是模糊不清的，而是更需要弹一出精确和清晰的音响效果，因此，演奏他的钢琴作品不仅需要在手指触键和踏板技术方面超越传统，而且需要在听觉感受、观念意识、心灵体验等方面都要进行全方位的更新，正是因为有了这些独特的演奏技术，才成就了迷人的印象主义音乐特质。
五、20世纪以来钢琴音乐创作
古典主义音乐成就范文2
维也纳古典乐派的创作时期，正是封建欧洲制度走向没落、资产阶级正在兴起的时期。维也纳作为欧洲当时的文化中心，艺术氛围享有盛誉，受到启蒙运动的强烈冲击。18世纪下半叶，歌德、黑格尔、伏尔泰、卢梭等一大批著名思想家、文学家提出的政治、哲学、伦理、美学思想影响着当时人们的思想和生活，同时也影响了当时的音乐创作。维也纳古典乐派的音乐思想的确立就是因为启蒙运动思潮。
进步的思想家提倡精神解放，唤醒理性和智慧，消除教会和贵族主导的迷信与偏见，“照亮”愚昧落后的封建社会。他们赞颂平等、自由、信仰和道德，相信经验、实用、人权和理性。随着启蒙运动的深入，音乐满足欣赏要求、陶醉内心情感，遂逐渐成为时尚。这一时期的音乐慢慢脱离宗教，开始趋向于大众，人文主义的内容取代了“神”，成为创作的主流。音乐更多地走出了宫廷和教堂，面向大众，公共音乐生活开始活跃起来。
音乐家正从封建阶级的奴仆向资产阶级自由艺术家过渡，在那个寻求精神解放的时代，作曲家内化情感体验、寻找新的音乐语汇表达、追求更高的音乐境界。海顿和莫扎特迎来了古典主义的高峰，贝多芬则集中古典主义之大成，拓浪漫主义之先河，维也纳古典乐派应运而生。
维也纳古典乐派的音乐创作和民间音乐有着血肉之亲，丰富多彩的民间素材反映人道主义的思想要求，强调高雅的风格，追求美好的观念，将乐观进取的精神世界带给人们。当时，奥地利是多民族杂居的国家，每个民族都具有自己独特的音乐文化，维也纳古典乐派的作曲家将民间音乐作为广阔的源泉，从中汲取丰富的营养。
古典主义音乐成就范文3
摘 要：青年教师作为教师队伍的主力军和后备力量，必须尽快适应角色的转变、加强自身的素质培养、熟练掌握中学教育各项技能和方法，以适应现代化教育的需要。对于大学毕业不久的青年教师，快速提高教学能力、教学水平、教学效果有多种方式和途径。通过一节公开课，认识到抓好“四化”，可以提高青年音乐教师课堂教学水平，就工作一年来的音乐课堂教学实践心得体会与大家分享。
关键词：四化；教学；青年教师
当前中小学教育改革的目标是全面实施素质教育。要培养出高素质的学生，必须有高素质的教师。青年教师作为教师队伍的主力军和后备力量，必须尽快适应角色的转变、加强自身的素质培养、熟练掌握中学教育各项技能和方法，以适应现代化教育的需要。对于大学毕业不久的青年教师，快速提高教学能力、教学水平、教学效果有多种方式和途径。
笔者是一名高一青年音乐教师，在工作的第一年开了一节“以老带新”的市级公开课，课题为《从古典到浪漫》。一节课短短45分钟凝聚了笔者的很多心血，公开课结束后，市教研员、各区教研员及学科带头人对授课情况进行了点评，使自己收获很多。下面就开课以及工作一年来的音乐课堂教学实践心得体会与大家分享。
【教学实录】
【教学目标】
1.通过本节课的学习，对古典乐派走向浪漫乐派时期的著名音乐家及音乐作品产生兴趣和追求。
2.采用合作、探究、比较的学习方式和方法，感受古典主义音乐风格和浪漫主义音乐风格的不同特点。
3.能哼唱《“惊愕”交响曲》《欢乐颂》等主题旋律，了解作曲家的生平和创作成就。
【教学重点】
感受和了解古典主义音乐和浪漫主义音乐的基本特征。
【教学难点】
区分古典乐派和浪漫乐派音乐作品不同的风格特点。
【教学过程】
一、导入
课前音乐
认识三位古典主义音乐巨匠（贝多芬、莫扎特、海D），课件展示图片。
二、教学步骤
1.介绍海顿，课件展示
欣赏海顿《第九十四交响曲》第二乐章（“惊愕”）
教唱旋律，感受旋律、节奏、结构的特点。
2.欣赏海顿《第一百零一交响曲》第二乐章（“时钟”）
聆听音乐，感受乐曲的结构、旋律、节奏、力度对比的特点。
通过海顿两首乐曲的欣赏，小结古典主义音乐的特点。
3.欣赏《贝多芬G大调小步舞曲》
加深学生对古典主义音乐特点的理解。
4.欣赏贝多芬《第九合唱交响曲》交响曲第二乐章《欢乐颂》
感受歌曲的情绪，力度的对比，使学生初步了解浪漫主义音乐的特征。
5.课件介绍浪漫主义音乐代表人物
6.介绍肖邦
欣赏《C小调革命练习曲》，简介乐曲创作背景。
通过教师演奏，讲解，乐曲欣赏，感受浪漫主义音乐的特点。
7.表格对比古典主义音乐与浪漫主义音乐的特征
8.知识反馈
判断以下作品是古典主义音乐风格还是浪漫主义音乐风格，对学生本节课所学进行考查。
【评价与反思】
对在这节公开课上自己教学中出现的问题，笔者思考了很多，结合了各位教育前辈的点评和反馈，笔者反思和提炼出以下“四化”，希望和青年音乐教师分享，共同来提高和完善音乐课的教学水平、教学能力和教学方法。
（一）提问的精细化
第一例：教学过程中说到浪漫主义音乐的时候，笔者采用的例子是肖邦的《C小调革命练习曲》。
播放《C小调革命练习曲》
教师：请学生选择符合这首乐曲情绪的词语（愤怒、喜悦、忧伤、欢快、震惊、柔美、具有冲击力）。
学生：愤怒、震惊，具有冲击力。
学生没有完全回答出自己设想的答案，答案是愤怒、震惊、忧伤，具有冲击力，对于刚刚踏上工作岗位的我，在这样的市级公开课上，自己紧张了，不知所措，于是打了一个马虎眼混过了这个问题的解释。课后某区的教研员点评时说道：“这样的问题会对学生有一定的误导，学生对这首乐曲的第一反应是节奏很密集，速度很快，直接判断情绪已经跨越了学生对音乐的直观感受。你可以从这些问题由浅至深提问，你感觉节奏是密集的还是疏松的？速度是慢的还是快的？再延伸到情绪的问题。学生在不知道这首乐曲创作背景的前提下，为什么一定要听成是忧伤的呢？为什么不能听成是欢快的、活泼的情绪呢？每个人对音乐的理解不一样，回答也会不一样。老师直接让学生按着设定的步伐走，这就造成了一种错误的引导。”听了这位老师的建议后，我深受启发，以后提问题要从学生的第一印象角度去考虑，从他们对音乐的直观感受去理解，提问要更加细致一点。
第二例：教学过程中，为加深学生对古典主义时期作品的理解，笔者用了贝多芬的《G大调小步舞曲》，列出了四个问题，其中最后一个问题：
教师：这段旋律是否具有歌唱性？
学生：不具有歌唱性。
这个回答又没有按照自己预想的答案回答，答案应该是具有歌唱性，列举这个例子是想说明古典主义时期的作品比较具有歌唱性。当时自己又急了，把课件上做好的简谱带着学生唱一遍，以证明具有歌唱性。一位老师课后指导道：“当学生回答错了，老师按照自己设定的步伐，带着学生唱了一遍，再问具不具有歌唱性，这时候学生必定答容易唱，因为他们知道这个是老师想说的答案。现在的学生也很‘坏’，他们会按照老师想要说的答案回答，这就涉及两个问题：一种是学生不回答，答不出来，这种情况教师就要细化问题；另一种是回答的不一定对，不是老师想要的答案，老师又要回过头来重新讲，效率就低了。”对这个问题，我反思道：如果问旋律感是否较强可能更合适一点，而不是容不容易唱，对于高一的学生，这段旋律唱不出来很正常，有的甚至连音准概念都没有，但是对旋律的感知能力还是可以的，所以如果问旋律感是否较强，学生应该就可以回答出正确的答案。这个例子让我明白在教学中提问一定要精准化。
（二）语言表达艺术化
有人说教师是“吃开口饭的”，此话道出了教师的职业特点。教师的语言，是沟通师生心灵的桥梁，是帮助学生打开知识宝库的钥匙，是点燃学生智慧之光的火种，是播撒在学生心田的种子。苏霍姆林斯基则说：“教师的语言修养在极大程度上决定着学生在课堂上脑力劳动的效率。”我国杰出的教育家叶圣陶先生也曾说：“凡是当教师的人绝无例外地要学好语言，才能做好教育工作和教学工作。”当代的一些特级教师如于永正、窦桂梅、王崧舟、支玉恒等，他们在教学中不断总结探索语言运用的规律，努力追求语言的艺术，从而形成各具鲜明特色的教学语言风格。他们在教学上的成功，很大程度上取决于语言的运用。可以说，他们在讲究语言艺术方面为广大教师树立了典范。对于所有青年教师而言，语言表达艺术化是个值得注意的问题。
那么如何提高课堂语言艺术呢？笔者认为语言表达要做到五点：准确规范、精练简明、通俗易懂、富有启发性和幽默感。准确严密而规范的语言表达才能保证知识传授的科学性和学生正确理解知识的可能性；教师如果没有满怀激情，其语言必然苍白无力，其态度必然冷漠无情，不能感染、启发学生。因此，在课堂中，教师要以饱满的热情、抑扬顿挫的语调、真挚和谐的语言启迪学生的思维，引起学生的共鸣。俗话说：“话有三说，巧说为妙。”教师的语言要生动形象，富有幽默感。能以声引人，以趣诱人，为学生创造一种良好的学习境界，使他们愉快、动情、着迷。教师只有不断地追求课堂教学的语言艺术，具有较好的语言修养，才能把教学搞得生动活泼、妙趣横生，从而提高课堂教学效率。
（三）讲解透彻化
教学过程中，讲解古典主义时期音乐特点的时候，笔者用了海顿的《第一百零一交响曲》（“时钟”）。
教师：为什么曲名为“时钟”？
学生：是因为乐曲模仿了时钟“滴滴答答”的声音。
教师：是音乐的什么要素模仿的？
学生：节奏。
教师：模仿这种滴答声的乐器是什么？学生不太能够答上来，通过老师的引导，也基本上都知道了，答案是大管和低音提琴。
这个问题――为什么曲名叫“时钟”，我讲解完了。一位高级教师给我点评：讲解一定要从音乐的角度v，讲完节奏、音色模仿“滴答滴答”的声音后，可以继续深入提问大管、低音提琴都是什么样的音色呢？学生肯定答低沉的，深沉的；再继续深入问为什么用那么低沉的音色来模仿这个时钟呢？因为模仿的不是一般的钟表，而是教堂很浑厚的钟声，教师还要再联系到当时的社会背景展开讲解。从这位老师的建议中，笔者反思到很重要的一点，一个时期的音乐必定与当时的社会背景、社会发展相联系，光说音乐是没有办法说透彻的。
那么如何多角度、多方面地去阐释音乐呢？课上短短的几十分钟，课下却需要教师做大量的准备工作。对于青年教师，我们应做到：（1）积极参加教研活动，尤其是集体备课，领会教学精神实质，抓住重点、难点。（2）备课时认真钻研教材及相关参考资料，虚心向有经验的老师请教学习，力求吃透教材，掌握知识要点。（3）设计可行的教学思路，使教学内容完整而系统，脉络清晰，重点突出，注意知识的纵横向对比及前后衔接。（4）由于目前多采取多媒体教学，在课件制作时，力求多变，吸引学生注意力；针对专业特点，插入较多的实物图片及录像资料，使学生能更形象直观地感受所学的知识内容。（5）采用课前试讲，以便掌握教学节奏，检验备课效果。
（四）欣赏乐曲完整化
根据课堂时间的合理分配，尽量给学生欣赏一个完整的片段，音乐欣赏中最忌讳的是听到一半被暂停，学生听得也难受，就像看一本小说，故事情节看到一半突然被打断，心里肯定不会舒服，我想每个人都有这样的经历。就本课而言，对于这个问题的调整几乎要牵涉所有的内容，包括素材的选择，我会继续修改整理，理出一个更好的思路。
青年教师要提高自己的教学水平，站稳讲台，这需要的不仅是时间和外力，更需要自身努力，抓好“四化”，不断完善教学内容，掌握教学方法，提高自身科学研究水平。相信通过不断努力，反复实践和探索，青年教师一定能站稳讲台，成为活跃在教学第一线的生力军。
参考文献：
古典主义音乐成就范文4
[关键词]贝多芬；世界音乐；古典主义；古典乐派
[中图分类号]J605 [文献标识码]A [文章编号]1005-3115（2013）24-0032-04
古典主义，首先发生在文艺领域，它以恢复古希腊与古罗马艺术为目的，注重形式美，放眼追求客观美。这一美学观点直接影响到同时代的美术、音乐的发展。此后画家和音乐家们把这一美学观点渗透在自己的创作中，继承、发展了这一美学观点，形成了各自的古典主义风格。
音乐中的古典主义，在维也纳开放着鲜花，也结出了丰硕的果实。但是，古典主义音乐的萌芽时期却产生于意大利巴洛克音乐时代后期。欧洲文艺复兴运动以后，在意大利兴起的主调音乐，以贵族社会为背景，随后在德意志、奥地利等国繁荣昌盛起来，初期有三个乐派：以大巴赫的次子菲利浦・埃玛努埃尔・巴赫为中心的柏林乐派，他是费特烈大帝的宫廷作曲家；以约翰・施塔密茨为中心的曼海姆乐派，他是法尔茨选候卡尔・特奥道尔的宫廷作曲家；以瓦根扎伊尔、蒙思为中心的早期维也纳乐派，这个乐派比前两个乐派影响较小。但是，自从格鲁克、海顿两位作曲家在维也纳定居以后，这一切都发生了变化。接着，莫扎特、贝多芬又先后到来，维也纳古典乐派才真正形成。
以海顿、莫扎特、贝多芬三杰为代表的维也纳古典乐派，在音乐上的贡献是多方面的：就类型而言，主要表现在室内乐、钢琴音乐、交响乐等方面；就音乐曲式来说，奏鸣曲、交响曲形式在海顿、莫扎特、贝多芬时期得以确立并且不断扩充、发展；就音乐表现内容来说，也由一种愉快的、偏重于音乐形式美、结构美、旋律美的纯音乐倾向，过渡到表现人类理性思维、社会矛盾斗争等更为广阔的领域。
由于三位作曲家所处的社会、时代各有差异，个人世界观、遭遇、生活环境不同，在他们各自的创作中，又都体现出不同的风格特点。总之，他们对人类文化艺术史的贡献是光辉灿烂的。而就他们中的一个人来讲，却又是惊人而非凡的。本文主要就贝多芬的音乐成就及贡献进行论述。
一、首开音乐思想之花
贝多芬生就一付倔强的性格，对任何不幸从不感到绝望，对命运的考验报以强烈的抵抗态度，27岁之后的他虽然怀着绝望的心情，把耳疾之病告诉了亲友，但同时又说：“我绝不能忍受，我要扼住命运的咽喉，把它捏碎。”同一封信的后面贝多芬还写道：“噢，如此美丽的人生，我愿意活一千次。”在1802年的遗书中，32岁的他写道：“即使我享有天寿，对我来说我也觉得死得过早。”当然，后来他打消了自杀的念头。
“我要扼住命运的咽喉”成为强有力的贝多芬式的呐喊，他在《第五命运交响曲》中第一次挖掘出音乐的社会功能，成为灵魂的艺术，听他的作品犹如一位饱经沧桑的战士在讲述一个哲理。他的《热情奏鸣曲》、《第三英雄》、《第五命运》、《第九合唱》交响曲等作品，极好地表现了火焰般的热情和战斗般的英雄性格及“斗争―宁静沉思―喧嚣戏谑―欢乐凯旋”这样一个哲理性的交响公式。《第六田园》交响曲是一首打通了现代标题音乐、印象派音乐门户的金字塔式作品。此外，贝多芬在《第九合唱交响乐》中贯通着自由、平等、博爱的思想，重新使用了合唱与四重唱、变奏曲式，成为交响乐中难度、高度的极品之作。
贝多芬是幽默的，他总是大声说话、开玩笑、哄笑，喜欢与人打趣，给亲近的人起绰号，在他的创作中，幽默的谐谑曲就反映了他性格活泼的一面，1811～1812年，40多岁的贝多芬创作了《第七交响曲》、《第八交响曲》两部比较轻松的交响乐。同时，他又温情委婉地创作了流传至今的小型钢琴曲《致爱丽丝》，这虽不是什么重点作品，但却有着广泛的人民性。穿过200多年的历史长河看这首作品，却发现他的人文关怀可以用音乐小品的形式穿透封建主义那令人窒息的重重雾霾，给心灵带来莫大的快慰。
贝多芬又是细腻的，他创作的《月光奏鸣曲》不仅具有浪漫主义色彩，甚至具有印象主义乐派色彩，与印象主义乐派作曲家德彪西的《月光》堪称钢琴文献中的“月光双姣”。他开辟的领域是广阔的，音乐作品多种多样，每件作品都闪耀着他的思想之光、个性之光、艺术之光。
贝多芬的创作初期阶段注重形式，继承着海顿、莫扎特的成就和遗产，进一步完善了维也纳乐派留下来的技术、形式、体裁。1798年，28岁的贝多芬耳病已经非常严重，但是在他的《第一交响曲》、《悲怆奏鸣曲》中，那倔强而顽强、百折不挠、勇往直前、积极向上的主题旋律，已经闪现出独特个性和思想光芒。1800年前后，三十而立的贝多芬迅速进入中期一直到鼎盛创作阶段，作品形式不断扩大，音乐的发展手法开始发挥出独创性。首先是奏鸣曲领域，包括《月光奏鸣曲》在内，大致从作品27号奏鸣曲开始，已经充满幻想形式、火焰般的热情，追求精神上的突破，这在贝多芬之前是没有先例的，由此可以看出他对形式与内容的关系处理得非常得当，《热情奏鸣曲》也是如此。
贝多芬是音乐艺术的解放者，他以自身的才能和魅力改变了音乐家必是身穿宫廷仆人号衣的屈辱历史。他摆脱了音乐为上流社会娱乐装饰的因袭传统，使音乐艺术从一般美的境界进入到崇高神圣的境界，从而在人类文化思想史中上升到一个更高的层次。贝多芬既是古典主义音乐的集大成者，又是浪漫主义音乐的启蒙者。他的《第九交响曲》篇幅宏大，乐队合唱队规模庞大，其中取材于德国诗人席勒的《欢乐颂》，如今已经成为欧盟的盟歌。他的音乐对于时代与个人的情感表现、宏伟的戏剧性和对自然的依恋等都为浪漫主义开启了新时代的大门。他把古典音乐艺术推向了顶峰，又打破常规，创造了新的艺术形式，开拓了新的领域。
二、确立了现代管弦乐队编制
贝多芬九部交响曲的乐队编制，都规定为双管编制。在海顿、莫扎特时期乐队编制小，主要在宫廷演奏，对双簧管、长笛、单簧管等乐器，有时用，有时不用，数量上也无定规。然而，贝多芬所创立的乐队编制，直接影响了后来的浪漫主义乐派作曲家如舒伯特、舒曼、勃拉姆斯直到瓦格纳前后的现代管弦乐队编制，成为现代管弦乐队的典范。
三、首开声乐套曲先河
早在1783年，13岁的贝多芬在波恩时期就创作了第一首歌曲。1794～1795年，创作了《阿德拉依岱》，可以感受到青年贝多芬最温柔的情感。1803年，33岁的贝多芬完成了6首根据盖勒尔的诗创作的歌曲（作品48）。1810年，40岁的贝多芬根据诗人歌德的诗歌创作了一些歌曲。在声乐领域，贝多芬致力于把诗歌和音乐真正融合为一体，把个人情感融入音乐之美、诗歌之美，首开浪漫派先河，对后世浪漫派作曲家舒伯特、舒曼、勃拉姆斯影响深远。贝多芬声乐创作数量不多，歌剧《菲德里奥》和《庄严弥撒曲》在世俗、宗教领域双峰对峙。比较而言，他的歌曲有79首，编号的60多首，没有争议的68首。他对后世影响有三：声乐套曲的开创者，欧洲“后进”少数民族民歌艺术上的拓荒者，在歌曲艺术中融入个人情感与戏剧性手法。
贝多芬的音乐并非只有英雄气概，同样也有着缠绵悱恻的儿女之情。他的深情不仅感人至深，更是荡气回肠。爱一个人并不一定是厮守在一起，远方的人相隔万水千山却更能激发心中炽热的爱恋。1806 年 5 月，36岁的贝多芬和丹兰士・特・勃仑斯维克订婚。丹兰士・特・勃仑斯维克很早就爱上了贝多芬，不知道是因为什么神秘的原因，阻挠着这一对相爱的人的幸福。总之，婚约毁了，然而，两个人始终都没有忘却这段感情。
1816年，46岁的贝多芬根据医科学生阿洛伊斯耶泰莱斯的六首爱情抒情诗创作了声乐套曲《致远方的恋人》。套曲以爱情为主题，音乐中饱含着温柔的幻想和冲动的激情，纯粹的抒情性风格代替了以往占统治地位的英雄性风格，亲切优美、沉醉忘情的旋律构筑了贝多芬爱情的神圣殿堂。
《致远方的爱人》共6首，除了2首采用三部曲式外，其他4首都用分节歌形式写成。6首歌曲相互连接，最后在第一首歌曲主题中收尾。贝多芬艺术歌曲的戏剧性，体现着他特有的主导动机扩张、发展手法。比如第五首中这个小动机出现了多次，给人留下深刻印象：
音乐进行八小节之后这一特性动机上行三度出现在钢琴间奏中：
音乐继续在C大调上进行，八小节后回到原来的音高位置重现特性动机：
贝多芬歌曲的动力性特征还表现在短暂的转调手法运用，值得后人反复学习。第五首歌曲首先在C大调上进行：
临时进行到a小调上：
随后进行到F大调：
上图第一小节停留在F大调的半终止上，接着又回到到C大调上。从上面谱例中我们可以看到贝多芬天性倾向于戏剧性，篇幅不大的作品娴熟地使用这种技法变化，恰到好处，这也是舒伯特、舒曼取之不尽的财富。这种手法影响到后来的舒伯特，他在歌曲《菩提树》里运用同主音大小调的转调，由e小调到E大调，使简短的歌曲充满戏剧性变化和审美效果。
《致远方的爱人》是贝多芬晚期创作中一部分水岭式的作品，是贝多芬创作的唯一一部声乐套曲，也是欧洲音乐史上第一部真正意义上的声乐套曲，更是德国的第一部声乐套曲。它显示出贝多芬温存的一面，虽然它并没有像贝多芬的交响乐创作表现出深刻情感和英雄气概，但作品中饱含着温柔的幻想与冲动的激情，尤其是后者的细腻格调与浪漫主义的潮流息息相通，成为舒伯特声乐套曲的先行者。虽然贝多芬在这部作品中还是相当理性和克制的，但那种将自我融入大自然蓝天白云、山涧小溪的意境和构思，以及形式上对套曲内部关系的探索，为后来的浪漫主义艺术歌曲作家们提供了借鉴。19世纪，很多著名的作曲家都以贝多芬的声乐套曲《致远方的爱人》为样本，创作了很多流芳百世的声乐套曲。1827年，贝多芬去世，舒伯特根据德国诗人米勒的诗谱写了声乐套曲《冬之旅》，继承中有创新，成为舒伯特的代表作品。
四、首创音乐动机扩张、发展手法
贝多芬的旋律写作采用了音乐动机扩张、发展的手法，节奏具有简洁性、音调来源于民间、动力性的音程进行、转调进行都体现了上升时期的资产阶级革命精神，他给音乐贯注了新鲜血液，使人们把一些思想火花、理想碎片、痛苦与希望都寄托在音乐作品中，每当人们在困难时听到他的作品，就能得到一种向上的力量，并通过斗争取得胜利。如《第五命运交响曲》中的命运主题第一次出现就是一个男性化的感叹号，非常确定告诉你命运在敲门：
由上而下三度的命运主题第一次敲门之后，紧接着节奏不变向下大二度重复，听觉上好像一个女性化的追述，再次确定地告诉你命运依然在敲门：
在长长的两句命运主题之后，这一节奏、音调动机在不断递进、此起彼伏、层出不穷，积蓄着更大、更多的能量：
随后，这一核心的节奏、音调动机在变化中多次出现在不同的声部，在大提琴演奏的低音声部出现了由下而上的反向命运动机，仿佛隐含着一股向上的力量，这极大地加深了音乐的立体表现力和深刻性：
命运主题一旦确立，贝多芬就抓住不放，逐渐在整个乐曲中推进、扩张、展开，加强这一印象。这时，圆号突然吹奏出悠长、柔美的命运主题动机：
圆号的吹奏一下把我们带到了人性化的软弱境界，贝多芬的命运主题透出了庄严、肃穆、严峻的表情，但是英雄也有铁骨柔肠，于是非常柔美的副部主题出现，低音声部出现了反向进行的命运动机：
古典主义音乐成就范文5
关键词：海顿 奏鸣曲 音乐分析
中图分类号：J605 文献标识码： A 文章编号：1672-1578（2013）01-0046-01
弗朗茨·约瑟夫·海顿，1732年3月31日生于奥地利，1809年5月31日猝死于维也纳，是奥地利作曲家、维也纳古典乐派奠基人，在西方音乐史中占据了重要的地位。其最大的贡献在于对交响曲、弦乐四重奏的创作，因此常被世人称作“交响乐之父”和“四重奏之父”。
海顿生活的年代， 一生跨越了从巴洛克时期到几乎整个古典时期的漫长阶段，所以从他的音乐中可以明显看出风格上的演变过程。海顿钢琴音乐风格可分为早、中、晚三个时期，作品主要以钢琴奏鸣曲为主。作为一个古典主义者， 海顿开创和发展了奏鸣曲式。他人生整个创作的转折点是18世纪70年代，那是钢琴艺术史上古典时期的开始。在1766年到1770年间，海顿经过了一个“浪漫主义激变”时期，而且受当时德国主义文学界掀起的 “狂飙突进运动” 的影响。
海顿钢琴音乐的风格正如他的基本创作风格一样，明朗、充满活力、富于幽默感和民间气息，带着光辉的智慧和对人生的透视，既厚重又富于结构感，既朴实自然又泛出一种温暖海顿一生共创作了 62首钢琴奏鸣曲，其中，早期的奏鸣曲类似于嬉游曲，结构及织体语言都比较简单他晚期的奏鸣曲数量不多，总共只有五首，即五十八 六十二，但却是他最富有独创性风格最成熟的作品，代表了海顿键盘风格的顶峰 特别是第六十二首奏鸣曲，是海顿奏鸣曲中最富有深刻意义和戏剧性的作品。
1 《D大调钢琴奏鸣曲》音乐技法分析
1.1呈示部（1-40）
呈示部由主部，连接部，副部和结束部构成。
主部（1-8） 为两个4小节平行句结构，第一乐句半终止在 大调的属和弦上，第二乐句完全结束在主和弦上，两乐句在和声上形成属与主的呼应，构成了方整乐段。
连接部（9-16） 此部分旋律转为低声部，右手配以分解和弦式的伴奏声部，调性保持在D大调上，但在第16小节和声落在V级和弦上，这为副部新调性的进入做好铺垫。
副部（17-34） 调性转入到主部调性的属关系大调——A大调上。前5小节右手声部以带有前倚音的四个十六分音符和一个八分音符的节奏型为主，音乐进行的动力性大大增强，而右手声部则以平行进行的三度叠置的音程为主，相互呼应。
结束部（35-40）音乐素材仍采用和弦音的分解式，以V7——I的和声进行为主，更加巩固调性的完整确立。
1.2展开部（41-56）
由中心部分和属准备两个部分构成，矛盾对比更加剧烈。音乐直接从A大调上开始，主题仍然是呈示部的旋律。通过采用副属和进行，使得主调的回归更加急切，最后停留在D大调的属七和铉上。
1.3再现部（61-103）
基本再现了呈示部的音乐内容，只是在副部再现时通过调性的变化使乐思进行了扩充，之后全曲调性回归到主调D大调上并圆满结束。
2 海顿《D大调钢琴奏鸣曲》的创作意义与影响
海顿一生创作了52首钢琴奏鸣曲。这些曲目主要是为教学个人演奏而作，大多纯朴而稍显平庸。海顿最早的钢琴奏鸣曲的曲式结构的末乐章通常不使用快板形式，而是用小步舞曲来代替。后来，模仿了北德乐派大师巴赫的奏鸣曲，1771年写了豪放而略带伤感的《C大调钢琴奏鸣曲》，到了80年代海顿在旋律的风格与结构上又受到莫扎特的影响，并十分重视莫扎特钢琴奏鸣曲的成就。《D大调钢琴奏鸣曲》是海顿所写钢琴奏鸣曲中最动人，最热情的作品，在技巧和艺术手法上更加成熟，堪称海顿古典奏鸣曲的范例，这首钢琴曲在容上表现了这一时期海顿的情感及生活态度，披露了作曲家的内心及其音乐观。第一乐章音乐较为理性，主题较为宏伟，曲调及情感丰富，主题材料鲜明，严格并富有逻辑，展开部在和声的变化下充满了动态感。
纵观海顿一生的音乐创作，他以平淡的形式表现出人性的崇高和伟大，以智慧和悟性应付了从巴洛克时期到古典时期音乐的转型，在追求古典音乐理性，平衡时，却没有失去本人鲜明的音乐个性。他的远见卓识，为后人搭起一座通向古典主义和浪漫主义新路的桥梁，而其本身却是那样朴实无华。
参考文献：
[1]史小曼.古典与浪漫的碰撞——海顿奏鸣曲简评[J].价值工程，2010，（10）.
[2]郝遇平.古典与浪漫的碰撞——海顿的钢琴奏鸣曲简评[J].吉林艺术学院学报，2007，（3）.
[3]梁文光.海顿钢琴奏鸣曲作品特征与演奏要点[J].肇庆学院学报，2007，（4）.
[4]王娟.演奏海顿钢琴奏鸣曲应注意的几个问题[J].音乐天地，2006，（6）.
古典主义音乐成就范文6
【关键词】颤音 巴洛克 长笛
一、vibrato的历史
vibrato不是一个现代的发明，开始的vibrato只是用于手指，偶尔会运用气息产生，在18世纪时，vibrato被用在一些长音上作为装饰。19世纪前期，它逐渐应用于加强乐句的部分。随着贝姆长笛系统被广泛的接受，vibrato的使用日渐普遍，每一个地区都发展出各自特殊的风格，直到19世纪晚期vibrato才在作品当中被连续的使用。到了19世纪末20世纪初的印象乐派，vibrato更广泛的运用于演奏当中，并成为现今长笛音色的基本色彩。
二、巴洛克时期的vibrato
巴洛克时代处于17世纪初期至18世纪下半叶。巴洛克时期音乐是指欧洲在文艺复兴之后开始兴起，且在古典主义音乐形成之前所流行的音乐类型，以巴赫和亨德尔为代表的音乐大师们将巴洛克音乐发展推向了辉煌的顶点。至此，人们便将1600年至巴赫逝世后1750年这一百五十年称为“巴洛克”时期。在这期间，偶尔有作曲家用一条波浪线表示vibrato的乐谱。今天，现代贝姆体系的长笛演奏者是使用喉咙/隔膜产生颤音的，把vibrato和音色融为一体。18和19世纪初的长笛演奏者们很可能是没有持续的vibrato的，因为vibrato在当时大多是作为一种装饰音使用。（Quantz 1752，p162）。所以，现今的长笛演奏者们在演奏巴赫、亨德尔等巴洛克时期作曲家的作品时vibrato要谨慎使用。
三、古典时期的vibrato
在古典时期的vibrato仍然是一个有些争议的问题。约翰・格奥尔格・利奥波德・莫扎特Johann Georg Leopold Mozart，1719-1787（沃尔夫冈・阿马德乌斯・莫扎特Wolfgang Amadeus Mozart，1756-1791的父亲）在《Versuch einer gründlichen Violinchen Violinschule 1756》一书中谴责，“演奏员持续地在每一个音符颤抖”这种说法，并建议相反，他认为vibrato应该仅用于持续的音符和结束的乐句作为点缀。
亨利・威尔士（Henry Welsh）在1951年的英国期刊写到：“我不认为任何美学观点和技术能动摇木管乐器高贵的地位，所以演奏vibrato来增强语气是不被支持的，木管乐器应该演奏像水晶一样透明稳定的音色。”
四、vibrato的战争
大约1905年在法国出现的vibrato成就了一场伟大的辩论。因为它是新兴技术，通常很难被演奏者们完美的演奏，因为在应用时比较随意，所以它有了一个不好的名声。此外，许多有才华的乐器演奏家花了很长时间在困难中寻找纯净的、柔韧的、稳定的音色，他们并不把vibrato构想成可以达到他们美学标准的艺术形式。莫伊斯Moyse总结过：“vibrato比瘟疫还糟糕，有些批评家把它归结为对于音色质量的回避。vibrato热情的追随者被视为罪犯。”
五、vibrato的发展
木管乐器的vibrato被Georges Barrère、Georges Laurent和双簧管演奏家Marcel Tabuteau（费城交响乐团首席）、波士顿交响乐团的Gillet带到美国。1940年之后，美国管弦乐木管乐器的演奏家们接受了vibrato这种演奏技巧。此时刚刚来到美国的Moyse对于那些认为vibrato是扭曲音色的法国人感到非常失望。
六、浪漫主义时期的vibrato
浪漫主义时期的音乐具有民族性、民主性、抒情性和幻想性等特点。古典主义时期以形式和规程居先，浪漫主义时期则以表现的内容居先，夸张的手法也被使用的很多。主要强调个人主观感觉的表现。这一时期富于幻想性，描写大自然的作品很多。长笛的vibrato被演奏家大胆的使用。《牧神午后前奏曲》是阿希尔-克劳德・德彪西（Achille-Claude Debussy，1862-1918）受象征主义代表诗人-马拉美（Stephane Mallarme）之邀，为同名田园诗谱曲而成。乐曲的开始部分，由一支长笛吹奏出一段牧歌风的音调，这个曲调在乐曲里反复出现，它在不断变化的变奏陪衬下，给人一种漂浮不定的，梦幻般的意境。那段音乐，无伴奏的长笛用密集的vibrato演奏#C音，更增添了寂静神秘的气氛。
谱例一：阿希尔-克劳德・德彪西《牧神午后前奏曲》
vibrato可以在独奏里广泛应用，但在合奏里却一定要小心的跟其他乐器配合，因为其他木管乐器很少应用vibrato，特别是单簧管，从不应用。管弦乐团里的长笛vibrato一定要严加控制，以把整个木管组融为一体。
