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表演艺术的基本特征范文1
一、影视与话剧的艺术特征
影视剧带有明显戏剧因素，影视剧是用摄像机记录演员表演。影视表演可以用于戏剧舞台艺术形式，但不能代表戏剧与影视表演自身特征。其特征主要体现在时空与母本差异。戏剧是再现时空的艺术，通过演员形体语言表演再现真实生活，受到时空限制舞台真实在想象中存在。表演中的时空建立于预定假设的基础上，如舞台上看到的房子与现实中的房子不同，演员表演具有虚拟性。影视剧中给人时空感觉真实，表演不同于戏剧表演的虚拟性。话剧表演是在舞台上表演，表演者的肢体动作会有夸张，外化情感的表演是生活中行动的变形[1]。人们到剧场中希望看到比生活更浓稠的东西。话剧表演艺术是根据面对情况作出适当调整，表演者只能在有限的舞台上通过戏剧化的表情满足观众需求。由于舞台空间制约，话剧时间限制使话剧表演具有连续性特点，演员要在规定时空内连续完整表演。话剧表演在有序中进行，表演者要按照排练场次顺序演出，话剧表演是即时现场同步表演，为观众带来直观的感官享受。影视表演是在镜头前表演，影视表演空间范围更大。美国导演玛丽在其专著《电影表演》中写道，演员可以在电影中占据整个银幕，由于摄影机把每个动作放大，演员运用形体姿势必须节制。由于环境不受限制，使得影视表演具有纪实性。镜头会放大人的表情动作，镜头前表演主张肢体动作开合要自然细腻。影视剧拍摄前，将文学剧本转换为分镜头剧本，剧组根据分镜头剧本安排拍摄[2]。由于受到转场等条件制约，拍摄顺序根据实际情况打乱。影视制作可以后期剪辑，删除不需要的废弃素材，使得演员进行不连贯表演。影视剧制作周期较长，演员表演非面对面，无法使演员与观众近距离交流。
二、影视与话剧艺术表演的相同点
话剧表演具有直观性、仪式性，具有独特艺术魅力，是电影艺术之前人类文化生活中具有吸引力的表演艺术。从事话剧与影视表演工作需要演员具备良好的个人素质，精湛的表演技巧。话剧表演是角色在舞台上相互交流中完成表演，影视表演是演员在镜头前间接交流完成表演。影视与话剧表演是通过塑造人物形象演绎人物内心世界，借助自身专业演技呈现不同的表演效果。影视与话剧表演的共同点体现在注重角色塑造，虚拟情景与表演要求相同。戏剧与影视表演把角色塑造作为表演宗旨，演员具有不同的表演素质，最终表演宗旨是塑造人物角色。利用不同人物推动故事情节发展，体现剧作家的意图。二者在关注角色塑造方面相同，促使表演艺术发展需要演员提升角色塑造技巧[3]。影视与话剧表演要求方面相同，在创作原则方面一致，表现为表演艺术以生活化为核心，评估影视话剧表演艺术将表演真实性作为重要指标，保证表演真实性是表演基础要求，要力求表演贴近生活，让观众认可作品。话剧表演追求夸张的真实。影视与话剧表演情景设置方面具有虚构性特征，观众观赏话剧作品可以看到舞台放置不同道具，感知到话剧表演虚构特征。影视表演场景设置具有虚构性，如很多影视作品的下雨等情景为迎合表演需要虚构。影视与话剧表演为表演艺术的分支，具有许多共同的原则方法。二者要将平面语言转换为立体视听形象，演员要通过对剧本人物二度创作使扮演角色形象；两者为综合性艺术，需要多种艺术完成创作，影视与话剧表演需要有导演、化妆、道具、美编等部门协同完成作品。两者对表演者要求一致，演员创作角色时作为角色创造者与创作工具，要求演员表演真实，演员的表演要高于生活表现真实，这是评价表演成功的重要标准。演员从直觉、联想等思维过程创造的资料多半为平素自我修养的积累，想象是根据直知觉中的资料进行加工创造的意象。
表演艺术的基本特征范文2
中关键词：戏曲演员；素质；角色；人物塑造
在戏剧文化发展日益蓬勃的今天，表演艺术已经有了较为成熟结构。戏剧演员在塑造角色的同时也在小断地突破自己，每一次的表演中，都是一次新的挑战。在这过程中演员自身与角色的融合是否融洽，考验着每一个演员的表演素质，每一个演员在表演中都会塑造不同的角色形象，对于不同的角色形象能够很好的转变这才是一个演员好的发挥。舞台表演艺术的实践经验告诉我们，无论是豫剧还是其他各类剧种，演员们必须具备多方面的良好表演素质。 职业演员要塑造性格各异的系列形象，并使其富有征服人的魅力，不但需要扎实的基本功，掌握一定的方法、技巧，还需要各方面的知识、修养，以及对生活的理解深度等。就演员创作的艺术境界而言，优秀的表演必须达到：演员与角色的统一；艺术与生活的统一；体验与体现的统一。优秀演员要学会在角色中探索自我、在自我中体现角色，使二者融合。真正高超的表演艺术可以使演员与角色高度统一，达到“我就是”的艺术境界。演员与角色统一的程度决定表演质量的高低。
好的表演必须符合生活的真实，同时又是生活的艺术升华，使“真实”富于审美价值。我们在评价表演时也应有两把尺子：生活的尺子和艺术的尺子。衡量时要使生活化和艺术化统一起来。我们一般所说的表演三原则（思想、生活、技巧）就体现了这一点：思想是灵魂，生活是基础，技巧是手段。而在技巧层面又要讲究生活和艺术的统一。如电影表演更趋生活化；话剧更有舞台造型感（雕塑感）；戏曲、歌剧则是在音乐、舞蹈中展开，其表演是在生活基础上的高度艺术提升。当然我们观众在欣赏不同的戏剧时也会有不同的心理期待，不会拿同样的尺子去衡量不同的戏剧。但是，无论在哪一部戏里，让人感到生硬（非生活化）或者苍白（非艺术化）都是不好的。优秀的表演注重内心体验，力求创造出真实的精神生活并通过艺术形式把它反映出来，即“动于衰而形于外"。没有真切的体验就不会有真实生动的体现。创造角色时演员不仅要运用整个躯体，而且要调动整个心灵，将内心体验与形体体现完美结合起来，融为一体。好演员必须具备理解力、想象力和表现力。演员要塑造好人物形象，必须具备对生活、对艺术、对人与人性的比较深刻的理解能力，具备分析剧本和角色的能力，否则表演就会不准确或是流于肤浅。
演员所做的工作通常会被称之为艺术，而艺术所做的就是塑造特定环境中的特定人格。剧目是演员对角色创造的依据。首先，在创造之前我们要接触和了解剧木中的任务的性格和特c，从角色的外在进入角色的内心生活，在不断的剖析和寻找角色与自我的异同点的同时，逐渐的将自我的生活情感融入到角色的生活情感中去，从熟悉角色到融入角色着其中需要我们不断的努力和探索。事实也是如此，演员在舞台上的一举一动、一言一行都是正确想象的结果。理解了，想到了，这还不够，还必须用艺术的形式表现出来，这就是演员的表现力，它包括肌体、语言、心理，特别是面部及眼神。表演技巧训练的就是演员的艺术表现力。理解力、想象力、表现力是三位一体的，对一个立志要把演员作为职业的人来说，应当十分注意这三种素质的培养。
戏剧表演中，演员就是通过戏剧中的角色来向大家展现角色的任务形象，所以在此之前演员应对角色任务有所了解，演员即是艺术形象的中心，也是艺术形象的直接体现者。演员创造角色，首先要体验角色。有了这个体验，演员体验才有根据。体验角色，首先要挖掘角色在规定情境中的思想感情，掌握角色的内心活动，使角色的一言一行都有丰富的内心活动做支柱。对角色的内心活动挖掘得越深越细，演员表演的内容就越丰富，路子就越开阔，也就越容易找到外部动作。演员在体验角色时，还要启发演员注意掌握人物性格的基本特征。把握人物性格的独特方面。只有这样，才能克服一般化、表面化，塑造出个性化、典型化的人物来，有些人物的特征是很鲜明的，体验角色，如果没有广阔而又深厚的生活基础，想要进行艺术创造，好比缘木求鱼，必然事与愿违。
表演艺术的基本特征范文3
文化艺术是相通的,尤其是作为舞台表演艺术。试看古今中外任何表演艺术,虽然门类不同,表达形式和手段都各不相同,但目的只有一个,就是传递美感,以赢得观众的喜爱,得到观众的肯定。时代的浪潮是无情的,杂技如何能够作为一种高雅艺术品,不但被人敬仰,同时又能够让大众喜爱是很重要的问题。总结杂技所走过的路,虽成就可喜,但不足之处也不少。比如节目雷同、呆板,缺乏表现力,缺乏生命力,缺乏内在的东西,有些节目虽有高难度技巧,但看上不去并不像是艺术品,而像是在排练场练功。除了以高难度的动作吸引人外,再无其他亮点。杂技虽不可能像Nobody那样,号召全世界的人一起动起来,一起跳,一起唱。但是杂技的发展方向应该和Nobody一样的,去重视大众的感觉,紧随时代的发展,很好的去考虑大众的需要和喜好。歌德说“艺术要通过一种完整体向世界说话,但这完整体并不是它在自然中所能找到的,而是它心智果实,或者说是一种丰产的神圣的精神灌注生气的结果。”如果没有“灌注生气”,艺术品是不生动的雕像,因此我们要生动地表现每一个节目,体现出节目或刚、或柔、或险、或灵、或难、达到表现的统一,用杂技表演本身的生命力和内在的东西感染观众。在历史的长河中,杂技有盛有衰,但因其扎根于民,始终为广大群众喜闻乐见。尤其在近十年间,由于杂技领域重视对杂技演员的综合训练,表演素质有了很大的提高,再加上审美思想的发展,提升了艺术感染力和审美价值,深化了艺术内涵,又更深层次地促进了杂技艺术的发展和进步。中国杂技源远流长,已有两千多年的历史。近年来我国杂技界所取得的巨大成就与舞蹈艺术是绝对分不开的。较长时期以来,舞蹈教学和舞编排已为杂技的创新与发展起到了极大的推动作用,使其从“纯技术”进化到有表演意境、表演内容及表演技巧的综合性艺术珍品。因此在国际赛场上,我国杂技节目屡屡夺魁,我国也被认为是“世界一流水平杂技艺术大国”。
随着时代的发展,各杂技团都在寻求美感、如何吸引观众眼球上下工夫,富于创新,敢于独创,树立自己独特的表演风格和流派。美国超级魔术巨星大卫,他在杂技界是无人不晓的,他的成功和影响超过了当代所有的魔术师。“空中飞翔”,“水上悬人”,“换头术”这些节目中,他运用了生动的表演技巧,将“活”这个字表现得淋漓尽致。大卫的表演把魔术的艺术表现力和感染力都推向了一个新的高峰。正如大卫自己所说:“过去的魔术使人惊讶,而今的魔术不光要使人惊讶,还要让人感动。”当然,无可否认,道具的制作和其他艺术手段的运用对大卫的魔术起到了一定的渲染、烘托的作用,但是其中吸引观众眼球,引起观众注意和共鸣的表演技巧,以及根据该魔术特点编排的故事情节却是大卫取得成功的关键。从而使他赢得了广大观众的喜爱,取得了极高的艺术成就并成为现代魔术的风向标。
其次,我们看杂技中的滑稽表演,它的表演内容丰富、形式多样,不少杂技节目中的滑稽节目用喜剧性的表演手法,带给人们欢乐,使人们在欢笑中受到激励和启发,这个就是滑稽艺术所具有的独特功能和效果。滑稽表演利用杂技所有的技巧动作,通过夸张、浪漫、变形等手段,运用讽刺、幽默、诙谐等手法,生动形象地表达人们对事物的爱憎和生活中的哀乐。如《快乐的炊事员》《卓别林修电灯》《飞刀》等滑稽节目是通过创作者的独特构思,加上演员欢快、诙谐、幽默的动作技巧表演,塑造了观众喜爱的炊事员和卓别林等形象。
再看南京市杂技团近几年精心打造的艺术精品《绸调》,两位男女演员借用一条彩绸,时而升降,时而旋转,在空中完成了极其惊险、飘逸、优美的高难度动作,表演配合感人悦耳的音乐,演绎了一段唯美传奇的超时空恋情。两位演员通过柔美的舞蹈塑造艺术形象,在处爆发出的情感,展现了强烈的艺术魅力。因为他们具有良好的舞蹈素质,所以舞蹈韵味和杂技技巧相结合,体现了内涵丰富的韵律美。大家都知道杂技芭蕾这几年风靡“全世界”,具有广泛的市场性。杂技芭蕾是一门非常讲究形体艺术的节目,它要求演员所做的每个动作和举止都必须按照芭蕾的基本特征,同时又不失杂技的难度和技巧性。在姿态方面有非常严格的要求,此外,还要能够很好的理解与表达美的意识、表现力与姿态之间的关系。广东战士杂技团在2006年春晚奉献给全国人民的《化蝶》,深深吸引了观众的眼球,并且牢牢的抓住了观众的心,给全国的观众留下了极其深刻的印象。让观众在整个杂技表演过程中舍不得眨一下眼睛,杂技表演已经结束后还舍不得回味过来,深深地沉浸在化蝶的意境中,沉浸在表演者用优美的肢体语言所展示给我们的“化蝶”世界里。
杂技,在表演形式上有它鲜明独特的个性。杂技表演基本上是没有语言的表演艺术,通过集体或者个人表演,在高空或在地面上用高超技巧和艺术才华来征服观众,使观众在投入的欣赏中,体会到我们中华民族的聪慧勇敢、坚韧顽强和奋发向上的精神风貌。然而,在我国,传递了几千年,如此受人们喜爱并且有广泛的民众基础的杂技表演也经历了它的低落期,就不得不引起人们深深地思考和怀疑。
表演艺术的基本特征范文4
(一)戏曲杂技类内容
我国戏曲杂技类舞台表演形式受到很多人的喜爱，它们都是舞台表演艺术中重要的内容。在我国，戏曲主要包含了诸如京剧、越剧、豫剧等类别，它们都有着较为固定的表演套路，一般都应该遵循一定的表演招式和规矩，甚至连音乐伴奏都是具有较为固定的风格。那么，舞台摄影者就必须对这些舞台表演形式及背景知识有一定的了解，对于其相应的戏曲类配乐也要有一个较为熟悉的感觉，从而在进行舞台摄影的时候，能够选择好恰当的瞬间进行拍摄，即使是在遇到戏曲表演中一些高难度的动作，舞台摄影者也要能够快速地捕捉到各种舞台经典动作。至于杂技类表演，一般都有着一些令人感到刺激惊险的动作出现，它显然能够深深吸引住观众的心理。但是，舞台摄影者就会遭遇到一定的难度，他们必须事先对于这些杂技表演进行一定的了解，从而在进行杂技拍摄的过程中，能够有一定的拍摄选景，才有可能拍摄到最为完美的舞台画面。
(二)舞蹈类内容
舞台表演当然离不开舞蹈表演了，它是舞台表演中的一种重要形式。应该来说，舞台摄影艺术中的一项重要拍摄内容就是舞蹈，它是舞台摄影的聚焦点所在。舞台上的舞蹈表演往往通过丰富的人体动作带给观众非凡的视觉享受，它的每一个动作都应该力求完美，因而受到了舞台摄影者的追捧。但是，舞蹈表演由于丰富而多变，且涉及的活动范围也是较为广泛的，因此，舞台摄影者不太容易进行相关的拍摄。这就需要舞台摄影者能够及时把握好变化莫测的舞台灯光和舞蹈动作，要高度集中注意力，捕捉每一个复杂场景下的优美瞬间，尽量抓住每一个舞蹈表演中的进行特写。
二、舞台摄影艺术的审美特征
舞台摄影艺术就是以照相机作为基本的拍摄工具，根据舞台摄影者不同的拍摄构思进行人物或景物的拍摄，然后经过一定的工艺处理和微机技术处理，从而塑造出可视的画面形象，它一般是用来反映自然现象和社会生活的，有着表达舞台摄影者思想情感的艺术效果。这种艺术显然有着自己独特的审美特征，具体表现如下
(一)内容丰富
舞台摄影艺术的拍摄内容并不是单调的，而是一种非常丰富多彩的艺术形式。比如说，拍摄过程中应该要涉及到各种拍摄内容，无论是哪种舞台表演形式，舞台摄影者都应该事先有个充分的了解和把握，从而为后面的拍摄过程打下坚实的基础。
(二)情景交融
舞台摄影艺术往往会选取一定的人物或景物进行拍摄，这些拍摄的对象应该是要体现一定的形象性，表达出情景相互渗透与融合的艺术意境。对于舞台摄影者来说，他们面对的舞台表演是非常真实的，那么，他们要把这些舞台表演内容真切地拍摄下来，就需要有扎实的基本功，让人体会到一种身临其境的感觉，然后才能够把情与景结合起来。
(三)技艺高超
舞台摄影艺术本身属于现代艺术造型的范畴，它具有美学的基本特征，通过调整各种拍摄光线和色调等因素来获得最佳的拍摄效果，从而让整幅画面显得具有一定的艺术性。那么，要达到这种艺术性，是需要较高的技术性作为基础的。一般来说，舞台摄影艺术就是要摄影者能够很好地把握住对于光圈、光速、焦距的运用，这些都有着高超的技术含量。尤其是作为摄影艺术中的特色，舞台摄影艺术更是有着特殊的技术要求。
三、舞台摄影艺术的操作要点
舞台摄影艺术作为一项较为复杂的系统性工程，它具有鲜明的艺术创作特点，即光线较弱，反差较强，变化较大;摄影间距变化小;拍摄点相对固定。那么，舞台摄影者就应该在进行拍摄之前做好准备工作，主要是检查相关的拍摄器具是否正常，然后再熟悉各种舞台表演的剧情，充分了解舞台灯光，并进行自动白平衡。其中，舞台摄影艺术中的舞台摄影曝光是一个技术性较强的难点所在，舞台摄影者要尤其把握好这个节点。此外，舞台摄影者还要进行安静的拍摄，尽量避免自己的拍摄过程会影响到观众的观看。当然，舞台摄影者还应该切实做好瞬间抓取工作，通过使用数码相机的快速连拍模式来提高拍摄的成功率。那么，舞台摄影者在了解了以上几个拍摄环节以后，还应该把握好舞台摄影中最为关键的一个工具，那就是相机。针对相机来说，舞台摄影者应该掌握好以下几个方面的要点:一是选好拍摄的相机。二是配备合适的镜头。三是设置自动对焦模式。四是尽量选用高感光度。五是精准设置舞台色温。六是优化光圈与快门组合。
四、结语
表演艺术的基本特征范文5
作为一名群文工作者，我一直在琢磨群众文化表演的实质是什么？表演这门艺术的实质由其复杂的艺术奥秘，不是轻而易举的，它涉及的方面多而复杂，我认为表演艺术是一门生活的艺术，它源于生活而高于生活。
一、表演源于生活的积累
1.生活是表演的创作之母
所有的表演艺术，基础都是生活。一方面是演员的生活，它会潜移默化，融会贯通，千丝万缕的反映到你所塑造的人物的思想性格上，表演的技巧上，内在心理和外在形体上，总之，一切表演技巧都是通过演员丰富的生活基础体现出来，因此演员必须首先“热爱生活，”不管生活是艰难，困苦，曲折，还是舒坦，一帆风顺。不管个人遭遇范围是狭窄还是广阔，只要你热爱生活就能找到乐趣，而这种乐趣就能加深你对生活的理解和认识，体验与感受，从而构成演员塑造角色的基础。热爱了，有了兴趣，你就会不断吸收，探索，不断寻找，挖掘，不断积累，而不论是在工作上，家庭上，人生上，艺术上，生活的另一方面就是角色的生活。
前段时间我排练了一个情景舞蹈，是表现一对母子，反映孝文化的。由于女演员是二十岁却要饰演六十几岁的老妈妈。演员也尽了所有的心力，但效果总是不令人满意，演不好是因为不理解，不理解一个母亲对儿子的爱是怎样的，不理解就更谈不上感受了，这样怎么能演的好呢？除了那份想演好这个角色的欲望是真实的，其它都是做出来的，“演”出来的，硬挤出来的，累的满头大汗效果却令人尴尬。
不理解就不可能演的好，这对演员而言是一个残酷而实在的道理。
残酷？是！演员本身是一个残酷的职业，我们耗尽心力表现生活中的酸甜苦辣，因此我们视生活中的酸甜苦辣为心中的珍宝，因为我们的表演需要它，而演员的心灵往往敏感，这酸甜苦辣对于敏感的心灵意味着更深切的感受！敏感对于艺术创作是一种才华，它可能比那些浓烈的味道更熬人。无聊，你可以说是自己不求上进没有理想自寻无趣造成，可是你不得不能否认这平凡世间的庸俗是在很难令人永远保持兴趣盎然！无聊使人厌世，使人精神萎缩失去创造力令人心悸的绝望——这也许是生活给予人的表面温柔里最有力的历炼吧。
所以作为一名群文工作者要深入生活，了解生活，感受生活。无论对生活的酸甜苦辣有什么态度，作为创作者，都应该耐心地把它们收集起来，深深地印在心里——别人可以忘记以前的快乐，我们不可以，别人可以努力抚平心灵的创伤，而我们都要将这创伤当我们的珍宝保存起来，所以作为一名群文工作者就更需要有个对待生活的健康心态，它可以帮助我们收集丰富的内心感受，又保证心里健康。
2.创作的实质就是让生活和艺术统一
要对人物的热爱和对生活的理解转化为舞台形象，让演员和角色统一，整个创作过程就是“缩短”演员与角色的差距的过程，它是艰苦、漫长的。在排练时，要让演员演好一个角色的前提首先是理解，要理解角色的精神世界，理解角色那儿为什么会笑，为什么会哭，其实这就像在生活中理解别人一样，理解别人并非一件易事，因为我们首先是一个人，我们情不自禁会带着各种各样的情绪色彩去看待周围的人和事，因此要想好好地去理解另外一个人，我们必须真心地愿意去理解他，必须抱着一颗宽容的心，用一双善良的眼睛去观察他，甚至要去爱护他，也许这样才能真正做到理解，才能真正引起共鸣，做到“心心相映”，所以这种真诚同样要回到对待我们自己身上，真诚对待自己的情感，珍惜每一份情感带来的感受，亲情，爱情的慈悲之心的，友谊的，甚至是大自然的魅力带来的感动……渐渐地我们会变得内心丰富情感细腻而善解人意。
所以我们谈到了表演，首先要学做人，一个内心自私轻薄的人是绝不能塑造精彩的角色，要做一名好演员好编导，修心是最基本的，必须学会真诚对待自己，真诚对待别人，真诚对待这个世界，真诚对待热爱的事业，真诚地对待每个角色。
只有做到了这些，我们才能去用心地表演，表演艺术的基本原则和内涵概括归纳为七个“三”。
其一、“三位一体”指创作者，创作的工具，材料及创作的结果——形象都统一于演员自身，这一基本特征产生出创作中的“双重生活”“双重人格”以及“演员和角色矛盾的统一”等。
其二、“三个统一”指演员创作的艺术境界，优秀的表演必须达到三个统一：演员与角色的统一，艺术与生活的统一，体验与体现的统一。优秀的演员要学会在角色中探索自我，在自我中体现角色，使二者做到“我就是”的艺术境界。
其三、“三种素质，”好演员必须具备理解力、想象力、表现力三种素质，演员要塑造好人物形象，必须具备对生活，对人的较深刻的理解力，必须具备分析角色的能力，否者表演会不准确或流于肤浅。
其四、“三种能力”指演员对表演这门艺术掌握的三方面的功力，一是基本功，以便掌握艺术创作的自我感觉，创造出艺术的第二天性。二是一整套塑造人物形象的创作方法，包括理解人物，体验人物，体现人物的创作道路，个性化与“化身”的本领，三是创作中的思维与观念，必须有正确的创作思维模式与创作观念，才能塑造出具有时代气息，受当代观众欢迎的艺术形象。
其五、“创作的三个过程”指人物形象塑造中所经历的“理解人物，体验人物，体现人物”的三个阶段，这三者是不可分的，又是不能划等号的，理解和体验都必须进入体现，展示在舞台上。
其六、“评价的三方面因素”离开创作人物的形象的基础，离开编导处理表演的艺术水平和艺术观念单独评价人物形象的塑造，评价演员的表演是不科学，不全面的，实践证明，人物形象的塑造离不开导演提供的美学形象，离不开编导的处理，当然也离不开演员自身的创作。
其七、“三种派别”，前苏联戏剧大师斯坦尼斯拉夫将表演分为三个派别，匠艺派，体验派，表现派，按
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照一成不变的的程式，这不是艺术，只不过是匠艺，另外两个派别体验派和表现派则经历了数百年旷日持久的争论，区别在于体验派注重内心体验，而表现派注重外部艺术形式。
二、演员要从生活中吸取养分，生动准确地运用在表演中
1.要留意生活中的细节，用心体会，用心观察
观察生活应多在生活中做有心人，要善于发现身边有意思，有特点的人和事。其实生活中人们都有一套墨守成规的规则，所以经常发现精彩的东西不容易，这时就需要独到的眼光善于从不同的角度去看待，那些东西为角色创作积累素材，还要运用想象力，联想力，采集生活中那些情理中意料外的闪光点。
2.留意自己生活中丰富的情绪记忆，为创造积累内心素材
情绪记忆愈广泛，它所包含的内心创作材料就愈多，演员的创作也就愈丰富而完整。可是除了考虑到情绪记忆以外，还应多考虑到记忆所保藏着的材料的力量，稳定程度和性质。情绪记忆的力量在我们工作中有着很大的意义，情绪记忆愈强烈，愈突出，愈精确，创作体验就愈鲜明完整。
所以一个好的演员在他的表演中毫不费力就能体验到与他在实际生活中经历了激荡情绪后留在他心里的那种情景类似的背景，而且体验的时候不需要技术的帮助一切都会自然而然地经行，使演员表演生动，准确，演员观察自己是一件方便而有意思的事情，养成这种习惯，自己就比较容易站在一个客观的立场上看待自己，更有助于把自己从大情绪化的状态中带出来，把观察自己得来的收获运用到自己的表演中，那么不仅能给自己增加信心，而且使角色更加鲜活。
表演艺术的基本特征范文6
关键词：现代舞；行为艺术；创造；趣越
现代舞是一种新时代的舞蹈艺术，它乐观向上、求新求异，具有鲜明的艺术特点和强烈的艺术魅力。现代舞之所以称为“现代”，是因为它是随着时代更替而变化的。它的最高宗旨是标新立异、严肃探索、永远追求自由和新观念的融合。行为艺术是指在以身体为基本材料的表演过程中，通过艺术家的自身身体的体验来达到一种人与物、与环境、与世界、与生命的交流，同时经由这种交流传达出一些非视觉审美性的内涵。现代舞与行为艺术的结合是新近产生的一个发展方向，行为艺术对现代舞的影响表现之一便是希望给予观众的不仅是审美享受，而且是心灵的震撼和启迪。正因如此，现代舞才更具有鲜明的艺术特点和强烈的艺术魅力。行为艺术的出路就在于创造与超越，行为艺术的出现和处理无疑会对现代舞蹈的发展产生一定的影响，通过对对行为艺术的了解，让我们正确认识行为艺术对现代舞的影响，并能正确引导这种影响，从而更利于我国现代舞的不断创新与发展。
无论是什么艺术，哪种门类，都是需要不断更新的，更新就需要创造与超越。在这一点上，国外艺术家在行为艺术语言方面的探索和拓展，应该能给我们的行为艺术家们一些启示。在国外的行为艺术中，行为艺术语言的丰富性被充分的展现出来。在“身体”“事件”“偶发”的基础上，他们实验性地纳入了“戏剧表演性”“意念化的肢体”“即兴音乐元素”“似舞非舞”“身体诗歌”等等探索。当然，这些探索并不一定能被我们完全接受，但探索往往会引发我们对自身探索的想象和渴求，而不是失去了方向感，一味地走向极端，用动物、鲜血、尸体来进行所谓的突破。现代舞是近百年发展起来的独具风格的舞蹈流派，它强调的是用身体表现自己思想感情，是对古典芭蕾的一次革命。
一、现代舞的特点
现代舞的特点首先表现为其直观性，舞蹈和一切表演艺术一样，其主要的审美特征就是直观性。也就是说，它们的艺术形象是直接为观众所感知的。其次是它的思想性和哲学性，舞蹈艺术在本质上是一种抒情性的艺术，和其他艺术一样，它不仅表现情感，也表现思想。而且能够表现更为深刻、更富于概括性和哲理性的思想。再次则是现代舞的直觉性与思理性，无论哪个时代，就复杂的社会结构而言，展示自我都是一种大胆妄为的行为，而这种行为在20世纪的开端是最为明显的，在这些岁月里，首次实现了对各种传统概念的突破尤其是审美标准的突破。
二、行为艺术的特点
迄今为止，关于行为艺术还没有更精确的定义。一种简单的说法是：行为艺术就是艺术家在现场表演的艺术；也有人强调，行为艺术是用艺术家自己的身体为基本材料，在行为表演的过程中，与人、物、环境的交流。“行为艺术”也称行动艺术、身体艺术、表演艺术等，国际上通常用“Performance Art”来表述；行为艺术是在以艺术家运用自己的身体为基本材料的行为表演过程中，通过艺术家的自身身体体验来达到一种人与物、与环境之间的相互交流，并且通过这种交流传达出一些非视觉审美性的内涵。它的基本特征是行为事件的偶发性、文本共创的参与性、时空选择的自由性、日长事件的陌生性。行为艺术亦称观念艺术，艺术在经过自我批判、自我净化及自我定义之后，已厌倦只停留在自我身上，而想出门去拥抱世界。但这里取材的日常事件，并不是任何一个人的“真的”“平淡的与日常生活无异质的”粗线行为而是能够承载深刻艺术思想所展示的艺术创造行为，使作品对经验和意识的状态具有视觉陈述的效果，而这种视觉陈述的效果，是以日常事件的陌生化形式来呈现的。
三、现代舞与行为艺术之间的关系
从文化渊源上去追溯，行为艺术通过现场表演来传达思想，于人类并不陌生，它已经经历了很长时间：远古时代的部落仪式、巫师的歌诗舞三位一体的表演，中世纪的基督受难剧。文艺复兴时期的情景剧，都带有在今天看来浓郁的行为艺术的痕迹。
对于很多艺术机构而言，行为艺术和舞蹈艺术之间面临的问题是这两种形式之间的模棱两可的区别所导致的混乱。舞蹈艺术家Ralph Lemon在接受艺术媒体采访时提出：“移动方式的表现是舞蹈艺术和行为艺术之间的最大区别。”认为两者之间的区别只在移动方式的表现上，在其他方面上的区别都是模棱两可的，使得行为艺术与舞蹈艺术之间有着很多相似点，更使得两者之间有着不可分割的关系。
现代舞是舞蹈、表演与行为艺术等的结合。现代舞的创始人美国舞蹈家伊莎多拉·邓肯主张：“舞蹈家必须使肉体与灵魂结合，肉体动作必须发展为灵魂的自然语言。”真诚地、自然的抒发内心的情感，行为艺术家在表演过程中，通过自身身体的体验来达到一种人与物、与环境的交流，由此可以看出现代舞与行为艺术在表现理念和形式上都是如出一辙的。
行为艺术采取很夸张的表现手法，用行为来表达人对世界的看法，这行为有的是美的，有的是丑的，但大都不是人在正常状态下有的，他拓宽了我们对艺术、对人的生活、乃至对生命的思考。其实现代舞的概念也是非常广泛的，在现代舞者眼里大自然的一切无一不能舞，而人的每一种行为和每一个动作无一不在舞蹈。而行为艺术与现代舞之间不谋而合的相似处告诉我们两者之间是息息相关的。
四、行为艺术对现代舞发展的影响
