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花卉艺术设计范文1
伴随着人类生活水平和认知能力的不断提高，专业化被越来越多的强调进入各个细分行业。注重实用技术的工匠逐渐地将艺术从生活产品中分离，在生活用品的实际生产中人们也逐渐将设计放到了核心地位，设计的物质和精神产品中扮演着双重角色，而满足了生活需要的人类的心理需求往往体现在对艺术的创造上，甚至在生活中的各种情感也是通过艺术创造来表达的。他们之间的根本区别在于，设计是具有前瞻的，但是艺术却具备了回顾。这是两者特有的个性之一。也就是说，让生活更美好的设计使人们对满足生存需要追求的目的，不过艺术的目的是使人的生活达到最高境界。虽然两者的差异具有一定的意义，设计与艺术特征的目的存在着明显区别，但在设计或艺术的发展路径方面，设计与艺术始终是相辅相成关系。比如，当今飞速发展的社会，平面设计艺术就是通过图像和文字传达并产生强大的宣传功能和商业价值。等同于人的情感是通过两种意境的创造是注入，然后调动一切手段来达到艺术运动。
二、中国画与民族设计风格
中国的深化改革伴随着世界一体化进程的影响，我们的设计也出现在一个新的模式。设计概念是逐步缩小与国际的距离。说明当代的设计趋势就是好的设计不仅具有科学技术的先进水平，而且更要具有独特的文化哲学。我们普遍的认为国家以及民族灵魂是由文化体现的，而文化差异是各个国家的根本区别。民族中的传统文化被认为是这个民族的根基，民族性就是体现在民族传统文化的全球文化交流。绘画意境中的民族传统艺术可以将人与自然融为一体。我们的画家在绘画创作中追求的绘画语言不再是展现纯目的不是纯主观抽象的追求。我国传统绘画的永恒的创作原则是“中心得源、外师造化”。大多数的中国历代画家常以自然界中的借景抒情为主题来宽慰现实生活中的挫折，这是中国独有的逃避现实的方式。在绘画的过程中画家的情绪也得到了释怀，散发出水墨写意的精神，巧妙地将主观与客观的理解融为一体，利用象征手法将自然对象与个人情感结合。将这种方式利用到现在的艺术教育当中，将传统艺术设计教育的灵魂进行传承可以拓宽学生的思维，培养学生的创造性思维。线条与水墨能够使中国画的表现元素更加丰富，所以我国的绘画着重强调其重要性，线的曲直方圆，排列的紧迫性、刚柔的变化等，都可以达到自己情绪的表现和抒情的目的，使用不同的线给人不同的个性特征和情绪的表达。为了了解中国绘画中线的丰富的审美意蕴，必须掌握水墨的规律和方法，使我们能深刻理解内涵的中国绘画和设计中的应用，绘画语言的设计可以实现深远的视觉效果，能提高丰富的艺术内涵。“随类赋彩”这种技法是中国画的重要技法，心理学上认为的不同颜色代表不同的性格在我国的绘画中早有体现。丰富的色彩通过勾金和重彩等技法表现，具有装饰特点。水墨的浓淡表现不同色彩是微妙的地方，颜色是简单而精致的。皴法不仅是凹凸表面纹理绘画表现，更形象的认识和再创造的“体面”和“肌理”。传承中国画的这些技术可以成为艺术设计教育中传统的艺术经验，为进一步提高学生的文化艺术修养创造基础。日本是世界著名的设计之邦，其传统审美将他们的设计教育与民族文化传承的紧密的联系在一起，借鉴他们的成功经验：便是传统文化对现代设计的意义有深远的影响。部分人看来，这个时代的矛盾看似是传统与现代的对立。实际是他们的完全融合，相互渗透。要发扬传统，只有在现代社会，现代设计中从传统文化的本质内涵提炼与学习，使其具有鲜明的民族风格和较高的使设计的审美价值。
三、学生的艺术素养相对的中国传统绘画艺术
当代教育认为艺术素养是创新设计的基本思想，它决定了设计思想和设计语言的广度深度。成功者的经验告诉我们良好的艺术修养可以体现设计师的质量，它更是不容易获得的，需要长期的专业训练和对艺术的欣赏才可慢慢培养起来。自身的水平得到提高后，再不断的增加艺术知识的储备。这样一来对于艺术教育中学生的设计能力的欠缺就会有一定的补偿作用，加上不断地艺术基本功训练通过创意的结合便能设计出具有审美创造力的设计。跨专业的知识点也可以在设计中充分体现，设计才能不断地推陈出新。而学有所成的设计师的文化内涵和艺术修养都能通过他们的作品得出结论，这些历经现代设计市场考研的经验对艺术设计学习中国画教育是提高艺术设计的培养至关重要。
四、中国画教学在艺术设计中的引用
由于艺术设计教育中的重要作用，我们已经知道现代中国画的概念，那么中国将如何借鉴艺术设计教学也很值得讨论。艺术与设计的中国画教学，不仅仅是文字，学习和培训的技能，在中国画艺术设计教育应该有其特殊性不同于纯绘画类中国画教育，应根据培养目标，教学计划，共同设计和绘画中找到。画中国画课程只注重技能的训练，并在艺术设计教育与设计相关的中国画教学。笔者认为，在艺术设计教育中国画教学，主要从三个方面：
1.中国绘画与设计一体化的形式
中国画的形式和技术的教学内容是必要的。这部分主要是关于中国画的笔墨语言和风格教学。例如：在作文课上，文本元素如点，线，面。广告海报，我们有意识地选择一些中国画的元素进行创意设计的学生标志设计。
2.现代精神追求中的中国绘画和现代设计
中国绘画经常研究的是意象和表象的意义，类似于书写形式。中国画的主要思想包含的绘画活动的感受，人与自然之间，但天生的性格，也自然人格。因此在第二自然美的艺术美——人与自然。当今世界是和谐理念的追求，在人与自然的推广，这也与中国画的精神遥相呼应，同时还设计了围绕这一思路，并以此为主导。艺术设计专业教育中国画教学使学生了解中国传统文化的审美内涵是中国，并融入现代设计理念，成为我们自己的民族艺术风格。
3.创造性思维的培养
必须在艺术设计教学中创造性思维训练到底在学生的学习，进一步提高学生的创新能力，不断发现和创造新的艺术风格。中国画的水墨语言和洗千变万化，中国画更耐人寻味，这本身就是创新，创新体现活动。中国画教学，我们要求学生充分利用艺术形式，不同的纹理，使画面更具设计感。设计本身是由西方的创造性思维活动的原则，中国画独特的形式提供了一种不同的语言符号，中西元素结合在一起，是设计形式的创新。中国画与设计可以作为一个起点，从新的角度，全面发展相结合的中国画和艺术设计学生潜在的艺术和审美人格，有利于创造性思维的培养。
五、结论
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关键词：传统绘画艺术 现代艺术设计
从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。
远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。
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关键词：抽象艺术；陶瓷绘画；美术设计
前言
作用在陶瓷美术设计过程中，绘画艺术是其中的重要基础。同时在新时代环境下，现代化的绘画艺术得到了有效发展，通过在陶瓷美术设计的有效应用，可以获取更加丰富的设计灵感，增强陶瓷艺术所具内涵的丰富性，大力促进陶瓷艺术的良好、高效发展，抽象陶瓷艺术也提过了人们的审美情趣，使艺术家有了更广阔的想象空间，发挥了陶瓷艺术家的巨大潜能。
1现代抽象艺术及其特征
1.1抽象的概念
抽象这个词拉丁文为Abstractio，它的原意是排除、抽出。在中国文字历史上，有意、象、意象和超象的词义和抽象最接近。意可以解释为意境、意思、意念、意想等，象是“两仪生四象”、“大象无形“的象，意象是物象、表象、心象和语象合成的有机统一系统。和抽象相比，“超象”一词，超越物象、形象而非具象，可能比抽象更加贴切于“抽象”。具象是抽象的反义词，写实绘画、人像摄影和纪录片等一系列艺术创作语言，这都可以被归位具象的范畴，他们用一切详尽的、复杂的、直接的方式去呈现作品。从文艺复兴时期起，绘画对象从宗教转移到人本身，米开朗琪罗，达芬奇和拉斐尔精心的雕刻出带有人的真实情感的表现语言。画布上的每个人的神情、动作和穿着都是对现实生活的复制。相反来说，抽象就是对原有事情的提炼、总结和改造。人们对现实生活的呈现，有了进一步的认识。一些简单的图案、符号、色彩等艺术要素都能够表达出不同于写实的设计美感。
1.2现代抽象艺术的内涵
抽象主义的美学观念最早见于德国哲学家W.沃林格的著作《抽离与情移》。他认为:在艺术创造中，除了情移的冲动以外，还有一种与之相反的冲动支配着，这便是"抽离的趋势"。产生抽离的原因是因为人与环境之间存在着冲突，人们感受到空间的广大与现象的紊乱，在心理上对空间怀有恐惧，并感到难以安身立命。人们的心灵既然不能在变化无常的外界现象中求得宁静，只有到艺术的形式里寻找慰藉。人们既然不能从外界客观事物中得到美感享受，使希图将客观物象从其变化无常的偶然性中解放出来，用抽象的形式使其具有永久的价值。沃林格的理论，影响了包括W.康定斯基在内的表现主义画家。
1.3特征
通过对诸多抽象艺术相关作品的有效观察，可以看出在现代抽象艺术创作过程中，在对艺术进行展现的过程中并不会在意是不是已经脱离事实，通常只重视对情绪或者是韵律的有效传达，以给予观赏者有效启发。所以现代抽象艺术所具备的特征包括：独创性、纯粹性、追求新、欣赏性等。在抽象艺术创作过程中，不会对客观想象、现实状态进行直接描绘，而是运用色彩、线条等进行勾勒，找不到逻辑方面的关联，但能够给予观赏者强烈的视觉冲击，使其产生深刻思考。
2现代抽象艺术的作用
2.1形式方面的作用
在陶瓷美术设计过程中，设计人员需要在艺术形态方面投入更多关注，以给予观赏者良好的视觉感受。而现代抽象艺术能够对陶瓷美术设计产生十分明显的影响，通过抽象展现手法可以使观赏者产生不同感受，这就需要设计者能够在实际设计中注重对抽象事物的有效思考，并由艺术角度开展深入分析，通过多样化的绘画形式进行设计，这样不仅可以增强设计的韵律感、情感以节奏感，还能够凸显设计自身所具备的艺术形象，为作品的成功设计提供可靠保障。由具体设计中可以看出，陶瓷艺术所具备的美感既会受到绘画形象的有效影响，还重视对观赏者心理的充分考虑。在新时代迅速发展的大环境下，人们的审美能力、意识发生了明显转变，并且个体审美有着相应差异。所以在实际的陶瓷美术设计过程中，设计人员需要注重对自身创新能力的充分发挥，使设计作品能够体现出多样化的艺术效果，让观赏者获得多样的视觉享受。
2.2点、线、面方面的作用
在绘画创作的过程中，点、线、面是最基本的元素组成部分，其中，“点”是构成整幅画面最简单的元素，可与“线”“面”充分结合，以形成各种形态各异的美感；其次，“线”在陶瓷艺术品中的应用较为广泛，是陶瓷绘画中重要的视觉表现元素，其不受线条宽度、长度及弧度的限制，画师可自由发挥。最后，“面”代表着空间，具有多样性，其中较小的“面”给予人一种精致感，大的“面”给予人一种广阔感；而虚面则给人一种虚无缥缈感，实面则给予人一种坚韧有力感。因此，画师可灵活结合点、线、面进行艺术创作，以展现不同形式的美感。在陶瓷美术设计过程中，点有利于对视觉元素的有效发挥，看似简单，可所代表的意义非常广泛；线作为对点的延伸，可以将点作为起始，向着任意方向不断发展，是陶瓷美术设计中较为常用的元素。不同的线条给人以不同的感受，所以想要体现怎样的感觉，就需要设计人员对线条自身所具备的艺术特征开展深入分析。同时通过对线条的应用，还能够实现对平面的有效切割，对结构的有效重组；面作为空间的有效代表，其形态十分多样化，包括规则化平面以及不规则化平面。规则化平面能够使人产生约束感，不规则化平面会使人产生不断变化的感觉。同时面具备大小区别，小面即表示浓缩就是精华，大面能够给人以宽广浩渺的感受。此外，面还分为虚与实，虚面有着以虚无感的感觉，而实面能够体现出无穷的力量。
2.3色彩方面的作用
在陶瓷美术设计过程中，通过对色彩的恰当、合理应用，可以使设计作品所具备的视觉效果得到有效强化，这样才能够使作品价值得到显著提升。但在对色彩进行应用时，也不是所有效果都能够得到展现，因为其作用会受到诸多因素的影响，这主要是因为不同色彩能够给人以不同的视觉感受，这就需要设计人员注重对色彩的有效了解与分析。而在实际应用过程中，色彩分为单色以及搭配色应用。其中单彩有冷暖、明暗区别，通过对色彩的明确应用，可以加深色彩自身所具备的感染力。所以色彩自身拥有的差异性可以为色彩搭配奠定良好基础，而抽象艺术设计更加重视对色彩协调搭配的充分突显。在陶瓷美术设计过程中，不仅需要注重对色彩的选择与搭配，还需要对烧制后色彩变化给予充分考虑，以实现对色彩的合理搭配，显著提升设计效果。色彩是陶瓷绘画艺术中不可或缺的元素之一，一件陶瓷工艺品是否能达到视觉效果与形体造型的整体统一，将直接决定这一瓷器的艺术价值。因此，对色彩进行合理搭配是对陶瓷艺术画师的最基本要求。例如，陶瓷制品与一般画作不同，其需经过烧制工艺打造而成，因此在烧制后存在较大的色差。因此陶瓷工艺画师需分析釉上、釉下时颜色的差别，掌握陶瓷制品烧制后的色彩变化规律，确保釉下颜色与心中设想的一致。由此可见，陶瓷工艺画师需要在设计过程中掌握色彩的属性与规律，将色彩合理搭配，从而充分展示作品的艺术感，提高作品自身的色彩鉴赏力。
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【论文摘要】：艺术表现的外延和内涵虽然已经被拓展到一个相当广泛的艺术领域，但那些一味"反传统"的现代画家，在艺术实践中无论怎样标新立异，偏向所谓求新求变的极端，最终还是不能与传统的绘画或者其他传统工艺决裂的。
人类的历史有很大一部分也可以称做是一个设计的历史，而艺术设计在现代绘画的基础上，可算做是一种延伸。艺术设计运用创造性思维，从整体和具体细处都属于形象思维和逻辑思维的结合。对总体的安排和结构的处理运用逻辑思维为主，对造型和表面装饰的处理运用形象思维为主，二者不可截然分开，而是相互交替进行。
在文化发展过程中，绘画与艺术设计对其影响深远的感触莫过于平面设计人员。设计者不但要具备绘画的基本造型技能与审美意识，在商业文化产业的运用中也需要特殊的理解和创造性。
一、共性与共同面对的问题
现代绘画与平面设计同样都是个性的表露。回顾绘画的发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品，他们的作品都具有自己的典型特征。画家、设计师们，尤其是现代派的一些大师，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上，通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家、设计师，都会有自己独特的审美个性，创作者必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。
然而，现代绘画与现代艺术设计设计在这个飞速的时代所产生的弊端主要是因为早已经历过绘画造型的鼎盛期，而期更能突破前人的思路，求得更开阔的道路而采取个性化的创新手法上。当今是一个信息高度发达的世界，要反映这一时代特征，是设计工作者的主题。架上绘画现状低迷，而西方的艺术设计手法又繁复多样。各种不同类型的艺术样式结合，多样化表现艺术性主题。而很多艺术品只考虑创新，增添怪异手段，而缺少了考虑审美的方向性问题。
二、差异与调和问题
设计与绘画最大的区别是否依赖商品。设计作为商品具有包装价值和使用价值本身就是为市场服务的。设计的最终价值来源于客户的满意，商品价值的实现，市场需求的满足。设计师必须揣摩客户的心理使方案得到通过，；另一方面，客户可能对市场的把握、了解远胜过设计师，设计师缴尽脑汁的创意想法最终还是依附于客户的评审。设计也依附市场这根指挥棒。而绘画的本质是实现对美的追求。绘画与设计在文化产业发展中的运用，不仅仅体现在"个性化"与"依附性"方面，还体现在对形式美的规律追求的差异性上。
三、设计借绘画所用
绘画对美感的追求还表现在材质，肌理和表现手法上。现代绘画综合材料的运用表现在扑朔迷离的肌理运用上。绘画也用混沌含蓄的有限笔墨表达意境，这些手法在设计中也偶尔能见到，只是借用绘画的表现手法或借助绘画元素来完成设计的段落而已。例如有的设计作品从表面上是追求绘画中的空灵和气韵，更深刻的是用图形元素溶入到现代设计原理的图形构造中去了。这种类似绘画的空灵美，只是设计的手段而不是目的。现代主义设计主要从意识形态出发，将之放置到现代主义运动中的大背景中去。现代主义的运动产生的影响使之不断发展。而设计活动的自身特质和发展变化规律，也影响到我们对其它相关设计活动的理解。设计中的技术和艺术都影响着设计史的发展。设计中的技术与艺术两者互不可缺，两者完美结合可以造就优秀的设计，而反之却造成失败的作品。
技艺的完美结合成就了手工业时代艺术设计的辉煌。新艺术运动打破了维多利亚时期的矫饰风格向大胆创新的方向发展。"新艺术"也同样在艺术和技艺方面找平衡点，保持传统艺术的精髓。现代艺术设计中的客观化也得益于绘画，这种趋势始于塞尚，发展于立体派和抽象主义。而艺术观点的要旨是结构是一切事物的根本。塞尚认为什么外部条件和结构都不能改变事物的结构，而艺术家必须把事物纳入这个秩序中来，使事物成为结构中的有序。他尝试用结构的观点去认识和概括一切对象。立体主义的现代运动也受益于此思潮。他们将几何方式推向及至也屏弃了空间透视，强调理性规律在真实中的表现力。画家自身的绘画语言具有的抽象张力创造了新的世界。
现代艺术设计遵循理性主义，用几何形体和简约抽象的色彩概括客观对象，成为大机器生产的必然和最佳选择。在两者结合的基础上，诞生了现代主义设计。荷兰"风格派"和俄国构成主义。严格遵循几何式样，追求那种来自于机械的严谨与精确。努力寻求与工业化时代相适应的艺术语言和设计语言。从荷兰"风格派"和俄国构成主义设计中我们能看到，技术和艺术达到了最佳的结合，同时，也正因为这种最佳结合，现代主义设计成为二十世纪上半叶最稳定、最具影响力的设计风格，以至在后期发展为风靡全球的"国际主义"风格。"国际主义"风格的形成就可以看做是国家大工业化形成的衍生形态。设计与绘画艺术的平衡也是动态的，而技术的发展和日趋成熟也促成了艺术多元化的发展。
作为设计史上最重要的、最具影响力的设计活动，现代主义设计的形成的内因和外因，它的确切定义、面貌特征、持续时间和波及范围等等，都极其复杂，而现代艺术本身、现代绘画艺术与现代艺术设计的互动关系中也有许许多多细致的问题等待我们的分析整理。设计中技术与绘画艺术是互为的关系，它们互相渗透和吸收对方的精髓。现代艺术中的客观化趋势与现代主义设计的联系，现代主义产生的内在动因，这些都可以让我们对现代绘画与设计之间发现更多千丝万缕的联系。
中国传统绘画艺术在自然物的描绘中往往融入了一种图形化的抽象符号语言。而现代艺术设计不同于架上绘画，它是需要一目了然，简洁明了概括性极强的。现代设计运用多元手法突出重点，将不同比例、时间空间所寸的元素相结合，运用象征予人启迪。构思超载现实，构图概括，形象夸张鲜明，醒目地渲染主旨事物，赋予画面更广意义。而中国传统绘画中的空灵之感，以无形表达有形也在设计中被极好的利用。现代平面艺术设计大师也以意念为先，用形得神韵；不断创新；灵活取用为创意原则，和中国山水画的表达方式类似。多中国传统文化的精髓与西方的现念相得益彰。更有作品运用了中国的水墨技法和现代电子技术特殊的肌理效果，具有很强的视觉冲击力和文化感染力。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。现代招贴艺术设计也大量的运用了古代或现代的民间工艺。概括多变的形式之美具有长久的生命力从而也给现代艺术设计提供了丰厚的养分来源。而复杂到单纯，丰富到简练的提炼过程，也是我们从传统绘画中走出所造就的。
四、设计规则蕴含着动态生命的整体表现
多元与凝聚、东方与西方、过去与未来、传统与现代都不要独舍一端，明白融合的要义，才能产生出更具涵义的艺术张力。反观历史，艺术设计与架上绘画直到今天仍然相互影响与交融共进。从架上绘画之象征到设计中意念的传达，从空间处理到图形设计的空间感与虚拟性，和建筑设计里的含蓄意寓。设计与绘画在冲撞与交融中得以更好的发展。
参考文献
[1]王受之.《世界现代设计史》,中国青年出版社,2002.
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关键词：艺术设计;绘画基础;教学;评价
近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把他们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破他，超越他，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去反复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；现在我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中假如还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么他的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。
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关键词：绘画基础课；艺术设计；教学；联系
随着互联网技术与信息技术的不断进步与发展，艺术设计行业越来越依赖计算机。同时，计算机技术与互联网技术的珠联璧合，也让艺术设计工作更加高效，作品更现实化、视觉化与精细化，这使得绘画基础训练逐渐被人们遗忘。但艺术设计中非常重要的价值之一就是审美价值，而这种多元化、高水平、有内涵的审美价值恰恰需要绘画基本功所培养的美学修养与艺术表现力才能获得。
1绘画基础课与艺术设计教学之间的联系
基础绘画课程是增强艺术设计人员创造力与审美能力的重要途径，如果将其看作一门单纯的技术训练课程，这无疑是狭隘的。绘画基础课程不仅包括技术技巧，更包含对审美品位、艺术修养与创新精神的培养与开发，它是一门全面训练“艺”与“技”的课程，同时它也是所有造型艺术的基础，应当受到各大艺术设计教学的重视。［1］艺术美既是抽象的，同样也是具体的，美没有固定标准可言，但其具有特定的规律可循，绘画基础课就是由这些美学规律所构成的。在教授绘画基础课时，教师应将形式美与写生训练有机联系起来。例如，如何处理点、线、面的空间布局与关系、画面各个要素的比例配合、和谐、虚实、主次关系以及结构与构图的形式美等。在学习过程中，逐渐培养学生对美的认知与敏感度，了解在造型艺术设计中美学法则的体现方式，比如单一与重复、多样与统一、对称与均衡以及节奏与韵律、对比与调和等。绘画基础课与艺术设计教学是相辅相成、相互促进的关系。因为艺术设计教学最重要的是培养学生的创造能力，而非把学生培养成“电脑快手”。科技只能作为创造性思维的辅助工具，而不能完全取代人们的创造性思维，进而主宰整个艺术市场。中国古代画论中就有提及“物有常理、画无定法”，绘画的表现形式是多样化的，艺术流派也是百花齐放、百家争鸣的。［2］因此，教师要在绘画基础课上充分鼓励学生自由创造，使其凭借自身独特的创造力与想象力，带着感情作画，让学生在掌握技艺的基础上激发灵感，激活想象力与创造力，从而提高艺术修养，提升艺术设计作品的审美价值。例如，家具和室内艺术设计专业主要是学习空间立体造型的学科，只有将构思用一定形式表现出来才能付诸方案并实施。绘画基础课中的立体构成以及画法几何知识就成为连接技术与艺术的桥梁，是艺术设计的理性基础。［3］在室内设计时，必须展示出表现图，而这种具有二度空间画面的、立体感的绘图需要运用高度概括的绘画技巧与精准的透视制图才能完成。这种快速、思维活跃的绘图表现手法需要用大量的速写训练累积才能掌握，其中还包含对色彩构成以及敏锐的色彩感的训练，也是从不断的写生训练中才能得出。因此，我们说绘画基础课与艺术设计教学是相互影响的关系。
2创新绘画基础课教学，增强创新能力与提升艺术修养
近年来，各大高校中的艺术设计专业不断扩张，但是却鲜有对艺术设计专业教学课程进行创新与改革、提升教学质量与效率的高校。作为艺术设计专业的基础，绘画基础起到了至关重要的积淀作用，古人所说的“厚积而薄发”就是如此。但是很多高校在教授绘画基础时，只是采用传统教学方法，教会学生如何对事物以及人像进行写生，课堂内容枯燥，纯粹是对技艺的训练，而忽视了对学生创造性思维以及艺术修养的培养。教师需要引导与鼓励学生感知、理解、联想以及思考不同自然物体，打破传统限制，重组、重现这些物体的质感、色彩以及形态，实现从具象转换为抽象，从空间转换为平面的教学效果，从中寻找设计的规律，抛弃传统守旧的模式与思维，激发创作灵感，提升艺术设计作品的审美价值。我们应当创新绘画基础课教学，使之在艺术设计专业教学中充分发挥“启蒙导师”的重要作用。
2.1造型设计训练
在新课标的要求下，艺术设计教学对色彩的运用有了更高的要求，让学生学会如何整体性运用色彩，借此增强学生的归纳与抽象创造能力。此外，教师在造型设计训练中，还要注意对形式美的训练，要求在点、线、面的处理上达到和谐、均衡、对称以及对比的效果。因为在艺术设计的审美观念中，和谐是人类对美的追求的最高境界。［4］
2.2使空间与形体从自然转换为抽象
教师通过讲授空间色彩、绘画、透视等知识，增强学生的空间感觉认知能力以及构建能力，同时引导学生认知与分析材料与工具在绘画过程中的意义与作用，从而显著提高学生对色彩的认知与运用水平。
2.3使写生从空间转换为平面
造型设计其实是为学生提供了一个写实的空间，使学生能够突破诸多限制，实现从空间到平面的有机转换。教学的目的在于让学生写生对比合适的物体，由黑白空间转换为彩色平面，从而增强学生的学习能力与设计能力［5］。
2.4让绘画基础课程“活”起来，展开艺术实践交流
现场教学与课堂教学还是存在一定的差异性，教学效果也不同，如果学生每天都在校园里学习教学内容，这将会极大地束缚他们主动学习的意识与兴趣。因此，需要在课堂学习之余穿插一些艺术实践交流活动，用以开阔学生艺术设计的眼界，充实知识与艺术修养，也便于增强学生的整体意识［6］。教师可以带领学生参观各种艺术画展、博物馆以及展览，对优秀艺术设计作品的内涵进行解读，对优秀的设计想法与表现形式进行学习与借鉴，让学生得以多角度、近距离地与优秀艺术设计作品进行交流，激发主动学习的意识与兴趣，拓展与充实设计知识，重视绘画基础课程。
3结语
艺术设计同样也拥有非常激烈的市场竞争环境，但从实质上来说更像是审美的竞争。在商品性能相同的情况下，它的商业价值与经济价值往往被审美价值所评判，这也就是为什么美国人会说“美是一把销售成功的钥匙”的原因。艺术设计专业作为艺术与技术的结合体，绘画基础课程在其中起到的作用是显著的，它通过培养学生的绘画技艺、审美品位以及创造性思维，在不知不觉中实现提高学生的艺术设计水平与艺术修养的教学目的。
参考文献：
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［2］…王晶，董芳.浅谈现今高校艺术设计专业绘画基础课程教学中的几点创新内容［J］.大众文艺，2013（01）：230.
［3］…徐向东.职业学校艺术设计基础教学中的创造性思维培养与训练［J］.科技与企业，2013（17）：226.
［4］…朱小英.装饰绘画基础课程学业评价体系改革研究——以茶包装中的装饰画为例［J］.福建茶叶，2017，39（03）：115-116.
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