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传统艺术的认识范文1
中国当代美术在与国际接轨的背景下，进入了美术馆时代。装置艺术、政治波普、玩世现实主义、艳俗美术逐一走入我们的视野。当下中国美术圈似乎一片繁荣，能够与国际接轨，在美术向西方开放的同时，中国当代美术是否还应该有所保留？在国际社会中，中国当代美术的文化身份认同问题同样也是值得我们研究的。
一、仿学与迷失：先锋画人的“时尚”选择
在过去30年的时间里，中国当代美术历经了一个复杂而多变的发展过程，政治、经济的改革激发了艺术领域内的创新革命，改变了我们过去习以为常的视觉经验。其原因是中国当代艺术一直以来是以开放的姿态迎接西方艺术，似乎西方自然科学技术先进，那么西方社会的人文绘画艺术也应该是中国人效仿的对象。在全球化语境中，某些艺术家放弃了传统中国古典艺术寻求高雅情趣的审美标准和浩然博大的民族精神，丧失了中国人自身独立创造的基本精神，在精神领域里四处散播着民族虚无主义情绪。然而，拥有五千年辉煌历史的中华民族，一直以充实浩然的气魄、沉郁雄健的气势作为彰显民族精神，树立国家形象的标准。中国传统绘画艺术千百年来，经过无数传统画家总结归纳出来的经典艺术技法，在近十年以来，不断遭到冷落。从根本上说，就是因为巨大的经济利益的驱动，才使得这些先锋画家竭尽全力，不择手段，想尽各种方法“丑化”当代中国人的形象，创作出一些或者目光呆滞，或者无知傻笑的面容。
他们完全忘记了自己为民族国家的人。中国当代艺术家中有一部分人，希望被西方话语操纵者所赏识，不断模仿各种西方现代以后以及后现代艺术模式，完全忽视西方当代艺术产生的社会历史背景以及其连贯的历史文脉。然而，西方前卫艺术的发展是有强大的经济基础以及思想后盾作为支撑。但中国当代艺术家脱离了中国的社会现实，完全抛弃了任何思想、任何信仰，单凭个人的社会经历而制造喧闹的艺术场景。在创作方式上，颠覆传统中国艺术表现的感悟性表达方式，丧失了对艺术终极价值的追问，只强调轰动的社会效果，以及强烈的视觉震撼力。其结果必然导致中国当代艺术的精神危机，西方中心主义的文化霸权强行操纵了当代中国艺术，使其丢失了本应有的文化创造能力，而走上了艺术效仿西化之路。
二、创新与杂耍：脆弱躯壳下的苍白内核
综观改革开放以来的中国美术创作领域，人文主义精神是值得思考的一个话题。美术家的创作由“”后对人的生存状态以及人的个人命运的关注转移到对金钱的狂热追求中去。绘画成为谋取利益的一种商品，逐渐丧失其承载社会精英意识的前卫批判功能。20世纪90年代末期中国市场经济的蓬勃发展，画家们的创作不再是为了追求理想，而变成为了消费而生产的产品。中国美术便缺少了人文主义精神，画家的绘画创作不再思考，更缺乏一种追问社会现实的勇气和人道主义关怀。因为，当代中国城市文化在远离了田园牧歌的农业文明之后，要以城市人口的基本生活状态及其情感作为艺术表现的对象。虽然工业化进程在很大程度上满足了当代中国人的物质需求，却很难找到有“以天下兴亡为己任”精神的艺术家。而20世纪初期的中国艺术家具有鲜明的精英意识以及人文主义精神，将艺术创作与国家命运紧密联系在一起。朱屺瞻在《艺术与修养》一文中指出：“绘画之为社会人士所器重者，乃有神逸之作风，节烈之品格，因崇尚气节，为吾国民族特性。”正是中国传统艺术家所追求的这种精神力量，才使得那个时期的中国画家能够拿起画笔，参加救国运动。中国传统文化对艺术家个人精神气节的高扬而使绘画成为展示艺术家内心世界的一方天地，同时也成为艺术家保持其独立人格，与现实斗争的精神武器。然而，在当今中国美术界，能坚持知识分子战斗勇气与人道主义情怀的画家又有几人？20世纪80年代初期的乡土写实主义代表画家罗中立，所创作的《父亲》曾令无数中国人为之震撼。画家用老农悲苦的眼神唤起观众对贫苦农民的同情。在中国历史中，农民始终是孕育中华文明的社会基础，但他们一直生活在贫穷与落后之中。作为知识分子画家，罗中立以独立的社会批判视角关注中国农民，选择了其中一个典型形象，将其饱经风霜的面孔呈现出来，引发人们的思考。罗中立《父亲》所流露出来的人道主义关怀精神，是值得当今画家思考的。
然而，在当代美术创作领域中，不乏一些具有社会责任感，并从传统艺术中汲取营养，从东方文化的审美情趣中构建当代中国绘画美术视觉图式的优秀画家。他们不仅将自己的绘画艺术放置到博大精深的艺术传统之中，追求雄浑的民族气魄，更重要的是勇于肩负起推动民族传统艺术沿着艺术本体规律方向发展的历史重任。当代山水画家贾又福就是其中一个代表。贾又福的山水画创作是在继承传统中国画技巧基础上，开辟了中国山水画创作全新的艺术表现领域，是继李可染之后的又一次突破。
三、坚守与发扬：一种应该勇于承担的使命
传统艺术的认识范文2
版画是一门具有独特艺术语言和丰富特征的绘画艺术。“它是通过艺术家依创作意图对媒介物进行规定性处理，经过印刷的间接过程，使该媒介物转化成痕迹的形式呈现为画面。”一般，画家利用木、石、金属、丝网等材质制成版，并印制出木版、石版等版画。
从有关版画的概念和历史的陈述中，对这一艺术形式的初步认识基本停驻在制作材料和技术上，而在版画制作过程转化到画面上是，版画创作者们则关注的是版画的艺术效果――版画画面与其它绘画的不同效果，即版画语言的纯化上。这是一直以来在版画范围内对版画的常规认识和基本探索。
然而，人类在对艺术进行不懈探索的同时，其认识是不断超越和上升的。艺术的范围已经变换，它不但在更新人类的视觉概念，而且深化着人们的理解力。如果新世纪对版画的认识和探索仍停留在上个世纪规定的传统范围内，可以设想，版画的未来发展会在同时代的艺术中越来越难找到自己的位置，将面临失语的现实。
目前，版画与当代传媒严重脱节，在中国当代艺术中是长期缺席的，其发展更像是与之无关的小圈子内的事务，对当代艺术的发展默默置之。眼看着其他艺术大步跨越向前，而版画却在当代艺术的进程中徘徊不前。
总的来说，整个中国艺术界对版画的关注与讨论仍然较少。用一句话来总述版画在中国当代艺术中的困境现状：版画的“缺席”――版画作品的缺席以及公众的缺席。
作为一种独立的艺术样式，版画的审美价值和艺术价值并未在大众意识中形成共识。中国的普通百姓对版画的知识尚不普及，某些人对版画的认识仅仅限于木版，可见版画在公众生活中尚未形成较大影响和推广，更谈不上艺术和公众的互动。在一些专门院校，大部分专业学生对版画也是一知半解。这也是当代版画展览交流和学院艺术教育存在的问题。
二、版画语言在当代艺术中的可行性
当代艺术在向着日益丰富和多元的方向拓展时不断提出和遭遇新的问题，从而扩大了自己的事业和空间。美术批评家朱其将中国的当代艺术划分为媒介和美学实验、文化反应的自我变异、边缘美学的探索三个方面的艺术。传统艺术方式将描绘对象直接作为批判对象，而当代艺术它把设置和描绘的对象当作批判的媒介而且是以一种与日常语言方式有异的方式呈现。
版画进入当代就必须具备当代的语言特征。版画作为一种充满无限可能性的艺术方式，一种创作手段，而不仅仅是一个独立的画种，应积极的切入当代艺术。可以选取安迪沃霍尔和作品以及当代综合运用版画语言实验的个案具体分析。从观念的延伸和形式的延伸等方面来讨论版画在当代的介入方式。
从艺术诞生的那一刻起，艺术家就没有停止过对艺术的思考。有关艺术的概念不断经历挑战，艺术的界限大大拓展。艺术家通过媒介去思考。在对媒介的认识上，沃霍尔较同时代的其他波普艺术家走的更远。他一直不断地拓展各种技法，开拓新的创作领域，
的作品及观念的意义在于：的作品和观念在中国版画及国内、国际当代艺术中的高度和影响至今仍在延续；他将观念不断延伸。又引发我们去思考：一种传统的、近似于手工劳作的创作方式（“尽可能纯粹的版画语言”）是如何进入当代艺术的？
他的《五个复数系列》将观念引入传统版画，是对传统的版画概念的破坏或颠覆，选取具体的“乡土绘画”的题材，用传统木刻的手工方式边刻边印。它已不是一件普通的作品其根本在于观念的引入，通过传统版画的形式对传统版画的颠覆，直接对艺术提问，对艺术品提问。传统艺术作品只提供结果，而在这里对艺术的理解已经没有局限在传统的观念中，而是更深入地走进艺术的真实。
总的来说，安迪沃霍尔和的作品向我们证实了版画的生命力，对其观念的分析，我们可以探寻到艺术发展的某些规律，从而作为版画在当展的某个出口。
本文通过对当代艺术和版画本身的思考及探索，从观念延伸和形式延伸等方面去探寻版画于当代的延伸，以期为版画的当展提供一个参考坐标。将“前卫”精神的核心总结为“对社会及文化状态的敏感而导致的对旧有艺术在方法论上的改造。”版画要做的就在此。
三、结语
传统艺术的认识范文3
关键词：中国哲学；传统艺术；影响及分析
中图分类号：J2文献标识码：A文章编号：1009-5349（2016）03-0034-03
一、 中国哲学与中国传统艺术
（一） 中国哲学
哲学是起源于希腊文，是爱与智慧的组成，并在世界各国得到了普遍的认可和使用。中国哲学主要包括两个部分，即古代哲学与现代哲学，中国哲学源远流长，内涵丰富，其独特的思想价值观念远远走在历史的前沿。
中国哲学的基本观点包括三个方面：天道观、人道观以及知行观。
天道观，这是关于世界本源的根本问题，是对天与天人的关系展开的不同辩论。老子明确否认天是最高主宰，认为世界的本原是道，认为：万物生于有，也生于无，老子哲学思想是中国哲学发展的基础，是对世界本源的认识与思考，老子哲学的发展推进了哲学理论体系的发展。[1]
人道观，是关于人生与为人之道的根本观点，人道观是先秦时期哲学家关注的重要问题，人的因素逐渐得到重视，着重强调“人”在社会发展中的重要性及突出作用，儒家思想强调“克己复礼”和“爱人”的思想观念，老子主张以“无为”来表达人生理想，以“逍遥”来追求精神境界。
知行观，使人们对社会发展及对世界的认识，随着社会的发展以及思维水平的提高，中国古代哲学家对认识论也有了不同层面的理解，以不同的角度和不同的观念来探索认识的起源、发展。
中国哲学的起源历史悠久，最早是在先秦时期，相比于世界其他国家同时期的哲学来说，是发展水平相对较高的哲学形态之一，随着封建社会的稳定发展，小农经济占据主要地位，中国哲学的发展前提和基础是殷周哲学，并在此基础上逐渐将中国传统哲学发展成为具有中国时展特色且符合中国社会发展规律的，具有较高组织形态的哲学。
中国哲学与经学相结合，由于中国封建社会的发展以及人们对自然认识的限制，使得宗教神学一直处于较高的统治地位，中国哲学的发展以儒学为正统，儒学是适合封建君主统治的哲学体系，一些倾向于唯物主义哲学的思想家，注重对自身哲学的发展和研究，对宗教神学的观点进行批判，以中国哲学为研究范本，在此基础上进行拓展和延伸。[2]
中国古代哲学是在封建社会的历史条件下建立起来的，具有深厚的封建色彩和伦理学色彩，诸子百家中大多数的思想理论是以天道观作为其发展自身哲学思想体系的理论依据。儒学作为中国封建社会发展的重要理论学说，在秦汉以后的中国社会中逐渐成为封建正统哲学体系，在中国古代哲学中，认识论也与道德认识和道德修养相联系。中国古代哲学具有独特的传统概念和范畴，将中国哲学的思维水平和理论水平提升到了一个新的高度。
（二）中国传统艺术
中国传统艺术内容丰富，包括工艺美术、建筑雕刻以及戏曲、绘画、书法等，经过几千年的发展和积累，将中华古国深厚的文化底蕴沉淀其中，这不仅仅是中华民族的传统宝贵财富，更是全人类的宝贵财富。
本文对传统艺术的研究主要包括绘画、书法、音乐、戏曲四个方面。
绘画，在中国社会的发展可以追溯到原始社会新时期时代的彩陶纹样及岩石壁画，原始的绘画技巧没有过多的雕饰，但已初步具备了造型的能力，对动、植物等动静形态也能抓住其主要表现特征，以此种方式来表达民族的信仰、人民的愿望以及对生活的向往。中国绘画是中国传统文化的重要组成部分，它根植于中国文化的土壤中，以毛笔、水墨以及宣纸为主要材料，通过构建独特的透视理念，到时间与空间的限制，以高度的想象力及概括力，通过出色的技巧和表现手段，使中国传统艺术文化具体独特的魅力，并为世界其他国家予以借鉴吸收。
书法，作为一种艺术表现形式，是通过书法家个人对生活的感受、修养、学识以及个人兴趣等所折射出来的，书法是一种使用艺术，常被用做题词及牌匾。书法作为一门综合性的艺术，更加倾向于对主观精神艺术的表现，书法艺术在经过数千年的发展中，从甲骨文与金文开始的一系列演变，形成篆书隶书、行书、楷书以及草书等不同的字体形式，先后出现了王羲之、欧阳询、颜真卿、柳公权以及怀素等诸多的书法大家，他们根据自己对书法艺术的不同理解，形成了不同的流派，将中国书法艺术发展到炉火纯青的地步。
音乐，中国传统音乐的内涵及外延表现形式各不相同，中国音乐不仅仅是对传统音乐的传承，同样也在发展的过程中不断接受和按照西方音乐理论进行相应的创作及改编。中国传统音乐是中国人按照本民族固有的音乐表现方法和形式，对音乐进行的创造，它不仅仅包括从古自今流传下来的作品，还包括借鉴吸收外来精华所创作的音乐作品。
戏曲是中国传统戏剧的表现形式，是包括文学、音乐、舞蹈、美术以及杂技、表演在内的因素和艺术。戏曲起源历史悠久，在原始社会便已开始萌芽，经过漫长的丰富、改革和发展，逐步形成了较为完备的艺术体系，中国戏曲主要包括：宋元南戏、原名杂居以及明清传奇、近代京剧、地方戏，它们共同组成了中国传统的戏剧文化。
二、 论中国哲学对传统艺术的影响
一个民族、时代以及社会的发展，与本民族的哲学和艺术均有着千丝万缕的联系，哲学是指导人们认识世界、改造世界的观念和学说，是社会意识的能动反映，而艺术则能更好地将这些观念和学说以抽象或具体的形式展现出来，我国传统的艺术作品中包含着哲学的深刻观念和内容，它不仅是时代精神的体现，还是社会发展的必然产物，同时能有效地带动民族精神的形成。艺术与哲学之间相互联系，不可分割，从广义上来讲，艺术也是哲学的一部分，对这一观点的强调，是对民族化的艺术形式的集中体现，也得以建立现代化美学的哲学研究体系。中国传统艺术作品在其理念表达以及观念展示中以抽象性、写意性以及表现性为主，都是源自于与中国传统哲学之间的联系，以哲学的视角对中国传统艺术进行鉴赏和研究，以艺术化的传达方式来表现哲学精神，也使当前中国社会的发展受到了启发。
1.哲学是内省的智慧，着重塑造伟大的人格
哲学是世界观和方法论的学说，是对社会发展的集中反映，而艺术作品则是对社会需求的体现，中国古代处于封建君主专制社会，小农经济以及封闭式的社会发展模式，使得人民更加向往自由、民主的生产生活方式，这种需求体现在艺术作品中，表达了人民对生活的向往。中国哲学在其发展的过程中，不断得到完善，在不同的社会发展时期，人们的思想也随之变化，对艺术作品的表现形式也就趋于多样化，而作品所表达的哲学精神和诉求则没有发生太多的变化。
中国传统哲学是内省的智慧，是对人和世界的认知，它致力于塑造人们伟大的人格。中国哲学与西方哲学的本质区别在于：将最高真理理解成为一种对德性的认知和感悟，它依附于人的社会关系，而不是重视对客观对象的分析、解释、区分及推理。中国哲学的“自觉性”是其他哲学体系所无法企及的，这种自觉性是对宗教观念意识的淡薄，这也是哲学研究者常说的问题，这种淡薄是对君主制度、伦理制度以及封建专制制度的遵从，中国传统哲学与西方其他国家哲学在一定程度上拥有相似的特征，但在一些方面也有区别。
中国传统艺术的创造核心动力来源于作为主体的人的精神，在意识水平的基础上不断深入和发展。“情动”是一种内在的动力，区别于西方美学常说的外在动力，中国的古诗、词中便能简介的体验到作者的愁绪，忧患意识是相对固定的中国古代社会的历史发展条件下，是不以人们的意志为转移的。
2. 中国传统艺术的人性化发展道路
中国传统艺术的发展被看做是一种德性化人格的发展道路，艺术作品在创作的过程中，并没有要求客观事物要与艺术作品相符，反而更加强调以“意”为主要表达目的，以“传情达意”为主要表现形式，因此，艺术作品也可以“形不似而神似”。艺术创作者要在具备一定生活经验的基础上，培养健全的人格以及较高的精神境界，在艺术作品的创作过程中要着重强调“意诚”，艺术作品能从一定程度上表现出人的精神境界。中国美学没有过分的追求形式美，而是将形式以一种启示、象征、道理、人格的形式表现出来，哲学上对人格的追求导致了艺术上写意的原则。中国的艺术家和美学家在进行作品创作的过程中，兼顾神似与形似。因此，反映时展需求、展现时代精神的中国传统艺术与中国哲学在内容和形式上保持一致性，以反映社会发展实际的艺术作品来引起社会效果，成为理想作品，以一种豁达的力量，构建和谐社会的发展。
3.哲学对艺术的影响
哲学和艺术作为人类精神和文化领域的两座高峰，两者之间存在着密切的联系。哲学是世界观和方法论的学说，是对自然界、人类社会以及人的思维等领域和方面的研究，具有普遍性和规律，艺术是对人类感性方面的体现；哲学是人类理性认识的最高表现形式，艺术则是人类感性认识的最高表现形式；哲学通过美学这一媒介，对艺术研究和发展产生重要影响，同时，艺术也通过自身特殊的表现形式，对哲学理念以及观念进行传播和体现，对哲学产生一定的影响。
哲学对艺术的影响首先表现在对艺术家的影响方面，艺术家在进行作品创作时，会自觉不自觉地受到哲学思想的影响，并将这些影响通过作品的形式表现出来。艺术家和艺术作品之间的关系是相对古老且非表象的经验关系，艺术作品从一定程度上来讲，并不是栖息于艺术家而生的，同样也不是艺术家所独有的属性。
哲学对艺术的影响，体现在一大批理性艺术作品的涌现以及促进艺术潮流的形成。艺术潮流的形成与哲学思想是相互联系，不可分割的，艺术潮流在其形成的过程中具备不同的哲学基础，尽管艺术在总结之后，便不再具有哲学意义上的发展可能性，但仍然依赖于哲学理论，不同的艺术品是对不同理论和哲学体系的反映，这些艺术品的共生共存以及多元化的发展状态，使中国哲学对传统艺术产生了深远的影响。
艺术是哲学的重要组成部分，哲学是对艺术的体现。在中国的传统艺术作品中，并非是所有的艺术家都会将哲学思想包含在作品创作中，也并不是每个中国传统艺术作品都具有哲学性。艺术对哲学的影响，不仅体现在思维能力的创作方面，还表现在以艺术作品感染下的社会思维的变化与发展，艺术作品为哲学思维和方法的传播提供了有效的途径，这也是哲学的重要组成方面。
三、 以道家思想为主的中国哲学对传统艺术的影响分析
在中国哲学中，道家思想是极具代表性的，任何国家及社会都具有其相对应的艺术表现形式。道家思想的基本精神是“自然无为”，是顺应事物自然发展规律而不加以强制的思想。老子思想认为，自然已经是事物发展的理想状态，而无为则是保持这一理想状态的基本方法。道家思想面对中国封建社会发展的实际，深入到人的心灵，从自然中寻找到一种人们解决自我的方式。道法自然是中国传统哲学的精髓，同样也是中国哲学的最高和基础法则，在诸子百家思想碰撞时期，道家思想以一种固执的方式守护着人的精神尊严，以一种超越人生困境以及世俗情形的方式，使人获得宁静的心境。老子的无名、守静笃、致虚极以及静观玄览的审美观念和认知观念创造关于艺术的鉴赏的审美范畴。
我国的传统绘画具有鲜明的民族特色和悠久的历史发展积淀，是对中国古典审美价值观的突出表现，中国绘画受到儒、法、道等思想观念的影响，成为珍贵的世界文化遗产。中国画的题材选择主要包括：山水画、人物画以及花鸟画；表现形式主要包括：工笔画和写意画；中国画的题材选择以及表现形式受道家思想的影响较深，其绘画素材多取于自然物象，并在其基础上进行线条、墨色以及形体的表现，讲求整体的统一性和道法自然的思想统一。老子哲学中的思想是对美学意境的体现，而美学意境也是对中国哲学思想的集中体现，中国画讲求神似，而对形似则没有太多的要求。从中国画的整体结构上来说，中国绘画讲究天人合一以及内在的和谐统一，《庄子・齐物》一文中指出，天地与我兵圣，而万物与我为一，天与人均为自然而展开，中国绘画也遵循这一观点，讲究天人合一。
天人合一以及天人感应这些辩证的哲学思想同样也是辩证的思维模式，是与中华民族在其发展过程中所积淀形成的内敛、平和的民族性格分不开的，讲究整体，倡导和谐。中国绘画追求天人合一，对精准形的反映并没有太多的要求，追求具体化的抽象事物，在内容与形式上达到完美与统一的艺术，正是在这种哲学思想的引导和作用下，中国绘画在题材选择以及表现手法上才能形成独特的审美意象和艺术取向。在中国的传统艺术中，道家思想贯穿于其中，宗教与艺术发展紧密联系，道家思想在中国传统绘画作品中得到了很好的体现，并深深地影响了中国的传统艺术，从另一方面来说，中国哲学深深影响了中国传统艺术的发展。
四、结语
越来越多的哲学研究表明，中国精神文明的和谐是未来世界发展的新希望，中国在几千年文化积淀和传承的基础上，已不仅仅是中国人的文化，同样也会对世界文明造成深远的影响。中国传统这一哲学与中国传统艺术理念的融合，将逐步发展成为哲学体系及文化体系中的组成部分。艺术的反映是对现实社会发展及事物本源的体现，这不仅仅是通过自身经验的积累发展而来的，还有一部分是通过艺术的方式发展而来的，使中国传统哲学更趋于哲理化。
参考文献：
传统艺术的认识范文4
任何一种艺术形式的出现，都要依赖于当时社会和科技的发展。数码艺术设计这一艺术形式便是随着计算机的发展和普及，数字化时代的到来而诞生的。著名艺术家罗伯特·劳申伯(RobertRauschenberg)和设计大师乔治·开普斯(GeorgeCapps)在上世纪60年代就开始成立了专门机构研究数码图形与数码艺术，从上世纪80年代美国苹果电脑公司推出MACINTOSH电脑形成“桌面排版系统”(简称DTP)开始，数码技术在艺术设计领域应用越来越受到人们的重视。数码图形技术的成熟带动了CAD/CAM(电脑辅助设计/电脑辅助制造)的普及和发展，设计艺术与数码技术才得以真正结合。随着现代的数码技术在艺术表现领域中开始形成自身独特的视觉表现语言，体现出更高的艺术价值，数码艺术设计开始进入到艺术的古老殿堂。但是当数码艺术创作给艺术家带来兴奋和视觉的新奇的同时，却发现因文化科技等诸多因素，产生了数码艺术与传统绘画艺术美的情感差异和数码艺术表现的不足，同时还存在一些对数码艺术的模糊认识。通过对传统艺术形式和数码艺术创作文化渊源的发掘，探讨数码艺术设计创作的视觉表现和美学趋向，及其艺术创作最基本的图形、色彩、民族文化、数码技术等方面的要素，有助于我们正确认识数码艺术。用传统艺术，尤其是民族的文化艺术来丰富数码艺术创作，以弥补数码艺术创作中艺术文化内涵的不足，解决在现代数码艺术创作中存在的视觉表现，以及认识和发展方向的问题，是正确表现数码艺术创作中传统绘画艺术美的关键。
形成传统艺术形式和数码艺术创作审美情感的差异，首先是文化传统渊源的不同。传统绘画艺术创作是建立在深厚的文化底蕴和历史渊源之上的，蕴藏着众多的地域风情和民族文化。传统的艺术精粹形式丰富，包涵着深刻的文化积淀、民族的心理情感、风俗习惯、审美观念及审美情趣。传统绘画艺术所体现出深远的历史传统，众多的风格流派和博大的地域民族文化，以及传统绘画的笔墨造型和传统艺术的文化渊源，都在人们的心理情感交流上造成亲和力，产生心灵的共鸣。而新生的数码艺术创作是在科技和工业的基础上发展起来的，在美学情感上缺乏传统文化基础，在表现形式和内容上有较大的局限，使人产生在文化遗传上的陌生和疏远。其次是因为现代科技的含量导致创作和表现的差异。延续了几个世纪的传统绘画，尤其是传统的工艺美术，除了在技法和材料上的创新外，还没有受到过像现代数字化所带来的这样巨大的冲击。在人们还普遍认为传统艺术只是存在于笔墨和传统工艺的材料技巧之间时，数码技术这一高科技的创作方式进入到艺术设计领域，就需要有一个认识和接受的过程。传统的创作技巧和绘画笔墨造型，导致了人们对传统绘画艺术价值的认可，但是由于对数码技术的创作形式缺乏足够的认识和接纳，引起人们对数码艺术造型在情感上的距离。数字化图形处理技术是数码艺术造型创作的根本基础。数码图形(COMPUTERGRAPHICS，简称CG)是指数码化的作品。作为CG一个重要组成部分，矢量图形具有数码技术对图形描述的“硬边”表现风格，适合标志和标准字等方面的图形设计，但是“硬边”风格造成了图形表现形式的冰冷机械。像素位图是CG图形的另一构成方式，是基于色彩学解决图像的数码基本技术，同样，在数码艺术创作过程中，由于数字技术的要求，视觉的感官色彩感受必须转换到对其数字化的处理，也就造成数码作品缺乏亲和力，这些数码技术的工整、精密导致的机械感，就是数码作品缺乏亲和力的关键所在，是现代数码艺术作品所普遍存在的不足。再次，作品的表现风格的差异也是造成情感差异的因素，传统绘画经过长时间的发展演变，形成了众多的表现形式和创作风格，这些传统的艺术语言易于沟通，便于同观众产生共鸣，而数码创作的机械条理导致缺乏表现语言的生动和表现形式的鲜活。申奥标志是大家众所周知的图形标志设计，在整个设计过程中就贯穿着一个传统艺术风格与现代数码艺术创作风格相融合的主题，最终使用韩美林先生手绘的笔墨表现风格来升华陈绍华先生的数码图形创作，为我们解决用传统艺术精髓来丰富数码艺术创作提供了一个很好的例证。
在数码艺术设计表现过程中，吸收不同文化、各学科领域的相互补充、借鉴是数码艺术发展的根本。结合民族的优秀传统文化和艺术形式是不断充实数码艺术设计的魅力和生命力所在。数码艺术创作也具有很多自身的魅力，她为传统绘画创作的表达和反映艺术家的创作构思提供了形象化的手段，最大限度地发挥艺术家的思维和想象力。在近50年来久负盛名的设计师中，诺曼·塞斯莱维兹(ROMANCIESLEWICZ)、田中一光、靳埭强等可以说是具有代表性的设计师，他们的数码视觉表现语言上都是独树一帜，为数码艺术设计与民族传统绘画相互借鉴和相互发展都做出很大的贡献。诺曼·塞斯莱维兹的数码设计作品表现出奇异的构思和超人的想象力，他将自然和非自然，现实和超现实，理性和反理性的事物及观念交织、揉和在一起的非凡的创造力，他对人类自身和文化传统的独特思维和观察，揭示表达主题的艺术手法，都令观者感到激动和震骇。作品“SAINTECORCHE”(圣徒的思维)通过视觉的夸张和超现实的手法表现抽象的理念，就体现了他那奇异的构思和非凡创造力的视觉语言。日本设计大师田中一光把现代设计观念和数字艺术的形式美揉合到日本传统艺术里，作品带有明显的优雅、素净和单纯的民族文化特色，又具备了强烈的现代美感，将现代意识和传统精神融为一体，以独特的表现形式和视觉语言以及鲜明的个性在日本设计界掀起一场对传统精神的再创新再创造运动。他的海报设计“染织新秀展海报”以日本传统民族服装和服作为设计符号，不仅体现了民族文化，而且在表现手法上又具备现代设计的形式美。靳埭强的数码设计作品也同样具有很强的民族特色，如：“汉字主题系列”，明显表达了对我国文化艺术的深刻理解，他通过对水墨、书法等中华艺术精粹的准确把握，形成自己那种带有很强东方文化的表现风格，完美地把民族传统文化艺术揉和到现代设计观念里面。同时在他的作品中也同样体现出了他对数字艺术创作美的准确把握和正确认识，使得两种观念相得益彰，相互辉映。数字现代艺术设计是一种新生的艺术形式，她需要多学科、多知识层面的融合才可取长补短，因此了解数字化基本原理，熟练掌握数字创作的技巧，具备艺术创作能力和艺术设计的修养，是数码技术与艺术创作设计的完善结合，是“数码艺术家”的基本素质。
西方的传统绘画从文艺复兴开始经历了古典主义、印象主义、现代抽象主义，中国绘画也经过了很多流派的演变，现代设计从设计革命开始也经历了现代主义、后现代主义等时期，而数码艺术设计创作是从单一的商业派生出来的，缺乏艺术创作的根基，造成人们对数码艺术表现的认识还趋于肤浅和一些错误的看法，在这里主要存在三个方面的误区，一是万能说，认为电脑万能是对数码技术的崇拜和夸张，是对艺术的基本创作规律和表现形式肤浅所产生的错误观点，以模仿的技术代替艺术的原创可以说是非常幼稚的认识，是对数码技术模仿和创造的关系认识不够。只有正确认识数码艺术设计创作和再创造的表现特点，才能更大限度地发挥其优势。二是纯商业性，由于电脑是从科技和工业中产生的，“数码艺术”这个概念在这里缺乏艺术的遗传根源，不具备纯粹的艺术因素，商业是数码技术的最本质的发源因素。艺术文化在数码技术表现的时间不长，以至于至今还很难把数码艺术上升到一个更高的艺术美学地位。随着数码艺术的不断发展和艺术创作形式的更新，其艺术价值将打破自身本来的纯商业性，在艺术创作领域占据更重要的地位。三是人们对数码艺术价值缺乏正确的认识。传统绘画艺术创作是建立在深厚的文化底蕴和历史渊源之上的，蕴藏着众多的地域风情和民族文化，传统绘画艺术的历史传承、民族风格等因素，受到广泛的认可，其艺术价值也倍受尊重。和传统艺术作品的惟一性相比，数码作品批量生产的因素直接影响到对数码作品的心理感受的不同和价值认可的降低，但是我们应该正确认识到数码作品不仅是体现一种科学技术，而是体现一种新兴的艺术现象，她有着自身的视觉语言和传达方式，所以数码艺术价值是不可以用传统的价值观来衡量的。
计算机不是人脑，但是来自人脑，应该认识到计算机是人脑的延伸和扩展。任何一门艺术的表现形式都不能说是尽善尽美的，电脑美术也同样有其不足，但具备艺术修养是电脑美术的根本前提，电脑表现形式的不足可以改善，而艺术修养的匮乏就决定了电脑美术作品的命运。今天，我们不仅需要艺术设计者能熟练地掌握计算机各类图形软件的使用，而且也需要尊重艺术创作的规律，以人为本，注重美学修养，电脑美术是一门新兴艺术，需要我们共同努力才能使其健康成长，这样才能创作出更多的好的电脑美术作品。
参考文献：
(1)〔美〕王受之.世界现代设计史(M).广州：新世纪出版社，1995.
传统艺术的认识范文5
中原民间艺术帮助学生改变思维模式发挥创作想象－－中原民间艺术体现了千百年来河南人民沉淀形成的集体审美意识，是民间艺术家们集体智慧的结晶。认识、借鉴和运用中原民间艺术的创作方法和表现技法，理解其独特的概念与形式可以培养学生宽容的艺术态度，理解中原文化的美学内涵以及民间艺术的存在价值，拓宽眼界，可以塑造一种全新的自由而浪漫且富有独特文化气息的设计创作手法；中原民间艺术可以赋予设计新的生命力－－中原民间艺术历史沿革下来的特定制式，与教学中艺术设计知识与技法的融合可以全面拓展学生艺术设计的空间领域。
二、中原民间艺术与高校艺术设计课程相结合的意义
新一代的艺术设计专业学生对于中原民间艺术的制作技艺由于不了解而表现出消极态度，使得民间艺术的传承岌岌可危。高校作为传播知识的阵营肩负着民间艺术传播、传承、发展的大任，将中原民间艺术与高校艺术设计课程相结合具有重要的现实意义：了解并学习民间艺术有利于提高学生的专业素质－－将中原民间艺术融入艺术设计课程教育，为设计的学习提供具有本土传统特色的资料，其深厚的历史积淀，对艺术设计专业的学生非常有帮助；能够促进高校艺术设计课程建设的完善—根据设计专业课程的特点以及中原地域性，有侧重地选择中原民间艺术的精华，实现民间艺术与高校艺术专业课程的融合，有助于民间艺术的研究，在学习过程中培养研究的人才。
三、将中原民间艺术融入地方高校艺术教学的实践性
近年来，我国高校艺术教育不断加强，但是民间艺术的学习却是高校艺术教育的盲点，河南地处中原，文化积淀深厚，在民间艺术方面有很多值得挖掘的东西。而地方高校在建立民间美术教学体系中，具有天时、地利、人和的优势。
1．理论教学与学生实践相结合，开设中原民间艺术相关课程，讲授中原民间艺术并展示作品，让学生观摩、理解，再指导学生实践一些容易掌握的民间艺术作品创作，并定期将同学们的创作成果进行展示、汇报，给学生们提供一个能够交流探讨中原民间艺术的平台，引发其对中原民间艺术的兴趣。
2．根据高校设计专业课程学习重点，有侧重地选择中原民间艺术的精华，实现民间艺术与高校专业课程融合。以动漫专业为例，在专业基础教学中，可以侧重中原民间艺术资源中的剪纸图案、刺绣纹样、瓷器、木版年画等传统图案元素，为动漫艺术创作打下坚实的绘画、审美、表现功底；在专业技能教学中，侧重挖掘民间传说、民间文学、民俗、戏曲等表现元素，实现学生对传统知识的掌握和技能的提升，从而创作出具有民俗视听风格的动画，使高校动漫教育更加合理化，形成动漫艺术教学特色与风格，从而进一步完善高校动漫专业课程建设。
3．邀请民间工艺大师定期举办创作演示、座谈，或者聘请专家举办讲座，深入剖析相关理论，提高学生的学习兴趣，使同学们对民间艺术有迫切的向往和追求。
4．有计划地组织学生进行校外采风，实践民间艺术，让学生感受原汁原味的传统民间艺术和民间艺术家的精湛技艺，激发学生创作欲望，增强动手能力，了解民风民俗，领悟当地的民间文化，体会民间艺术生存的环境。
传统艺术的认识范文6
1 大学校园的现状
当代社会，现代网络和计算机技术迅速的发展，汉字有着重要的传承特性，但是其重要意思已经被大多数人所忽略，而富含中国传统艺术特点的书法，越来越少的人去进行专门去学习以及研究。当代大多数的学生都比较喜欢新鲜事物，却对具有人文底蕴的书法认识很少，导致了部分传统艺术的缺失。再看现在的大学校园，到处都充斥着无聊与迷茫、浮躁与功利，在这个实物化、数字化、信息化的时代，对人文教育进行加强，进行校园文化构建已经迫在眉睫。因此，高校应该更加重视学生的书法艺术的培养和熏陶。
1.1 大学书法现状以及原因
因为网络技术的发展，电脑打字已经悄悄地改变了很多人的手写习惯，使得以前的手写文书时代已经被电脑时代所替代。针对这种现象，某些调研机构做过调查，超过一半以上的学生对电子产品产生依赖感，稍微遇到些复杂的汉字就需要用电脑或手机进行查询。这种情况的具体原因是高校学生对书法认识上的足，思想上的不重视。大多数学生只是注重专业课的学习，而对于平时的书写技能抱有无所谓的态度。另外，学生在写字的时候，并不在意写的是否好看，甚至认为只要能够看懂就可以。他们认为即使写得再好，也不能提高专业知识的掌握程度，所以逐渐的忽视写字，导致字间的行距不合理，潦草难认，笔画不清晰。
1.2 高校文化的现状
当代的大学教学，注重的是对于知识以及技能的培训，很少进行书法等传统艺术的教学，甚至是课程教学任务的布置一般也是要求电子版，很少有手写的书面作业。学校内能够接触书法艺术的一般是中文专业的学生，其他专业的学生很少有接触书法知识的机会，导致了现阶段的大学生对于传统艺术的认知渐行渐远。当代社会是一个电子产品横行的年代，许多大学生甚至认为学习传统文化知识是一种落后的表现，他们一味地追求物质享受，而不注重对于精神层次的培养，所以，进行大学的书法教学已经迫在眉睫。通常来讲的人文教育指的是，学生身上自然流露的文化修养和内涵，它包含着丰富的内容，其中就包含对于本民族的文化的认同与传承。它涵盖了艺术的感受能力、高雅的审美情趣、良好的心理质、健康的人格等多个方面。想要提高大学生的文化底蕴，仅仅依靠课堂的教学是远远不够的，必须有一个良好的大学文化的氛围进行熏陶。校园文化是学生日常生活中物质的环境以及精神的土壤，对于他们心灵的启迪是在每时每刻的，有利于其灵魂的塑造。校园文化的内容多种多样，但是书法艺术是其中不可或缺的部分，它承载了中华文化的历史，学生进行书法的学习有着重大的意义，绝对不容许忽视。
2 进行书法培养的方法
汉字是一种具有独特魅力的语言文字。在漫长的发展演变过程中，由萌芽初创到成熟完美，从象形符号到表意文字，汉字的书写体式也由象形到篆、到隶，再到楷、行、草诸体，通过对用笔、结体、造型等的不断美化，构成了汉字的形式美。而以书写汉字作为表现形式的书法艺术，则是艺术园中的瑰宝。书法是我国独特的艺术。
2.1 进行书法艺术的培养应当以鉴赏为主
虽然书法艺术是我国的国粹，是文化的积淀，但是对于普通的大学生而言，拥有书法的良好鉴赏能力就足够了。毕竟大学生的知识面也比较广，对于书法所表达的意境也能够有所理解，通过对于书法的鉴赏，了解作者的心境，在弘扬传统、继承古人碑帖艺术的同时，积极面向当代，与时俱进，开阔广大同学们的艺术视野，进而提升境界与品位，进而启迪自身的灵魂，了解其中所蕴含的民族过程就是目的。进行书法的鉴赏有利于提升学生的审美能力，因为鉴赏过程就是一个感知美的过程。
2.2 与个人水平以及实际情况进行书法艺术的学习
很多地方的书法艺术的教学走的都是形式主义，不注重学生的个人素质，盲目地进行教育，学生对于其中的精神无法了解，进而导致他们没有兴趣进行深入的了解，从而违背了学习的目的。所以高校在进行书法教育的过程中，可以有计划的、有组织的，利用学生的课余时间，安排学生进行知名的美术馆、博物馆的参观，以及其他形式的展览，鼓励其进行更深层次的探索。同时，高校还可以组织不定期的讲座等，引导学生进行思考，从而帮助学生从感性认识到理性思考的转变。
2.3 与传统的文化精神相结合
书法教学离不开传统文化的教育，因为传统文化就是书法艺术的根源，只有了解中国的历史，才能切实地感受到书法艺术的魅力，才能身临其境，进而产生灵魂的共鸣。通过书法艺术的教学，有利于学生增强对于民族文化的理解，增强民族荣誉感，增加民族的向心力，同时有利于个人素养的提高，正确的审美观、世界观、人生观、价值观的养成，促使其全面健康的发展。同时，可以更深一步地通过沉积在书法家、书法作品语言深处的文化层面，传达给学生对于人生、历史、精神的深刻体验与理知，使书法史不仅仅成为书法史，书法家不仅仅是书法家，而是浸润在历史文化中的文化人，升华学生的经验与体会，这样有可能改变受教育者长期形成的印象，认识到在古代书法家精湛的技艺背后，是整个文化素养的支撑，从而达到文化建设的目的。
