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西方古典艺术特点范文1
第一是因为利益，我们这个民族是缺少真理追求的，利益就是真理。在利益面前能够不崩退的是很少的，我们的文化里面缺少信仰成分。第二是根源于知识结构，知识结构决定了中国画家无法理解现代艺术。所以为了保卫自己的利益，保卫自己所掌握的一点权力的状态下，简单的否定。只到现在为止，真正理解和喜欢现代艺术的画家是很少的。
但我是非常肯定和喜欢现代艺术的，原因有以下几方面：
第一，人类文明的发展绝对不以个人意志为转移。现代艺术是人类认知自然的必然产物。艺术的第一个功能便是认知功能，就是艺术家如何认识世界的。现代艺术产生之前，艺术家认识的世界是表象的，追求外表真实是人类认识大自然的第一步。艺术家在第一步上要做好，就是要画像，用自己的智慧去复制大自然，所以出现了达芬奇。通过模仿来研究自然，这是人类认识自然的第一步。
第二，所有的古典艺术都有一个特性――强调统一性。如文艺复兴时期西方文化从神性走向人性，把西方艺术从宗教的枷锁中解放出来，但他们的美学标准是不变的。他们要复兴古希腊的美，复兴庄重典雅和谐内涵的美。不管达芬奇亦或是米开朗基罗，都遵循了这些美学标准。画面和人物造型是严谨的，即使再狂放表现出的肌肉仍然是饱满圆润的，拉菲尔更是如此。鲁本斯是以狂放著称的，包括伦勃朗的一些作品。他们不管什么方法什么特点，古典美学的精神在他们每一个作品中都不缺少。艺术家虽然从中世纪解放出来，虽然能够表现现实生活，但对艺术作品价值的判断没有丝毫改变――崇尚古典美。直到安格尔作为一个终结性的人物，完满地实现了古典美的范本。艺术家的思想禁锢在一个版本里，美学标准没有发生变化。集体代表性的意志和审美判断必须遵守。这就意味着个体的价值不是很重要。
而现代艺术真正反叛的就是共性，现代艺术强调的是个体的价值。个体价值的背后是尊重每一个人的价值，本质上是平等的观念，而统一的后面，标志着专制。统一的意志和审美、统一的意识形态本质上是专制。是一种文化轨道，脱离轨道就不被认可。
现代艺术强调个体价值颠覆了传统的意志和传统的审美。这种颠覆的背后强调的是平等精神、自由精神。平等和自由精神只有现代文明才具备，古典文明不具备，或者说成分很少；所以肯定现代艺术是站在这个立场上，并不是说现代艺术就是随便画，现代艺术背后的价值和精神承载了当今时代的人文精神。从这个层面上讲没有理由反对现代艺术。这个问题的背后是现代人文精神，不是简单的好与坏，画像与不像的问题、这回到了艺术的本质――寻求和推动人类精神文明的发展。否则凭什么讲画的好与坏呢？难道仅仅就是说谁画像和不像吗？看待历史的时候要把眼光放远；而不是看表面，所以追求现代艺术本质上是敬仰它背后的平等自由的现代人文精神。
艺术的规律达到高峰的时候，就是一种观察方法一种理念的完善。比如说中国画里面的文人画，到了元朝就已经达到了高峰，在文人画里面没有人能超越黄公望、倪瓒，后面再想超越只能证明是无知。如果还能被超越那前面的就不是高峰。所以在传统的基础上创新这句话必须是在高峰没到之前继续创新。一旦高峰已经过去，所做的最多只能是重复。艺术家要对自己的东西及其坚守和自信，但自信是有条件的，就是文明发展的脚步。
艺术有一个规律，凡是一种文化做到极致无法超越的时候，往往会重新回归生活，这符合人类永远是自然之子的道理，人类所有的灵感都来源于大自然。当无法解释现有问题的时候，只有重新回归母亲的怀抱，重新寻找和定位人与自然的关系，希望从中找出新的出路。印象派毫无疑问就是做了这件事，就是重新回头，他不是为了证明或者重复古典画家的伟大或正确，而是要重新颠覆传统，找出颠覆合理性的根据。
印象派如果按照现代艺术眼睛向内看；古典艺术眼睛向外看的判断来讲，印象派属于古典艺术。但是客观上它又不属于古典艺术，因为它画出来的作品在外在的形态上和古典关系不大。印象派是户外写生，它是研究物体在阳光下细微的色彩变化，不是用古典的法则去看世界，而是在阳光下寻找新的规则看世界。它是破坏性的也是创造性的，所以印象派是古典艺术和现代艺术的中转站。印象派最大的贡献一辈子的努力就是寻找阳光下的自然规律。
西方古典艺术特点范文2
关键词：中国当代油画；探索；语境；主观感受
中国古典写实油画，盛行于20世纪80年代中后期。有人认为，中国的古典写实油画有明显的模仿气息，不很喜欢。确实，古典油画在欧洲已经流行了几百年，要想创新超越谈何容易。油画对于中国来说是舶来品，由于艺术语言的特殊性，就得沿袭深厚的西方油画传统。中国油画侧重的是古典精神和处理材料的技法，画家们希望运用更加纯正的艺术语言表达主观情感。
在中国，几代绘画艺术家们一直在古典主义画风的油画语境中追寻、探讨，从中吸取精华，试图创造出个性绘画语言。早先有靳尚谊，后有杨飞云、王沂东，现在又有许多画家锲而不舍地吸收与转化。
古典主义画风的精神内核是审美上的高尚典雅与幽静恬然，它重在强化写实画面的唯美性，探究画面人物形象比例结构的理想化。“形”，在古典写实油画中是一个重要元素，但我们从艺术作品中更多地看到艺术家的主观思想和智慧。
艺术的语境是无限多样的，因为生活现象和自然景象是绚丽多彩的，艺术家的创作灵感来自于自然界，源于生活感悟，因此，画家的作品所体现出来的语境也是多姿多彩的，它可以真实，可以含蓄，无论是内容还是风格，都独辟蹊径，别开生面。油画中的“语境”非同一般，是通过作者与欣赏者思想上产生交流才能体现出来的，这就必须建立在一个共同的生活基础上，有着共同的文化底蕴、历史背景，通过彼此思想共鸣、共振才能体味无穷的语境魅力。
油画绘画是用形象说话，语汇就是物象视觉传递的载体，艺术家以形象符号为“语言”与欣赏者对话。杨飞云是当古典主义油画的代表，他用造型艺术的方式提醒人们关注艺术的灵魂和美的根源。他所采用的绘画语言是传统的，学院式的，他所专注的古典写实语言始终是视觉语言在审美意义上的延伸。杨飞云力图在作品中创造描绘对象内在美和外在美的和谐统一，在他的油画世界里，女性几乎是一个“永恒”的创作题材和主题。在其大量作品中通过刻画温婉、淡雅、纯洁的女性形象，凸显东方女性的美。他的女性题材画作中，一部分是象征性的，具有内涵的典型性、理想色彩的创作；另一部分是贴近现实、贴近生活的创作，在普通生活中捕捉一些有美感的对象，展现亲切的平常环境和人物美。杨飞云说，艺术的特点，一个是思潮性，一个是永恒性。古典艺术不是一种风格或样式，而是蕴含一种永恒价值的艺术。古典艺术在当代之所以存在，就是因为它有着永恒性的情感、审美和生命力，所以在反映现实生活时，尽可能在所看到的人物里面寻找表现的价值，而不是去追求那些风潮性的东西。陈逸飞也是古典油画写实的代表人物，他的作品最大特点是在写实中渗透着中国传统的美感。无论是描绘江南水乡的风景还是生动传神的女子肖像，无不体现画家的一种追求：“运用西方的技巧，赋予作品中国的精神”。作为玛勃洛画廊首位的亚洲画家，陈逸飞的油画作品注重画面上弥漫着宁静和柔美，在写实中渗透着东方神。《浔阳遗韵》便是其中的代表，通过描绘穿戴清末装束的妇女肖像，反映了一个时代中国妇女特有的生存状态，在很大程度上倾注了作者的怜爱与同情，也从另一层面激起人们的怀旧情感，以传达特有东方情调和精致的油画写实技巧，从而博得艺术界和收藏界的好评与青睐。《微曛》描绘的是一个古典女子坐在凳子上休憩，通过对女子的深入刻画，引起欣赏者聚精会神的关注，激起强烈的美感并延伸出无穷的意趣，堪称油画典范。
语境的表现包含艺术家精湛的技法和技巧，是一种深度的创作，这种创作是把物象变成有趣味的显示型符号。很多人认为古典写实主义绘画太迷惑人了，由于她外表的细腻和逼真，最容易被人们所接受，不管是懂艺术的还是不懂艺术的，只要见到她，就被她的外表所吸引。但也有一些人认为古典主义油画就是抄袭临摹，对它们很反感。在中国发展起来的古典写实油画具有自己的特色，当代艺术家们在不断地变革和创新、探索，力求加强油画的艺术感染力，富含语境，坚定自己的艺术道路，创造了更多更美好的艺术作品。
参考文献
［1］陈杨.油画中“行”与“意”的追求.新美术，2009（5）.
西方古典艺术特点范文3
郝重海， 1968年生于内蒙古呼和浩特， 1988年考入中央美院油画系第一画室，师从于著名油画家、中央美院院长靳尚谊。雕塑代表作品：《中国纪念碑》、《大连建市百年》、《中国乳都》以及北京奥林匹克公园民族大道艺术工程――《民族和谐阙》《民族之花》《农历坛》等。
《北京奥运和谐阙》
靳尚谊油画：《青年女歌手》
解密 央美第一画室
中央美术学院油画系第一工作室自1959年吴作人先生创立至今已经55年了。郝重海在美术学院期间是第一画室的黄金时代，当时靳尚谊先生主持，还有潘仕勋、孙为民、杨飞云、朝戈等几位老师教学。郝重海认为，人们所说第一画室的所谓“古典”油画风格其实是一种误解。第一画室的特点可以概括为强调“写实”、强调“素描”。
当时，郝重海也深受靳尚谊先生影响，对文艺复兴及其以后写实油画艺术传统进行了深入的学习和研究。谈到文艺复兴就必须上朔到古罗马以及古希腊的艺术。这一艺术体系区别与世界其他艺术形式的核心就是“写实”，写实的基础就是三维空间。他们当时的学习围绕三维空间的认知和表达进行，学习的目的就是掌握空间的艺术表现力。可以说在这种写实的传统下，油画和雕塑没有太大的区别。只不过油画需要把三维空间的场景做一个图像式的转换而已，类似于照相，所谓风格就是解像方式的区别与变化。西方绘画艺术从古至今的根本属性就是基于这一传统，“图像”。西方传统油画艺术表达的路线图简单说来就是这样的：观众，观看平面的绘画――引起真实空间的联想――被表达内容所感染。反过来，创作者，构思想表达的感觉――构筑虚拟三维空间――转化为绘画图像。这样看来，中间的三维空间阶段是西方写实绘画的根本所在，这和雕塑的实际的三维空间在概念上完全一致。在这一体系中“素描”实际上是空间到绘画的转换技巧。所以在学习传统写实油画的过程中，“素描”非常重要，是基础语言，但更为重要的是三维空间的概念，是素描语言的基础，如果没有基于三维空间的观察力合想象力，素描将不复存在。
郝重海在回忆央美学习的日子，也表达了他对于老师的情感：“师从靳尚谊先生，是我的荣幸，他为我开启了一扇大门。从他这里我知道了搞艺术不仅需要天赋与感性，更需要科学和理性。虽然当时我没完全弄懂什么是古典精神，为以后的人生观和艺术观的形成产生重大影响。”
从古典画室走出来的郝重海，对于古典他有自己的一番见解：他眼中的“古典”是心中的古典，即古典精神。不是一种样式，而是世界观与艺术观。他认为艺术中的古典与现代最大的区别在于看待世界的的出发点不同。古典主义是更多的从大写的“人”的角度看待世界，包含人类的理想主义以及更多的人类社会宏观的认知和共性的表达。现代主义则更多的是从个人的角度看待世界，包含人个体的情感以及更多的具体感受和个性的表达。从这个意义上讲靳尚谊先生强调的从文艺复兴开始的传统，只能说是写实绘画的传统，跟古典精神毫不相干。郝重海认为与其说文艺复兴是一个传统的开始，不如说是西方古典精神的最后辉煌更为恰当。如果用具体的作品来形容一下 “古典”：西方，文艺复兴以前，包含中世纪基督教艺术、罗马、希腊以及埃及其他古代艺术都是古典艺术。东方，中国文人画兴起以前的，包含唐宋、秦汉、先秦以及印度及其他东方古代艺术也都是古典艺术。有意味的是，正是西方的文艺复兴艺术和东方的文人画开启了艺术世界的“个人意识”的兴起，“个人意识”埋葬了古典艺术，造就了现代艺术，当代艺术更是“个人意识”的滥觞了。
构筑 城市古典气质
在郝重海从中央美院毕业后的四年间，他都在为生活而奔波，直到1996年的一个偶然的机会，一位老师听说他是学油画的，推荐他为雕塑家画效果图。当雕塑家的方案被定制方屡次否定后，雕塑家决定让郝重海一试，结果这就打开了郝重海的雕塑创作之路。可以说，不是郝重海选择了雕塑，是雕塑选择了郝重海。
P：似乎你的雕塑作品都有很厚重的体量感，稳重、扎实的感觉？
郝重海：由于我师从靳尚谊先生，自然对文艺复兴以及古典艺术多了一些了解，虽然上学时没有理解真正的古典精神，也没有学会古典的油画，但那个时期的学习对我的艺术观形成起了很大的作用。永恒、力量、和谐、秩序等这样的具有古典主义的气质慢慢融化在我的意识里。这种气质的物化结果就是在作品上显示的厚重、稳重、扎实的感觉。另外，我的作品大多是公共艺术，设置在公共空间的艺术作品，对观者具有强制性，不论你喜不喜欢、爱不爱看，都会被迫看到，这样的作品就不能是作者纯粹的自我感受，它必须承载一些社会责任，这种责任当然应该具有一定的正面意义。公共艺术一般都是由公共投资建造，多为永久建筑，虽然也可以表现一些现实的即时性内容，但它的深层多为相对永恒的内核。这些公共艺术的特征，客观的提出了要求，而这种要求和我的艺术理想产生了契合，这也是我能一直坚持从事公共艺术的原因。公共艺术不断为我提供的刺激，反过来也使我对社会、对自然、对人生价值、对艺术的本源做深层、宏观的、大跨度的思考。这种思考和反省在个人价值至上的当代，有着堂？吉诃德式的悲壮。
以这样的艺术观指导下的创作，在极端个人意识为艺术主流的当下，经载的辛劳比不上一声应时的尖叫，郑重的论述比不上轻佻的反讽。这样的社会真的需要古典精神的回归，真的需要骑士、需要士大夫，哪怕真的像堂？吉诃德一样。我幻想着厚重、扎实、正直成为时尚。
P：你是如何理解公共空间雕塑的？在户外，有光影、天气、人，不同的影响，很多不定性的因素。
郝重海：雕塑在户外公共空间中，或在户外公共空间中的雕塑形态的公共艺术。按照创作手法来看，可以都叫做公共空间雕塑。我习惯把在户外公共空间中的这种作品，叫做“构筑物”。在创作时，自然环境、社会环境、人文环境都会对作品的形态产生影响，有各种各样的限制。和个人创作相比，公共艺术可以说是“限制创作”，更需要我关注更多东西，其他门类的艺术、建筑、文学、自然科学、社会学、经济学、乃至哲学都是必要涉猎的领域。这是公共艺术的困难所在，也是魅力所在。我更愿意把 “空间的雕塑”看做“构筑物”，也可能是一件雕塑、也可能是一座建筑、也可能是一棵树、也可能是一块广告什么的，也可能什么都没有。有限的自由蕴含着无限的自由。
P：现在公共空间雕塑逐渐成为城市的一张文化名片，你是如何看待城市雕塑的发展？
郝重海：这是一个中国特有的话题。现代意义的城市在中国的历史很短，建国以后才开始系统的建设，更多的重视城市功能的建设。随着中国城市化的进程，近十年中国的城市系统取得了飞速的发展，但距离功能完善和成熟还有相当的距离。在飞速发展的过程中，越来越多的城市开始重视城市的文化形象建设，公共空间的雕塑起到了很好的作用，很多优秀作品成为城市的名片，这是从没有到有的初级阶段，人们对公共空间雕塑从点缀、到标志到纪念物有了一般性的概念认识。随着城市的建设逐步完善，城市文化逐渐发育，城市中的艺术品就会从浅层逐步深入其中，成为城市的灵魂。
闪念 金色灵感碎片
在宏大的构筑过程中，郝重海的脑海也会闪烁出细腻的情感，他将其诗意地抒写记录下来，汇集于方寸之间的黄金艺术。
P：现在你还创作黄金艺术品，从宏大的城市雕塑跳跃到咫尺之间，感觉会不会差很多？
郝重海：我创作大型雕塑和小型黄金艺术作品，在技术、艺术上没有看上去那么大的差别。我把我的黄金艺术作品称作“灵感的碎片”。我在构思大型雕塑的过程中，为寻求更多的可能性，会产生大量的思维闪念，这种闪念绝大多数都不会变成雕塑，尤其公共雕塑，但都会有闪光的价值，哪怕很小，非常可惜。我创作的黄金艺术作品的灵感就来源于此。另外创作的手法都是运用雕塑的语言，本身毫无障碍。如果说差别，小型黄金创作更加自由，多了一些随性。
P：为什么你会如此钟情于黄金？
郝重海：黄金是自然界特殊的稀有金属，有着稳定的物理属性，更有着独一无二的美丽的金黄色泽。由于黄金有着和阳光一样的色泽，在人类社会的早期，被看做是太阳的象征，用于对太阳的崇拜。后来引申为尊贵地位的象征，人们赋予了黄金无上的精神价值。随着社会物质的丰富，由于它的稀有和尊贵，成为财富的担保，进而成为财富的象征。人们赋予它的物质属性渐渐超过了它的精神属性，直到成为世界性货币。我要尝试用文化的力量，用艺术的魅力还原黄金的本来面目，尝试用黄金所承载的精神力量来唤醒人们内心的精神渴望。
P：在你心中，是否还有很多细腻的文艺梦想？你追求的艺术境界是什么样的？
郝重海：我曾经看一个老篾匠编制蔑器，竹篾锋利无比，在他手上，上下翻飞却柔顺、细腻，一件件精美的器物优雅、从容的创造出来。从早到晚，终日不辍。以此终老，不亦悦乎！
《五象广场》
《抗战纪念碑》
《乳都》
大连《建市百年纪念》
西方古典艺术特点范文4
【关键词】古典绘画艺术；诗词与书法艺术；青铜器和陶瓷艺术
一、引言
随着中国社会主义现代化经济和科学文化的飞速发展，在商品的流通环节中，商品的包装日益受到人们的重视。因此，现代包装设计应时代潮流的发展，具有了相当重要的地位，所承担的任务远远超越了原有的包装机能，其作用更广泛地位体现在生产、存储、运输、宣传、销售、使用、回收处理等各个环节上。包装除了保护、宣传和促销等作用外，更成为产品的重要组成部分，它与其内容物品密不可分、息息相关。世界上最大的化学公司杜邦公司的营销人员经过周密的市场调查后，发明了著名的杜邦定律：63%的消费者是根据商品的包装和装潢进行购买决策的；到超级市场购物的家庭主妇，被精美的包装吸引，所购物品通常超过她们的预期购买数量的45%。可以看出，包装是商品的脸面和衣着，它作为商品的视觉形象进入消费者的视线，强烈地刺激着消费者的购买欲望。
二、包装的作用
在经济迅猛发展的今天，不同的产品充满着整个市场，竞争之激烈，已促使各企业通过多种途径来引起消费者的注意。比如通过电视广告、报刊广告、他人的介绍、品牌的信誉等，但这些并不足以最终导致购买行为的发生。在超级市场的零售方式中，消费者的购买信心很大程度上是通过比较来完成的，残酷的商业竞争使设计师面临着前所未有的机遇与挑战。因此，在如今的设计界中，突现个性理念、展示深层内涵已日益成为设计中必不可缺的核心精神。
由于包装不再仅仅是单纯的保护商品的作用，还要起到了美化商品的促进销售的功能，一件商品的包装设计直接影响着商品在市场上的销售和推广。所以付与不同的商品包装与不同的设计元素加强商品的视觉传达，是作为包装设计师应首要考虑的问题。我们要根据一定的产品形态和属性，运用适当的材料与造型结构、文字、图形、色彩等技术处理，使之实现包装实体和功能化的综合。在现代社会中，设计理论的研究已不仅是一门学科的深入剖析，而应是多种学科交叉的统观。把包装设计活动作为一种文化现象来关照，也就不仅是简单的物质功能的满足和精神需求能一言蔽之的，其中的内涵是现代设计师们所必须探究的。
文化是人类历史实践过程中所创造物资财富和精神财富的总和，那么包装设计文化是否可以说是包括人们的一切行为方式和满足这些行为方式所创造的事事物物，以及基于这些方面所形成的心理观念。所以说产品的包装设计优劣，归根到底还是体现在文化艺术的修养上。那么博大精深的中国古典艺术为现代包装设计提供了广阔的思路。
三、中国古典文化对包装的影响
源远流长的中国古典绘画艺术，在几千年的演变过程中，它依托着古老的中国古典哲学和文化的深厚背景，形成了自己独特的美学理论及包现形式和艺术风格。我国古代古典绘画和书法艺术，最根本的特点是抽象审美意识。中国的绘画艺术，由于当时基本不懂视觉＊＊的表现原理，绘画的空间是置于直线或是二维平面上。虽然随着社会的进步，各种画风相继出现，但终因中国书法美学的早成，以及中国绘画工具和书法工具的相同，使中国绘画始终未出现象西方那样的写实流派。不过正是如此，中国画则是以神为主导，以神写形，他所表现的抽象性和写神，写意性，达到了很高的美学意境。除中国画外，我国还有许许多多的造型艺术语言都具有很高的审美价值。楚文化中，那幻想和现实交相辉映的帛画，那黑底上红、黄、蓝、白跳跃的漆绘，展示了一个象征和符号的王国，一个超模拟的神话境界。使我们心灵深处激起层层波澜，使我们得到某种不可言语的审美享受和某种激情的精神力量，似乎它们也是和我们一样和我们共时存在。还有，汉代画像石的绘制和雕刻，有着广阔的艺术创作背景，兼顾抒情写意，写实与写意相融的风格。中国绘画抽象的审美意识，正是符合包装设计中舍弃对于商品形象的一面，这对于一些不好表现质感和优劣的商品无疑是极佳的构思，在一些包装装潢的设计时可以运用国画布局使其气韵贯通，意境悠远。而且，中国古典的造型艺术语言已在中国人民脑海中扎下了深根，所以，如在包装设计中有效的运用它们，如在设计酒的包装时，运用那些古典，原始的造型作为容器，再绘制传统的图案，美丽的传说，如“酒鬼酒”、“广州天意文化设计的《红楼梦》书籍装帧”、“湘泉”等，往往能不同层次的顾客心灵上引起共鸣。优美的古典诗词和书法艺术，是设计出浪漫作品的灵感源泉，一个好的包装设计往往能通过诗歌艺术那优美的意境和音乐般的韵律，加之现代设计的表现手段，设计出浪漫、亲切的作品来。一些设计者通过巧妙的构思把画面处理的充满了诗情画意，让顾客产生丰富的想象。中国的诗歌艺术起源悠久，《楚词》“唐诗宋词”都富有极高的美学价值。“无边落木萧萧下，不尽长江滚滚来”“飞流直下三千词，疑是银河落九天”，这些不朽的绝唱一下就能把读者的思想带到一个特定的意境中去，使读者获得一种恍惚天上人间的美感。并且在包装设计中，诗歌一般是通过书法来表达的。中国的书法，不仅形式优美，装饰感强，且线条优美，具有节奏感，气韵贯通。这与诗歌艺术注重韵律，讲究平仄对仗，读起来朗朗上口，富有音乐感的特点相得益彰，达到一种画面与诗歌的共鸣，一种只有中国文化才可以达到的妙不可言的境界。例如“酒鬼酒”整体设计就是通过书法艺术和中国画的结合。当顾客可能还是在选购的时候，拿起它的外包装，读出包装上的诗歌时，就已经产生了无限的美好的遐想，更不用说他喝着酒时的那种美妙了。这比起外国包装中的将几种颜色搭配起来然后配上商品的名称显的丰厚许多，亲切感强，容易引起顾客的喜爱购买。现在，也有一些设计师将外国的构成艺术引入包装设计中，单纯的组合几块颜色，摆放线条，这样的作品虽然具有一定是个性特点，但是，显的冷漠，缺乏亲切感，难与顾客沟通。
精湛的中国青铜器以及古典陶瓷艺术，简直是天然的艺术品。青铜器缘于古代祭祀，由于青铜礼器的功能、因此、在其形态、纹饰的处理上、也必须吻合于其特有的功能。青铜器上的纹饰是和盛行青铜器的每个时代的社会生产、生活、思想意识、当时的观念有紧密联系的、是为奴隶社会和封建社会初期上层建筑领域中的组成部分。由于这些青铜礼器主要在大典礼或祭祀时使用，是个极其严肃的环境场面，因此要求青铜纹饰的严肃庄严，令人望而生畏，从而增强祭祀的气氛，同时也显出奴隶主贵族对祖先、天帝虔诚、以及奴隶主贵族的“荣贵”和“威严”。中国古代的青铜器，从其功能设计来说是考虑各种设计因素的完美的设计，尽管当时的人们尚未从设计的观念意识到这一点，从我们现在的观点来分析，确实是很完美的，很了不起的设计(不仅仅是艺术品)它除了考虑其本身的价值功能外，还充分考虑了所使用的环境，与使用环境的协调，从青铜礼器本身可看到，平面设计的要素、产品设计的要素。在现代包装中，“云南凤庆普沱茶”选用了古滇青铜器上的划舟竞渡纹样作为素材，情调热烈激昂，较好的表现了普沱茶的悠久历史与茶文化的特点。古代瓷器具外形优美，线条节奏感强、其中的青花瓷色调清新、釉色莹润、瓷质细腻具有很高的品位与价值感。可以用作为酒的容器包装，达到用视觉语言直接传递出酒的历史、品质和文化价值，达到产品与包装的和谐与统一。例如“贵俯酒”的包装，以仿青瓷的表现形式结合特殊的罐型和印花工艺很好的表现了“贵俯酒”的文化内涵。
中国历代美学思想给现代包装设计提供了理论依据。上述到先秦，中国就形成了自己的美学思想。由于种种缘故，中国没有产生过系统的美学理论体系。在艺术的表现上，中国的古典艺术不单纯的追求形似，而是追求神似，追求外物与主观审美理想相结合的特质。加强对中国古典艺术的学习，就可以在现代设计中胸有成竹的运用它。“随风潜入夜，润物细无声”千百年来的中国古代审美意识就像是滋润的禾苗的春雨，充分地反映在人们的审美活动中，中国的传统艺术，甚至在许多中国人中形成了一个巨大的，坚实的封闭圆圈，影响着中国市场上与顾客最为密切的包装设计。如今，人们过着物品极度丰富的生活，面对着超市里琳琅满目的商品，不断的对比挑选着自己满意的商品。然而，研究传统发扬传统决不是墨守陈规，而的要从古老的经典的艺术中得到启发，结合现代新的技术，进一步开发设计师的设计思维。设计中要不断的有好的想象力，没有想象力就谈不是上任何创意。中国古典艺术的辉煌正是由于放纵了主观、超越了简单的模拟，升华了自己的想象力。我们中国的古典艺术就如同土壤，我们的设计如果离开了他，就会走向枯萎，走向死亡。
【参考文献】
西方古典艺术特点范文5
一、字体设计的人性化要求
字体设计的人性化要求可以分为可识别性与艺术性。可识别性包括设计字体形式的统一、文字外形的清晰明朗，不会给人带来阅读上的障碍；艺术性则包括字体设计的本身河外星的独创性可以给人带来愉悦的感受，并且不会被混淆。文字的发明标志着人类有蛮荒时代步入文明时代，几千年的文字积淀与刷选，让不论是东方文字还是西方文字都由最初简单的记事图形逐渐演变成简单精练的抽象符号，不论是文字的本身还是组合都赋予了新的内涵与意义。字体设计者在对这些既简单又抽象的符号进行设计，一方面要考虑到不能变得太夸张而影响人们的识别速度，一方面又要考虑到让其拥有独特的艺术性。这是因为如果设计出来的字体外形超出了人们理解的范围，人们就会对字体产生识别障碍，这种字体无法流传下来；如果设计出来的字体没有独特的特点，那么他就不会被人们记住来传播，因此必须在人们的接受范围内，就是说所设计的字体必需像文字而非图形。
二、现代宇体设计在传统元素影响下的发展趋势
从文字的外形来看我不难发现——象形文字的外形接近于某种线条的自由变换，而字母文字的外形更加接近于平面的图案，这种现象特别是在传统元素中显得极为突出，随着社会的发展，不论是宋体、开题、还是哥特体、罗马体，都有着新的发展趋势。以汉字为例，目前的汉字字体设计也倾向于轻松诙谐的设计风格，其实，这种风格的出现与我国传统古典艺术是密不可分的，在设计中注入传统设计的理念，字体设计积极地对古典艺术进行学习和改造，变得越来越人性化，完全对过去黑体那种生硬、冷漠的进行了很大的冲击，这也是社会进步的的表现。以拉丁字母为例，拉丁字母的设计可以看出是在很大程度上受到了后现代主义的影响，与过去严肃、端庄的设计设计风格不同的是，越来越倾向于轻松诙谐的设计风格。国外的字体设计者似乎很喜欢对传统的元素进行开拓性的变形，在传统元素的影响下，设计变得越来越具有人性化，符合广大人民的审美标准。
三、后现代主义对现代字体设计产生的巨大作用
在英国发生工业革命以前，古典的拉丁字体的共同特征虽然是庄重、严谨、规范，但是具有相当浓厚的人文气息，具有十分强烈的古典艺术情趣。工业革命以后，在艺美术运动、新艺术运动、现代艺术运动的强烈冲击下，新的字体如雨后春笋般出现，例如Stop体、Rrvice体、黑体、Gill体等，它们认为的加入了不少人们在实际生活中所需要的设计，文字越来越简化、线条越来越简单，甚至变成了图案，但是这些字体依然?生硬、庄重、粗犷，虽然符合当时工业生产的需要，但是相比之前却缺少人文气息。不可否认的是，随着现代主义在全球的扩展，这些字体一时风靡全球。二战结束后，随着生产力的恢复以及科学技术的进步，人们生活观念主线改变，向着多远、开放奔去，后现代主义开始逐渐风向全球，人们越来越对生硬、庄重、粗犷，严重缺乏人文气息的现代主义字体设计严重不满，如何找到一种让大众可以雅俗共赏的字体已经是摆在无数字体设计者的一大难题。有的字体设计中从传统元素中找到了灵感，大力挖掘出符合现代人们审美标准的原词，在此基础上进行改造和创新，例如LucidaSans体、Raavi体等，摒弃了现代主义生硬、庄重、粗犷，严重缺乏人文气息的风格，变得更加轻松、活泼、更具有人性化。
西方古典艺术特点范文6
具象这个概念是与“抽象”相对而言的。是指具体的事物形象面貌。假如给“具象绘画”下个定义的话，应该是指通过运用专门的材料技法，以绘画的形式来描绘现实中可辨认的对象、人物或者自然环境，通过具象的视觉语言符号来体现画家的文化取向和精神取向。而今“具象”的内涵已非传统意义上理解的“写实”概念所呈现的事物表象，应该更加注重对呈现事物内在精神性层面的探索和实践。总之，只要还保留着可辨的形象，具象绘画可以是写实的，也可以是非写实的。
“具象绘画”强调的是作者对客体事物的主观再现所反映出来的主观艺术理念。作者企图将客观现实与主观感受联系起来，以便表现眼中的“真实”和意中的“真实”，而“写实”绘画是不具有这种包容性。既然具象绘画是强调作者对客体的主观感受，这就不拘泥于艺术的表现形式是“具象表现”还是“具象写实”或者是其它某个样式，因为这只是具象绘画的共同属性，这里不存在着某个具象画种的特殊专利。
在读到“具象”时，就不难谈到“符号”，当然具象绘画是不会排除“符号化”的，画家对客体事物的主观感受往往会通过各种不同的“符号”化的艺术处理表达出来。
具象绘画的形式内容具有现实性或情节性的特点。因为具象绘画的表达内容或表现对象在形式上相对于抽象绘画来讲是自我限制的，它的艺术表现形式决定表现内容。抽象绘画的表现内容大多不是能够具体明确的。即使说也可能是“仁者见仁，智者见智”一百人就有一百人答案，一百个评论家对抽象作品内容就会有一百个不同的评论结果。而具象绘画往往不是这样，对于具象绘画的内容人们还是都有共鸣的。米勒的《晚钟》使人们感觉到乡间的宁静和心灵的虔诚，希什金的《松林之晨》更能唤起人们对自然风光的无限向往。
在当代非写实主义及其观念艺术盛行的今天，我们往往会产生一种错觉：“现代艺术都是由这些非具象、无规则约束的东西构成。”其实具象语言艺术一直存在着，因为形象是艺术中最资深的成员，从原始时代的壁画直到现在，形象一直是视觉艺术中被运用得最广泛的因素。即使具象形式在20世纪中被其它新奇的艺术方式排斥，但是这并不代表具象艺术会从视觉艺术中被扫地出门。在非具象艺术及其观念普遍流行的今天，具象绘画依然没有失去自己的地盘，只不过它被先锋派遮蔽，挤到了边缘地位。
若从如今来看具象油画的意义，一定和最近几年新潮美术对西方现代艺术的推介与引进亲密相关。从概念运用角度看，传统具象这个词指的是具体笼统，具体来说是实践生活或自然中实践存在的物象。那么具象一词在当今艺术美学中盛行，一是很大程度上艺术家们对树立在“摹仿论”基础之上原来的理想主义艺术的规避和疏离有关；但是从另一角度来看，具象油画画家们不愿丢弃对具体物象的描画，在很大水平上又标明了艺术家们对传统艺术的张望态度，也表明了艺术家们在艺术多元化与后现代思想源源不断的创新。
二、具象绘画与写实绘画之间的关系
在概念上理清具象绘画和写实主义绘画之间的关系，尽管两者都运用写实的技法来塑造形象但我们不能将它们混为一谈。写实主义又称为现实主义，是从19世纪从日本翻译过来的名称，特指19世纪产生的艺术思潮。它在绘画中的具体技法表现形式是写实的，从意识形态和观念上讲是面向人们现实生活的，此时大众真正成为绘画的主体形象。至此，绘画的题材扩大了，艺术家们将绘画的视觉主体，由宗教和贵族转向关注普通劳动者的生活、赞美自然、歌颂劳动，深刻而全面的展现社会生活的方方面面，表现大众生活的苦辣酸甜。而从概念上我们可以看出具象绘画指画面上呈现出具体形象的绘画，其范围要比写实主义广得多，它几乎包括了除抽象绘画之外所有的绘画流派和风格，也是包含了写实主义绘画的。有了这种概念上的区分，我们在谈及具象绘画时就不会将目光仅仅局限于“写实主义”绘画了。
三、具象油画语言与具象油画的色彩表现
具象油画语言是在古典艺术中形成的，古典艺术的真正含义是整体、综合、统一的。某一艺术形态一经形成，必将以其对精神需求的适应性而取得相对的独立。绘画语言的发展从来都不是成功模式的重复，它的语言价值体现在自然生成的原创上，体现在时代精神上。绘画语言总是随时代精神的发展而发展，这其中显现出人类的智慧，灵性，情趣和时尚。
对色彩的认知大致分为两部分，古典主义色彩与现代主义色彩。印象派应该归到哪里呢？当然要划分到现代主义颜色系统。古典主义实际色彩要的是自然视觉效果，它注重颜色的固有色的运用。印象主义要的是客观表达，色彩表现依据颜色的光学原理，要的是光照在物象所出现的环境色与补色以及颜色冷暖变化的自然效果。色彩作为视觉艺术的主要元素，在具象油画中承载着重要历史使命，它在各个阶段具象油画中的表现，和文明背景相关，展现着美术作品的时代印记和流派作风的不同，也展现出艺术家的团体化特点。
画家通过对具体事物的描绘来表达自己的情感思想，借画作表达理想，具象油画的表达发展到今天已经增添了许多新的东西，从严格纪实如照片般准确到狂放不羁狂野的表现风格，无论在形式上还是精神上，这些具象油画在新时代被赋予了很多全新的含义，尽管还存在许多争论，但是这也恰恰说明了具象油画的独特而持久的魅力。
色彩是具象油画展现言语重要的组成部分，也可以说是具象油画元素中最具有感情特征的。色彩在美术作品中表现的意义就反映了艺术家们选择颜色的团体美学之追求。人们也可以将色彩在具象油画中的展现方式分为两种，其一是色彩自身方式的展现，其二是艺术家们赋予色彩客观感情的表现。
具象油画的作者在作品中看重的是自己的内心感受，每一个画家在创作时都在寻找到自己的艺术个性与所画的作品的衔接点。具象油画的方向始终都追随真实的世界。这种真实性，就是不断接近物象本质的过程，是揭示隐藏于深处的物质本源。具象画家在创作时追求美是永恒的任务，但是他们更看重真实，只有完完全全的再现了生活的真实，才是合格的具象油画。具象油画成为现实生活的影子，我们在欣赏这些油画的时候，也能从影子里找到实际生活的踪迹，而这就是具象画家绘画创作的初衷吧。
四、中外具象油画家的绘画创作
在中国当代油画画家中，如果把杨飞云、王沂东、艾轩为代表的中国写实画派画家的油画人物作品，看作是在坚持具象传统中获得成功的案例，那么随后的如：刘晓东、忻东旺、王岩等画家无疑是在此基础上向前迈出了一步，他们都具有坚实的写实基础，同时他们在油画语言本体上的突破，也在于画家对技法理解的个人化。
在国外，巴尔蒂斯，他曾被毕加索称为“20世纪最伟大写实的画家”，巴尔蒂斯是一个传统的守望者，传统的古典主义绘画对他产生了深刻的影响。其代表作《境前的少女》《房间》《飞蛾》等作品中无论是外表姿态还是作品的布局，都体现了及其很深的古典主义烙印。巴尔蒂斯在其风格上一直保持着传统的具象样式，在当代油画中具有一定的典型性。巴尔蒂斯对东方艺术和中国传统文化有着较深的认识，并将中国绘画的一些表现因素和西方传统绘画精神融入到作品中，极大地丰富了具象油画的表现力和审美内涵。
