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油画的艺术特征范文1
关键词：印象画派 题材 笔触 光 色
印象画派的发展经历了三个阶段，其艺术特征也在不断变化。我们只有从历史的角度看待印象派的发展，才能动态地把握印象画派的艺术特征及独特规律。印象画派与传统绘画相比，其特点主要表现在绘画的取材、表现笔法、色彩运用、情感表现等方面。
第一章 印象画派描绘客观世界的真实性
印象派绘画的题材都是他们本人实际生活的世界，也就是他们所熟悉的场面、人物和风景。在古典主义绘画的传统中，现实生活并不是绘画描绘的对象，只有宗教、神话和历史题材才能保证艺术的高雅。但印象派主义者们反对传统的学院派题材，热衷于描绘喧闹而繁华的现代生活。也许正是瞬息万变的现代生活为他们的绘画观念的实施提供了一个恰切的载体，火车的轰鸣、蒸汽的升腾、19世纪的酒吧、时髦的赛马场、现代绅士和淑女漫步的树林，所有现代生活的片段都可以成为他们笔下的题材。对于印象派绘画者来，绘画不再承载道德说教的任务，而只是快乐单纯地享受来自周围视觉景象的快乐，充分体现了艺术作品的内容来源艺术家对生活的认识和理解，是艺术家与人生、社会进行精神交往的中介。
印象派画家力求用从一种全新的角度去审视对象，古典艺术关注神话、战争和历史题材，讲究构图及场面宏大舞台戏剧化效果富有文学性，而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根据自己的喜好和审美要求对画面构图进行随意剪裁。这种似乎漫不经心的构图与传统的舞台样式的构图相比，要自然生动多了。印象派画家重写生，重实践，他们大多在户外描绘外光和大自然的瞬息变化，常常在很短的时间内完成，笔触奔放而果断。他们的画，不论是即兴写生还是记忆创作， 有一种一气呵成、不求甚了和随意的特点，有一种未完成的完整性。
第二章 印象画派笔触的独特运用
印象派画家们为了达到他们理想中的绘画效果，十分讲究艺术形式，相应的采取一些新的、特殊的技法。既要表现瞬间印象，又要求色调鲜明，就必须把颜料蘸得厚厚地、以明显的、有节奏感的笔触描绘，因而形成一种宜远看的油画。如印象派的风景画、印象派的油画人物近看也是只见红绿斑烂的美，五色杂陈，站远一看，却让人感到那时阳光照耀下的真实景象和真实肤色。还有那些近看粗率零乱的笔触，远看才知道这些笔道原来粗而不乱，能很好的表现出物体的凹凸起伏和远近疏密。
印象派的色彩有浓有淡，有暖有冷，配合有强烈的对比，也有柔和的协调。莫奈是印象派画家中最具代表性的画家。他对风景题材兴趣极浓，喜欢用不透明的色彩描绘光，配以明亮而纯粹的蓝、红、黄等鲜明的色调，并用短而小的笔触点到画布上，产生一种富有生气的光的颤动效果。所以，他的画面最吸引人的便是绚丽的色彩和颤动的阳光感。莫奈和雷诺阿他们两人都采取长短不齐的逗点状笔触，这些色点的笔触能够再现他们所向往的阳光的气氛，成为印象派画家色彩实验的一种造型因素。他们在理论上证实：色彩本身不存在于物体，只是光作用的缘故。所以他们将含有光的纯色不经过调色直接在画布上作画，去尝试一种视觉上的空间混合。
第三章 印象派绘画的色彩表现形式
从世界美术史的角度来看，你就会发现在印象派绘画这个部分，尤其色彩鲜艳和斑斓，而之前的绘画几乎是清一色的棕色调子，尽管有些许跳动的色彩，但都没有印象派绘画那么强烈。在印象派之前的色彩与线条之争，也就是浪漫主义与古典主义之争，就说明色彩在向古典艺术进行了挑战。
印象派画家对于色彩的理解和处理，他们认为色彩的根源在于光。他们之所以能够真实地表现大自然丰富微妙的光色变化，是由于他们打破了固有色这个旧观念的理解。通过抓住瞬间的感受，为了充分表明自然景物在阳光照耀下的鲜明色彩，他们基本上按照三棱镜分析的光谱色（红、橙、黄、绿、青、蓝、紫）选用颜料，而摈弃赭、褐、黑等色。在需要表现这三种色彩或其他复杂的色彩时，则以上几种色彩在画面上错综罗列而取得种种鲜明的效果。印象派认为投影是物体颜色的各种补色，点彩派的画家们又发现了补色关系，于是他们开始研究怎样完全用纯补色构成一幅画。他们摒弃了色块和线条，画面上都是用纯色点并置，并通过人的视觉产生一种空间的混合，来完成作品的创作，这些作品色调都很明亮。为了得到更辉煌更强烈的色彩，印象派画家在调色板上索性去掉了黑色，减弱明暗之间的对比而代之以色彩的对比。印象派画家通过对光和色彩关系的研究，依靠自己眼睛的观察去再现对象的光和色在视觉中造成的印象，从而在把握色彩方面完成了一次伟大的革命：摒弃传统固有色，表现客观世界中真实的色彩关系。
结束语
印象派不仅是对于法国美术，更是对全国美术有着广泛和深刻的影响。印象画家在光的探索和色彩的表现上又极其重大的贡献，特别是对自然景观的阳光感、色彩感的表现上，达到了强所未有的水平，从而丰富和扩大了绘画的表现技能，解决了前代画家不曾解决的问题。印象派画家反对学院派画家在室内作画的方式，强调对真实自然景色的实地写生，使画面具有清新生动明快的感觉。印象派绘画在创作题材、创作理念、艺术思想和色彩技法等方面都极大地影响到中国当代美术的发展。印象派画家以其广阔的艺术视野，在相互影响、借鉴、冲撞和激励之中叩响了当代中国绘画艺术之门，洞开了我们的艺术思维，为中国油画艺术走向世界起到推波助澜的作用。
参考文献：
[1]约翰·雷华德.印象派绘画史[M].人民美术出版社，1983.
[2]张坚，编.写实主义与印象派时代——马奈、莫奈、雷诺阿[M].暨南大学出版社，2002.
[3]余丁.欧洲19世纪美术[M].中国人民大学出版，2004.
油画的艺术特征范文2
当代中国油画的本土化价值
早在油画传入中国之初，国人就开始对这一西方画种进行中式民族化和本土化的革新，几经发展，在当代中国油画的创作中，不仅注重中国绘画笔触的表现力，同时将中国传统文化融入其中。随着现代电子信息的快速发展，艺术家们认识到，只有对西方艺术的活力元素进行创新性运用，尊重本土的民族传统，对本土文化的独特价值重新认识，才能造就油画艺术的民族性、本土性和多样性。
在强烈的民族使命感和责任感的影响下，当代中国油画作家进行本土化油画的创作过程中，其内心根深蒂固的中国油画艺术审美情结使得他们广泛地从民间艺术、剪纸、年画等本土文化中吸收灵感加入油画的中式化创作。油画创作亦需要具有时代特色的创造激情，油画作家们立足于本土生活，全方位感知时代生活，获得深入的时代生活体验，以创作出具有鲜明时代风采和强烈的时代价值的优秀油画作品。
中国油画“本土化”的文化内涵
油画漂洋过海传入中国已达百年之久，历经几代艺术家的努力已经取得了非凡的成绩。人们最初关注“油画民族化”问题是在上世纪八十年代，自那时起开始意识到这一引入画种应该具有我们自己的文化特色。于是便有了一系列“油画民族化”的探索，有些画家借鉴了中国画的某些特征元素融入到油画，还有一些将注意力投放到了民族服饰上。所以我认为中国具有民族特色文化内涵的油画应包括情感文化、地域特色和形式风格三个因素。
1.情感文化
艺术家的创作目的是通过表达真实的感情来彰显某种精神，因此，在艺术的本质特征里就包含了这一特征。不同民族的艺术家所欲表达的情感必然会有所差别，正是这种差别使得不同民族的艺术作品具有了不同的特征。自然环境、文化历史、社会制度的差异造成了个民族所独有的民族心理，这种民族心理的不同造就了不同民族的艺术家们得情感活动上的差异，这是艺术具有民族特征的更深层次的原因。艺术家们需要在现实生活中去细心观察、切身体会、不断思考以获得丰富的情感体验，并且要把表达真情实感、创作出具有民族特色的作品作为自己的艺术理想。艺术家要有独立的人格，树立自己的艺术理想，我们的艺术行为都要为理想服务，我们就有可以实现中国油画的“民族化”理想。
民族风格不是在刻意追求某种特征，而是自然而然形成的，中国画在用色、造型、笔墨等各方面都具有其独特中国韵味的风格。油画进入中国，进过艺术家们创新性创作，自然而然形成特色的本土化特征。艺术家们立足现实积累情感，并且真诚地表达积累的真情实感。判断艺术作品是否具有民族本土特性的关键在于该作品是否表达了本民族的真情实感。
2.地域特色
广袤的国土决定了我国多民族、多区域的特点，这也为中国油画民族精神的融合提供了广阔的空间，在油画创作中融汇民族精神并不是将其简单叠加，要使其相辅相成、相得益彰必须要把绘画技法、内容、形式等方面让两者自然而然地糅合。
艺术的民族特色总是离不开其所在的地域特色，因为不同民族的艺术家的情感思想都受他所生所长的特定环境所影响，所以油画艺术作品的民族特色与地域文化特色紧密的联系在一起。油画创作要体现自身的地域性和民族性，因此当今真正油画家所追求的目标正是通过民族精神的注入来彰显中国油画的独特魅力。油画和民族精神的融合不仅仅是在作品的内容和形式上，要深入到精神文化层面上的融合，把民族精神的精髓融合到油画作品当中，从而更好地的表达伟大的民族精神。
3.风格特征
艺术家的思想感情要想被大众所感知，就必须借助具体的艺术形式将其表达出来，同样，艺术作品的民族性也必须借助具有民族风格的形式展现出来。不同民族的艺术家在表达特定环境中产生的特有感情时就会形成带有自身民族风格特征的艺术形式，因此风格特征也是民族性的因素之一。
油画作为中国引入画种，画家要借鉴西方油画的绘画技巧，深入领会西方油画的文化内涵，在吸取油画精髓的基础上加以灵活运用，形成自己体系的绘画风格。由于文化背景的差异，东西方的绘画风格也有很大区别：中国的写意和西方的写实这看似相互对立这两大艺术体系，实际上有着你中有我，我中有你的内在联系，追本溯源，通过写意与写实这两种艺术语言可以更鲜明的阐述人的精神世界和达到审美的目的。因此，艺术家应该合理取舍、有的放矢，吸收外国油画的有益成分并将其转化为自身独有的艺术品质，形成具有与时俱进的民族特色的中国油画风格。
中国油画要想寻求新的发展，就更加需要与外国油画相互借鉴。洪凌，当代风景油画家，他创造性地把西方风景画和中国山水画创造性的融合在一起，从而为中国油画开辟了一条独特的艺术表达道路。油画家洪凌的成功让我们看到了不同文化背景下所产生的风格迥异的画种在艺术语言上沟通和交流的可能性。
结语
油画的艺术特征范文3
关键词：意象油画；创作；女性思维
中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）24-0053-01
自油画艺术进入中国以来，经过长期的融合已形成了具备中国特色的一门艺术，其融合了中国的传统文化与审美特点，进而形成了意象油画。伴随着女权主义意识的萌芽与发展，女性以独立的精神形式立足于社会形态之中，而女性意象油画艺术家又将自身独属于女性的思维模式与审美特征融入于其中，进而使得本就具备了诗意般的意象油画具备了独特的艺术魅力。
一、意象油画概述
所谓意象指的是寓意于象，借象抒情，就如同我国的诗歌一般，以借物抒情的方式来表达作者的所思、所想与所感。而意象美学对于中国绘画艺术的影响较为深远，已成为了当前中国油画艺术的灵魂，是当代中国油画艺术的独特表现形式。通过中国当代意象油画，能够使欣赏者体会到中国社会的文化与审美特征，甚至整个社会的意识形态，这也彰显了意象油画的艺术魅力。西方油画进入中国的历史已有上百年，在20世纪初“西学东渐”的影响下，中国油画萌芽，在逐渐发展过程中实现了文化的融合，具备了属于东方文化特色的艺术风格。到了上世纪八十年代，在改革开放的推波助澜下，艺术思想的解放潮流使得女性意象油画艺术诞生，直到2005年，在中国意象油画探讨会上意象油画在中国真正的实现了独立。
二、意象油画创作中的女性思维分析
（一）女性意象油画创作的思维视角
首先，源于女性母爱的天性。女性的生命过程中会经历为人妻、为人母的过程，这一独特的体验就使得女性拥有了独特的生命体验，复杂的情感落于画笔之下，使得相应的作品就具备了属于女性的细腻情感，尤其是母爱的天性，这种人世间最为质朴且纯真的情感成为了描述亲情的最佳思维视角。其次，源于独有的情感思维。对于女性艺术家而言，情感通常是其创作的出发点与灵魂，以意象油画来实现情感的传递。女性天生就属于感性思维生物，因此，在创作的过程中这种思维模式会使其将自身或悲或喜等情感融入其中，真实的情感体验使得意象油画具备了属于女性的艺术魅力。最后，花的情感传递。花作为美丽的代言人，是女性天生就情有独钟的对象，女性艺术家在表达情感的过程中往往会以身边的细微景与物入手，而花这一事物就造就了女性眼中最美的风景。通过对花之意境的描绘，创造了独属于女性的意象油画之佳作。
（二）女性思维与意象油画的融合
1.女性思维模式下的意象油画风格
女性天生情感的细腻使得其能够更深刻的挖掘出事物的内在，其心理特点、社会角色等的不同也使得其对生活的体验不同，将所有不同与男性的特点落于画笔之下，就使得相应的油画具备了独属于女性的艺术魅力。女性艺术家创作的灵感常常都是来自于生活中一些很细小的情节，通过自身感性思维的加工就实现了真情的融入，而这种真情实感很容易引感上的共鸣，进而也就符合了意象油画创作的意境。意境油画创作是女性艺术家情感的宣泄，实现了对其精神的慰藉，彰显了新时代女性的特征。
2.情感的表达
事实上，对于中国的意象油画而言，其更像是融合了中国传统美学的意象与西方的文化精神，即中西方文化与情感的碰撞与融合。从古至今，我国的文人墨客无不重视自身情感的抒发，寄情于景的创作手法在各个文化艺术领域都有着突出的表现。而女性更擅长抒发出自身对生活、情感等的感受，与男性不同，其所扮演的社会角色不同，其对生活的体验、对事物的思考等都受自身的思维模式影响，温婉、细腻的情感世界使其在意象油画的创作中更多的表达了自身的真情实感。女性的敏感、脆弱、温柔等特征也使得其在情感的表达上更加的细腻且独特，这便是女性意象油画的魅力所在。与此同时，女性唯美、浪漫的天性特征也使得其情感的表达更加具备了诗情画意般的特征，在女性思维模式的作用下，其能够敏感的抓住生活中那些擦肩而过的情感，进而落于笔下，形成了意象油画的独特魅力。
三、总结
综上所述，中国意象油画融合了中西方的文化精神，彰显了独特的艺术魅力。在女权主义的不断影响下，女性精神的独立使得其更加的注重自我，在不断实现自身价值的过程中，其以自身独特的思维视角抒发了对人生的情感。对于女性意象油画艺术家而言，正是因为有着这样的独特思维视角，进而才创造出了与众不同的意象油画作品，在这些作品中所呈现出的不仅仅是当代女性的情感世界，同时也将女性的天性展现的淋漓尽致，进而赋予了意象油画以独特魅力。
参考文献：
[1]贾方舟.女性艺术在90年代[J].美术研究，2011（09）.
油画的艺术特征范文4
油画这一艺术门类，漂洋过海，来到中国，如何使油画的发展摆脱欧洲艺术思维的禁锢，形成带有中国烙印的油画民族化，就成了中国油画家们的一项艰巨使命。在经济文化全球化的今天，各种文化相互交织、杂糅，更有甚者提出“架上绘画死亡论”等观念。因此，只有建立在本民族精神文化的基础上，对油画进行吸收、转化，从而建立东方美学思想下的意象油画美术形式，使它焕发新的生机。
当然，意象油画仍是油画的一个分支，其在线条、色彩、肌理等美术要素和变现性特点等方面，西方现代油画家也早已有所探索。比如后印象派和表现主义的“似与不似之间”的造型；后印象派、野兽派、纳比派的来源于客观的主观色彩；高更与马蒂斯，卢奥与克利的具有独立审美价值的用线以及从马奈开始的平面化倾向。所以，表现主义中独具意象意味的“似是而非”审美特征，促使了中国的油画先贤们开始接受并改造油画，使其外在形式因素同中国传统精神相契合，真正形成凸显中国精神和中国风韵的意象油画。意象油画正是西方油画中国化、民族化的具体体现。
一、意象油画中的文人画精神
中国传统文人画崇尚气韵的营造和笔墨的经营，在内外兼修之中探求艺术的根源。这种精神在意象油画中也是非常明显的，大多数意象油画作品的气韵是非常连贯的。写生创作一幅作品时，不是简单的描摹眼睛看到的物象，而是借这个物象组织一种笔趣，来制造一种氛围，以达到某种意境。在表现技巧手法方面，意象油画除了继承西方传统油画技法之外，也吸收了大量中国水墨画的表现技巧。使得画面更具意境之美、虚白之美，让观众始终有一种意犹未尽的感觉。同时又由于油画颜料的粘稠性和可塑性，画笔在画布上挥动游走时形成的肌理有一定的凹凸感。使画面在平静之中有了更多的动感，虚白之中更多了几分浑厚的力量。油画颜料在加入一定量的稀释剂后，可以增强颜料的流动性。使原本厚重而不透明的油画颜料变得稀薄而具有一定的透明感，在画布上产生类似于水墨、水彩的效果。意象油画中的技法语言相对于传统油画技法来说更为丰富和多样,吸收了中国传统水墨画不受透视约束，表现自由的特点，改变了西方传统油画的焦点透视和写实绘画的单一形式。使画面更倾向于自我感情的抒发和氛围的营造，使画面超越了现实物象，着重追求自我内心的感情和修养。
二、意象油画的技法表现
意象油画作为油画艺术门类的一分支，它的技法语言具备油画艺术的基本特征，但又因它和一般西方油画所植根的文化基础、审美标准、思维方式不同，它的技法表现语言又具备一些独特的个性特点：它不追求所谓的焦点透视关系，在乎大感觉的把握；它不求形象上的相似，只求意境上的表达，形成了与西方油画艺术统一中又有变化的艺术语言体系。它从来不曾创造一种新的语言门类，而是在中国传统绘画的笔墨精神基础上逐渐发展而成的，是在西方传统油画语言的基础上融入了新的文化理念和审美标准。
（1）用笔的意象性
在前苏联著名画家菲钦的作品画面上所描绘的人物形象生动自然，富有个性特征。饱满的构图、浓重的色彩、奔放的笔触以及虚实的变化、特殊的肌理效果，使整个绘画作品给人一种生机盎然的感觉。他为了充分发挥油画特有的性能和表现技巧，用宽大的画笔，奔放流畅、强劲有力地厚堆颜色，有时则轻轻掠过画面，留出底层色彩，使上下层次变化柔和，色彩丰富，有时用刮刀作画，有时直接用手指，运笔讲究凝炼、不拘小节、以少胜多，“妙在似与不似之间”，以书法用笔，强调在顿、提、撇、捺之间直抒胸臆，这样产生了不同的肌理效果。
（2）造型的意象性
在中国当代意象油画发展中，意象油画的造型艺术直接移植了中国传统写意绘画中“经营位置”等的理解，达到主观意境的传情达意。意象油画注重“取法自然”的同时，又讲究对自然对象的主观剥离，抽取自然中最适合表达画家审美情趣的造型部分来抒情表意。王维在《山水论》中提到：“凡画山水，意在笔先。”意在笔先说的是艺术家在创作的过程中感受物象的状态，就好像我们在练书法的时候一样，心里不能总想着某一笔某一画，而应该从宏观上去考虑整个字的味道和精神。
（3）色彩的意象性
中国当代意象油画的色彩，在延续西方绘画中追求的绚丽多彩之外，还将传统文人画中独具特色的“随类赋彩”等绘画意识植入油画之中。在意象油画的色彩表现中，画家更注重主观情绪的画面表现，或是壮丽，或是淡雅，或是强烈，或是委婉。虽然在表现语言方式上借鉴了欧洲油画别是印象主义后期的色彩，但是在色彩组织深入中，更多的是引入平面化的语言而尽量忽略在西方色彩理论中的空间透视和体积表达等元素，用更单纯、简练的色彩表现主观感受。
三、意象油画的笔触研究
1．笔触的概念和意义
笔触是指在作画的过程中画笔等作画工具在画布上留下的颜料痕迹，它是绘画作品中颜色和造型的承载体。世间万物本身并没有笔触，它是艺术家在艺术创作的过程中对原始物象处理后的感情流露，是艺术家在创作的过程中将自我修养和审美趣味与自然物象相融合，通过油画的笔触语言将其转化为具有一定美感和生命力的语言形式。
2．一般油画笔触的表现力研究
油画笔触本身具有触觉和质感美，它轻重、缓急、干湿、厚薄、大小等各种不同表面特征在画面里起着不可替代的作用。笔触最容易表现出艺术家在创作过程中的一种激情，更容易使观众在欣赏的过程中感知这种力量，并且体验到艺术创作的惊奇与喜悦。安格尔的油画作品，表层质感平滑整洁，近似于瓷面的效果。表现主义画家柯可·施卡用粘稠而厚重的颜料在画布上涂抹，笔触与笔触之间相互挤压，相互叠加，呈现出各种不同的痕迹和质感，笔触的触觉和质感美是油画材料本身的魅力所在，是其他画种和材料无可替代和比拟的。
3．意象油画笔触的表现力和精神取向
油画笔触除了具有质感、触感、力度、节奏这些西方油画所具备的特点之外，还因其植根中国传统文化，它有着中国传统文人画的特点。中国传统水墨画中笔墨的审美价值和定位早在魏晋南北朝时期就已经确定了。谢赫在《六法论》中把运笔列在仅次于气韵的位置，五代荆浩把谢赫的“骨法用笔”延伸为笔与墨，他在《山水决》中提到：“使笔不可仅为笔使，用墨不可仅为墨用。”他不仅把笔墨融合为一体，还将笔和墨上升到更高的审美境界。到了近代，在吴昌硕、黄宾虹、潘天寿、齐白石等大师的探索下，中国画的笔墨精神被推到了高峰，经历了上千年的传承和发展，形成了一套完整的笔墨审美文化和价值。
笔触在意象油画表现技法中的运用，除了吸收西方传统绘画的科学理论和厚、薄对比等精髓之外，从中国人的用笔审美情趣出发，在沿袭了中国传统笔墨观念的理念下，将中西方有关笔触研究之优点相互结合，现已逐渐成为探讨中西方艺术融合的重要体现。
近二十年来，艺术家开始真正对于形式语言的探索和研究，形式语言被提到了艺术创作的核心位置，油画笔触不再躲在造型的背后，它的形式美感得以解放和提升。中国学习西方油画必须汲取中国传统文化的滋养，必须建立在中国传统绘画的观念和审美特质之上。
油画的艺术特征范文5
关键词 古典油画；现代油画；发展进步
一、古典油画到现代油画的发展
油画经过西方特有的艺术发展成为世界艺术宝库的组成部分，经历了漫长的吸收和借鉴以及成长过程。古典油画迅速发展是在17世纪，当时油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。可以说题材方面已经有很大的规模了。在技法上各个流派的画家们也形成了各自微妙的不同，在大方向上这个时代的画家都比较注重整体的颜色，而对笔触的细腻没有那么的关注。那个时代的油画强调了油画的光感，所谓光感是运用色彩的对比来创造出不同画面的意境，比如冷暖色调在油画风景名著上的广泛运用，风景画中经常会用到橙色和蓝灰色的大量运用，虽然这两种颜色似乎没有统一性，但是在他的画作中却能很和谐的共存，并且给了人很大的视觉冲击；另外厚薄层次的运用对光感的创造形成了很大的作用，对于画作上的厚薄层次，大多数文艺复兴前后的画家都运用的恰到好处，比如蒙娜丽莎的绘画技法上，就用层次感塑造出了立体的效果。到了18世纪，油画的风格在前人的基础上更加注重生动感，画家在用笔的时候更加的注意笔触的轻重缓急，所以18世纪的人物油画比起前一阶段更加的深刻而缺乏圆润；到了19世纪，应该说这个世纪油画的发展是起着承上启下的作用的。油画的色彩开始发生很大的变化，很多画家开始对局部着色的关注。色块很鲜艳，比起17世纪的橙蓝色块融合成的褐色，19世纪的油画色块大多用红色和米白等颜色来突出色块的层次；这个时期的画家对于环境的描绘出现在了画作中，使得画更加的和谐和融洽，而且自然主义风格日盛，对于自然风景的描绘这个时期较以往的时期都要多很多；20世纪欧洲油画出现了特别而且富于自由精神的流派，开始不拘一格的创作，这对于画坛的面貌改变起了很大的作用。
二、古典油画的特征
古典油画技法上的特征主要是比较单一，大致上只分为两种方法：丹培拉画法和演变的直接画法。丹培拉画法是最古典的油画，调和媒介是鸡蛋清加但马胶，采用的不是直接调色的方法，而是在有色底上提白做出素描效果后进行反复的色彩罩染。后来慢慢的也有直接调色技法。
古典油画的特征主要可以通过四个方面来阐述：
1、画法上采用写实：古典画法的写实主要是指作品上的物件完全与实物类似，只是依靠光和影像来稍微做些修饰，对于风景画大部分是采用采风进行实地绘画为主，表现出了浓厚的写实主义风格。
2、在画作的色彩表现力上，主要是用大色块，浓郁的民族风格色彩进行描绘的，开始关注整体转向对局部的关注。
3、在画画的笔法上，对画作的整体性更加的看重，所以对局部的笔触处理非常的细致，这样就能使色块集中起来，显色很有整体感，被描绘的物象统一在中心焦点的构图中，形成与真实视域同构的效果。
4、从理念上来说，古典油画研究纯艺术，以写实为主，喜欢临摹真实存在的，印象派也是19世纪后开始出现的，之前大多是实物写生油画为主。
三、古典油画到现代油画之间过程中的借鉴和改良
现代油画的发展是以写实画法概念的不断创新为线索的，图像化的风格明显与古典画风中的写生有了很大的区别，如果说古典油画是在不断以临摹的出神入化为线索的话，那么现代油画则是不断地在以画家的思想入画，画家将自己的感觉和主张以及对这个世界的看法不断地融入到了油画当中去，使得油画本身不是风景或是人物的再现，而是成为了反映现实和思想的一种载体。
油画的艺术特征范文6
关键词：超写实油画；抽象油画；审美探析
所有的艺术形式都可以表达人的情感，油画艺术也不例外，写实性的油画主要表现的是现实生活，但是写实中会融入一些抽象的因素。而抽象油画艺术的表现又是在写实油画的基础上，从超写实油画和抽象油画艺术审美的根本上看二者之间的相互影响是不可或缺的。[2]在我国的油画艺术中抽象因素发挥了更加重要的作用。
1 超写实油画和抽象油画的艺术特点
超写实油画和抽象油画侧重的方向不同，超写实油画重视的是油画对现实的真实反映，超写实油画不含主观感情，作品往往和大家用肉眼看到的事物或是用相机拍摄的事物一样，真实、冷漠，保持着自然主义的风格；超写实的油画的绘画通常会放大事物的尺寸，从而产生不同寻常的美学和心理效果。例如，许多超写实油画作家的作品一样有着喜欢以人为作为绘画的题材，有的喜欢对眼中的街景进行描绘，有的对咖啡厅和快餐店投入更多的注意力，有的比较喜欢描绘游戏和玩具。以上根据不容的内容进行真实的绘画的画家，他们的作品 就像极度精确的相机拍摄出来的作品一样，十分的真实。
抽象油画艺术的主要特点是没有具体形象、不遵从理性的思维。抽象油画艺术作品中不会描述真实的世界，不对世界上的客观形象进行展示，更加不反映现实生活。同时抽象油画艺术没有绘画的主体，画家在绘画中往往不顺从正常的逻辑思维，不表达任何的思想也不传递个人的情绪。抽象油画在创作中纯粹性的遵守颜色、点、面等对人的视觉冲击，抽象油画画面中没有形象、没有主题，只是充满了大量的形色。
2 超写实油画的艺术审美
艺术来源于生活，超写实油画艺术就来自对生活的写实，油画作家经过对生活中的感悟进行提炼最终形成了自己的作品。作者将常人在生活中发现不了的美展示在自己的画作中，虽然超写实画家的作品体现的是生活但是它同媒体拍摄的照片之间还存在着一定的区别。首先绘画作品反映的是画家这个群体在当时生活中的观察，其中存在画家对生活的一些感受。例如，画家在对落日进行绘画时，如果作者的感情比较轻快愉悦那么画出的落日颜色给人的感受就比较轻快，如果在绘画中作者的心情比较烦闷那么落日的颜色可能就比较浓重给人的感觉就会比较沉重一些。
超写实油画在绘画中需要对传统绘画方式的技巧进行延续。例如，超写实绘画需要参考黄金比例值，绘画的背景、空间等内容的设计中需要应用相关的数学和几何知识。几何规律可以好很好地满足人们的视觉感受。[3]
3 抽象油画的艺术审美
抽象油画艺术的基本元素是点、面、线以及颜色等符号化的语言。抽象油画中并没有直观的呈现具体的客观形象，也就是说当你面对这一幅抽象油画作品时，你无法看出画中具体的事物是什么。传统的绘画艺术是对真实的事物的描绘和模仿，但是这一标准在抽象油画艺术中被彻底抹掉了。抽象油画艺术的核心就是形式，抽象油画最为关注的就是画的形式，画中的点线等都是在客观事物的基础上抽象出来的精华元素，这些元素可以很好地概括事物的内在和本质属性，因而抽象油画没有必要去苛求事物本身最真实的线条了。在康定斯基的《构图二号》中，人们会被它热烈的线条感动，这些线条同时也反映了真诚的情感，作者为了直接的反映作品中的美而不为作品命名，人们在欣赏时不会感到那种为内容而创作的痕迹。例如，莫奈的《阿山特依的游船》中几乎都是由大大小小的宽窄不一的色块组成，白色的帆船用较大的色块组成，显得十分沉稳洗练，同时和水中的倒影形成鲜明的对比，作者用不多的几笔将万里晴空，碧波荡漾的实景展现在画面上。[4]抽象油画的创作是由外到内的从作品的形式上寻求点线等符号，并由这些符号创造出新的关系和韵律，表达了特定的主观情感和思想观念，抽象油画艺术就是利用这一点将自身的艺术效果同写实油画区别开来，自身就具有了特定的艺术效果。
4 超写实油画和抽象油画艺术审美缺失
油画以其独特的魅力给人的视觉带来了巨大的视觉享受，同时也给了人们丰富地精神感受，人们的思想和艺术审美在油画中得到了巨大的启迪和发展，油画再现了自然美和理想美，其自身的形式美也达到了艺术创作的极高境界。首先，写实油画对于真实事物的反映具有审美的价值，油画利用三维的空间幻觉能力和对绘画对象真实性的展示是其他画种不能比的，超写实画家利用自己高超的绘画技巧来创造自然中的美以及精神上的欣赏之美。其次，油画具有理想的美，艺术虽然来源于生活但是高于生活，油画艺术中的理想美是对现实美的提炼，画家经过对现实中的美进行提炼和规范以后在绘画和表达上迎合了人们的审美需求，在形式上油画艺术在后期的发展中逐渐变得成熟，美的形式更加的精炼和纯熟，由此油画的画法得到了巨大的发展，油画技法在形式上有了多种多样的改革，油画作品的面貌也有了多种多样的呈现。
自18世纪开始，在文化、经济的多种因素的发展和影响下，油画艺术也相应地发生了重大的改变，油画创作中的形体、光感以及对画中色彩等因素的注重有所减少，油画创作者更加重视的是对传统的叛逆以及表达上的与众不同。人们也更加关注油画对于人们宣泄主观情感的重要性，油画艺术在完全成熟后又将面对变形，此时的油画创作从具体走向抽象并最终走向了抽象的极端。
抽象油画创作的出发点是创作者的直觉和想象力，并对具体的形象进行反叛，在绘画手法上更重视油料的色彩堆积以及随意的情绪的发泄，在绘画的结构上重视点线之间的自由勾勒，完全抛弃传统的写实审美观念，抽象油画给人的最大印象就是让人看不懂，抽象油画完全成了创作者自言自语、宣泄情感的艺术表达。油画创作在完全脱离的形象之后十分容易走向内容空洞的区域。
不同于抽象油画艺术的，超写实油画对人物个性的忽略也导致了自然美的缺失，在超写实油画作品中我们可以看到十分真实的人物形象但是感受不到一丝人物的感情，写实油画中的人物往往只是拥有空洞的眼神、呆滞的形态。此外创作者的情感也被压抑了，传统的写实主义可以使人从画面中感受到某个情节，具有一定的叙事性。超写实油画的创作就是对照片的再现，同时又避开了个人的主观情感，对现实生活中的世界进行冷漠的处理。最后创作者过于追求绘画技法忽略的形式美的塑造。
5 小结
油画艺术在不断的发展中经历了写实艺术审美的发展到超写实油画艺术的实现，最后衍生出抽象油画艺术，在油画的发展中无论是更加重视技法还是强调对情感的宣泄，都不要忽视油画创作中对审美的探索和体现。
参考文献：
[1] 王克军.审美的失落――超写实油画艺术和抽象油画艺术的共同特征[J].大众文艺，2011（17）：42.
[2] 周伟.超写实油画艺术和抽象油画艺术的审美失落[J].芒种，2015（11）：163-164.
