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雕塑的艺术风格范文1
关键词：无厘头；后现代；雕塑形式
中图分类号：J304文献标识码：A文章编号：1005-5312（2012）11-0029-01
一、何谓无厘头及主要特征
新华新词语词典此词目和释义为：故意将一些毫无联系的事物现象等进行莫名其妙组合串联或歪曲，以达到搞笑或讽刺目的的方式。无厘头的语言或行为实质上有着深刻的社会内涵，透过其嬉戏、调侃、玩世不恭的表象，直接触及事物的本质。无厘头至少包含三重含义：夸张、讽刺和自嘲。
首先是夸张。无厘头的表现形式即是特殊的夸张。这种夸张超过了影视文艺本身需要的夸张程度，使许多事情让观众或读者一看就知道不可能，但仍然忍不住会为此而投入。
其次是讽刺。人生无常，许多痛苦和不幸都是无法化解的，而面对社会的阴暗、污秽、人性的贪婪、自私，男人的好色，女人的善变，工作的无聊，挣钱的烦恼，一切都是讽刺的目标。
最后说自嘲。其实自嘲应该是讽刺的升华，不仅是影视艺术的一个境界，也是思想的一个境界。当一个人学会了自嘲的时候，他就是真的成熟了。
二、无厘头艺术风格到雕塑形式的转化
（一）在生活中寻找无厘头文化的创作题材
一切艺术都是源于生活而又高于生活，艺术脱离了生活就显得枯燥无味，艺术创作题材应从生活中来，到生活中去。通过对无厘头文化的研究，如何选择无厘头式的创作题材进行艺术创作，大致可归结为以下方法：
“调侃”――以幽默喜剧的眼光到生活中寻找创作素材与灵感。也就是说把一些生活中看似正常的现象以一种幽默化喜剧化的思维方式应用到雕塑的创作中。
“小题大做”――小事情暗含大道理，寻常事不寻常。现实生活中司空见惯的事情常常被人遗忘，把小事情扩大化也许会发现玄机无限。
“胡思乱想”――繁忙的生活常常使人无暇思索，当真正有时间的时候，却经常一个人发呆，生活中的一个个片段从脑海中闪过。模糊的、无序的、扭曲的人事物都是内心情感不经意的流露，都是雕塑创作很好的题材。
（二）结合无厘头艺术风格选取制作材料
材料是雕塑表达的语言，使艺术思想以雕塑的形式实实在在的呈现在人们眼前。无厘头式的雕塑创作选取材料总结的方法如下：
“服从”――服从是绝对的服从。服从题材，服从大众，服从社会，服从自然。表面看似理所当然，实则已极其张的手法表现对现实的无奈。以一件景观人物雕塑为例，材料不宜繁杂，质地不宜过软，要彰显人物正气方刚，注意在公众中的影响和整个环境的融合。
“反对”――反对指的是反主题、反逻辑、反权威。以视一切而不见的心态，自由寻求。“反对”与“服从”是对立的，同样以一件景观人物雕塑为例，材料可以多样性，不必在乎是否影响人物形象，重要的是其在人心底深处的影响及在自我心中的意义。
“随便”――想到什么就是什么，看到什么就取什么，似乎没有任何主见，但却体现一种坦然大度的心态。泥巴、废纸、酒瓶、工业废渣等等。
（三）以无厘头的形式进行雕塑外在形式的塑造
雕塑作品的形式感是雕塑家通过对现实社会的思考，运用材料创造出来的代表自己审美水平与艺术修养的雕塑的外在效果。无厘头运用到雕塑外在形式的方法有：
简单与繁杂――把简单的事情繁杂化，需要超乎寻常的想象，把繁杂的事情简单化是一种淡定的智慧。给人身上装上抽屉把原本不存在的东西捏造出来，是由简到繁；把人物、动物极具概括，使之成为实用陶瓷器皿，是由繁到简。
完美与残缺――完美的美是一种极致，无与伦比。残缺同样也是一种美，而残缺的美更能一起人们的思考，于是乎残缺比完美更显完美。
平淡与意外――“于无声处听惊雷”是平淡与意外完美结合。平淡生活需要意外来妆点，才更加丰富多彩。周国桢老师的《雪豹》，似乎证明了意外之于平淡是何等的美丽动人。
三、结论
本文通过对无厘头文化的研究和对当下人与社会的思考，在雕塑创作过程中以无厘头独特艺术风格作为一种指导思想，对雕塑创作进行深入的剖析，试图寻找一种能够代表当下人们思想意识和生存状态的雕塑表现形式式。
雕塑的艺术风格范文2
关键词：南朝陵墓有翼神兽；艺术价值
南朝是魏晋南北朝时期的重要组成部分。由于南朝长期处于分裂动荡的阶段，各民族不断接触、斗争、融合，又大量从异国的艺术，特别是宗教艺术中汲取了养分，因此雕塑呈现出丰富多彩的新面貌，为其后隋唐雕塑的蓬勃发展奠定了基础，并对邻国特别是朝鲜，日本的雕塑产生了影响。而魏晋南北朝时期的帝王陵墓地表上的石刻群雕，以南朝保存较好，分布在南京、句容，丹阳附近，现存共31处。丹阳的六朝陵墓石刻是全国仅有的南齐帝王陵墓和梁代帝陵石刻。[]而丹阳南朝陵墓有翼神兽独具特色，具有很高的美学特质和艺术价值，值得我们去进行探索和总结，同时也对南朝时期的艺术风格和艺术思想有一定的了解和认识，为更好的
一、关于丹阳陵口南朝石刻
笔者之所以用丹阳陵口的南朝石兽为例来阐述南朝陵墓有翼神兽的美学价值及其保护，是有其代表性和特殊性的。丹阳陵口南朝石兽为一对，位于丹阳市陵口镇肖梁河与江南运河交汇处，1988年已公布为全国重点文物保护单位。石兽琢刻精工，雕饰华美，现存的31处南朝陵墓有翼神兽中，以其体量最为巨大，做工最为精美；而且这一对石兽不是按照传统南朝陵墓丧葬制式位于陵前隧道两侧，而是夹河列置。
二、南朝陵墓有翼神兽的美学价值
东汉应劭《风俗通》中记载到：“墓前树梢，路头石虎”。唐朝封演《封氏闻见记》也同样记载到：“秦汉以来，帝王陵前有石麒麟、石辟邪、石象、石马之属，皆所以表饰坟垄，如生前之仪卫耳。”可见陵墓前设置石兽的传统是始于东汉时期的。而南朝陵墓有翼神兽是以其为基础，逐渐发展出自己独有的特色。这在一定程度上是对汉代陵墓石刻的升华，同时也是对后代隋唐时期的雕塑的蓬勃发展奠定了坚实的基础。而其中所蕴含的的美学价值，历来被人们所忽视，相关的研究更是寥寥无几。
南朝陵墓神道石兽是当时的人们根据自己的想象创造出来的一种灵瑞神兽。它一方面继承汉代传统， 吸取外来文化的营养；另一方面融合了地域特征和时代特色，从而形成统一的造型。
（一）南朝陵墓有翼神兽美学价值的渊源
南朝陵墓石刻具有以下一些显著的特点：1、他们是大型石刻圆雕；2、他们拥有完整成熟的造型风格；3、他们拥有通体的纹饰；4、他们是用于墓葬守护的有翼神兽。而同时值得我们注意的是大型石刻的起源地，一般认为，大型石刻是始于埃及和希腊。而笔者认为，在丹阳陵口的这对南朝石兽上所体现的艺术风格的渊源是来自两个方面的，一方面，由整块巨石雕刻，动势各异的风格是东汉以来石兽造型的传统。而另一方面则是受到了外来的中亚地区，甚至远东地区的艺术风格的影响。以上的这些特点，都能证明南朝陵墓有翼神兽艺术风格渊源的复杂性。丹阳陵口南朝陵墓有翼神兽继承了汉代以来石兽的造型风格，在其羽翼，细节纹饰方面则是受到外来的西方风格的影响。南朝陵墓有翼神兽的美学价值渊源就蕴含了中西方两种艺术风格，并且彼此兼容并包。
（二）南朝陵墓有翼神兽美学价值的成熟
陵墓石雕作为我国古代生死观念的特殊表达方式，与陵墓这种特定环境融为一体而成为其重要的组成部分。然而从雕塑艺术的角度，我们完全可以将其作为独立的存在来审视其独具的审美价值。南朝陵墓有翼神兽雕刻，造型艺术等多方面的成熟，在其中也蕴含了许多美学特质。
（三）南朝陵墓有翼神兽美学价值的传流
南朝陵墓石兽在造型艺术上获得了很高的成就，并以自己独特的风格对唐宋时期以及后世的民族雕塑艺术产生深远的影响。从后世隋唐时期的雕塑中，我们就不难发现其中多或多或少的蕴含着南朝陵墓有翼神兽的艺术特征，可以说正是南朝时期有翼神兽艺术特征的成熟，才促进隋唐时期雕刻艺术走向历史的巅峰。
南朝陵墓雕刻是在继承了汉代石刻造型的基础上，通过不断发展、演变、重新整合而创造的一种生动遒劲的，而又具有典型的文人气息的独立于世的精神风范，而唐代唐代陵墓雕刻体现的是一种强大统一的不可一世的帝国风采。虽然南朝有翼神兽所代表的南朝时期的艺术风格的大型石刻作品在后代绝迹，但是其所蕴含的的美学特质在后代隋唐时期的石刻雕塑上还是有所体现的。
三、小结
在六朝佛教石刻雕塑的发展步履迟缓之际，南朝陵墓神道石刻却异军突起。这些石刻形体硕大，气势恢宏，雕琢精致洗练，造型夸张，变形适度，自然而生动，富有丰富的想象力，摆脱了婉约、细腻、秀美风格的约束，代表了六朝石刻艺术的最高成就，可与北方佛教石刻相媲美。南朝陵墓石刻与北方石窟佛教造像并为中国雕刻艺术的两颗明珠，它们的存在显示了中国古代石雕艺术的杰出成就。
雕塑的艺术风格范文3
这个展览是迄今罗丹在中国的最大规模的展览，尽管票卖到50元一张，前来参观的人还是很多，毕竟这是世界上最顶级的艺术。
亲眼看到这些雕塑，与以往千百次的在书上看到的完全不同：书上的是一个大师罗丹，亲眼所见的是作为发现者的罗丹。我们看到，他在最广为人知的作品《思想者》、《青铜时代》、《雨果》、《惠特勒缪斯女神》等作品中，是如何在造像中融合了对于生命真理的发现。
罗丹全名奥古斯特？罗丹，是法国19世纪的雕塑巨匠，代表着法国艺术的巅峰。此次展览通过“早期岁月”、“名人雕像与历史题材”、“渐臻成熟”与“走进神秘的罗丹工作室”4个部分来呈现一个大师的诞生。
在第一部分“最初的岁月”中，我们看到罗丹所处的社会环境，以及了解其独特的艺术风格如何逐渐形成。《青铜时代》可称为第一件反映罗丹风格的雕塑作品，也是罗丹获得巴黎雕塑界承认的奠基之作。第二部分是“雕塑家的诞生”。在1880年到1890年这10年间，罗丹成为名副其实的雕塑家，进入有资格接受国家订单的艺术家行列，其大体量的传世之作《加莱义民》和《地狱之门》均创作于这一时期。但同时，这时期的作品也经常遭到作品预订方的反对，因为它们的情感呈现和独具一格的艺术表现，都与那个时代流行的公共雕塑显得格格不入。第三部分为“渐臻成熟”。从《维克多？雨果像》、《巴尔扎克》和《惠特勒缪斯女神》这几个代表作中可以看出，罗丹逐渐走向象征主义艺术风格，作品简练，却气势磅礴，而一系列人像的变形处理也完善了这一主题。最后一部分为“走进神秘的罗丹工作室”，展示了罗丹自19世纪90年代开始尝试使用的包括肢解、组装和放大在内的处理方法，而这些方法在20世纪为大量现代艺术家所广泛采用。
雕塑的艺术风格范文4
一、罗马风格时期欧洲教堂的装饰艺术设计
罗马风格欧洲教堂的装饰艺术设计是指12世纪以前欧洲教堂的整体装饰风格。
1.以黑白色调的搭配为主罗马风格时期欧洲教堂的装饰艺术最具代表性的当然就是意大利的教堂，这一时期欧洲正处在罗马帝国的统治时期，因此这一时期的建筑体现了鲜明的古罗马特色。同时，这一时期战乱频繁，古罗马文化对当时文化的影响依然比较明显，天主教依然是最高的宗教统治者。因此这一时期的文化发展并不繁荣，受到战乱和统治者的影响，这一时期的教堂在装饰风格上主要是以黑白色调为主，其目的就是为了体现出罗马教皇的高高在上和主的意志神圣不可侵犯。由于当时战乱，主的仁爱思想受到很大的压制，而这也体现在教堂的装饰风格上。其中具有代表性的就是意大利的比萨大教堂，这座教堂建于1063年，教堂的外部与古罗马时期的建筑风格十分相似，采用的都是乳白色的大理石，在内部上与古希腊神殿的建筑风格也有很多相似的地方，内部有很多乳白色的柱子，既能起到一定的支撑作用，又能起到一定的装饰作用。走进大堂一眼就能看到高高耸立的柱子，以及两侧黑白条纹装饰图案，中央是一副正襟危坐的圣母装饰画，中间是著名的伽利略吊灯。整个装饰风格显得庄重、简约，又不失肃穆，很好地反映出了当时的欧洲文化。
2.多用精美的雕刻作为装饰众所周知，雕塑是欧洲艺术的杰出代表，在长期的发展历史当中，涌现出了大批优秀的雕塑家，如乌东、吕德、罗丹等，都是欧洲雕塑的杰出代表。雕塑最早可以追溯到古罗马时期，古希腊时期有关希腊神话的雕塑是其优秀的代表，而在古罗马时期，文化的繁荣让雕塑出现了第一个。欧洲最重要的宗教文化当中，当然也不可避免会涉及到雕塑艺术的应用。除了比萨大教堂大量地应用了一些雕塑艺术之外，其它的一些教堂也有很多著名的雕塑艺术作品。圣彼得大教堂建于326-333年，随后虽然经过了重建、修正，但是依然保留了很多带有古罗马风格的雕塑，其中就有雕塑艺术史上的无价之作——米开朗基罗雕塑作品《圣殇》，当然作品的风格与罗马时期的雕塑已经有了很大的变化，但是依然能够看到那种传神的风格，这也是整个教堂最重要的装饰作品。当然该教堂还保留了公元3世纪的一些浮雕作品，虽然有的雕塑作品时间已经无从考证了，但是依然能够看到鲜明的罗马时期的艺术风格。
二、哥特风格欧洲教堂的装饰艺术
哥特风格欧洲教堂的装饰艺术指的是12世纪到15世纪哥特文化流行期间，欧洲教堂在内外部的装饰情况。
1.装饰的色调丰富多彩从12世纪开始，欧洲社会逐渐步入了一个相对稳定的发展时期，在这一时期，繁荣的文化开始从希腊、罗马传递到欧洲各地，同时哥特文化开始兴起，这对欧洲教堂的装饰风格产生了重要影响。最明显的一个变化就是在装饰的色调上。从上文的分析中可以明显看出，在12世纪之前，欧洲教堂在装饰中主要使用了黑白相间的色调，虽然在一些绘画当中有别的颜色的使用，但是整体上呈现出黑白相间的特点。而到了哥特文化时期，欧洲教堂的装饰开始变得丰富多彩，最重要的一个变化就是金色的应用，当时教堂装饰中一般都是采用的纯金装，金色代表的是高贵和财富，正是因为金色的应用，让教堂变得金碧辉煌。其中作为梵蒂冈罗马教皇的驻地，圣彼得大教堂在改建以后，随处可见金色的应用，而多彩绚丽的绘画艺术让整个装饰色调显得更加丰富。比如说始建于12世纪末的丹麦奥尔胡斯大教堂，其主祭台上的神像几乎都是金色装饰的，然后用红色、绿色等其它颜色点缀，增强了一种神秘感，显得高高在上，不可侵犯（见图1）。
2.多彩的绘画艺术大量出现在教堂装饰当中，除了雕塑之外，最重要的装饰作品就是绘画。12世纪到15世纪之间，欧洲的绘画艺术开始从黑暗向黎明迈进。在这一时期，绘画开始大量用于教堂的装饰，并且与雕塑艺术相互融合，主要用于教堂内部墙壁、屋顶的装饰。奥尔胡斯大教堂的边门中就有一个非常典型的带有神秘色彩的绘画，这组绘画虽然以宗教为内容，但是表现的并不是耶稣、圣母等传统的题材，而是一种神魔鬼怪的装饰。其中最著名的就是《西斯庭教堂天顶画》，这是15世纪最著名的画家米开朗基罗的作品，位于意大利西斯廷教堂。作品在教堂短廊式的500多平方米的天顶上，以圣经《创世纪》为主线，先后描绘了九个基督教神话场景，包括《神分光暗》《创造日月与动植物》《创造水和大地》《创造亚当》《创造夏娃》《原罪•逐出乐园》《挪亚祭献》《洪水》《挪亚醉酒》，全部作品总面积达到600平方米，天顶画的装饰图案全部绘以建筑结构的样式，这与教堂实际的建筑结构取得谐和，因而当人们仰观整个天顶画时，它更显得庄严华丽。在主题思想上，米开朗基罗确定所绘人物的内容时，不拘泥于情节的宗教依据，只着重于表现人的本质力量，蕴含着基督教深刻的精神与历史价值，可以说达到了宗教绘画的一个顶峰，与达芬奇的《最后的晚餐》一起被称为15世纪绘画中的不朽之作和无价之宝。
三、巴洛克风格欧洲教堂的装饰艺术
巴洛克风格起源于16世纪，从17世纪开始流行于欧洲，这种艺术风格继承了文艺复兴时期的一些艺术风格，如错觉的再现传统等，但是却追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界，可以说是一种艺术的“浮夸”效果。
1.复杂而宏大的装饰应该说在罗马风格时期和哥特风格时期，欧洲教堂在内部装饰上是越来越复杂的，虽然说在哥特风格时期，装饰风格比较富丽堂皇，但这只是在一些局部地方的处理上，实际上在教堂内的大部分还是以单色调为主，当然圣彼得大教堂虽然有精美的壁画和大量的雕塑，但是整体上很协调，并没有复杂繁琐之感。但是到了巴洛克时期，不仅壁画的装饰范围越来越大，而且整个雕塑变得更加复杂，甚至出现了层雕等艺术手法，借助于建筑商的宏伟烘托出一个更加磅礴的宗教气势。如在意大利圣卡罗教堂的装饰当中，就使用了大量的几何图案，在装饰上讲究的是对称性，教堂的顶部是半圆形设计，在窗户的作用下，映照的是一层层的装饰画，可以看得到这些绘画当中有的描写的是圣经当中的场景，有的纯粹就是几何的装饰图形，与绘画交织在一起，烘托出整个教堂的宏伟（见图2）。巴黎圣母院装饰风格虽然比较简约，但是巨大的柱子与灰色的色调，显得教堂庄重而又不失宏伟（见图3）。
2.大量应用了烘托对比等装饰手法在巴洛克时期，艺术的自由，也让很多的教堂在装饰上借鉴了其它艺术表现手法，如绘画中的烘托与对比，这一点与哥特时期追求的全景式的艺术表现有了很大的区别，往往会用一种装饰来烘托、突出另一种艺术表现的主题，从而获得更强烈的艺术表现力。如单色调与绘画的烘托，装饰绘画对主题绘画的烘托与呈现等等。如圣尼古拉教堂，这座教堂的顶部装饰画表现了一个场景和主题，周围虽有一些几何形的装饰图案，但是也比较少，在柱子上面几乎没有什么装饰，一走进这里就会被中间的巨幅绘画震撼，我们不禁会称赞作者的高超技艺，也能看出他们在装饰上的煞费苦心，力求新意。在其它的这一时期的教堂装饰当中，也或多或少的体现出了这一特点。
雕塑的艺术风格范文5
以贝尼尼的代表作《阿波罗与达芙妮》为例，人物形体舒展，动态激烈，但是人物的表情依然恬静，嘴巴微张。这种处理手法让人不禁想起希腊化时期的雕塑《拉奥孔》，同样是描写一种“奋力”的动势——动作夸张，体态扭曲。但在人物面部表情的塑造上，都表现出一种相对“肃穆”“端庄”与“崇高”的情怀。唯一不同的就是在衣纹的处理上，《阿波罗与达芙妮》展现了衣纹在运动中的飘逸感，强调雕塑整体的动势，而《拉奥孔》还原了摆在室内一组静物的台布，强调雕塑的永恒与稳固。前者更多地表现韵律和节奏，后者更多地表现庄重和温雅。但这并不能磨灭两者的承传性，两者在力求表现艺术造型的清晰、庄重以及崇高方面有许多相似之处，这种千丝万缕的联系用“风格”两个字是很难将其“分裂”的。
如果说古典主义强调再现的话，那么现代主义强调的就是表现。古典雕塑为了审美可以抛弃一切多余的轮廓和块面，贝尼尼雕塑为了表现真实而不惜一切代价，甚至传统雕塑严谨的轮廓和稳重的体量感都可以不顾。从贝尼尼雕塑衣纹处理形式及其风格特点分析，不难找到现代雕塑的某些特征。首先，贝尼尼塑造的衣纹总是处于运动当中，这就决定了作者在创作过程中，不可能像古典主义艺术家一样从模特那里得到肯定的形象和结构。在西方，自古以来，艺术家都借助特定对象完成形体塑造，因此运动中的人体可利用模特再现，为创作者提供真实的、直接的、可以长期观察的素材。但是，在没有相机的17世纪，布纹瞬间的飘动是不可能再现的，也不可能长时间保持固定的状态。而崇尚运动与激情的贝尼尼只能凭借印象中的布纹进行创作，这种对物像认识的“印象”，往往是现代艺术形式发展的一个契机，也符合了现代艺术注重表现的精神内涵。贝尼尼尽可能地表现运动中的布纹，在布纹的处理形式上，尊重自然，极力表现飘动状态下最真实的衣纹，这与“现代雕塑之父”罗丹所说的“我完全服从自然，从没想过去支配自然”③的创作理念是一致的。
从艺术创作的角度衡量，贝尼尼雕塑作品中布纹的处理方式更具备现代雕塑的“原创”性，它不再是某种形态的再现，从这点看，贝尼尼雕塑衣纹的处理方式对现代雕塑发展有重要启示。另外，贝尼尼雕像的衣纹处理方式对现代艺术具有诸多启示，这点尤其表现在现代装饰与艺术设计上。虽然其雕像衣纹的处理手法个性鲜明，布纹的处理松散，结构走向自由随性，不拘泥于人物形态。但不同雕塑之间的差异性并不大，并形成一种特定的格式。以其后期作品《捧书的天使》这座雕像为例，天使的衣纹细节处理尽管写实，但总体上看并没有古典衣纹的“包裹”感，布纹与回旋叶式装饰浮雕纹样极为相似。这种处理方式追求一种豪华、运动的视觉享受，使雕像与室内装饰关系更加密切，并逐渐形成一种“格式化”。这种装饰手法对后来的工艺美术运动、新艺术运动以及装饰艺术运动产生影响。如蒂夫尼（1848—1933）的玻璃艺术、拉里克（1860—1945）的金属艺术等，都带有明显的巴洛克装饰风格。贝尼尼雕塑衣纹处理的装饰性特征也是后人评价贝尼尼雕塑走向程式化倾向的理由。从雕塑与环境的整体设计上来看，贝尼尼雕塑作品也具备了现代设计雏形。在《圣德莱斯的痴醉》这组雕像当中，整体构造以及衣纹的处理更能体现贝尼尼雕塑的“现代性”。
雕塑的艺术风格范文6
【关键词】消费文化；雕塑艺术；社会经济
引 言
社会经济的不断发展使得消费逐渐成为了主导经济的主流，消费不仅仅是能够满足人们日常的各种需求，还能够在驱动文化发展方向上扮演出重要的角色。人们日常通过消费来认同自身的社会地位和价值取向，这使得中国逐渐出现了消费文化，而且也深刻的影响着其他领域。
消费文化最为主要的特征是通过各种文化符号来模仿和解构事物，从而去引导消费者进行消费，获取更好的利润。消费文化中雕塑艺术逐渐成为一种可以被利用的媒介，所以雕塑艺术的发展方向也深受消费文化的影响。
1.雕塑艺术逐渐平民化和商品化
随着社会经济的发展，雕塑艺术作为商品逐渐走向平凡百姓家，消费文化通过反讽、挪用的方式将雕塑艺术逐渐平民化。雕塑艺术已经不再只是少数雕塑艺术大师的“高雅文化”。消费文化的崛起创造出了一些新的消费观念，雕塑艺术也逐渐开始向着迎合大众的审美观点的方向向前发展。消费文化逐步的冲击着雕塑的经典艺术，将雕塑艺术的经典不断的溶解和稀释，从而将精雕的雕塑作品逐渐变为人们生活中平凡的一件消费品或者是装饰品，一部分雕塑艺术开展走进平凡百姓家，从经典艺术转变为适合消费市场的大众化款式。
2.传统雕塑艺术逐渐呈现边缘化发展态势
在中国当代消费文化的深刻影响之下，更适合市场和消费的商业化雕塑不断的兴起壮大，在一定程度上给纯艺术的学院派的雕塑创作带了了冲击。学生在学习雕塑的时候也更加的具有功利性，一些能够在商场上获得利润的雕塑作品逐渐成为了学生学习模仿学习的对象，那些西方古典的雕塑作品很难激发学生学习的热情。一些老师在消费文化的冲击下对于西方传统雕塑的写实技巧也不够重视，更多的重视雕塑创意的讲授，西方雕塑传统开始呈现出一种边缘化的发展态势，已经不再能够占据目前雕塑艺术发展的主导。
一些雕塑家在进行雕塑创作的时候喜欢对传统符号来进行调侃，以此来博取眼球。他们更多的使用借用的方式进行颠覆和调侃，西方传统的学院派的写实手法逐渐被抛弃，这样所创作出来的雕塑作品看起来十分怪异，但却在很大程度上迎合了消费文化需求。同时一些反应生活世俗的雕塑作品数量不断的扩大，这些作品反映着当下消费社会下的各种生活气息，适应了物质化和消费化社会的发展需求。
3.中国当代雕塑艺术的多元化状态分析
转型时代的中国社会在文化形态领域呈现出多元化的态势，这些在雕塑艺术中也得到了较为广泛的体现。目前中国雕塑领域之所以会呈现一种复杂、杂乱的发展态势，这在很大程度上因为中国社会物质文明的发展速度快过，而精神文化领域的发展和人们日益扩张的物质需求没有达到均衡的状态，雕塑艺术从而出现了很多不同的派别。这些年，一年不太具有艺术价值但却能够冲击人们感官的雕塑作品在市场上不断涌现，出现了一批怀着很强功利心的雕塑创作者，这和当下中国消费文化的崛起有着十分密切的关系。一些雕塑家希望能够从市场中获取更多的物质财富，而另一些雕塑艺术家则希望能够更快的吸引人们的目光，所以创作的作品也仅仅是满足市场的需求，一些作品甚至没有任何艺术价值，还背上了恶俗的骂名。但总的来说，虽然一些雕塑家为了某种目的而改变了雕塑艺术创造的轨迹，改变了自身的雕塑风格，但每一种艺术能够在存在都有着自身的道理，毕竟艺术来源于生活，有市场的雕塑艺术作品至少得到了一些群众的认可，不管这种认可是不是从艺术欣赏的角度，是不是雕塑符合作品的一般技法。
4.雕塑作品过度消费化的影响
在进行雕塑作品的创作中，盲目的追求对雕塑艺术经典的颠覆必然会产生一些低俗的雕塑作品，这对于雕塑艺术本身的发展是消极的，同时也必将会严重的阻碍中国雕塑艺术健康发展。所以在当下消费文化的影响之下，作为真正理解和爱护雕塑艺术的雕塑家应当保持最基本的独立性，从发扬和传承雕塑艺术的角度去思考，挖掘艺术作品的额真谛和本质，放弃单纯功利性的功利心理，也只有这样雕塑艺术的发展才能够改变日趋低俗的创造怪圈。真正的雕塑艺术家往往都是能够很好的保持其创造的独立性，能够从保护传统传承雕塑文化的角度来进行作品创作的，雕塑家只有认识到这一点，才能更好的发挥自身的价值，创造出更多更好的雕塑作品。
5.小结
受到消费文化的冲击，雕塑作品逐渐向着装饰艺术和行为艺术的方向发展，这偏离了雕塑艺术本身所追求的艺术价值。消费文化使得雕塑作品越来越不像雕塑作品，很多雕塑已经不再具有雕塑艺术的美感和欣赏价值，传统的雕塑艺术风格正在受到冲击和改变。新的雕塑艺术风格在消费文化的影响下不断滋生，这给传统雕塑艺术的发展带来了不少的冲击。作为雕塑艺术的传承人和保护者应当摈弃功利性，发展和壮大传统的雕塑艺术，通过好的作品影响青年创作者参与追求雕塑艺术的本质，使得雕塑艺术得到更好的发扬和保护。
【参考文献】
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