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音乐艺术的魅力范文1
一、音乐实践的第一环节是音乐创作
1.音乐创作的本质是表现时代精神和思想的艺术实践。
18、19世纪的欧洲音乐创作与时代精神和社会现实的联系是很明显的。艺术理论家瓦・康定斯基说得好:“每当人类精神力量有所增长,艺术的力量就随之而增长。”贝多芬处在欧洲社会发生急剧变革的时代,资产阶级在当时作为一个新生的阶级给社会带来蓬勃的生机,给时代的精神增添了无穷的力量。正是这种精神力――承认精神财富和精神本身是自由的才促成了贝多芬音乐中的艺术力量。他的音乐最大功能就是医治人类三百六十病中最严重的一种疾病:意志消沉、情绪萎缩、精神脆弱。
1800―1803年,贝多芬(大约从30岁到33岁)经历了一个生死攸关的精神危机。直接起因是失恋和耳聋的打击,这心理和生理的双重打击使他陷入绝望和深刻的孤独之中。贝多芬的一生有三重把握:自己的精神、世界的精神和上帝的王国,正是这永恒的孤独和他的“精神王国”构成了他创造音乐艺术上的驱动力。1803年他创作了《第三交响曲》(英雄),只是贝多芬胜利地经受住了精神发展过程中的一个最昏暗的收缩点的有力证明。在创作这首交响曲的时候,拿破仑――这位骑在马背上驰骋全世界的英雄,的确是贝多芬的灵感源泉。当时的一些德国的杰出的知识分子(如歌德、贝多芬和黑格尔)都曾把拿破仑当作是一个能澄清混乱政局的伟大英雄来崇拜的。贝多芬推崇拿破仑,正是他把拿破仑看成是“时代精神”的代表。其实,贝多芬他自己也是同一“精神时代”的代表。
2.音乐创作总是从精神创作开始,最终再以某种物质形式对之加以限定,这是一个从精神到物质的过程。
当作曲家已经从现实生活的体验中积聚起创作情绪,并开始着手创作时,他总是先停留在内心的构想当中。这种构想不带有任何物质性的行为,它纯粹用心灵在创作、在构建,这就是音乐的精神创作。如贝多芬的精神创作往往处在反复的矛盾中,只有基本乐思清晰地保留在脑海中,在他写作之前,虽然也已经在心中出现了作品的模式,但头脑中的乐思仍然在翻滚着、扩充着。正如他自己所说:“我长期的带着我的乐思,再记下之前长久地保留在脑海中。一旦我构思一个主题,我肯定不会忘记,即使过了好几年也忘不了。我作了相当一部分的修改,删掉一些,再做尝试,直到最后满意为止。然后在我的脑子里,开始从各个方面对它作精心的安排,使它广阔、使它升华、使它深刻、使它严密……”
音乐大师和音乐匠人的区别在于:他们所创造的音乐艺术表达了自然界中那“高阶的秩序”所具有的“和谐的神秘性”。艺术家们通过他们的音乐把意志和激情传递给千百万人,他们在这种博大的给予过程中,既丰富了他人的生命内涵,升华了他人的生命意识,又丰富了自己的生命内涵,升华了自己的生命意识。有的人(如伟大的科学家、艺术家和哲学家)除了他们的外在生活,还有波澜壮阔、浩瀚的内在生活。然而正是这看不见的、惊涛骇浪的内在生活,正是他们那高贵和杰出的思想感情,正是他们的灵魂、胸臆和意志,才造就了他们,使他们形骸不存而精神不朽,使他们“其人虽已没,千载有余情”。
二、音乐实践的第二环节就是音乐表演
音乐是一种表演艺术,音乐表演的本质是作为第二度创造。表演艺术家们不仅仅限于对第一度创造的传达和再现,还必须能够体现出表演者的创造。尽管音乐表演是在第一度创造的基础上进行的,但是这并不意味着只要按照乐谱原原本本的进行表演,就能够完成音乐表演的创造使命,因为我们看到,无论作曲家把乐谱写得多么详尽,用了多少种表情术语,都没有办法记录出音乐运动的内在韵律和微妙变化,更没有办法记下蕴含在音乐作品中的种种思绪和情感。要使乐谱中潜藏的生动乐思得到发掘,使乐谱无法记录的东西得到丰富和补充,这一切都赖于音乐表演者的再度创造。
杰出的音乐表演的美学原则首先应是真实性和创造性的统一。通过探索作品中的内在含义,把握作曲家创作中的精神内涵,强调作品的积极因素,使作品的精华体现得更加鲜明和突出,甚至超出作曲家的预想。在此基础上加入表演者自己有个性的创造,才能圆满实现音乐表演的艺术使命。要做到这一点并非易事。表演者首先要具备出色的表演技巧,这一点无需赘述,可以说,古今中外一切有成就的表演艺术家,无一不是具有高超与独到的表演技巧的。但它并非是音乐表演获得成功的唯一条件。在现代社会,由于音乐教育的正规化和系统化,掌握高超的音乐表演技巧的青少年大有人在,但是真正能成为表演艺术家的却并不多。他们的表演虽然有时也能以其技巧的高超与华丽而眩人耳目,但终究因为缺乏艺术表现与内在生命而使人感到乏味。
所以做一个真正的表演艺术家,还要有深刻的思想、丰富的人生体验和广博的文化艺术修养。深刻的思想主要是指对生活、对艺术要有自己的见解,自觉地把音乐表演艺术与人类追求进步和社会的正义事业联系起来。丰富的人生体验不仅对于像歌剧那样直接表现生活情节和人物形象的音乐表演有直接而密切的关联,而且对于无标题音乐等器乐音乐的表演同样具有重要意义。虽然在这类作品的表演中生活体验一般地并不化作对具体生活与人物形象的想象,但是其中包含的情感与情绪内涵的感受与传达正是以表演者丰富的生活体验为基础的。只有音乐表演者自己具有深刻的人生体验和丰富的情感,他的表演才能真实动人。广博的文化艺术修养对表演者的作用是不言而喻的。所谓“功夫在诗外”,许多杰出的艺术大师都有渊博的知识,这对他们从事音乐活动过程中起着相互渗透、融会贯通的作用。
三、音乐实践的第三环节是音乐欣赏
从音乐活动的整体来看,它是音乐创作和表演的接受环节。无论音乐创作或表演,归根结底都是为了供听众欣赏的,如果没有音乐欣赏它就失去了存在的意义。从表面看,音乐欣赏似乎只是一种被动的接受行为,欣赏着对外界音乐刺激所作出的反应,然而实际上,无论是欣赏之前对欣赏对象的选择,还是在欣赏过程中所产生的的各种心理活动,都表明它还是一种积极的、具有主动性的创造活动。
欣赏音乐固然首先要感知音乐的主题旋律、乐段乃至完整的乐曲,在此基础上才能进入音乐欣赏的更高层次,即对作品进行感性和理性相结合的审美阶段。无论对标题音乐或纯音乐的欣赏,最重要的还是表现对乐曲本身的情感内涵和社会意义的理解认识上,同样了解乐曲产生的时代背景、作曲家的生活、思想、创作意图等因素将会帮助我们更好理解作品。例如,我们欣赏肖邦的《“革命”练习曲》、《d小调前奏曲》等作品时,如果对肖邦所处的时代毫无所知,对激荡在肖邦胸中的爱国激情也不了解,虽然在欣赏时会受到一些情绪上的感染,却难体会到肖邦乐曲中蕴含的爱国热情和革命冲动,也难以真正感受到那“花丛中的大炮”的壮美。
音乐艺术的魅力范文2
在中国音乐艺术发展的过程中，民间艺人对我国民族民间音乐的发展做出了伟大的贡献，当时的职业和半职业艺人所从事的音乐活动，对整个音乐艺术的发展传承起了重要的推动作用，阿炳是我国杰出的民间音乐家之一，他视音乐为生命，创作出许多具有浓郁民族风格和永久艺术魅力的乐曲。
［关键词］
阿炳 民间艺术 音乐作品
中国民族民间音乐是劳动人民在生活和劳动中自发的口头创作，主要借助口头方式生存于民间并得以传承。在世代的传播过程中，它经由无数民间艺人的加工和改编，并不断积累和沉淀。随着时间的流逝不断完备，成为人们生活中思想感情的抒发和艺术表现手法的结晶。在过去几千年音乐艺术发展的过程中，民间艺人对我国民族民间音乐的发展做出了伟大的贡献，曾经的职业和半职业艺人所从事的音乐活动，对整个音乐艺术的发展传承起了巨大的推动作用。
阿炳是我国杰出的民间音乐家，他出生于1893年，逝世于1950年，原名华彦钧，小名阿炳。阿炳从童年起就同他父亲华雪梅（道士）学习音乐。阿炳的音乐修养最初主要的基础出于道家音乐，而且是出于家传。道家音乐，大部分是非宗教性的民间音乐，其中有许多是毫未改动的民歌曲调。阿炳双目失明后，开始以卖唱为生。他从来没有做过向人乞怜的样子，他在黑暗、贫困中挣扎了几十年，他对痛苦生活的感受，通过他的音乐反映出来，没有因为生活艰难困苦而潦倒、庸俗，相反，他的音乐透露出一种来自人民底层的健康而深沉的气息。他曾广泛学习各种民间音乐，能超脱狭隘的师承和模仿，根据自己对现实生活的感受，创作、演奏各种器乐曲。阿炳受生活环境和家庭背景的影响，使他的乐曲创作和演奏充满着浓郁的民族风格，并且很自然的带有一种忧郁愤恨的基调和宁折不弯的大丈夫气概。
阿炳的音乐代表作品主要有《二泉映月》、《听松》、《寒春风曲》等三首二胡作品和《大浪淘沙》《龙船》《昭君出塞》等三首琵琶作品，他生前留下的这三首琵琶曲和三首二胡曲等音响资料，是我国音乐宝库中一份珍贵的遗产。其作品渗透着传统音乐的精髓，表达了他对现实生活的深刻感受，情真意切，感动人心，充满艺术的生命力。1950年，他所演奏的六首乐曲曾被录音，并由中央音乐学院民族音乐研究所将其记录整理，编成《阿炳曲集》。下面以其中的四首作品为例，感受作品中的艺术享受。
音乐作品《二泉映月》， 这首曲子开始并无标题，阿炳常在行街穿巷途中即兴拉奏，阿炳曾把它称做“自来腔”，他的邻居们都叫它《依心曲》，后来在杨荫浏、曹安和录音时联想到无锡著名景点“二泉”而命名为《二泉映月》（江苏无锡惠山泉，世称“天下第二泉”），这时才定下了曲谱。音乐家贺绿汀曾说：“《二泉映月》这个风雅的名字，其实与他的音乐是矛盾的。与其说音乐描写了二泉映月的风景，不如说是深刻地抒发了瞎子阿炳自已的痛苦身世。”1950年深秋，在无锡举行的一次音乐会上，阿炳首次也是最后一次演奏此乐曲，博得现场观众经久不息的掌声；1951年，天津人民广播电台首次播放了此乐曲；1959年10周年国庆时，中国对外文化协会又将此乐曲作为我国民族音乐的代表之一送给国际友人。从此，此乐曲在国内外广泛流传，并获得很高评价。1985年，此乐曲在美国被灌成唱片，并在流行全美的十一首中国乐曲中名列榜首。后来，彭修文将此乐曲改编成民族器乐合奏曲；吴祖强改编成弦乐合奏曲；丁芷诺、何占豪改编为小提琴独奏曲；丁善德改编成弦乐四重奏等。中国唱片社曾将阿炳于1950年夏天演奏此乐曲的钢丝录音制成唱片，畅销海内外。这首乐曲自始至终流露着一位饱尝人间辛酸和痛苦的盲艺人的思绪情感，作品展示了独特的民间演奏技巧与风格，以及无与伦比的深邃意境，显示了中国民间音乐艺术的表现力和独特魅力，并获得“20世纪华人音乐经典作品奖”。
音乐作品《听松》，又名《听宋》。据阿炳说：“宋朝时金兀术被岳飞打得走投无路，狼狈逃至无锡惠泉山下。躺在听松石上，心惊肉跳地倾听宋朝兵马的声音。这首乐曲便是描写这个故事，所以又名《听宋》。”据说阿炳在时期每逢演奏此乐曲前必讲一番南宋时期入侵者金兀术败逃的故事，以金兀术的败逃喻日寇的失败，以岳飞的奋斗精神预言中华民族的必然胜利。作者通过松涛借物咏怀，在赞颂民族英雄岳飞军威的同时，倾注了他刚直不阿的性格和坚定自信的意志。乐曲气魄豪迈，跌宕起伏，刚劲有力。全曲短小精悍，气势浩大，构思新颖，层次分明，旋律流畅，一气呵成，速度和力度倏忽多变，具有很强的戏剧性效果。
音乐作品《大浪淘沙》，据阿炳生前所言，这首乐曲原是道家的《梵音》合奏曲牌，是他在琵琶上弹奏，而加进了琵琶的技术。但据杨荫浏查证，道家中并无此曲。乐曲第一段旋律与广东音乐《三潭印月》乐曲开始的旋律相近似，很有可能此曲是华彦钧根据他所熟悉的音调创作的。此乐曲后经杨荫柳浏、曹安和二位先生录音并记谱才得以保存至今。乐曲结构紧凑，共分三段，从多侧面揭示了主题音乐的内涵，音乐情绪从原来深沉忧怨发展到活泼有力，到最后在充满乐观和自信的音乐声中结束。
音乐作品《龙船》，原是民间所流行的一首琵琶曲调。乐曲描写人们在端午节龙船竞渡时的欢乐情景。阿炳为表现欢乐纷繁的节日场面，选用了民间吹打音乐中常用的循环体结构，“打”一段，“吹”一段，吹打相间进行。为表现乐曲内容需要，对曲调不是发扬其优美抒情的特点与热烈的锣鼓声相对比，而是采用“弹”与“分”的技法演奏均匀的八分音符，后半拍为双音，以加强旋律进行的动力，犹如划船的人们同心协力，动作一致，破浪前进。
阿炳的音乐是要用心灵来倾听的，一代大师的真情流露，能触摸到的灵魂乐章，蕴藏着诸多心情故事。他的一生承受了极大的痛苦，但他并不为沉重的生活所压垮，从未停止过对光明的追求，他的性格诙谐幽默、豁达开朗，表现出不屈于现实和乐观向上的精神。希望“阿炳音乐”这音乐文化中的艺术珍品继续得到更广泛的传播，用它充满着强烈的艺术感染力并蕴含着社会深层思想的乐音，激励着每一位乐者要为中国的民间艺术文化的发展继续努力。
参考文献：
1、孙继南、周柱铨 主编，中国音乐通史简编，济南：山东教育出版社，1993年
音乐艺术的魅力范文3
【关 键 词】 抽象；中学美术；教学方法
抽象艺术是一种独立的美术表现形式。作为中学生来说，逻辑思维发展并不完全成熟，容易受到具象思维的影响，从而难以从正确的角度去理解并欣赏抽象艺术的魅力。培养学生的抽象思维能力，有助于学生扩展艺术认知，锻炼对抽象事件、事务的学习和理解能力。作为美术教师，对于抽象艺术不仅要讲，还要讲透、讲通，在课中利用音乐和美术之间相融相通的关系，引导学生学习抽象艺术，摆脱单一的审美感知模式，理解和欣赏抽象艺术，提高学生的审美能力是本文想要探索并尝试解决的问题。抽象艺术包括很多的艺术领域、抽象雕塑、抽象装置、音乐、抽象诗歌、抽象摄影、建筑、抽象舞蹈等。但在很多时候，抽象艺术的概念主要指的就是抽象画，也正是我们要来讨论的。
一、传统教学方法的问题所在
讲新课就必然要讲新知，讲新知就会涉及要讲概念。在美术中的抽象，最初只是对具象的概括和提炼，使得画面消解了具体的轮廓和细节，变得具有高度象征性。教师常以毕加索的《牛》和蒙德里安的《树》的演变过程来理解抽象概念，然后上图片，各种门派、各种主义讲到半抽象、全抽象、热抽象、冷抽象等等。此方法本没有什么不妥，但课堂缺乏生动性，教师喜欢针对抽象演化的过程和作品最后呈现的构图效果大讲特讲，部分受过专业训练，有美术基础的学生容易参与其中，但其他学生的积极性却难以被调动，教学效果往往打了折扣。有的学生理解了抽象艺术的概念，但在动手实践的过程中又望而却步。所以改变以往的教学方法，打开新的思路迫在眉睫。
二、摈弃旧观念，重寻新突破
抽象画作品中不描绘、不表现现实世界的客观形象，也不反映现实生活；其次，没有绘画主题，无逻辑故事和理性诠释，既不表达思想也不传递个人情绪；第三，纯粹由颜色、点、线、面、肌理、构成、组合的视觉形式。这是网络百科对抽象作品内涵的解释。但有的老师过于现实，死板的理解此概念，固执地认为抽象作品不能和情感传递联系起来。不用举例太多，以人美版八年级上美术教材第四课《用色彩表达情感》为例，教材中所展示的和引导的正是利用色彩元素和抽象画的形式去学习如何表达自己的情感。
在艺术发展史上，各艺术门类之间也既有其独立性与区别，有其相互联系和融洽。抽象绘画能够传递情感，音乐也能传递情感，如此一来，我们便找到了音乐与美术同为艺术形式的共通点所在。著名抽象绘画鼻祖，康定斯基创作“构图”“即兴”“抒情”几幅作品时，正是在音乐的灵感中完成的，也从而诞生世界上第一幅架上抽象画。
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三、借助多媒体立体化教学
正所谓“学乎其上，得乎其中”，为了达到这一目的，我们应充分利用现代网络广博的信息容量、多媒体技术绚烂多彩的表现形式，融鉴赏、讲授、示范为一体，声画同步，图文并茂，为学生开拓一个更加生动、广阔、立体的美术课堂。美术课常见的多媒体运用无非是看“图片”“视频”和“文字”，本课的设置中还将听“音乐”作为主要教学手段，增加了直观感觉，丰富了感受体验。
四、课例分析
以人美版八年级上美术教材第四课《用色彩表达情感》为例。学生首先通过观察作品、讨论特点、对比总结的方法归纳出抽象绘画作品的含义和概念。然后提问：“还有哪些艺术形式也是表现的抽象作品？”学生发言或得出“音乐也是抽象的”的结论。其次，播放一些不同效果的音乐，请学生闭眼欣赏，结束后发言说说感受，学生多能畅所欲言，各抒己见。接着，将每一段音乐搭配的抽象作品展示给学生，让学生感受同样情感体验从美术和音乐不同形式展现的效果。随后，再次播放另外的音乐，要求学生在脑中用色彩和点线面的形式构思出音乐所传递的画面，要求学生发言描述并做好记录。最后，学生根据自己所思所想完成抽象绘画作品。
抽象艺术的教学难度高，想要将其讲通、讲透，还需在选择图片、音乐资料过程中仔细推敲，做好充分备课。文中所述的方法在实践中虽有一定效果，但远非尽善尽美。只有在教学实践中不断探索、创新教学模式和教学方法，才能增强教学效果，更好地完成教学任务，更好地培养学生的审美能力和审美情操。
【参考文献】
[1] 康定斯基. 艺术中的精神[M]. 昆明：云南人民出版社，1999.
[2] 康定斯基. 康定斯基论点线面[M]. 北京：中国人民大学出版社，2003.
[3] 吴茜. 抽象艺术在中学美术欣教学中的实践-9探索[D]. 华中师范大学，2006：4.
音乐艺术的魅力范文4
[关键词] 电影音乐;特征;形式;作用;歌曲演唱
电影音乐包含着一般音乐所缺少的视觉信息,是一种新的音乐艺术体裁。包括电影作品中的一切音乐和歌曲。独立的音乐元素和电影在最初结合时,分属两个客体,仅具有十分脆弱的外部联系,并没有形成综合艺术特有的形态,也不具有明确的审美目的性。在发展中,由于有声电影技术上的突破,清除了阻挡在电影与音乐之间的樊篱,才使音乐成为电影整体结构中的组成元素。
一、电影音乐的特征
今天,电影中的音乐,既保持了艺术本身表现的特殊性,又在最大程度上实现了区分于一般音乐的质变,从而形成了自身的特征。具体来说:
在综合艺术中以结构元素纳入总体设计蓝图的电影音乐,所演唱歌曲不再是一个孤立的作品。电影作曲家应运用影视思维,并根据影片的思想内容、艺术风格、人物性格以及影片的时代特征、民族特征和地方特点等进行创作。其主题的显示和发展,和声、配器等作曲技巧的使用,其风格的确定和段落的安排,都必须对影片中各种艺术元素的作用加以综合把握,使音乐形象融于整个银幕形象之中。
在独立的音乐作品中,音乐以连贯不断的时间运动和严谨的曲式结构形式来表达作品的内容,而电影音乐却往往丧失了音乐在时间上的连贯性,它与影片的总体流程相伴而行,呈现出“分段陈述,间断出现”的形态。因此,电影音乐在结构上,既要保持自身纵向发展的承续性和统一性,又要开拓与其他艺术元素横向结合的协调性和共融性,以产生完美的、丰富多彩的视听审美价值。
电影的叙事结构较之于其他艺术,具有容量大而又紧凑的特点。从音乐的角度而言,这是电影之于音乐的时间限制。作曲家必须在严格规定、按秒计算的时间内,展开极其复杂的思想和感情,往往用两三小节就要把预期的形象鲜明而准确地表达出来。无视电影音乐在时间上的局限性,不仅会影响全片的节奏,而且会破坏整个艺术综合体的和谐统一。
电影音乐作为影视声音总谱上的一部分,作曲家只是提供歌曲演唱的一部分思维和素材,它必须通过电影录音才得以存在,而对电影音乐进行不同的音响处理,则可以创造出完全不同的银幕形象和情绪。
二、电影音乐的形式
电影音乐就其声源而言,一般可分为有声源音乐和无声源音乐两种形式。
有声源音乐,亦称画内音乐、客观性音乐,即影片中出现的音乐是画面中的声源所提供的,如正歌唱的人、演奏的乐器、开着的收音机、录音机、电视机等,此时音乐与画面保持同一现实世界的节奏。它在加强影片的时代感、渲染环境气氛和直接参与情节等方面有其独到之处。运用有声源音乐应注意音乐的音质与画面中所提供的声源相一致。不过,有声源音乐一旦进入剧中人物的内心世界,便由原来的逼真性音乐走向假定性音乐,这时即使所听到的音乐与声源不符也是可以的。
无声源音乐,亦称画外音乐、主观性音乐,即影片中的音乐并非来自画面所提供的现实世界,而是创作者对画面这一客观世界的感受,是根据塑造人物性格和渲染环境气氛等需要设计的,并以其特有的深度和强度来补充画面不易表达的情绪和感情。电影音乐虽是分段陈述的,但仍有一定的承续性,因此,无声源音乐的运用,不仅要有内在的根据,而且要有前后衔接的照应。
有声源音乐与无声源音乐可以相互转换,交替使用。例如,《知音》的主题歌出现三次,第一次是小凤仙抚琴歌唱,以有声源音乐出现,而后两次画面没有提供现实声源。一次是蔡锷在福冈医院,这主题歌响自他的心灵深处,表达了蔡锷对小凤仙的思念之情;一次则处理成画外女声合唱。大有“曲终人不见”之妙。上述艺术处理,使客观音响与主观心理音响有机地结合起来,从而丰富了作品的听觉元素,增强了影片音乐的内在统―性。
三、电影音乐的作用
(一)揭示人物内心世界的作用
音乐凭着自身丰富的抒情能力,首先在电影中起到揭示人物内心世界复杂、细腻心理活动的作用。如日本电影《追捕》中,杜丘在真由美家发现有人向警察厅告密后急忙跳窗逃跑,他―边跑一边回头看,就在他回头的刹那间,音乐骤起,几个力度很强的和弦,有力地表现了杜丘看到真由美追来时的内心感受,同时也让观众感到情况非常之紧急。当真由美告诉他有人追捕他要带他逃跑时,在电子乐短促的节奏音型的陪衬下,主题音乐响起,既烘托了当时的紧张气氛,又刻画山杜丘面对危险仍然非常从容、镇定的心理和内向、坚毅的性格。随着镜头的切换(下面,中景,二人乘马飞奔),仍然在非常急促的伴音型下旋律声部突然变为一个夏威夷式的电吉他,继续轻柔地奏着主题音乐的变奏,这段音乐虽然同当时的紧张气氛极不协调,但它准确地刻画了主人当时的心境:“为什么要救我?为什么?”“……我喜欢你”。远景,马在原野上飞奔,伴奏更加急促,并加入了带弱乐音的铜管乐器,主题旋律变得时隐时现。这段音乐处理,从人物内心出发,同时也刻画了特定环境中复杂、微妙的气氛,造成了更加深远、含蓄的意境,给观众留下了丰富的想象余地。又如电影《甲午风云》中,邓世昌为民请命被革职,他一个人在屋里吹箫,那如怨如诉的箫声表达了他内心的激愤。之后他又弹起了金戈铁马的琵琶曲《十面埋伏》,这铿锵有力的琵琶曲倾诉了邓世昌誓死与侵略者斗争到底的坚强决心。
(二)加强观看电影的统一感
音乐可以用于镜头的组接,能将画面内容上彼此毫无关系的一些镜头组接起来,从一个镜头自然地过渡到另一个镜头。音乐不仅用来连接两个镜头,而且还可连接段落。在电影《城南旧事》中,段与段之间都是以主题曲《送别》来连接的。《送别》歌曲的演唱在这一刻的内容情调上,是深沉、复杂的心理活动的注解。歌曲的演唱诉说着一种离别的伤感,唱起来如怨如诉。美国影片《飘》《挪威之歌》,也是通过音乐将上下段落连接起来的。给观众一种统一感。
(三)音乐有助于形成电影节奏
形成作品节奏的关键是镜头的组接和画面内人物的动作,但这些因素形成的节奏可以通过音乐来调节:快节奏的动作配以快节奏的音乐可以使这一段落的节奏更快;慢节奏的动作配以慢节奏的音乐可以使这一段落的节奏更慢;慢节奏的动作配以快节奏的音乐可以使这一段落的节奏加快;快节奏的动作配以慢节奏的音乐可以使这一段落的节奏减慢。
(四)对人物性格、感情、情绪、精神进行高度的概括
音乐可以通过特定的意境、对人物性格、感情以及全剧总的情绪、精神给以高度的概括。电影《牧马人》中,许灵均向父亲回忆妻子李秀芝的苦难经历。画面内容:一列急驰的货车,车厢内秀芝和几个姑娘蜷缩在―起,互相依偎着以抵御塞风的侵袭。与画面相配的声音是火车的嘶鸣和由铜管乐器演奏的一段嘈杂的旋律。这段旋律名叫《拿起笔做刀枪》,这段曲子的内容及其特定的历史背景,引发了人们的联想,使它与画面内容构成了一种内在的联系,由此产生的象征意义点明了女主人公苦难遭遇的根源之所在。美国作曲家杰利•戈德史密斯为影片《巴顿将军》作曲时,根据巴顿性格的三个方面,设计了三种不同的主旋律。巴顿刚出场时,用嘹亮的小号吹奏出象征灵魂再生的主旋律;当银幕上出现他指挥军队的镜头时,用军队进行曲的主旋律;提示他的时,用赞美诗合唱。后来,当他在战场上发号施令,乘胜前进时,他的三重性格趋于统一,于是,三种音乐主题综合出现,使巴顿这个有着复杂性格的人物形象完整地体现出来。
(五)可以表现作品的主题
电影作品的主题思想、人物性格、基本情绪、矛盾冲突等常常通过音乐或歌曲表现出来。电影《红色娘子军》中的《娘子军连歌》对于刻画主要人物、加强戏剧冲突、表现主题起到了很好的作用。
(六)音乐可以渲染气氛
电影中的音乐能有效地体现作品的时代气氛、环境气氛、战争气氛、恐怖气氛、梦境或幻境气氛。
四、电影对歌曲演唱情绪特征的选择
一般来说,歌曲是音乐与文学的结合体,是音乐艺术中最富于表现力的一种形式。歌曲被引进电影后,借助影视的视觉形象,更为它插上了翱翔的翅膀。一些优秀的中外电影歌曲不胫而走、久唱不衰的事实,充分说明电影歌曲具有独特的艺术魅力。
按其在影片中所处的位置及作用,电影歌曲可分为主题歌和插曲两种。我们把表达影片主题或概括全片基本内容的歌曲,称为主题歌。它是全片音乐的中心,歌曲的旋律可作为影片的主题音乐加以贯穿、发展。插曲则指为影片某一场戏或某一场景所写的歌曲。
在新时期电影创作中涌现了一批优秀的电影歌曲,如《巴山夜雨》中的《伞儿带着我飞翔》,《牧马人》中的《敕勒歌》,《小街》中的《妈妈留给我一首歌》。作曲家们在创作的构思阶段,就有了明确的音画结合的创作意识,在声部处理、调配等方面,不是一味追求旋律的完整动听,而是使其成为影片的有机构成,借以提示人物丰富的内心情感,发挥了独特的审美功能。
《牧马人》的开头,男中音唱出了雄浑宽广的《敕勒歌》,这首取材于北朝民歌的歌曲,表达了影片男主人公对草原、对伟大祖国强烈而深沉的爱,概括了影片的总体气势。有的影片插曲很注意演唱的艺术效果。如《小街》的主题歌《妈妈留给我一首歌》,在影片中出现两次:第一次安排在俞向夏诉说自己的不幸遭遇后,画外的女声独唱渐渐响起,一开始歌声没有任何伴奏,仿佛是从俞的心底传出来的。随着乐队的加入,颤音越来越大,镜头拉成大全景:在苍茫的暮色中,车灯射出光速,朝着远方驶┤ァ…此时的歌声抒发了俞不为生活挫折所摧,对生活、对未来充满信心的内心世界。第二次出现在夏被殴打的画面中,歌曲演唱以音乐的甜美反衬出画面的残酷,抒发了夏美好纯真的情怀。如此精心的安排,给影片增添了强烈的艺术魅力,并能够唤起观众感情上的共鸣。
由于受“歌曲独立于影片”的创作思想的影响,电影歌曲的创作还存在着插曲太多、用得太滥以及演唱失真的现象。在一些影片中,作曲者过于追求旋律的完整和动听,结果导致歌曲结构封闭,很难与其他艺术元素相互融汇,也就失去了自身存在的价值。所谓“歌曲独立于影片”的创作理论,无论对观众的接受,还是对影片的艺术整体,都是有害的。因为,偏重歌曲的创作心理必然导致创作人员试图以歌词对人物或事件进行评价,势必会中断观众的欣赏过程。倘若观众对歌词进行思索,又会干扰对音乐旋律的感知,影片在最需要感彩的时候,歌词强大的理性冲击力却把观众诱出了画面。此外,音乐是时间艺术,因而电影音乐要受时间的限制,如果一部影片的歌曲创作不从实际出发,一唱再唱,就可能打乱影片的整体节奏。尤其是无声源歌曲,常会固假定性突出而给影片的真实性带来损伤。显然,确立音画结合的创作意识,是整个电影音乐创作中不可忽视的问题。
音乐艺术的魅力范文5
一、我国具有礼乐文化传统，文之以礼乐的历史经验值得鉴今
回溯历史，我国是一个非常重视礼乐的国度。礼乐教化通行天下，使人修身养性，体悟天道，谦和有礼，威仪有序，这是我国古典礼乐文化的内涵和意义所在。《礼记乐记》中说：乐者，天地之和也;礼者，天地之序也。和故百物皆化，序故群物皆别。礼是天之经，地之义，是天地间最重要的秩序和仪则;乐是天地间的美妙声音，是道德的彰显。礼序乾坤，乐和天地，气魄何等宏大!所以，大乐与天地同和，大礼与天地同节。其中的乐乃音乐，其中的礼乃礼仪，音乐和礼仪相伴，则情感交融，在音乐美化情感的过程中，收获到有礼有节、有道有德的熏陶，文之以礼乐即客观规律。
将文之以礼乐的历史经验借鉴为今用，当作进一步的分析。有礼有节、有道有德是人们所应该具有的文明素质的内涵，人们的文明素质身受环境的影响，人之初，性本善的哲理即在告诫人们，人的品质在人之初并没有多大的区别，但性相近，习相远近朱者赤近墨者黑的哲理则告诫人们，人的品质会随着后天环境的影响而发生变化，后天环境给与什么养的影响，将会随着这样的影响而改变。音乐艺术作为人们现实生活中主观意识的体现，又是人们所喜闻乐见的形式，乐于投入其中，所以，音乐艺术必然会影响到人们的道德意识及行为，对人的道德建设发挥具有特殊形式的熏陶和教化作用。
二、音乐艺术具有随风潜入夜的效应，极易引发人的内心共鸣
根据科学论证得知，音乐的律动可以对人的心跳和脑电波施加积极的影响，在这种影响的作用下，人的心跳和脑电波会与其产生共振，并同时在人的身体内产生一种生理活性物质，在这种生理活性物质的刺激下，人们的情绪开始亢奋，人们的头脑的反应能力也开始强烈起来，这时人们做事情的效率就会比平时有力显著的提升。人们在生理上对音乐的这种积极的反应，造就了音乐在调动和激发人们情绪上的效能最大化。
譬如电视剧《大秦帝国》中经常有这样的片段，每当秦国人遇到难关的时候，需要激发斗志的时候，他们都会齐声高唱赳赳老秦，复我河山、血不流干，死不休战之歌，并在歌声中砥砺斗志、战胜困难。这种以歌明志、用歌提气的办法，也被我们的先辈们屡试不爽，并取得了应有的实实在在的效果。大刀向鬼子们的头上砍去，全国武装的弟兄们，抗战的一天来到了，抗战的一天来到了，这首由麦新创作的《大刀进行曲》，不仅讴歌了二十九军这个抗战先驱的抗战精神，更为重要的是歌曲唤起了全中国人民的抗战激情，一时之间全国发生了有钱出钱有力出力的奉献热情，出现了青年人踊跃报名上前线杀敌的大无畏精神。由冼星海和光未然合理创作的《黄河大合唱》的演唱，从音乐到歌词，都会引发国人群情激奋的效应，不畏、誓死保卫家园，坚决把侵略者赶出家园的爱国主义精神和革命英雄主义精神便会振发出来。《东方红》让我们感受到了党的可亲可爱，《社会主义好》使人们增强了对社会主义制度的自信和理论的自信，《歌唱祖国》叫我们内心澎湃起对祖国的无限爱意，等等。这就是音乐艺术极易引发人的内心共的例证，这样的共鸣所发挥的作用就是陶冶国人美好精神的实证。
三、发展我国的音乐艺术，普及大众音乐活动
音乐艺术的魅力范文6
【关键词】湘西；民族音乐舞蹈艺术；文化旅游项目；价值
一般而言，旅游产业到文化旅游的转变是旅游消费方式与生产方式的转变，传统单一性的方式已经无法满足现代旅游业的发展，只有复合性的文化旅游才能符合市场的发展需求[1]。随着文化旅游的不断兴盛与发展，如何实现民族音乐舞蹈艺术在文化旅游项目中的最大化价值，促进民族音乐舞蹈艺术的发展与创新，已经成为旅游业需重点解决的问题。
一、湘西民族音乐舞蹈艺术在文化旅游项目中的呈现路径
首先，艺术创意与文化真实的结合。对于文化旅游而言，其中创意是有效的路径，艺术是重要的表现形式，而文化则是母本，这就需要对民族特色文化资源进行充分挖掘，弘扬与发展特色文化，树立旅游品牌意识，以此实现地区旅游业的发展。在文化旅游项目中实现湘西民族音乐舞蹈艺术的最大化价值，需要以个性民族文化为主，对艺术文化渊源进行连接，结合特色艺术的地域特征、时令信息与时代背景等，对艺术本身进行还原，打造创意与真实的立体艺术表演，达到艺术的创新发展与改革突破。其次，原生态艺术的歌舞展演。如《魅力湘西》中涉及的歌舞很多，包括桑植民歌、大庸阳戏和花灯等歌舞曲艺，其中桑植民歌唱进了维也纳的金色大厅，成为民族音乐舞蹈艺术的精粹[2]。《魅力湘西》综合了巫傩文化、民族音乐、文艺美学和民族文化等元素，在“狂野、激情、浪漫、快乐”的基调中上演了所有的艺术表演，并生动展现了大湘西“三民”文化活化石，实现艺术的“保真保质”。最后，新媒体技术的应用。如《魅力湘西》的展演不仅保留了大湘西原生态民俗文化，也将现代舞台之电、光、声技术与传统民族技艺、艺术等进行结合，使观众形成感觉、听觉和视觉等方面的大落差。
二、湘西民族音乐舞蹈艺术在文化旅游项目中的价值
民族音乐舞蹈艺术是以真实原始生活为来源，是各民族的文化艺术智慧结晶与生活艺术化呈现，其价值如下：
（一）艺术社会价值。湘西民族音乐舞蹈艺术来源于生活且服务于生活，如苗鼓是庆祝丰收时表演的乐器、酉水号子是湘西船夫们拉纤的协作曲等。例如：《魅力湘西》让民族音乐舞蹈艺术得到文化的认同，推动了湘西民族身份的重新构建以及传统文化艺术的发展，提高了湘西周边地区的经济社会发展、美誉度和知名度，有利于实现张家界旅游业的发展。此外，从世界民族文化角度来说，《魅力湘西》为世界文化的交流提供了平台，各国游客可以通过对民族音乐舞蹈艺术进行观赏，更好地了解中国的民族文化和魅力湘西的文化，让魅力湘西走向世界。
（二）艺术经济价值。当前旅游作为一种“绿色经济”，许多旅游景区都出现民族音乐舞蹈艺术，以此为旅游创收。值得注意的是，不能片面认为湘西民族音乐舞蹈艺术存在的价值在于此，这些艺术形式源于自然和生活，是民族精神生活的重要内容，只是在展现文化价值的同时，也体现一定的经济价值和商业价值。
（三）艺术文化价值。湘西民族音乐舞蹈艺术具有很强的观赏价值，能够通过舞台艺术形式让观众获得美的享受与审美体验，实现其观赏价值。由于旅游本身存在一定的文化功能，旅游者的旅游实质上属于享受文化、消费文化和购买文化，因此湘西民族音乐舞蹈艺术价值的实现也是文化价值的实现[3]。另外，湘西民族音乐舞蹈艺术通过艺术创新来适应新时代的发展要求，得到新的突破，有效丰富其文化价值的内涵，实现艺术的发展。
三、结束语
要想实现湘西民族音乐舞蹈艺术在文化旅游项目中的价值，需要深度挖掘与推广研究文化旅游在民族音乐舞蹈艺术文化中的价值，使艺术成为文化旅游发展的重要推动力，实现艺术的社会价值、经济价值和文化价值。总之，湘西民族音乐舞蹈艺术的发展可以促进文化产业的发展，带动经济利益，实现良好的经济效益与社会效益。
参考文献：
[1]张淑萍.民族音乐舞蹈艺术在文化旅游项目中的价值实现——以张家界《魅力湘西》为例[J].中国音乐,2012,(02):198-201.
[2]刘纯.旅游产业中的民族民间音乐——湖南湘西旅游景点中的苗族音乐文化变迁[J].音乐创作,2012,(02):144-145.
