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美术设计范文1
关键词：计算机辅助设计 美术基础 计算机美术设计
1、引言
21世纪是科学进步的时代，也是设计的时代。新时代设计显得尤为重要，它与人们生活息息相关。大到高楼大厦，小到服装百货，它们己不是上世纪计划经济时那样单调了。而是，进入了新的发展阶段，一个设计细节就能决定它们的成败。
新世纪计算机图形处理技术得到前所未有的发展，以计算机为主体进行视觉设计的一系列相关产业的形成。计算机美术设计便从中孕育而生，它是运用新的工具为创作手段的美术设计，它在传统美术设计的基础上伴随着计算机技术的发展而在不断发展着。
2、传统美术设计的重要基础地位
美术设计基础包括美术理论、技能和审美等方面。美术理论、技能教育的任务主要侧重于美术基本知识与基本技能的训练。通过美术史及美术创作的学习过程，培养审美能力。传统美术设计能够使设计者具有一定的文化修养和良好的审美能力、鉴赏能力，对自然中(风景，人物)的和艺术作品的美的形态鉴赏、识别和把握表现能力。设计创作的主体将来自于现实生活中的审美认识，经过物化使其成为视觉艺术的设计创造过程。较高的艺术欣赏水平和扎实的美术功底，良好的艺术资质和创造性的设计思维，是一位优秀的设计师必须具备条件。这就说明了艺术修养的培养与美术基础技能在美术设计中是非常重要的。
3、计算机美术设计的独特优势
计算机作为一个先进的设计工具，它不仅能够声图并茂、信息存储量大、展示便捷、图像生动逼真、动感效果是传统设计所达不到的，同时修改起来尤其方便。作为一个先进的生产工具，计算机的广泛应用在人类生产生活环节的各个领域发挥了巨大作用，大幅提高生产效率。它给设计师们留下了更充裕时间用于思考和设计，想象空间也得到了拓展，由平面设计、三维立体设计、网络动画设计以及影视制作等。
计算机美术设计的多样性，主要体现在美术设计软件的多样性。比如广告平面设计软件如Photoshop、CorelDraw、Google Picasa就可以设计照片、logo标志、广告、图片等，同时还能增加一些效果处理。AutoCAD、3DMAX等进行建筑施工图设计，室内外装饰设计效果等三维设计。各种成熟美术设计软件都提供了完善的很高的调整方案，通过色彩、亮度、对比度等画面调整，可以随时快速修改作品。而不需要重新绘制着色。其便捷的操作则是超越传统美术设计达不到的。在传统美术设计中，很多由于一点失误就将导致工作的前功尽弃，计算机操作则有效地避免了废稿，节约了美术设计者的时间和精力。
计算机网络信息化和海量存储设计者可以轻松获取素材。同时也可以把自己的以前创作设计到新的创作中去。计算机对于美术设计作品可以进行海量存储和网络信息化使作品出版、传播具有显著优势。同时它也推动了整个美术设计行业的快速发展，使得设计者可以互相交流借鉴。
计算机美术设计具有良好的创作行，它设计出的艺术作品生动逼真、彩色艳丽是传统设计所达不到的。在计算机美术设计中设计者可以尽情地抒发自己想象力和创造力，拓展新的思维方式，用计算机设计出自己想要的效果，形成设计的新思路、新思想、进一步提升审美能力和创新思维。
新形式的作品随着计算机的发展而产生，它们对计算机图像处理技术和计算机辅助设计有着天生的依存关系，计算机为则是这些新一代美术设计产品展示平台的：比如网页设计，交互式flash动画，PowerPoint电子幻灯片，新一代数字动画片等等。
4、计算机美术设计和传统美术设计的关系密切
尽管计算机美术设计的发展给美术设计领域带来了巨大变化，但是计算机美术设计的核心仍然是美术设计。美术设计之所以在今天得到蓬勃发展，主要在于设计作品的功能性、艺术性以及文化品位。这就要求设计师具有良好的审美能力和创新思维，并不断地为设计作品注入文化艺术含金量。所以一个优秀的计算机美术设计师，他除了需要具备熟练的软件操作技能，还应具有良好传统美术设计基础。如果只会计算机操作的又不具备传统美术设计基础，就不能创作出具有艺术行的美术作品；真正要创作出高质量的计算机美术设计作品，还需要计算机美术设计和传统美术设计基础有机地结合起来，设计者的审美能力越强，艺术修养越高，他们设计出来的作品品味越高，越能得到大众欢迎。转贴于
美术设计范文2
关键词：民间美术；造型；色彩；现代美术设计
民间美术源于我国广大的劳动人民在几千年历史长河中的辛勤劳作，历经多年的劳动实践，将日常生活和生产融入美术创作，才形成了我国极富地域特色和民族魅力的民间美术艺术。我国的民间美术以其夸张、独特的平面造型和变化多彩、绚丽多姿的色彩给人强烈的视觉冲击，现代美术设计在我国传统民间美术艺术造型的基础上融入了更多先进的元素和设计理念，二者在造型和色彩方面有着许多共通之处。民间美术丰富的文化底蕴和多姿多彩的色彩搭配，给现代美术设计提供了丰富的设计灵感。因此，将民间美术应用于现代美术设计，能够使现代美术设计更富有传统文化色彩，也能使其形成极其独特的艺术魅力，更能得到消费者的认可。
一、中国民间美术简述
中国民间美术体系庞大，是我国几千年源远流长的文化瑰宝。民间美术是劳动人民在劳动实践中创造出的艺术，在很大程度上丰富了人们的劳动生活，满足了人们在辛勤劳动过程中的文化需求，跨越了现实生活和精神世界两个层面。民间美术中蕴含着劳动人民真实而质朴的内心情感和审美情趣，也是劳动人民艺术品位的体现。由于民间美术是在劳动过程中创作并发展的，因此它也可以被视为一种生产创作活动。民间美术的作品往往具有实用性，但又不缺乏审美价值，反映了人们内心的美好愿望和真实信仰[1]。人们在整体审视和欣赏民间美术作品时，会发现其中蕴含着较为朴素的道德观念。民间美术和民俗活动之间有着密切的联系。尤其是在一些民俗活动中，民间美术从中汲取了许多特殊的文化元素。在一些婚丧嫁娶、祭祀庙会等民俗活动中，民间美术创作极为活跃。此外，在一些传统佳节中，民间美术形式多样，令人目不暇接。特别是在一些少数民族的民俗活动中，民间美术更为活跃和丰富多彩。民间美术创作通常使用一些简单易得的材料，如布料、竹子、泥土等，但是对于技巧的要求较为严格，创作者很少再现客观事物，而是通过大胆的想象和夸张表达内心的强烈情感。经过了数千年的沉淀和积累，民间美术仍然有着纯朴和本真的艺术品质，完整地反映了劳动人民的精神世界。
二、民间美术和现代美术设计的联系
1.民间美术色彩是现代美术设计的灵感源泉
民间美术的色彩不仅是我国传统文化深厚底蕴和历史传承的主要文化特征，而且是我国传统文化艺术的体现。从民间美术色彩中获取灵感和设计元素是重要的设计途径。我国民间美术色彩是以五行思想为依据的，讲究金、木、水、火、土相生相克，典型的代表就是红色。在中国人的思想中，红色是民族的象征，中国人对于红色有着强烈的情感认同。红色在五行思想中代表火，有着喜庆尊贵和吉祥的思想内涵，创作者也通常用这种色彩表现美好和欣喜[2]。从古至今，红色的地位难以被撼动，在今天被赋予了新的内涵，有了更深远的象征意义，体现出中华民族的民族情结。许多国际品牌在进入中国市场时，仍会选择红色作为品牌的颜色。如：斯沃琪手表在新年推出红色的特别款；苹果公司网站上具有中国风味的传统插画以红色和黄色为主，体现出浓郁的中国风。
2.民间美术和现代美术设计在视觉感受方面的相似性
中国民间美术的主要特征是装饰性和表现性，民间美术的色彩具有强烈的视觉效果。现代美术设计多将字体、图形等元素进行叠加吸引消费者的注意力，这在本质上与民间美术的表现形式相似，都比较重视视觉感受。用这种最简单的视觉表达方式传递作品蕴含的深层情感，是美术设计追求的最高境界，而民间美术在这一方面有着非常卓越的表现。因此，如果现代美术设计师能够找到这一共性并加以利用，往往能创作出具有深远意境的美术设计作品[3]。
3.现代美术设计借鉴了民间美术的创作概念
民间美术创作过程中运用的多是天然材料，美术作品中也保留了材料的质地和肌理，其中一些自然材料的色泽会随着时间的流逝而发生改变，产生神奇的时间效应，加上因材施艺，材质美和造型美可以巧妙契合。现代美术设计追求自然和绿色，同样强调材质和造型的结合，这与民间美术十分契合[4]。
三、民间美术艺术造型在现代美术设计中的应用
1.民间美术艺术造型主要包含的符号元素
在中国传统文化中，人们崇尚“源”和“体”两方面的力量。“源”即自然界的万事万物，这也是传统文化的源泉；“体”就是劳动人民发挥主观能动性创造出的事物。前者主要体现了自然之美，强调非人工雕琢的自然事物，即自然符号；后者主要体现了人类的主观能动性，强调劳动人民在自然事物的基础上进一步发明创造出的人工符号，也叫人造符号。生生不息的文化孕育出这些传统符号，但是文化的范围是极其广泛的，尤其是传统文化中蕴含丰富的中国元素，从手工艺品到民间建筑、服饰、文学等，都包含着各式各样的文化元素。很多国际品牌为了打开中国市场，积极在商品包装设计中加入中国元素，以更好地适应中国消费者的消费习惯。
2.民间美术艺术造型在现代美术设计中的应用
在现代美术设计中融入民间美术的传统文化元素，能够符合国人传统的审美观和消费习惯。如，肯德基在进入中国市场后，除了保留原本的商标，在商品海报和包装中都加入了大量的中国文化元素，以获得消费者的认可。肯德基在春节期间推出的全家桶海报和包装就运用了大量的红色元素，还加入了龙纹、鞭炮等元素符号[5]。此外，肯德基在“五一”期间推出的节日桶中加入了一些自然符号，并将各地区标志性的建筑物印在包装纸上，还加入了各种传统器物的装饰纹样，营造出浓郁的节日氛围。肯德基在设计产品包装时融合传统元素与现代元素，位于北京的肯德基餐厅将京剧作为设计主题，融入了京剧脸谱等戏剧元素，创作出许多种鸡的形象，同时融入撞色元素，打造以京剧脸谱为主题的餐厅环境。这样的设计充分展示出民间美术与现代美术设计相结合的魅力，有助于增强品牌的影响力。四、民间美术色彩在现代美术设计中的应用1.民间美术色彩民间美术作品中的色彩富有艺术魅力和深刻的象征意义，与我国传统文化的色彩观念息息相关。民间艺术创作中的色彩元素往往具有一定的生活气息，选自日常生活中的色彩元素，能反映出传统文化的内涵。民间美术作品中的色彩奔放而热情，反映出劳动人民勤劳积极的精神面貌。现代美术设计借鉴民间美术的色彩元素，对于彰显设计的积极意义具有十分重要的作用[6]。
2.民间美术色彩在现代美术设计中的应用
近年来，民间美术色彩运用于现代美术设计主要表现在以下方面。首先是在平面设计中的应用。现代美术设计要将设计理念扎根于民族文化，设计师应深入了解我国优秀的传统文化，然后加以创新运用，如此才能赋予设计作品新的内涵和特质。民间美术色彩中蕴含丰富的文化特征、大胆简朴的设计理念，深刻影响了当前的平面设计风格，催生出一大批带有中国传统色彩元素的平面设计作品。其次是民间美术色彩在包装设计上的应用。包装设计以吸引消费者的注意、刺激消费行为为目标，这与民间美术作品中的绚丽色彩有着密切的联系。现代美术设计可以这些夺目的色彩吸引消费者的注意，达到宣传产品的目的。最后是在服装设计及相关装饰设计方面的应用。服装设计的色彩变化丰富，也是影响消费者购买欲望的重要因素，因此许多服装设计师会从民间美术中选取色彩设计服装。在装饰方面，很多装饰设计体现出复古的风格，设计师不仅会从民间美术作品中选取色彩元素，而且会结合相关的文化特点进行再创作。
四、结语
美术设计范文3
平面动画的艺术表现形式与特征平面动画是最古老、最传统的动画创作形式，像《白雪公主》、《大闹天宫》等许多经典的动画影片都是由单线平涂的方式进行创作的。采用单线平涂，动画创作者可以尽情发挥自己的想象空间，根据物理学的惯性原理，融入夸张变形元素，以取得感彩强烈的视觉效果。平面动画还有另一种特殊形式———水墨动画，虽然它完全按照中国古老的水墨画美术形式来进行动画创作，但是在实际动画制作中，只有背景画面才是如假包换的中国水墨画，真正“动”的部分的制作与单线平涂动画无异，只是最关键、最奥秘的制作程序却是集中在摄影部分，每一张人物或动物必须先分层上色，画在不同的赛璐珞片上；摄影师再把这些赛璐珞片分开拍摄，最后将其重合在一起用摄影方法处理成水墨渲染效果。工序如此繁复，但其表现出来的艺术感染力却是别的动画表现形式所不能比拟的，它向观众完美展现了中国水墨画的优美意境，气韵生动、虚实相生的境界。也正因为它的诞生，打破了绘画不能产生动态的传统观念，奠定了动画电影“中国学派”的地位。随着计算机技术的发展，使得传统的赛璐珞动画逐渐向电脑动画转变，较之手绘动画，计算机动画作为一种全新的创作工具，它的出现不仅使得动画制作摆脱了繁重的手工操作程序，也以自己独特的表现风格获得受众的青睐。
2动画美术设计与历史文化背景的联系
各国由于不同的地域历史文化背景，往往形成不同的审美意识、创意及创作风格。例如美国，作为欧洲文化的一种延续和发展，摈弃了欧洲古老陈旧的思想意识，是一种带着自由和开创美好新生活的感情积淀起来的文化。这使得美国社会具有了特殊的包容力，即对其他文化的接受和改造，这也同时造成了现今美国文化的多样性。而反映在动画作品上，就变成了改造别国人文风情，用美国人的思维来诠释别国文化、表现异域风情。动画片《花木兰》，其素材来自我国古典民歌《花木兰》及相关传说故事，经过“美国化”后，“显然剔去了带有封建色彩的忠孝理念，使故事本身变得更加丰富，更加富有时代感，更加能够使观众得到共鸣；同时，也将原本表面化的故事主题提升到探讨人性的层次，让电影在热闹之余开阔了题材的深度和张力”。由此可见，美国文化中的包容力使得美国动画作品题材多姿多样，从不局限于某个特定的文化范围，这也使得美国动画片独具魅力。回到国内，悠久的中国绘画艺术深深地影响着中国动画人的创作。相对于西方绘画来说，中国画一般采用散点透视，不重视光影变化、不强调光源色、环境色，更不追求形似，而是讲求神似，重在强调主观的审美情趣。“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。而正是这种东方绘画的写意精神，在中国动画作品里被表现得淋漓尽致。如动画片《牧笛》，该片成功地展现了传统文化“天人合一”的思想境界。片尾，当牧童骑在水墨淋漓的老水牛背上，吹奏着短笛在柳林中缓行，夕阳映照着田边小径，湖水倒映着水牛、牧童，最终与周围的风景融合在一起，暗含了诗句“牧童归去横牛背，短笛无腔信口吹”。可爱的放牛娃、细细的流水和随风舞动的柳条，表现出内敛、生动的情感，完全是中国格调。由此可见，无论是西方还是东方，各自独特的历史文化背景始终影响和引导了各自动画艺术的创作，也正是因为世界文化的多样性，才形成了如今众多优秀、风格各异的动画作品。
3世界动画美术设计分析
20世纪60年代到80年代是中国动画创作的黄金时代，许多经典动画作品都是在这个时期推出的。而此时的中国动画坚持的是发扬中华文化、走民族风格，例如《鹿铃》、《山水情》这样的以中国画形式表现的动画片，源于中国画中的写意；《大闹天宫》、《哪吒闹海》这样的经典动画片，来源于中国古时候寺庙里的画像石、画像砖；《渔童》运用了中国民间工艺剪纸的形式来表现，正是对优秀传统文化的借鉴和对本土现实生活的提纯，使中国动画片呈现出地道的中国风貌。从某种程度上给动画界增添了一种全新的动画美术形式———完全中国风的美术形式。在洋溢着浓郁民族特色的同时，中国动画在创作中还能如此恰如其分地渗透创新精神，将各种艺术表现手段加以融合，形成独具特色的艺术风格。《猪八戒吃西瓜》是中国第一部剪纸片，该片采用豫北剪纸的造型风格，以红、黄等暖色为基调，不受自然色彩的束缚，显得明亮、鲜艳。在造型设计上融入了中国传统戏剧的特点，突显民族韵味。此后相继推出的《渔童》、《济公斗蟋蟀》、《人参娃娃》等一批融合民间艺术的剪纸动画作品，使得这一艺术表现形式日趋成熟。与美国动画苛求自然、写实相比，日本动画则更注重故事情节。一般来说，日本动画片风格写实、动作和表情较简单，强调的是明暗对比、远近焦距分别，以及速度感、跃动感，甚至使用电影上的蒙太奇手法。而诸如《风之谷》、《天空之城》等影片的精密写实背景，亦为美国所望尘莫及。日本动画一般内容深刻，表面故事背后都藏着动画的主题，发人深省。例如动画片《攻壳机动队》，该片阴郁压抑、严肃、冷酷、带有对命运的困惑，与人类虽然身处高科技社会，但却无法摆脱不安的未来所带来的彷徨与孤独。这部动画片不惜耗费大量的笔墨去描写阴暗忧郁的城市街景，正是为了衬托以流畅的视觉瞧感与亮堂在高技术和物质极其丰富的今天人们所面临的无可挽回的失落感。人物造型设计方面，日本动画片大都追求一种唯美主义，不仅背景画得细腻逼真，深度感和层次感都很好，而且将男女角色都描绘得极为标致靓丽：女子一律长发飘逸、眸子黑润、萤光闪耀；男子肌肉饱满，个个型男，形成了特色鲜明的唯美化和模式化的日本动画人物造型。
4对中国动画美术设计的展望
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舞台美术设计是一门艺术，它融汇了诸多艺术因素，并要求这些因素协调一致，虽然在演出中它不独立存在，但它的造型因素也可以具有象征和暗示的意义。随着历史的不断发展，舞台美术也受到绘画、建筑、雕塑等其他造型艺术的影响，因而其造型形式也越来越丰富，使各种因素的作用可以最大化。在表演艺术中，舞台美术设计的作用也愈来愈重要，它不仅为演出营造了很好的情境氛围，与演员的情感思想相一致，同时也使视觉形象和观者的思绪、联想相融会贯通，更加深化演出的主题。舞台美术造型设计作为服装演出的一个要素，始终是以服装表演为核心，其各元素的组织与安排追求视觉趣味，注重与服装表演主题的交融，突显出舞台艺术中诸因素所体现的神韵，带动观者融入整个意境之中，真正的体味服装的内涵，带观者进入思考的空间，观者不仅仅是观看演出的形式，而是透过演出中的情调气氛和模特的展演来真正体会服装设计者的设计理念，体验演出所带来的美的旅程。舞台造型的美与服装表演的美达到合二为一时，可以准确地传达出服装设计中的审美意蕴，同时也会带观者进入广阔的想象空间，充分发挥想象力，赋予服装表演以更多的审美价值和意义，使服装表演变更加绚丽夺目。
二、本土文化与服装表演
本土文化是各民族的习惯和思维方式在历史的不断演进中所形成的一种文化方式。随着社会的不断演进，地域界限的模糊，这种文化方式也会受到相应的影响，但仍旧是保留了原有的风土人情和地域民族特色。像吉林就有一些富有地方特色的本土文化，如雾凇冰雪文化、萨满乌拉文化、长白山剪纸、高句丽民族文化等，这都是在历史的演进中所形成的与其他地域所不同的文化样态。每年在吉林省吉林市举办的吉林雾凇冰雪节，展示冰灯、彩灯，开办冰雪运动会，还有一些东北大秧歌的表演，以及一些满族、朝鲜族的民俗节等等，这些活动也蕴含着雾凇冰雪文化在其中。雾凇冰雪节的形成，也引起了人们对雾凇文化的探讨；沿着江岸，一排排的苍松翠柳，挂着一串串柔柔的雪绒花，裹着美丽的银装，在寒冬中展示其冰清玉洁的清新之美，真是美丽多姿、“分外妖娆”，大自然创造的人间美景，带有“初发芙蓉”的自然美的魅力；在这冰冷的冬天，游人可以欣赏到雾凇奇观，而雾凇的温情美丽可以驱走冬天的寒意，也能雾凇文化的悠长意味。在雾凇文化节期间还会有这样一项活动，就是雾凇形象大使的评选，模特们精心准备，通过对雾凇文化内涵的了解和体会，模特们尽全力演绎出可以代表吉林雾凇文化特色的形象，体现出吉林本土文化样态的形象，这不单纯的是一场评选活动，而是通过雾凇形象大使的评选，可以更好的宣传雾凇奇观，更重要的是使更多的人深入了解雾凇文化，传播雾凇文化，这样就达到了传播本土文化特色的目的，从而使人们正确的评价本土文化中所具有的审美价值。通过本土文化中的各种形式的传播，可以更好的宣传地域文化，同时也可以带动相关旅游产业的发展，由此也带动了地方经济的发展，为本土文化的传播提供良好的经济基础。
三、带有本土文化特色的舞台设计在服装表演中的作用
服装表演离不开舞台美术的设计，一场服装表演离不开一个核心主题，服装的设计和服装的表演无不体现出文化的内涵和意味。而一场体现本土文化的服装表演，将会给观者带来不一样的欣赏视角，会使大家更多的了解本土化所具有的特色与意义。在服装表演中，舞台美术设计要为其服务，既要着眼于演出的主题，还要调动起现场氛围。当一场服装表演遇到了本土文化特色时，舞台美术设计将会重新演绎时代风尚，立足于本土特色，利用本土文化中美的元素，打造带有本土风情韵味的舞台效果和舞台背景，烘托出带有浓重的本土文化味道的现场氛围，给观者以全新的视觉盛宴；同时也使得服装表演更具有本土风情味道，别有新意，引领本土文化的时尚审美趣味。在本土文化中包含了经典及地方和风土文化，它所拥有的美是独具品格的，其审美价值取向也呈现出多样，有高雅的审美风尚，也有乡村淳朴之美，更有民族艺术之美；在服装表演中，有造型之美、表情美、服饰美、发型和化妆美、形体美等等，因而，追求美是他们的共同点，都能体现出时代的审美风尚。在服装表演舞台美术设计中，具有舞台背景之美、灯光美、舞台造型与环境设计之美等等，服装表演在舞台设计所营造的美的氛围中完成，可以说，美在一场服装表演中无处不在。在策划一场服装表演时，根据演出的需要及其所处的环境，恰当的引入本土文化元素，如把雾凇之美景作为背景，会带人进入一个美轮美奂的雪的世界，清纯、洁白、宁静，种种画面使人浮想联翩；因而把服装表演之美与本土文化之美相融合，使二者相得益彰，更加彰显二者融汇时所产生的独特魅力。服装表演作为一门艺术，它需要不断地从其它艺术类别中吸收新鲜的血液，不断地使自己的羽翼丰满，具有文化的内涵，加深其文化之根基，增强其文化之底蕴，对于本土文化的吸收，可以在大众中脱颖而出，独具新的审美方向，这样的服装表演才更具有审美性，更经得起推敲。
四、结语
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我国的舞台美术设计大致可分为两个阶段：第一阶段：20世纪50年代至80年代前期；第二阶段：80年代至今。前期主要以写实、再现、幻觉创造为现实主义主流的艺术风格。北京人民艺术剧院演出的话剧《茶馆》就是前期舞美创作写实风格的样式的典型代表。当大幕渐渐拉开，生意兴隆、高朋满座的“裕泰”大茶馆，充满风俗气息，活脱脱地呈现在观众的眼前。整个舞台正面和满台的热闹景象，瞬间把人们带到了清末民初特有的皇城根下的社会环境，令人兴味盎然。这幕以现实主义手法精雕细刻的场景，以钩沉历史生活细节描述见胜，鲜活地反映了愚昧、落后、荒诞的历史瞬间，呈现了老舍先生笔下的一幅历史风情画。写意的早期代表作品《蔡文姬》则是以非幻觉为主流的艺术风格和舞台样式，去体现塞外风情的舞台环境。设计者以“虚写”的手法和我国传统的以虚代实的审美观念，以一当十，以对称平衡的手法来处理虚实、黑白关系，突破了舞台的有限时空，调动观众的想象力，开启了开阔的想象空间，充满了一种大气磅礴又诗情洋溢的舞台样式和氛围。
我国的舞台美术自80年代开始从一味追求写实逐步走向简约多样化形式。现代舞台美术设计者，更加注重对戏剧内涵思想的表达，更多地考虑戏剧的精神内涵，包括蕴含的情绪、意蕴、诗意和哲理等，通过暗示、隐喻、象征，表达含蓄不尽之意，揭示更深层的内容。如《阿Q正传》中，五大块打过补丁的破旧白麻布上绘有绍兴水乡建筑的白描，它告诉观众剧情发生于绍兴，但并不是用现实的手段来创造绍兴水乡的幻觉，而是通过用破麻布的质感，暗示中国河山的残破和贫穷落后的处境。如上海青年话剧团演出的《毋忘我》在运用投映景方面别具一格，在大屏幕上疏落有致地投上一片树影，创造了一种诗意的柔情气氛。通过照片和绘片的投映，观众可以在屏幕上读到角色的情绪、想象、回忆和思考，人物的内心活动被折射到屏幕上，更加形象化了。
舞美界老前辈、“样式的先驱”周本义教授说：“风格独具的艺术来自生活，手法独特的样式源于创造。”在2002年的甬剧《典妻》中，他坚持整体写意、局部写实，大宅门的门里门外，构成了两个截然不同的世界，形成了两种反差极大的人生境遇。大宅门这一物景的运用，与主人公的命运相呼应，形成了具有张力的心境。这些都充分说明，舞台美术设计的功能，不仅是为戏剧表演创造空间，再现环境，更主要的是提示戏剧的思想内涵。因此在舞台美术设计的过程中，选用怎样的风格样式至关重要。
二、舞台美术设计的多样性趋势
斯坦尼说：“多样性是生活的妙谛。”现代的舞台样式既继承传统又吸收西方先进文化，不为以前的各种“主义”如表现主义、自然主义、构成主义、象征主义等为主导。戏剧演出的一些形式，在戏剧的演出样式与风格形式中有写实和写意的，有模仿和象征的，有具象和抽象的，有逼真的和变形的，有再现和表现的，有幻觉的和非幻觉的，有心理空间的和物化空间的，有强化一个方向的样式和两者结合的样式，也存在着多种舞台美术样式并存的创作形式和手段，舞台艺术和舞台美术的多样性，舞台美术设计在原有传统的写实与写意的风格基础上，也出现了荒诞派、印象派、象征派以及表现主义等现代派的艺术风格，如《WM（我们）》《赵氏孤儿》《中国梦》等戏剧舞台作品。舞台设计必定会走向各种“主义”相互渗透，各种先进科学技术、各种新型材料、各种装置技术相互结合的多元化因素并存的多样性舞台设计的局面，代表作品有《桑树坪记事》《阿Q正传》《原野》《红鼻子》《秀才与刽子手》等。不管选择什么“主义”或“流派”，作为舞台设计者必须遵循以揭示一出“戏”的主题思想内涵为目标，在导演的总体创作构思的统领下，深入阅读分析剧本，理解剧本的主题思想内涵进行二度创作。有条件的要根据剧本所要表现的主题深入生活，从生活中寻找创作灵感，使舞台设计更贴近实际生活，符合大众审美要求，来选择舞台美术设计风格与样式。
三、总结
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众所周知，视觉艺术不仅仅运用于印刷美术设计中，其还被广泛地应用于绘画、建筑艺术、实用装饰、影视、工艺品以及雕塑中。设计师在设计的过程中，通过利用一定的物质材料，塑造各种可以供人观看的造型艺术。视觉艺术的形式通常表现为动态影视视觉艺术、平面绘画作品以及三维雕塑艺术作品。随着人类文化的不断更新，人们为传达各种有用的信息，自己创造出各种视觉较为形象的物质，这些物质逐渐成为人们相互交流信息的基本手段。这些物质现今被我们称之为“视觉艺术”。在印刷美术设计的过程中，视觉艺术可以在较短的时间内吸引受众的眼球，使得印刷美术设计能够在较大范围内很好地传播。可见，视觉艺术对人们的生活和历史文化具有深远的影响。但是，在视觉艺术不断被运用的过程中，设计师们却很难对其进行具体的定义。现今人们对视觉艺术概念的定义普遍以瑞士语言学家提出的“视觉艺术一中运用不同形式的语言”为准。当然，不同的设计师对视觉艺术的定义都有其不同的解释。随着人类文化的不断进步，视觉艺术在艺术设计中的重要性逐渐凸现出来。将视觉艺术运用与设计中的代表人物要数包豪斯、梵高、卡巴乔。在他们的设计中，视觉艺术表现尤为突出。
2印刷美术设计中视觉艺术的运用
梵高的向日葵之所以如此受欢迎，其中很重要的一个原因就是，视觉艺术在其中所起到的作用。足以可见视觉艺术在设计中的重要作用。
2.1视觉艺术，营造印刷美术设计的视觉冲击
人们在欣赏印刷美术作品时，普遍会通观整部美术作品，在视觉上产生总体效果之后，视线会停留于印刷美术作品中的某一处。可见，这个地方就是整个艺术作品的“视觉中心”。只有长时间停留于视觉中心之后，人们才会将视线移动，欣赏整部作品。从这个欣赏的过程就可以发现，印刷美术作品在设计的过程中主要需要加强作品中视觉中心的处理，只有在处理好视觉中心的前提下，人们才能够被该印刷美术作品所吸引。在印刷美术设计发展的过程中，主要从三个方面将视觉艺术运用于设计中。首先，突出印刷美术作品的主题。通过视觉艺术，在设计印刷美术作品时，将主题充分体现出来。其次，巧妙地运用图形搭配，彰显印刷美术设计的特色。印刷美术设计可以巧妙地进行图形搭配，将作品的特色展现给读者。最后，突出视觉中心。在印刷美术设计的过程中，处理好视觉中心才能够设计好印刷美术作品。
2.2视觉艺术，形成印刷美术设计的视觉美感
好的作品，通过其形象的设计和生动的表现，能够给人们留下深刻的印象。将视觉艺术运用于印刷美术设计中，不仅可以增强作品的流畅性，还可以提升作品内容的趣致性。其实，在印刷美术作品涉及的过程中，加强视觉艺术的设计，可以增添印刷美术作品设计的“表情”。印刷美术作品的表情，是其视觉美感形成的主要因素。印刷美术设计的美感是通过读者的视觉感受到的。在作品设计的过程中，将各种视觉因素结合起来，使得整部作品形成既统一又变化多样的视觉效果。让印刷美术设计作品充满美感和灵性。
2.3视觉艺术，减轻印刷美术设计的视觉压力
随着社会的不断进步，多元化的生活产生出了多元化的读者。在琳琅满目的艺术作品中，印刷美术作品如何在极短的时间吸引读者的眼球，让读者获取更多的信息，是印刷美术作品发展中的一个难题。因此，将视觉艺术融入印刷美术作品的设计中，不仅可以吸引读者的眼球，还能够让读者在欣赏的过程中减轻视觉压力。读者在艺术作品欣赏的过程中，难免会产生一定的视觉压力。印刷美术设计中的视觉艺术可以减小视觉压力，不会让读者在欣赏中产生疲劳感，从而促使印刷美术作品获得更好的传播效果。
3结语
