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浪漫主义诗歌范文1
摘要：虽然浪漫主义诗歌和现代诗歌的创作都经历了类似的社会动荡期，它们在创作的风格，主题，以及各自反应出的的精神状态都有很大的区别。本文试图把研究重点放在它们二者的差别，而它们两者都经历的类似的社会大环境则只是做了简要的说明。
关键词：浪漫主义诗歌；现代诗歌；差别；相似性
一、引言
英国浪漫主义诗歌和现代诗歌在英国诗歌史上都占有重要的地位。它们值得我们的关注和仔细的分析。本文试图从浪漫主义诗歌和现代诗歌选择的意象，主题，措词，风格等方面对它们进行对比分析。
浪漫主义诗歌是在英国工业革命和法国大革命的推动下产生和发展的。主要把自己的矛头针对当时社会上流行的思潮。华兹华斯（1770―1850）的《抒情歌谣集》的面世是英国浪漫主义诗歌的开端。代表人物主要有华兹华斯，柯勒律治，济慈，拜伦，雪莱等。
英国现代主义诗歌的出现是在20世纪早期。它逐渐吸引了人们的注意是伴随着意象主义的出现。和其他的现代主义者类似，现代主义诗歌的创作者写诗歌的目的是为了反对当时被广泛接受的维多利亚诗歌，把重点放在对对传统诗歌的结构和华丽的辞藻的批评上。这些现代主义诗人主要包括叶芝（1865―1939），艾略特（1888―1965），庞德（1885―1973）等。
二、两个时代诗歌的分析
在十八世纪英国国内国外都经历了巨大的变化。在工业革命之后，英国国内的矛盾累积到了无以复加的地步。新出现的无产阶级生活上极度贫困，被资产阶级无情的剥削。他们之间的矛盾急剧地升级。国外法国大革命在整个欧洲都有巨大的影响。不同社会阶层的人们包括诗人们都热烈欢迎法国大革命和它的原则“自由，平等，友爱”。
在十九世纪晚期二十世纪，世界经历了政治上，经济上，军事上的大动荡，第一次世界大战（1914―1918），俄国十月革命（1917），世界范围内的经济危机。这些社会因素对人的身体上和精神上都有巨大的影响。因此那个时代的作家必须找到一个全新的写作方法去表达这种前所未有的感受。
虽然浪漫主义诗人和现代主义诗人都经历了类似的社会变革，他们却是用完全不同的方法去写诗歌的。前者在自己的创作中展示了自己对社会的不满，他们的作品主人公都是有坚强意志的英雄，充满激情而且通常展示给读者异国风情。和18世纪理性主义有着显著的差异，浪漫主义者非常重视人类的内心世界，自然界也通常被人化了。而现代主义诗人主要把自己的创作重点放在人们恐惧，迷失，分裂，扭曲等等负面的内心世界。以浪漫主义诗人雪莱的诗歌《一朵枯萎的紫罗兰》和现代主义诗人叶芝的《科尔庄园的野天鹅》做具体的分析说明。
《一朵枯萎的紫罗兰》整诗弥漫着一种悲伤阴郁的气氛。首先，诗人选择了一朵枯萎的紫罗兰为全诗的意象，正如诗歌中所说的“这朵花的香气已经散失”，“这朵花的颜色已经褪去”，“一个萎缩的，死的，空虚的形体”。然而诗人雪莱却把这个“死亡的”紫罗兰当成一个珍贵的宝贝因为“它在我荒废的胸口”。爱对诗人来说是无与伦比的重要，哪怕爱已经不复存在。接着通过“它以冰冷而沉默的安息/折磨着这仍旧火热的心”这种鲜明的对比，诗人表明了自己对爱情的忠贞不二，以及对甜美回忆的渴望。但是诗人的情绪抒发并没有停顿在此，雪莱对爱的沉迷已经慢慢转变成了后悔和懊恼。在诗歌的最后一句，“它沉默，无怨的命运/ 正是我应得的”把全诗的情绪推上了最高峰。诗人似乎是在承认自己对爱情的“死亡”是有关系的。全诗写作态度真诚，感情饱满，措词精致华丽，直抒胸臆表明了作者对爱情的态度。
在《科尔庄园的野天鹅》一诗中，诗人叶芝选择一个高贵纯洁的意象―天鹅当做全诗的主角。和《一朵枯萎的紫罗兰》相比，尽管诗人在诗中也表达了自己对未来和永久的不确定性和惋惜，但是语调相对平缓，祥和。第一段的中间部分，诗人说：“我听到天鹅在我头上鼓翼，于是脚步就更为轻捷”。一方面，叶芝记得第一次见到野天鹅的时候它们敏捷矫健的脚步，但是诗人现在在感叹自己已经不在年轻；另一方面，现在的野天鹅和当初一样，没有任何的变化。诗人似乎是在暗示自己对天鹅的羡慕和嫉妒。第二章节的开头，诗人写道：“还没有疲倦，一对对情侣，在冷冷的友好的河水中，前行或者展翅飞入半空”。然而随着诗人情绪的发展，到了第二章的末尾，诗人说：“可有一天我醒来，它们已经飞去？”用问句做诗歌的结尾，诗人没有提供给读者一个确切的答案，天鹅到底是飞走了还是留在湖中呢？可能叶芝想让读者自己找出答案，可能叶芝自己也不知道答案。以这种试探性的言语当做诗歌的结尾，我们能感受到现代主义诗歌更喜欢采用一种模糊的，甚至是神秘的风格。
为了能更加具体详细地对比浪漫主义和现代主义诗歌，本文还用了雪莱的《致月亮》和叶芝的《丽达和天鹅》作为实例进一步分析说明。
雪莱的《致月亮》是一首短小精湛的诗歌。虽然篇幅较短，但是诗人还是成功给读者描绘出一幅清晰生动的图画。并且在对月亮这样一种既平常又特殊的意象的描写中，诗人雪莱也采用了一种和其他诗人不同的手法。在诗歌的开始，诗人说：“你面容苍白是否已疲倦”，以这样孤独悲凉的画面作为全诗的背景。之后诗人说：“穿梭于生辰不同的群星”，“孤独地流浪”。“穿梭于群星”，“孤独”这样一个明显的对比就形成了。这样似乎是矛盾，但是事实上反映出诗人在繁华世界拥挤人群中的孤独。下一句诗人用了一个看似稀疏平常的暗喻，他说：（月亮）“宛若无欢乐的眼睛”，却“找不到目标停留长久”？这样的一个问题似乎提供给了读者两种有可能的结论：加倍放大自己的绝望；或者是找到一个更加美好的结局。一度是明亮的美丽的意象在诗人的手中变成了一个又疲惫又孤独的物体，诗人其实是在用月亮暗示自己，在攀登文学顶峰时，感到了厌倦；才华出众，高处不胜寒，找不到共同的朋友饱尝孤独，生活中竭力寻找情感的栖息港湾，却找不到长久相守的伴侣。
在叶芝诗篇《丽达与天鹅》中，宙斯化身成一只天鹅了丽达。在叶芝看来，历史是在前进中循环的。天鹅了人，神和人的结合，发生在一个时代结束另一个时代开始的时候。诗人似乎是在庆祝这样的暴力行为，但是正如这个神秘的事件，诗人突然开始质疑这种人与神的结合到底能不能解决知识和权力之间的对立矛盾，是不是能使得知识和权力能和谐共处与世。诗歌开篇就以剧烈的形式描述了神化成鸟了丽达，特洛伊被毁灭时的悲惨情形。阿伽门农的死。最后三行又是以提问的形式结束，而且没有提供任何答案。宙斯也是创造力的象征，可是神的创造力也必须降落于世间。灵肉结合便集中了人不能克服的双重本质：爱与战争、创造与毁灭。在诗中，一方面，叶芝鲜活地写出了天鹅与丽达的肉体恋爱，另一方面，也着手对他们发生这种关系后所造成的恶果和罪孽进行尝试性的探讨。（贵州师范大学 外国语学院；贵州；贵阳；550001）
参考文献：
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浪漫主义诗歌范文2
个人浪漫主义是指生活态度和人生目标往往以自我为中心，而且是个人的心理想象为中心，有意无意地躲避现实，浪漫主义是文艺的基本创作方法之一，与现实主义同为文学艺术上的两大主要思潮。
浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。浪漫主义既不是随兴的取材、也不是强调完全的精确，而是位于两者的中间点。
（来源：文章屋网 ）
浪漫主义诗歌范文3
（吉林艺术学院，吉林长春130021）
【摘要】在钢琴艺术发展史上，肖邦无愧于第一流艺术家的称号。肖邦以浪漫主义的艺术风格创作出为世人永远膜拜和传承的一首首经典钢琴演奏曲目，每首曲目都如诗如画般地令人神往，吸引着演奏者和欣赏者物我两忘地徜徉在钢琴艺术的海洋。
【关键词】钢琴诗人；肖邦；浪漫主义；艺术风格
在世界钢琴艺术的殿堂里，肖邦( 1810~1849)以“钢琴诗人”的风格创作出的一首首洋溢着浪漫主义精神的钢琴佳曲熠熠生辉，成为钢琴演奏曲目永远不变的经典。
肖邦以钢琴艺术家的独到造诣，开创了浪漫主义风格的钢琴艺术的创作时代，他把自己的生活、想象力、天分浓缩于钢琴艺术的创作之中，在键盘弹指间制造“神话”，他巧妙地克服了钢琴不能演奏任何时间长度的持续音的问题， “让每个音符都歌唱起来”，将一个个音符奏鸣成优美动听的旋律音群，以“钢琴诗人”的卓群贡献，引领了现代钢琴浪漫主义艺术风格的形成和发展。
一、肖邦的夜曲在忧郁中吟唱，在悲壮中奔放
肖邦开创了钢琴夜曲忧郁奔放的浪漫主义表现形式，听肖邦的钢琴夜曲，会让欣赏者共鸣于琴谱所演绎出的忧郁旋律中，仿佛深陷其境般地陶醉其中。当忧郁的情感一点点地积累和扩大后，止不住地要呐喊，要发泄，要反抗，在情感激烈奔放和挣扎之后，产生出厚重的情感体味，回归到有所领悟后的平静，得到一次情感的熏陶和洗礼。
肖邦以21首夜曲的面世让人们赞叹他将人们的感伤情绪凝聚于钢琴曲谱中的功力。如C小调夜曲的第一主题意境由淡淡的忧伤、忧郁的独白开始，庄重严肃而节奏均匀的曲调令人心弦为之绷紧，直到深深地为命运的凄凉而悲叹，再到心灵的不堪重压而痛心疾首地呼喊当优美的转调后钟声出现，带给人心境的安慰与希望的第二主题曲调出现。再如F小调，OP．55.1，此曲为行板，3段体，每一段中的意境是不同的，第一段由悲伤的情感开始，表现了一个即将背井离乡的流浪者的心情，对于他所深爱的亲人、家庭、故乡是如何如何地不舍，哀婉缠绵、如泣如诉，悲伤的情绪在累积，失望落寞的情感在放大，但又不得不割舍，不得不前行在他乡的旅途上。就这样，悲伤的忧郁逐渐地转变为悲壮的情绪。教堂的钟声将乐律带进中间部分，悲壮的情绪在向着温和的，平静的情绪过渡，不安的心灵被抚慰和祝福，慢慢地和缓下来，这一和缓的状态是刚毅豪迈后的醒悟，变得有力量，刚毅不屈，敢于挑战，在颂歌的旋律下，半音阶平行八度的快速音替奏鸣，气势从薄弱变得越来越强劲，越来越来越激昂，乐曲的出现，号角之音嘹亮响起，调动起乐律最振奋人心的效果。是啊，人生当敢于挑战黑暗，向着光明勇敢顽强的进发，正如鲁迅先生的名言“沉默啊，沉默，不在沉默中爆发，就在沉默中灭亡。”乐曲的最后一部分速度加快了一倍，旋律回复第一部分，忧郁的成分虽在，但充满着动力的奔放情绪已经参与其中，特别在舵手之歌响起后，随着乐曲尾声的到来而给流浪者亮起了一盏领航的明灯。
二、肖邦的叙事曲在吟咏中传奇，在憧憬中放飞想象
肖邦创作出四首具有宏大结构的史诗般的叙事性钢琴曲，这些叙事性钢琴曲将肖邦的浪漫主义诗人风格显现得惟妙惟肖，悠扬悦耳，铿锵感人，历史事件和历史进程在他的曲谱下灵动，渴望自由的愿望，美好欢快的生活、血性的英雄壮举，追求自由的强烈渴盼，热爱祖国和人民的赤子情怀，他迫切需要吟咏的生活中的真善美、假恶丑，既真实又极富想象力地被展现出来，在吟咏中传奇，在憧憬中放飞想象的旋律十分美妙和激动人心。
在肖邦的叙事性钢琴曲中，波兰舞曲呈现出的是厚重的庄严和崇敬情感，叙述了波兰贵族向国王欢呼时所表演的列队舞蹈，舞曲中英雄性的曲调呈主旋律，战斗中的铿锵声响彻其中，英雄的功绩被热烈赞颂，同胞和祖先渴望自由、捍卫自由的愿望被讴歌。《摇篮曲》《船歌》《f小调幻想曲》的谐谑曲都显示出肖邦的浪漫主义情怀。
肖邦是把叙事曲这一名称用于器乐曲的第一人。他所创造出的叙事曲尤其独特的艺术风格，即叙事鲜活灵动，意境和谐美妙，场面宽阔宏大，心存感动和满怀憧憬的讴歌，富有史诗性艺术效果，曲目都用四分之六或八分之六的拍子写成，任意地借用现成的奏鸣曲、回旋曲和歌曲等曲式结构予以表现。
三、肖邦的奏鸣曲在自我陶醉中流连忘返，不断地重复环境的美妙
肖邦有着一种浪漫主义者的狂热性，在塔索创造的奏鸣曲中驰骋想象，纵横灵感，反复斡旋，难于自拔，恍若甘愿于幻境中神游，不愿意回到现实的尘世中来。
肖邦创作了三首奏鸣曲，其中的一首b小调( op．58)很有其浪漫主义精神的特征，但这里的浪漫没有赫然于奇异的、浪漫的标榜，而是凝结于表情气氛和情绪的表现之中。他所谱就的乐章精致细腻，柔若无骨般的悱恻缠绵，会令倾听者难于抗拒地受到情绪的感染，哀婉的曲调会令人心痛得泣泪，欢快的会令人爆笑。他的乐律风格与古典世界背道而驰，不依靠正规的大型曲式，也很少表现出结构感和均衡感，凸显的是幻觉世界的灵感，情感幅度的跌宕，旋律和声的交映。提到肖邦钢琴曲目的和声应该看到其与众不同特点，那就是通过密集的和弦来将音程扩宽到非常大，打破了传统的密集和弦的表现，手指的跨度增大， “十度”音程的表现力继而出现。肖邦的和弦融洽、柔和、优美，琶音的使用又胜于和弦。
四、结语
浪漫主义诗歌范文4
摘 要： 李白的诗歌高度统一了浪漫主义的表现手法和诗人的浪漫主义精神。他生活的“盛唐时期”空前强盛繁荣，同时危机四伏，各种矛盾纠结。正是由于这一特殊的历史时期，加之李白自身的思想性格和生活精力，才造就了他诗风中独树一帜的浪漫主义风格。基于此，本文从李白浪漫主义诗风的写作手法、形成原因及李白诗歌伟大艺术成就等方面，对李白浪漫主义诗风的艺术特色进行探究。
关键词： 艺术特色 李白 浪漫主义诗风
作为盛唐诗歌的杰出代表，李白是中国文学浪漫主义诗歌创作队伍中的一面猎猎旗帜。他通^创造性地吸收前人的艺术成果，腾挪变幻、纵横驰骋。前所未有地统一了浪漫主义的表现手法和浪漫主义精神，进一步发展和全面表现了反抗精神和英雄性格。在他诗歌的各种题材中渗透了浪漫主义精神，有着奋发向上、激越昂扬的基调。他以无可比拟的手笔和非凡的艺术创造，对诗歌的表现视野进行了丰富，并使中国诗歌的艺术境界得到了极大的提升。在中国艺术宝库中永载史册，像一颗熠熠生辉的明珠一样，照耀千古。
一、李白诗歌的艺术成就
作为盛唐文化孕育出来的天才诗人，李白在盛唐诗人中可谓独树一帜，具有鲜明的艺术个性。他的作品更是呈现了鲜明的艺术特色。李白的诗歌偏重于抒写内心的感受，豪放率真，拥有充沛的感情。在他的诗歌中，任何一种题材，主观抒彩都非常浓郁，由此使他的诗歌气势磅礴、山呼海啸。可谓一泻千里，表达了一种喷薄而出的情怀。李白的诗歌善于运用奇瑰而丰富的想象力，雄奇奔放，营造了一个又一个绚丽多姿的艺术形象，展现了诗人博大的精神世界，寄托了诗人浪漫的情感意蕴。李白诗歌既清新飘逸又奔放豪迈，音律和谐多变，既语言轻快又想象丰富，具有多种多样的风格。李白浪漫主义特色的鲜明概括为“气象雄浑，豪放飘逸”。在李白的诗中，全面表现了其英雄性格、反抗精神和理想主义，并达到了一种登峰造极的程度，是古代浪漫主义诗歌的新高峰。李白诗歌对后世产生了非常深远的影响，他完美地结合了作品的意境、气象与艺术家自身的人格精神，使之浑然一体，成为浪漫主义艺术表现的最高典范。
二、浪漫主义诗风的写作手法
李白的诗作感染力强烈，浪漫主义精神浓郁，同时还对一切浪漫主义手法进行了创造性运用。二者在他的作品中得到了高度统一，其浪漫主义诗风主要从以下方面呈现：
1.主观色彩强烈、形象鲜明有个性。
李白一生具有狂放不羁的强烈个性和复杂而丰富的生活经历，其浓郁的自我表现手法是在他的各种生活感受中日积月累形成的。“仰天大笑出门去，我辈岂是蓬蒿人”，表现了他入京求官时的豪情万丈、踌躇满志。“大道如青天，我独不得出”，则表现他政治上失意、落寞不得志的失落。“平生不下泪，于此泣无穷”，是他内心悲伤情绪自然而然的流露。就艺术效果而言，这种强烈的自我表现的主观色彩，使诗歌具有一种先声夺人的力量，气势磅礴，具有排山倒海之势。李白在写景和叙事的诗篇中，具有强烈的主观感彩，使诗人的形象栩栩如生、跃然纸上。以《蜀道难》为例，全诗用渺茫无凭的神话传说，从蚕丛鱼凫说到五丁开山，凭空起势，拥有着神奇莫测之笔，首先运用了各种夸张的点缀，如黄鹤、猿猱、悲鸟、子规等，最后才对正题进行叙述；“蜀道之难，难于上青天”的感慨，在诗的开头、中间、结尾处三次体现，回旋往复，艺术效果非常强烈。李白激昂的感彩和豪放的性格孕育在整首诗中，使人读后精神振奋，展现了作者忧国忧民的伟大情怀。
2.想象力丰富，极度夸张和比喻。
李白诗歌中具有丰富的想象力，常常运用大胆的夸张手法，使感情一泻千里、喷薄而出。如《秋浦歌》里“白发三千丈，缘愁似个长”，对其无形的忧愁用有形的白发呈现。
《望庐山瀑布》里“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”，对瀑从高处腾空而下的恢宏壮观景象，既通过夸张的比喻的运用，进行了由衷的赞美，又对诗人气概和胸襟的无比开阔进行了很好的展现。除了惊人的比喻和极度的夸张外，李白的诗歌还让人回味无穷，留下充分的想象。如《夜宿山寺》“危楼高百尺，手可摘星辰。不敢高声语，恐惊天上人”。
一个“高”字蕴含在整个诗作中，让作者充分想象到底有多高。正是因为艺术手法独特，才使李白的诗歌特色瞬息万变，表现了极其充沛的情感。以《行路难》为例，诗人内心矛盾纠结的思想，用高昂的气势、跳跃式的思维和跌宕起伏的感情进行了淋漓尽致的展现。诗人对仕途的悲愤和艰难之情，用一句“欲渡黄河冰塞川，将登太行雪满山”进行了体现。同时，对前途感到渺茫无措：“行路难！行路难！多歧路，今安在？”结尾一句神来之笔“长风破浪会有时，直挂云帆济沧海”，笔锋一转，表达了诗人乐观自信、豪情万丈的情怀。在《行路难》整个这首诗中，各种情感交集，茫然、悲愤、自信，表现了诗人感情的瞬息万变。其个性的自强不息、豪放不羁及内心深处现实和理想之间的深刻矛盾，都进行了淋漓尽致的展现。运用灵活洒脱的表现手法，体现了内心矛盾复杂的思想感情，并在艺术上达到了高度统一。
3.语言清新质朴、不拘于规律。
李白对自己的诗歌用一句“清水出芙蓉，天然去雕饰”进行了形象的概括形容。如《赠汪伦》“李白乘舟将欲行，忽闻岸上踏歌声。桃花潭水深千尺，不及汪伦送我情”描绘了一个依依惜别的场景，运用普通的场景做比喻，对李白和友人之间的深厚情感进行了表现。其自然而真挚的语意，不仅读起来朗朗上口，而且亲切之然、直抒胸臆。
三、李白浪漫主义诗风的形成原因
盛唐时代经济的繁荣、政治的安定，孕育了众多杰出优秀的诗人，这一时代特点结合李白自身豪放、张扬的思想性格和独特的生活经历，使他的诗篇表现出了与众不同的风格，形成了独特的浪漫主义诗风。
浪漫主义诗歌范文5
关键词：人性美 积极 浪漫主义
威廉・华兹华斯（William Wordsworth） 是18世纪末19世纪初的英国浪漫主义诗人，他的《抒情歌谣集》（Lyric Ballads） 更是浪漫主义的开端的标志，他在英国文学史上有着举足轻重的地位，被认为是继莎士比亚、弥尔顿之后的又一伟大诗人，评论界称他为“浪漫主义诗歌的宣言书”、“英国文学史上的里程碑”。[1]92由于受高尔基对浪漫主义的“消极”与“积极”划分的影响，在80年代之前，学者们都是将华兹华斯当做“消极浪漫主义代表”来研究的。那么，华兹华斯真的是消极浪漫主义者吗？90年代后，王佐良先生将华兹华斯与中国的隐居诗人联系起来研究，此后，便有无数学者认为华兹华斯表达的主题是“回归自然”。华兹华斯写诗的目的仅仅只是回归自然、寻求精神解脱吗？到底该如何解读华兹华斯的诗歌呢？他的自然诗歌到底传达的是消极的情感还是积极的？接下来，本文将结合华兹华斯的《泳水仙》、《孤独的割麦女》和《我们七个》来探讨这些问题。
一、华兹华斯积极反对古典主义
18世纪末，英国仍是古典主义之风盛行，古典主义学者们推崇的“理性”占主导地位，主张以理性主义来看世界。华兹华斯则认为“诗歌是强烈情感的自然流露”，他反感刻板的古典主义。华兹华斯的诗歌并非在一出版就得到好评，他最初出版诗歌时，几乎遭到了整个学术界的批判讽刺。《爱丁堡评论》的编辑杰弗利对华兹华斯的诗作不屑一顾，甚至发动了恶意攻击，认为华兹华斯的诗歌有“散文化和激情化走向”，破坏了诗歌应有的含蓄和优雅，这种诗平庸无味。在华兹华斯倡导诗歌界的革命时，杰弗利等古典主义维护者自然出来反对他。与华兹华斯同时期的其他浪漫主义诗人如拜伦也曾以“鄙俗不堪”来评论他的诗歌。在英国，对华兹华斯诗歌的抵制和批判运动长达二十年之久，在此期间，华兹华斯所发表的诗歌基本无人问津。他积极反对古典主义，主张推动诗歌界的革命，对收效甚微，但他并未就此而停滞不前。若不是华兹华斯直面逆境，反复修改，发表诗作，今天我们就无缘一睹诗歌的风采，他自然也不会是在《诗人与劳动问题》中所称的“浪漫主义文学的第一登场人”了。“1820年前，华兹华斯的名字给人家踩在脚下；1820年到1830年，这个名字是战斗的名字；1830年到1835年，这已是个胜利的名字了”从评论家德・昆西的评论中可以看到华兹华斯是“战斗”的代名词，是反对古典主义的积极战斗者。[2]8而在中国，在中介绍了华兹华斯，他在《谈新诗》中表明华兹华斯倡导“文学改革”，倡导“语言文字的解放”，学者们注意到了华兹华斯倡导的浪漫主义诗歌中的积极变革精神。[3]57
二、大自然医治心灵创伤
自然，是华兹华斯诗歌中的一个重要主题，“在华兹华斯的诗歌中，很明显地让人感到他与自然有着一种难以割舍的千丝万缕的联系”。[4]87在中国，90年代后，在《英国浪漫主义诗歌史》中，王佐良先生对华兹华斯的诗歌进行了高度评价，将其与老庄的道家思想结合。此后，学者们将华兹华斯与中国的隐居诗人归为一类来研究。汪解之将华兹华斯与陶渊明来对比研究，他认为“陶渊明、李后主、渥之渥斯（Wordsworth） 的幽静沉寂、淡若秋空、冷如止水，又何尝不深入人心？”[5]10然而，华兹华斯并非只单纯的描写自然美景，就如诗歌的第一句所写，“I wandered lonely as a cloud”，诗人孤独地漫游，指的是他“孤独的精神漫游，他在上下求索，寻找心灵的归宿，探索自由精神的出路”。[6]40
《咏水仙》中对自然的描写并非只停留在水仙的美景之上，还有诗人华兹华斯 “gazed”时的澎湃思绪。若华兹华斯只是一味采用消极浪漫主义的创作风格，只是隐居诗人，只追求消极避世，那他就不会写出如 “For oft when on my couch I lie/ In vacant or in pensive mood”这种表达感伤的诗句了。华兹华斯用 “oft”来修饰他的“vacant or pensive mood”，他经常躺在睡椅上，哀思绵绵、心情忧郁。为何诗人回到了他最爱的大自然美景中，他依然由此思绪？究竟是什么牵动了诗人的心，让他悲痛不已？隐居诗人不是应该有“不以物喜，不以己悲”的豁达吗？然而，华兹华斯并非只是一位简单的不问世事的隐居诗人。从他积极反对古典主义，反对理性主义，倡导自己的“情感自然流露”的诗歌写作方式中，就可看出，他对革命的热情。一开始，他对法国大革命满怀信心，追求自由平等，但是，但他看到了革命的残暴，革命派的疯狂之后，他极其失望，由此，他回到了湖畔，回到了大自然。他回到大自然就是消极的浪漫主义诗人吗？他并没有放弃找寻解救世人的道路，他在思考，在忧伤，在探索，因此，华兹华斯才会在躺椅上依旧被“vacant and pensive mood”所笼罩。华兹华斯在湖畔时，依旧放不下他心中的革命情怀，是对现实残酷的悲痛，是对法国大革命的失望。华兹华斯的“vacant or pensive mood”究竟是如何转变为愉悦的心态的呢？居然能使他的心“with pleasure fills”。从空虚忧伤到愉悦心喜，甚至心如水仙般跳起舞来“dances with the daffodils”。华兹华斯心情转变过程中，有一个媒介，那就是自然界的代表―水仙花。“I gazed―and gazed”，“gaze（凝视）”在同一诗行里重复，“彰显了诗人激情澎湃，欣喜若狂的状态”。[7]70为何华兹华斯有这种情感了？因为水仙“They flash upon that inward eye/ Which is the bliss of solitude.”卞之琳如此译这两句诗：“这景象便在脑海中闪现，多少次安慰过我的寂寞。”对华兹华斯来说，水仙是他孤独心境的一种“bliss”，能使他远离“vacant and pensive mood”，这就是自然的力量，医治了他心灵的创伤。究竟是怎样的自然美景，有如此大的魅力？华兹华斯在诗中描绘出了那片水仙花：金黄色的水仙花（golden daffodils），在湖边、树下、微风中fluttering and dancing，就如银河中闪亮的星辰。诗人对水仙花的描写极具画面感，给人描绘出了一幅“湖边水仙美景图”。此外，华兹华斯还使用了许多表达人的心情的词来描绘水仙，如：glee（兴高采烈），gay（愉快），jocund（快活的）；他还用了tossing heads、sprightly dance等词语，以拟人化的手法来赋予水仙人的动作和情感。从这些词汇中，很容易就能感受到在华兹华斯眼中，水仙花是换了愉快的代表，大自然以其独特的形式，用其美景治疗人的心灵伤痛，“在华兹华斯看来，大自然中的实景带有崇高和永恒的灵性，并且在人类心灵同大自然的沟通中起到了引导、与训诫的作用”。[8]70
三、歌颂人和人的劳动之美
华兹华斯在其诗歌中描绘了许多自然美景，更是表达出了自然具有治疗人的心灵伤痛的神奇功效。这是否能表明，在华兹华斯心中，自然便是人类最好的归宿了？在华兹华斯《孤独的割麦女》（The Solitary Reaper）一诗中，华兹华斯塑造了歌唱的割麦女的形象。“O listen！ for the Vale profound/ Is overflowing with the sound.”华兹华斯用 “overflowing”来描写山谷中满溢的割麦女的歌声；他用了一个“O listen！”来表现出他听到这种旋律歌声时的小心翼翼的神态，更是向读者们传递出了他瞬间就被这种声音所吸引。紧接着，华兹华斯又写到“No Nightingale did ever chant / More welcome notes”。夜莺素来以其优美动听的歌声而受人喜爱，约翰・济慈曾写了《夜莺颂》，来赞美这大自然的精灵。此刻，华兹华斯却说“从来没有夜莺能唱出比这更美的曲调”。通过将割麦女的歌声与自然界夜莺的作比较，充分表现了华兹华斯对割麦女歌声的赞美。华兹华斯还以 “Breaking the silence of the seas/ Among the farthest Hebrides”来描写自然界中擅歌的杜鹃，卞之琳将其译为“惊破了远海的静悄，响彻了赫伯里斯群岛”。在这里，华兹华斯表现出了他对杜鹃歌声的赞扬。然而，在描写赞美杜鹃诗歌的前面，却写到“A voice so thrilling ne’er was heard/ In spring-time from the Cuckoo-bird”，华兹华斯写到，从杜鹃这儿，从未听到过这种类似割麦女所唱的荡人心魄的歌曲。华兹华斯用“no”和“never”这两个词来表明在他将割麦女的歌声和杜鹃的相比时，他对割麦女歌声的赞美和肯定，表现出他更偏好割麦女的歌声。夜莺和杜鹃都是大自然的宠儿，华兹华斯喜欢它们的歌声，也歌颂它们的歌声，但是，诗人却认为割麦女的歌声更胜一筹。在大自然与人自身的美好之间，华兹华斯偏向了人的美好。在田野里辛勤劳动的割麦女的声音比自然界的鸟叫声更好听，人能在大自然中治疗心灵创伤，更能在人自身的美好中找到希望。
四、歌颂童年，回到人类最初时光
虽然华兹华斯在许多诗歌中描写自然、歌颂自然，但他更多的是歌颂人的质朴、善良和纯真的本性，就如他在《孤独的割麦女》中所表现出的割麦女的歌声比夜莺和杜鹃的更好听一样。在《我们七个》（We Are Seven）中，华兹华斯展现出了孩童们的纯真善良。“But they are dead； those two are dead/ Their spirits are in the heaven！”，华兹华斯以问答的形式来写孩子眼中的死亡。成年人眼中，死亡是生命的终结；人死之后，就不复存在了。然而，小女孩却回答道“Nay， we are seven！”在小女孩的眼中，无论生死，他们兄弟姐妹七个永远在一起。“Seven boys and girls are we/Two of us in the churchyard lie/Beneath the churchyard tree.”如小女孩所说，他们七个中确实逝去了两个，她依旧认为他们七个还在一起。或许，在成年人眼中，会觉得有种观点太幼稚，于是想纠正小女孩的观点，于是说出“If two are in the churchyard laid/Then ye are only five.”由此可见，成年人和小女孩有不同的看待生死的观点。在小女孩看来，她仍能看到两个小伙伴的“green graves”，她们就在一起。“My stockings there Ioften knit/My kerchief there I hem/And there upon the ground I sit/And sing a song to them.”从小女孩的这几句话中可看出，她在坟堆旁玩耍、唱歌、嬉戏，她们依旧在一起。“And often after sunset， sir/When it is light and fair/I take my little porringer/And eat my supper there.”夕阳西下，小女孩在坟堆旁吃晚饭，这对她来说，就是一种在一起的方式。然而对于死亡，小女孩所了解的就是“God released her of her pain/And then she went away”，死亡是一种解脱痛苦的方式，在她眼中，似乎是善良而非可怕的。当成年人再次问小女孩，若两个逝去了，他们现在有几个在一起时，小女孩快速回答道“O master！We are seven.”无论如何发问，小女孩始终坚信 “We are seven”。而“O master”则表现出小女孩对成人世界的不理解，她或许在诧异，为何关于他们有几个在一起的这个问题，会问了她这么多次。这诗中，小孩间的童真与爱超越了生死的限制。华兹华斯以小女孩与成年人对话的形式，对比了两个年龄的人的思维方式的差异，让读者看到了孩童眼中的天真纯美的世界，借此，他表达了回到美好童年时代的愿望，也展现了在他眼中，人本性的美胜过大自然。
五、总结
华兹华斯因对古典主义束缚人自由表达情感的不满而积极主张文学革命并克服了重重困难，成为了“浪漫主义第一人”。他因对法国大革命的血腥和暴力的失望而回到湖畔大自然中找寻解救思想与心灵的道路。在水仙花中，他找到了治疗心灵创伤的力量。然而，他并未就此停滞脚步，在歌颂自然之美的基础上，他在割麦女身上找到了比自然更美的人性之美，重新燃起了他的希望之火。因此，华兹华斯并非消极浪漫主义代表，相反，他一直是积极的，在积极的反对古典主义，反对大革命的血腥暴力，在积极的探索解救人的思想的道路，是一位积极向上的浪漫主义诗人。
参考文献
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[6] 章燕. “我孤独地漫游”和“水仙”――华兹华斯诗歌两种题目的考证与比较[J].外国文学，2011（2）：40.
浪漫主义诗歌范文6
关键词： 浪漫主义；浪漫主义钢琴；美学特征
一、浪漫主义渊源
（一）浪漫主义的时代背景，十八世纪末，在德国，以施莱格尔兄弟为首的一批诗人，在诗歌的创作中，强调抒发自己的想象和幻想，而且这种想象和幻想是无拘无束的，不受到任何程式、规则所束缚的。随后，这种创作理念从德国向欧洲其他国家传播，在英国，华兹华斯和柯勒律治出版《抒情歌谣集》，认为诗歌创作要抒发个人真实的内心情感，重视想象的作用；法国的雨果认为应当用热情奔放的语言，将善良和邪恶、黑暗和光明、崇高和猥亵予以对比，以揭示人的本质特征。至此，浪漫主义思潮在欧洲全面盛行起来，它着重关注创作者的内心世界，把炽热情感的抒发作最终目的，艺术语言热情奔放、想象夸张，修辞华丽，最终成为文艺的基本创作方法之一，与现实主义同为文学艺术上的两大主要思潮。
（二）浪漫主义的音乐观念和浪漫主义钢琴的发展具有非语义性、非具象性质的音乐艺术在本质上于浪漫主义有着天然的联系，尽管在音乐发展史上有着明确的古典主义时期，也诞生过巴赫的《十二平均律》、莫扎特的钢琴奏鸣曲等伟大的音乐家和音乐作品，但是我们仍然能够看到一种浪漫主义性质和严格的古典结构并存的情形，因为音乐这门艺术的本质特征，就是带有浓郁的情感指向性的。而到了浪漫主义时期，这种情感的表达不用再暗藏于和谐的形式背后，可以溢出情感的外壳，尽情的进行抒发。黑格尔就强调：“灵魂中的一切深浅不同的欢快、喜悦、谐趣、轻浮任性和兴高采烈，一切深浅不同的焦躁、烦恼、哀伤、痛苦和惆怅等等，乃至敬畏崇拜和爱之类的情绪都属于音乐表现特有的领域。”
在浪漫主义全面发展的时期，钢琴作为当时表现力最强的乐器，以其丰富的音乐色彩和极大的音域，受到了浪漫主义音乐家的青睐，获得了更加独立的地位。同时得益于科学技术的进步，钢琴自身的制造工艺也有了很大的提高，特别是富有革新意义的踏板装置的加入，使得琴弦之间能够发出共鸣，产生了一种和声混合的音响效果，大大丰富了钢琴的艺术表现效果。钢琴发出声音愈发的饱满、丰富和结实，成为了与管弦乐队相抗衡的最重要的独奏乐器。其次是钢琴演奏技巧的迅速发展，以肖邦和李斯特为代表的钢琴家，把钢琴演奏提高到了前所未有的高度，双音、八度、和弦连奏、琶音以及八度以上的音程分解和旋等等，时常出现在浪漫主义时期的钢琴作品中，极大地丰富了钢琴的音乐表现手段。
二、浪漫主义钢琴的美学特征探析
（一）情感美
首先是情感的主观性，主观性是指人的内在心灵世界的主观表现，音乐的主观性是指用音响手段表现人的心灵感受和主管世界。浪漫主义时期的钢琴艺术家们，拥有了充足的施展创作个性的空间，他们在作品中的情感表现，不再是具有共性的情感表达，而是一种更加自由化、主观化的“我”的情感，然后把这种主管的情感通过作品表达出来，希望得到了更多人的认可，取得更多的共鸣，从而产生出主观的普遍意义。他们用钢琴这种世界上最具有表现力的乐器，表达着他们对于整个世界和现实生活的各种现象、场景、人物的主观感受，反映纯主观的、但也带有一定社会普遍性和典型性的情感。李斯特作为一个匈牙利人，炫目的钢琴技巧下，包含着对祖国的事业真诚关注，民族的历史和英雄人物，民间音乐的音调和节奏，在他的创作中都得到生动的反映和运用；肖邦被誉为“钢琴诗人”，他通过钢琴来表达自己内心的诗意，把钢琴的表现力发挥到了精彩绝伦的境界；舒曼的作品短小精干，充满着生命激情，富有深邃而浪漫的意蕴；门德尔松的作品形式简练，清新朴实，旋律富于声乐性。浪漫主义钢琴家用极富个性的音乐语言，抒发了主观的情感，丰富了我们的情感视野，成就了五彩斑斓的钢琴情感世界。
其次是情感的丰富性，前文中提到，每一位浪漫主义钢琴家都有着属于自己奇特的情感指向，所以带有浓郁主观特征的同时，也造就了情感的丰富性。首先是深厚的民族情感，19世纪初实际是欧洲各国民族意识觉醒的时期，钢琴家们表现出了对民族价值观的肯定，对自己民族和祖国的深切热爱。李斯特所创作的《匈牙利狂想曲》，是以匈牙利和匈牙利吉普赛人的民歌和民间舞曲为基础，进行艺术加工和发展而成的，因而都具有鲜明的民族色彩；肖邦的《叙事曲》从波兰民间的诗歌中汲取灵感，从民间音乐中借鉴和发展了其简洁的史诗叙述性和淳朴的抒情风格，直到后来流亡海外，作品都始终关注着自己的国家和民族；其次是对大自然的热爱之情，贝多芬的《田园奏鸣曲》，宽阔、艺术殿堂，质朴而优美动人，表现了自己和大自然的合二为一，门德尔松的《威尼斯船歌》，把轻舟荡漾，水光浮动的景象描写的惟妙惟肖，把自己对于大自然的热爱体现的淋漓尽致。
（二）诗意美
浪漫主义思潮是从文学领域开始的，特别是诗歌创作的空前繁荣是任何时代都难以比拟的。面对不满的现实，浪漫主义者从另一个更高的、理想的、超验的世界来重新设定现实的世界，他们认为人的内在世界有着比理性更高的更本质的东西，只有诗才能向这种人的灵性发出呼唤。这样的意识影响到艺术创作中，使对诗意的追求成为浪漫派艺术共同的审美目标。
首先是标题音乐的确立和发展，浪漫作曲家要求他的听众在他的音乐中听到刚好他想表现的东西，因此，他给他的音乐以特定的名称，有时甚至在一个作品前面冠以一首短诗，来防止听众武断地解说音乐的诗意，并预先把他的注意力引向诗情画意的构思，引向某一个细节。浪漫主义作曲家创作了大量的标题性钢琴音乐，作曲家赋予钢琴音乐以文学形式的描述，从诗中吸取意象塑造。我们在充满诗意的浪漫主义钢琴音乐 感受到对幻想的偏爱，对逝去时光的追忆，对于捕捉永恒的向往；感受到作曲家把生命、死亡、爱情和梦境的神秘的魅力赋予了钢琴音乐的表达，一个个梦幻的世界充盈着我们的内心。
其次是直接根据诗歌进行创作，许多浪漫主义钢琴音乐作品直接与诗有关。如在舒曼的《C大调幻想曲》中，一首斯莱格尔的小诗被直接引入了篇首：“在纷繁的尘世之梦里，震响着一个小小的声音。它透过一切的声音，传向那暗地窃听的人”。肖邦自己也曾对舒曼说他的“某些叙事曲是受波兰爱国诗人密茨凯维支的史诗内容启发而写的”。柴可夫斯基《六月一船歌》是钢琴套曲《四季》中最为著名，最为脍炙人口的一首，它是根据阿・普列谢耶夫的一首诗创作的。钢琴家们在诗歌上取得了情感的共鸣，继而用音乐的手段进行全新的诠释，丰富了诗歌和钢琴本身，也带给我们浓郁的诗意美感。
三、结语
浪漫主义钢琴音乐是自由的、无限的、夸张的，它宣告了情感作为“最内在的自我”，在理性的法则面前 拥有了更加独立的地位。情感、直觉 等感性因素注入浪漫主义钢琴音乐中，使浪漫主义钢琴音乐散出更多人性的光芒。当西方的钢琴音乐走在我们的前面，我们要学习的不仅是技术、技巧，更重要的是获取一种文化内涵，一种艺术精神技术、技巧是不断发展的、是暂时的，而精神、内涵的获取才是永恒的。只有这样，当我们学习、欣赏西方钢琴音乐时，才能真正感受其中的魅力；当我们努力构建中国钢琴学派时，才能够站在巨人的肩膀上创作出更多、更好“有意味”的中国钢琴音乐。
【参考文献】
[1]袁科.论钢琴音乐艺术的审美情感表达[J].时代文学，2006
[2]杜恩云.浪漫主义钢琴音乐的美学特征[J].艺术研究.2006（01）
[3]贾春玉.巴赫晚期音乐风格研究[J].武汉科技学院学报， 2007（06）
