前言：中文期刊网精心挑选了舞台服装设计范文供你参考和学习，希望我们的参考范文能激发你的文章创作灵感，欢迎阅读。
舞台服装设计范文1
舞台服装作为舞台艺术中的一部分，与舞台中其他艺术表现形式是紧密相关的，并且会受到其他艺术表现形式的影响与制约，如在舞台艺术表演中，舞台空间与服装的搭配程度、演员与演员之间的关系、角色自身的形体条件等都会对舞台服装造成一定程度的影响。所以在舞台服装设计中，舞台艺术中的其他方面也是要考虑的重要因素，只有实现舞台服装设计与舞台其他表现艺术的和谐，才能够取得相得益彰的效果。舞台艺术中的舞台与观众席会有一定的距离，而这种距离效应会使舞台服装强调的内容不在于缝制工艺，而是在于整体的轮廓与造型，尤其表现为对材质和色彩的重视。同时由于距离效应的存在，舞台服装在再现生活服装方面的材质选择上通常会以假代真，即利用类似的色泽与质地来仿制生活服装。而事实也证明，这种以假乱真不仅经济，而且在表现效果上也更加事半功倍。这也就决定了在舞台服装的设计中服装样式、材质、色彩的选用应当放在突出的地位上。
舞台服装设计与舞台其他艺术表现形式的关系
（一）舞台服装设计与化妆造型的关系
由于舞台服装设计与化妆造型都是为塑造角色外貌服务的，所以舞台服装设计与化妆造型是一个不可分割的整体，它们都能够通过直观的视觉效应来使观众感受到角色的内容，为角色的外部形象起到定位的作用。两者不同的是化妆造型在舞台艺术中难以做出改变，而舞台服装需要根据不同的场景做出不断的变换。无论如何，在舞台服装的设计中，重视与化妆造型的相辅相成应当是重要的原则之一。
（二）舞台服装设计与舞台美术的关系
舞台美术应当包括舞台服装设计，因为舞台服装能够塑造良好的舞台形象，为舞台艺术的受众提供更好的视觉享受，所以舞台服装设计应当属于舞台美术的范畴，但是舞台服装设计又与舞台的设计、灯光、道具、效果等各个部门在媒介语言方面存在着很大的差异，这是由各个部门的本质特征所决定的。要将舞台艺术做到相对完美，就必须实现舞台服装设计与舞台美术的相互融合与互补，在与道具、灯光等默契匹配的基础上保持舞台视觉形象的整体性。
（三）舞台服装设计与表演艺术的关系
舞台服装设计与表演艺术的体现载体都是演员，在舞台艺术中，舞台服装设计是否贴切也将影响表演艺术所能达到的高度。二者之间的关系主要体现在以下几个方面：一是舞台服装能够促使演员尽快进入角色。舞台服装作为演员的外部形象，能够折射出角色的特点及情感状态，所以通过对舞台服装的定位可以诱发演员去体验角色，从而促使演员能够更形象地表达角色的感觉；二是舞台服装设计需要与表演艺术互补。舞台服装设计是舞台角色的外在特征，而表演艺术需要演员通过表情、心理活动表现出来，所以这种表现手段的差异应当通过互补来达到完美的统一，这就要求设计者在服装设计中能够对角色进行正确的定位与把握。
现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的传承与创新
（一）现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的传承
现代服装设计对传统服装设计的传承主要体现在两个方面：一是对传统舞台服装设计构成样式的传承。在舞台服装设计中，坚持创新势必会带来发展，但是事实上舞台服装设计领域中的许多方面必须受到表演艺术形式的局限而不能随意做出改动。例如在一些传统的舞台戏曲表演中，舞台服装中的样式、花色等方面都是经历了很长时期的发展而固定下来的，也使受众形成了一种审美习惯，这也是许多老戏迷通过人物的服装就能辨别出角色的原因，所以这些具有“写意性”以及“符号性”的舞台服装应当继承而不能进行随意的创新；二是对传统服装设计审美观点的传承。同样是以传统戏曲为例，传统戏曲重视整体美与对比美，在舞台服装颜色上包括黑白对比、华素对比、同调对比和援例对比，这些色彩的运用十分独到并且对现代舞台服装设计仍旧具有很大的气势与借鉴作用。
（二）现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的创新
现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的创新主要体现在以下几个方面：一是观念的创新。随着文化交流的国际化，现代舞台服装设计逐渐体现出国际化是发展的必然趋势，在现代舞台服装设计中我们应当在传统舞台服装设计的基础上实现国际化，从而保留舞台服装设计的本土性与民族性，而无论是背离传统性还是国际化都是不符合现代舞台服装设计发展趋势的；二是科学技术的创新。现代舞台服装设计应当挖掘和发挥出传统舞台服装设计中所不具备的优势，随着科学技术的发展，舞台服装设计在服装造型、服装面料、服装制作的设备、服装的材质工艺、服装的装饰工艺等方面都具有了更多的选择，以科学技术为基础对现代舞台服装设计进行创新将使舞台服装设计成为科技发展的一个符号，使舞台服装设计具有更深的人文内涵。
现代舞台服装设计思路
（一）重视与角色形象和情感的结合
舞台服装的设计能够塑造出舞台角色的形象、体现出舞台角色的情感，也正因为如此，舞台服装设计由于受到舞台人物形象的局限，必须要表现出特定人物的特点，如通过服装的颜色来体现角色的情感变化，蓝色表现出角色的悲伤与忧郁；粉色来体现出角色的柔情；白色来衬托出角色的高贵和纯洁等，符合舞台角色的舞台服装设计能够成为一种传情的工具，通过给予观众视觉冲击来使观众体会到舞台艺术要表达的内容，所以重视舞台服装设计与角色形象和情感的结合，能够对舞台表达起到很大的推动作用。
（二）重视服装的统一与变化
舞台服装设计的统一能够使舞台艺术更加整齐与单纯，而舞台服装设计的变化则会使舞台艺术更加活泼，没有变化的舞台服装设计只会使舞台艺术显得过于呆板。所以舞台服装设计要重视统一与变化的结合，统一的准则是和谐，而变化的准则则是适度，只有和谐的统一才会给予观众更好的视觉享受，而适度的变化才能够实现与统一的互补，并且没有杂乱的感觉。
（三）突出服装的时代性
在一些传统的舞台艺术中，尊重传统的服装设计构成样式能够得到观众的认同，但是在一些具有现代感的舞台艺术如现代音乐剧中，服装设计应当体现出时代性的特点，即要具有时代感与时尚感，在这个过程中，可以对当前时装设计的原色做出借鉴，在角色衣着的风格中也可以适当地运用夸张来突出角色的个性化，从而加强观众对剧目发生背景的印象及对角色的印象。
舞台服装设计范文2
[摘要]舞台艺术是运用人体的动作去抒感的表演艺术，在舞台上表演中，为了恰如其分地表达情感，舞台服饰的作用就显得格外重要。从某种意义上甚至可以说舞台服装是舞台表演艺术的灵魂。要呈现出好的舞台表演，舞台服装的设计便成为服装设计师考虑的重点，在设计舞台服装时，服装设计方法便显得尤为重要。一个好的舞台服装设计，需要将先进的设计理念与舞台表演高度结合起来，兼顾艺术和设计，让服装设计方法吸取舞台艺术精华，展示出它的重要作用；让舞台艺术依托服装设计方法，变得更加璀璨夺目。
[关键词]舞台表演 舞台服饰 服装设计
从舞蹈专业的学生到成为舞蹈老师。接触舞蹈的同时也接触到了各个艺术门类，如戏剧、声乐、钢琴等等。这些艺术门类都带有舞台表演性质，在舞台表演的过程中，舞台服装是必不可少的。例如：舞蹈，穿着平时的练功服与穿着华美的舞台服装跳出来的感觉是截然不同的，后者更让人精神亢奋，态度积极。
作为一名舞者，舞台服装是重中之重，而舞台服装的美丑与否，都设计到服装设计的方法。着手设计的最初程序是动手绘图，设计方法是在服装设计中是重要至极的，掌握服装的设计方法更是重中之重。舞台服装，顾名思义，指的是舞台艺术表演时，演员所穿的服装。而舞台艺术包含的门类很广泛，主要有戏剧、曲艺、杂技、魔术、小品、音乐、舞蹈等等。因此，舞台服装的范围要大得多，其特点也不像戏剧服装那样相对单一、集中，其主要区别在于：戏剧服装是角色（剧中人物）的服装，而舞台服装则既有角色服装，也有演员（非剧中人物）服装。舞台服装设计就是指为演员在舞台表演场所穿着的服饰进行的艺术设计，目的是为了娱乐人们的生活和进行艺术欣赏。它具有塑造角色外部形象，体现演出风格的重要作用。舞台服装设计要充分注意舞台服装的特点，并予以艺术化的概括和创造性的创意。作为舞台服装设计的根本属性，舞台性的原则便成为了在进行舞台服装设计时所必须遵循的原则。通过舞台不同颜色、型号的灯光的照射，舞台服装可以在颜色、亮度、视觉感应等方面呈现出变异性的特征。比如说，当舞台灯光照射较为暗淡时，舞台服装的颜色将会变得浓重，反之当使用强光照射时，舞台服装的颜色将会变得浅显等。此外，舞台服装对于增强演员的舞台表现力方面具有十分重要的作用，因此在设计时应充分考虑到服装颜色与整体演出内容、服装整体舞台表现力的协调性。例如：颜色的搭配不能过于单一，红色的主体服装上可搭配有白色的飘带等。设计者应将牢牢把握住五彩缤纷的理念，将舞台服装颜色设计上的“变异”与“协调”两大理念完美的融合在一起。舞台服装的设计源于生活，在生活的基础上融汇了艺术的元素。因此我们可以将舞台服装设计称之为艺术化的生活服装，艺术性便是舞台服装设计的又一特点。同时，在设计民族舞台服装上还应根据演出题材的要求，重点突出民族特色、个性。比如：舞蹈《酥油飘香》，就突出了壮族服装的特点；舞蹈《月光下的凤尾竹》的服装就突出了傣族民族服装的紧身、细腰、短袖的特点；还有朝鲜舞蹈《长袖舞》，突出朝鲜族女性服装长裙短衣与男性服装肥裤的特点。
中国地大域广，所谓“五里不同风，十里不同俗”，故而艺术具有地域性差别及特点。苏州评弹的吴侬软语，东北二人转的火热幽默，都提现了鲜明又强烈的地域化特色。舞台服装设计也要懂得这个道理，在地域性上狠下功夫，通过地域性充分体现其艺术化特征。这方面成功的例子很多，如小品《红高粱模特队》的服装设计，男子群舞演员的皮帽皮袍与女子独舞演员的鲜红色服装，就极富东北农村服装的特点。再如话剧《金大班的最后一夜》中女子穿的各色旗袍则充分显示出上海滩上的东方神韵。舞台之上是人在演绎，每个人都有不同性格与角色，舞台服装的设计也是其角色演绎的一部分，以艺术化、舞台化的舞台服装来增强观众的视觉、语言感官。因此舞台服装的设计要突出演员的角色特点和性格特点，要使服装为人物性格服务，为塑造人物的外部形象服务，充分体现“人是衣，马是鞍”的美学精神，又要给观众留下深刻的印象。虽然舞台服装设计与生活服装设计都以人为设计主体，但是舞台服装和生活服装在对于人的活动形式的表现形式上存在着明显的差异，因此两者的设计要求也存在着差异性。往往在开台演出前，演员的服装与化妆是最早给观众带来评判标准的元素，直接影响着舞台表演的成功性。舞台服装设计与生活服装设计的区别主要有几下几点：在舞台服装的设计上，应有针对性的结合演出题材的风格进行颜色和款式上的提炼，重点表现美观、气氛等艺术性；而生活服装设计则重视实用性和舒适性。舞台服装是表现舞台风格的一种媒介，有利于强烈视觉美感的创造。随着社会时代的发展变革，人们的思维与意识形态正在逐步的发生着变化，艺术美感日益深入到人们的价值理念中，促使人们对艺术审美的追求日益强烈，从而更多的促进了国际艺术的交流与发展。舞台艺术作为审美艺术的一种表现形式，既丰富了人们的事业，有陶冶了人们的情操，在舞台艺术的快速发展过程中，更不能忽视舞台服装设计的重要性，舞台服装设计在提升舞台表现力、满足人们视觉感官需求的同时，其所蕴含的艺术文化价值与商业价值也逐步被人们所发掘，它是一个时代艺术发展的标志，我们需要将它更好的完善，更好的加以诠释，从而为我国舞台服装设计的发展历程中添砖加瓦。
舞台服装设计范文3
通过利用款式优美的舞台服装，能够更好的塑造演员所扮演角色的形象美感。借助服装色彩，可以营造出良好舞台氛围，而艺术美感更要通面料与精湛的工艺来表现。因此，研究并探讨舞台服装设计中的美学艺术，有利于进一步促进舞台服装设计的创新与发展。
一、塑造角色的形象美感
演员在塑造舞台角色过程中，外部形象有着重要影响，合适的服装能够增强表演者自信，观众也更认可角色，因此要根据舞台人物形象要求来设计服装款式。在舞台服务设计中结构与款式较为重要，可采取松紧对比、宽窄对比、长短对比等多种对比方式。而在服装结构上则有长短、松紧等不同方式，服装风格有写实与写意、古代与现代等多种表现手法，这样能够让角色不同特点展现出来。身为服装设计者，在开始设计舞台服装时，对款式认识程度要高，包括导演对塑造人物的认知，要站在不同角度加以分析。如导演指导风格、音乐元素所涵盖的情绪、人物角色基本特征等。所以，在设计舞台服装过程中，要对人物特征是否鲜明、与剧情是否相符、现代与传统划分是否明确等，只有明确掌握了这些主题设计元素，所设计的服装才能满足舞台效果。
二、营造舞台氛围
舞台服装在舞台表演中十分重要，在进行服装设计时，要重点掌控服装的着色。人们情感与心理是不同的，能够借助色彩展现出来，利用色彩的合理搭配，对人们的修养与情感展现出来。对于舞台服装而言，在展现人物情感与性格的同时，还要赋予时代背景色彩，这样才可以更加侧重表演主旨。所以，舞台服装着色要根据角色的不同，对主要、次要任务色彩加以区分，保证角色性格与环境相匹配。在舞台中决定色彩的是灯光与布景，服装是细节，服装是舞台色彩的基础，能够表现主体、体现舞台色彩风格。针对以舞台为特色的表现手法，要根据主题的不同变化搭配颜色，这主要取决于导演的演绎手法，舞台服装要与舞台主题契合。
三、恰当地选择面料材质
舞台服装要讲究面料的选择，在舞台灯光照射下，选择的面料要能吸收光源，主要使用材料为缎、棉、麻、丝等，选择不同的艺术形式，对材料进行二度制作表现其材质肌理，以此取得较好视觉效果。目前厚、薄、软、硬、透、密、重、轻等都让舞台服装材料选择方向更加宽广，塑料制品、金属制品、丝织品等都能够成为舞台服装材料，主要根据表演形式进行选择。比如，强度与质感是舞台服装材料首要考虑因素，尽量选择较轻的材料，面料要选择飘逸高、悬垂感强的材料。对现实主义话剧而言，主要反应现实生活，服装要偏向于真实，主材要选择较为厚重的面料，主要体现沉稳、现实生活。而展示性服装主要是更好的服务于舞台。现代很多展演服装设计人员都重视面料质感，要求创新度要高，采用多种手法加以设计，或者采取压褶、堆褶、抽纱等处理方式，让服装立体展现力更强。
四、精湛的工艺手法是审美的基础
裁剪与制作是主要两种服装工艺，其中对裁剪而言，合体服装能够更加自如的展现形体之美。服装能够辅助舞台艺术表现的更好，舞台角色可以借助语言表达、肢体动作、音乐歌唱等各种艺术表现形式对角色特征加以塑造。服装设计与裁剪时要重视舒适感与美观度，为保证服装裁剪更加漂亮，就要从分割线与结构线入手，为让服装穿着更为舒适，就要筹划运动与表演两个方面，尤其是舞蹈艺术为主要表现形式时，服装更要重视舒适度。舞剧演员为将不同角色特征展现出来，一般要借助夸大的肢体动作，细腻的表现出人物的内心精神世界，这些特征能够在演出服装中获取。服装设计人员的艺术理想与审美情感，能够反映在角色的舞台展现效果。立体裁剪法、平面裁剪法是两种不同的舞台服装裁剪方式，对于展示性、实用性服装来说，在裁剪过程中，要将人体结构放在收付，裁剪要贴近人的身体，根据颈、肩、臀、腰、胸等不同角度，将尺寸大小量好，把握好其结构，控制各部位的松紧程度，最大限度做到准确与精细，达到动作伸展自如的要求。而在使用服装裁剪过程中，缝制工艺手法与结构设计较为固定，标准比较统一，但是这种统一的模式化设计思路是与舞台服装设计不相符的，无法满足舞台夸张的表现手法。所以，舞台服装设计要有一定独特性，不能以普通服装设计思想进行设计。服装设计为满足舞台需求，契合演员气质，要讲究缝制工艺、结构设计与裁剪手法，并不断进行创新。
舞台服装设计范文4
将服装造型运用到更换戏剧场景的过程中去,戏里的每一幕,可以很好的识别留在场上的角色之间的主次关系,这是因为外面在换幕换场时,未退场的人中也分为“主角”和“配角”两类。演员在一部剧或一场戏中的戏剧人物服装造型以及戏剧场景,直接影响了整台戏的质量好坏。因此，要较好的表达出一幕戏或一场戏在整个剧中“,主角”或“配角”所要表现的思想情感,这是演整场戏必须要考虑的重要部分。正因为这样，我在为该剧的人物造型设计中也认识到，为演员创造新的角色，不能只是从外在如着装、色彩等方面对表演者进行包装，更重要的是设计者要懂得借助这种舞台服装来让观众感悟演员的心灵世界，帮助演员形成角色的舞台空间造型艺术。做好细节中的人物,在粗重求细,细中看戏,这样的戏剧服装才能与戏里的每一个情节和步调都合拍，观众看表演也再只是去看演员的表演，还包括很多其他更为深刻的东西。
在戏剧中，表演者的戏剧人物服装造型,直接体现了他在戏中演员所饰演的角色的主次关系或是性格特征,同时也能较为鲜明地体现出戏剧中角色的思想情感,一台好的服装跟好的舞台效果有直接关系。而戏剧场景表现的是戏剧的性质，它能够营造出必要的戏剧气氛,让观看者在看戏的过程中明白导演的目的,使之在戏剧场景中收获一些有价值的信息,例如:剧中故事的产生背景、当时那个时期和年代特征、情感是悲或者喜等等。
人物是戏剧场景中的重点,而要表现这些人物的性格特点和角色等，就必须利用好戏剧人物的服装造型,服装造型要跟戏剧场景相匹配,才能很好的塑造戏剧人物形象。戏剧人物点缀了整个戏剧场景，它在整个戏剧中有着非常明显的作用。不过，戏剧人物要进行包装后，才可以更好的表现出戏剧角色的性格、情感以及角色与角色之间的主次关系,而戏剧人物服装造型丰富了整个戏剧场景,通过这些服装造型，观众可以更加清晰的了解、体会戏剧中的剧情、寓意和所要传递的情感。通过上述分析，我们可以看出，戏剧人物服装造型与戏剧场景是紧密相连,两者也是不可分离的。总的来说服装造型设计最主要就是帮助演员塑造剧中人物外部形象，为整场戏赋予角色，并为戏里的这些角色提供各种能够表达情感和思想的戏剧服装。这就要求服装设计师必须把握好服装与舞台角色之间的相关联系，结合舞台场景来设计服装，创造完美的舞台艺术人物形象。
舞台服装设计范文5
摘要：服装在人类文明发展史中占有重要的地位，它不同程度地反映出当时所处的时代特征，是当时的科技水平、地理特征、风土人情、的缩影，也是民族、文化和个性的指标。随着时代的变迁和艺术的发展，服装逐渐成为一种视觉艺术出现在各种舞台上。在外来元素和时尚概念的不断冲击下，我国的舞台服装设计不能一味的创新求异，脱离本民族的艺术特点，而应该立足于民族基点，对外来元素进行“或使用，或存放，或毁灭”，形成新的艺术样式。“民族的才是世界的”，失掉民族，就等于失掉全世界。
关键词：舞台；服装设计；中国元素；创造性思维；借鉴；运用
在中国舞台服装设计领域，国外各种新思潮不断涌入，随之而来的新思想、新观念，动摇着我们固有的价值观与审美观，使舞台服装作品越来越远离民族个性。中华民族具有五千年的传承文化，祖先为我们留下了浩如烟海的文化元素。每一个传统元素都有着深厚的文化积淀，都镌刻着深深的民族烙印，这些文化所构成的美的元素是中华民族的瑰宝，是中国人民智慧的结晶,博大而精深。作为千年流传下来的中国传统元素，我们如何使它们能够很好的被继承、被利用，成为对服装设计有益的启示。
上海世博会――上海企业联合馆开幕式演出中的中国元素：
2010上海世博会以“城市，让生活更美好”为主题，向世界展示了中国经济、社会的飞速发展，也深刻的颂扬了中国悠久的文化历史以及丰富的民族特色。上海企业联合馆作为上海的代表场馆，不仅在设计建造中大胆尝试新技术、运用新材料来展现新的城市生活视点，还力求向世界充分展示中国的民族工艺及特色，立足本土，走向世界。
一、旗袍
旗袍是中国传统服饰的极品，最能体现东方女性的魅力。它默默地紧贴在身体表面，丝毫不张扬。旗袍的丝绸质地，暗示着东方女人光洁滑腻的皮肤，旗袍紧身的裁剪，则将东方女人的身体线条表现无遗。它既有独特的民族特色，又颇符合当今大众的审美情趣。设计师在延用了旗袍的款式特色之余，通过对服装面料与肌理的调整与改变，为古典旗袍注入了很多时尚创新元素，使传统元素与现代审美完美结合，既展示了民族特色，又彰显了中国服装设计师的国际化视野，成为舞台表演中一道亮丽的风景。经典相对稳定，而时尚却千变万化。最近十几年来，许多大型演出的舞台上都不断出现了旗袍风格的服装设计，更有甚者将旗袍中的中国袍服元素和西方的晚礼服元素加以融合，制作出了时尚改良的旗袍。旗袍的工艺和用料也更复杂，乔其纱、织锦缎、烂花绒、印花面料、蕾丝花边都成为了中国旗袍的组成元素。旗袍作为一款经典传统女装，面料品种将更加多样，制作工艺愈加精致，势必成为设计师难以割舍的灵感来源之一。
二、肚兜
肚兜是传统服饰文化的精华。据说素有沉鱼落雁、闭月羞花的中国四大古代美女中的杨贵妃便是肚兜的发明者，是她第一个穿起了肚兜，使穿肚兜成为一种流行样式。“肚兜”即抹胸的俗称，是古代妇女穿在最贴身处的内衣。“肚兜”上有各类精美的刺绣，红色为“肚兜”常见的颜色。伴着几许古典的浪漫风情，现代人一听到“肚兜”总有几分奇思遐想。清朝时期的“肚兜”，一般做成菱形。穿着时把吊带套在颈间，腰部另有两条带子束在背后，下面呈倒三角形，遮过肚脐，达到小腹,材质以棉、丝绸居多。
在这个崇尚时尚和浪漫的年代，突然之间，老奶奶压箱底的肚兜，成为爱美女性最钟爱的流行服饰，也成为舞台服装中的经典样式。肚兜那塑身修形的造型理念、大俗大雅的配色处理、无限寄寓的图腾纹饰、独具创造性的技艺手段，无一不吐露出中国女性对生活价值理念、审美情趣、情爱传达等诉求的心声，也成为设计师借以发挥和创新灵感源泉。各类素材与元素都展现在小小的方寸之间，而绣、镶、贴、补、嵌等多种技法也被发挥得淋漓尽致，美不胜收。
三、刺绣
刺绣是中国优秀的民族传统工艺之一，刺绣与养蚕、缫丝分不开，所以刺绣，又称丝绣。中国是世界上发现与使用蚕丝最早的国家，人们在四五千年前就已经开始了养蚕、缫丝了。随着蚕丝的使用，丝织品的产生与发展，刺绣工艺也逐渐兴起。宋代时期崇尚刺绣服装的风气，已逐渐在民间广泛流行，这也促使了中国丝绣工艺的发展。原始刺绣本为表征地位尊卑，具有政治辅助工具的作用,后来逐渐扩充为美化生活的装饰物，并且普及民间。至于刺绣具备的艺术性，随着发展阶段变化，呈现不同的特色。
中国的刺绣源远流长，在世界服饰文化宝库中占有重要的位置，在中国传统工艺美术行业中颇有影响，是中华民族智慧的结晶，是百花园中瑰丽多姿的一朵越开越艳丽的奇葩。在舞台服装中，刺绣被广泛运用，最常见的是栩栩如生的刺绣花朵，或镂空或采用凹凸不平的刺绣方式，在面料的表面上展开花朵最妖娆的姿态，让面料充满了立体感。刺绣不仅能体现服装技艺，还能抬升服装的价值，在服装设计中成为一种重要的表现手段。
四、中国结
中国结是中国特有的民间手工编结装饰品，始于上古先民的结绳记事。它作为一种装饰艺术始于唐宋时期。东晋大画家顾恺之所绘『女史箴图卷相当真实地反映了当时的社会形态，我们可以由画中了解当时妇女的装饰。例如，在画中仕女的腰带上, 就发现有单翼的简易蝴蝶结作为实用的装饰物。另外，在唐代永泰公主墓的壁画中，有一位仕女腰带上的结，就已经是我们现在通称的蝴蝶结了。到了清代，绳结已俨然被视为一门艺术，样式既多，花样也巧，在那时绳结作为装饰的用途相当广泛，日常生活中的大小用品如轿子、窗帘、帐钩 、肩坠、笛箫 、香袋、发簪、项练、眼镜袋、烟袋等，下方常编有美观的装饰结，这些结常有吉祥的寓意。
近年来，中国结已经成为国际时尚潮流的重要元素，在舞台服装设计中更是屡屡出现，并经过新的编织技巧形成了新的样式，为服装平添一种如行云流水般的流畅之感，也辅助表现了服装的结构样式和肌理效果，增添舞台服装的表现力。
服装发展的历史与人类文明发展的历史密切相关，人们可以很容易地从服装上判别与其有关的人文历史背景。中国有渊源的历史和丰富的文化内涵，文化资源丰富，中国元素是中国文化的缩影和精髓。在提倡“民族的就是世界的”理念的今天，中国元素也越来越多的被服装设计者运用在了自己的设计中。对设计中的中国传统元素的借鉴和运用，并非生搬硬凑、搬用原形，而是以现代构成原理进行解构后的重新组合和搭配。对传统元素的再认识、再理解可以带来新的思维方式，进而提高现代设计者的设计思维和创意能力。设计创意的核心是创造性思维，它贯穿于整个设计活动的始终。“创造”的意义在于突破已有事物的束缚，以独创性、新颖性的崭新观念或形式体现人类主动地改造客观世界，开拓新的价值体系和生活方式的活动。用接纳的胸怀，对待新观念、新现象学会吸收和汲取，使设计作品与时代同步。我们深信，在中国深深的文化底蕴中成长起来的设计师们，只要在设计中握住了中国人的智慧与能力中的优势基因，凭借着对民族文化的深刻理解，在不久的将来，中国的设计一定会屹立于世界之颠。
参考资料：
舞台服装设计范文6
舞台美术设计是一门艺术，它融汇了诸多艺术因素，并要求这些因素协调一致，虽然在演出中它不独立存在，但它的造型因素也可以具有象征和暗示的意义。随着历史的不断发展，舞台美术也受到绘画、建筑、雕塑等其他造型艺术的影响，因而其造型形式也越来越丰富，使各种因素的作用可以最大化。在表演艺术中，舞台美术设计的作用也愈来愈重要，它不仅为演出营造了很好的情境氛围，与演员的情感思想相一致，同时也使视觉形象和观者的思绪、联想相融会贯通，更加深化演出的主题。舞台美术造型设计作为服装演出的一个要素，始终是以服装表演为核心，其各元素的组织与安排追求视觉趣味，注重与服装表演主题的交融，突显出舞台艺术中诸因素所体现的神韵，带动观者融入整个意境之中，真正的体味服装的内涵，带观者进入思考的空间，观者不仅仅是观看演出的形式，而是透过演出中的情调气氛和模特的展演来真正体会服装设计者的设计理念，体验演出所带来的美的旅程。舞台造型的美与服装表演的美达到合二为一时，可以准确地传达出服装设计中的审美意蕴，同时也会带观者进入广阔的想象空间，充分发挥想象力，赋予服装表演以更多的审美价值和意义，使服装表演变更加绚丽夺目。
二、本土文化与服装表演
本土文化是各民族的习惯和思维方式在历史的不断演进中所形成的一种文化方式。随着社会的不断演进，地域界限的模糊，这种文化方式也会受到相应的影响，但仍旧是保留了原有的风土人情和地域民族特色。像吉林就有一些富有地方特色的本土文化，如雾凇冰雪文化、萨满乌拉文化、长白山剪纸、高句丽民族文化等，这都是在历史的演进中所形成的与其他地域所不同的文化样态。每年在吉林省吉林市举办的吉林雾凇冰雪节，展示冰灯、彩灯，开办冰雪运动会，还有一些东北大秧歌的表演，以及一些满族、朝鲜族的民俗节等等，这些活动也蕴含着雾凇冰雪文化在其中。雾凇冰雪节的形成，也引起了人们对雾凇文化的探讨；沿着江岸，一排排的苍松翠柳，挂着一串串柔柔的雪绒花，裹着美丽的银装，在寒冬中展示其冰清玉洁的清新之美，真是美丽多姿、“分外妖娆”，大自然创造的人间美景，带有“初发芙蓉”的自然美的魅力；在这冰冷的冬天，游人可以欣赏到雾凇奇观，而雾凇的温情美丽可以驱走冬天的寒意，也能雾凇文化的悠长意味。在雾凇文化节期间还会有这样一项活动，就是雾凇形象大使的评选，模特们精心准备，通过对雾凇文化内涵的了解和体会，模特们尽全力演绎出可以代表吉林雾凇文化特色的形象，体现出吉林本土文化样态的形象，这不单纯的是一场评选活动，而是通过雾凇形象大使的评选，可以更好的宣传雾凇奇观，更重要的是使更多的人深入了解雾凇文化，传播雾凇文化，这样就达到了传播本土文化特色的目的，从而使人们正确的评价本土文化中所具有的审美价值。通过本土文化中的各种形式的传播，可以更好的宣传地域文化，同时也可以带动相关旅游产业的发展，由此也带动了地方经济的发展，为本土文化的传播提供良好的经济基础。
三、带有本土文化特色的舞台设计在服装表演中的作用
服装表演离不开舞台美术的设计，一场服装表演离不开一个核心主题，服装的设计和服装的表演无不体现出文化的内涵和意味。而一场体现本土文化的服装表演，将会给观者带来不一样的欣赏视角，会使大家更多的了解本土化所具有的特色与意义。在服装表演中，舞台美术设计要为其服务，既要着眼于演出的主题，还要调动起现场氛围。当一场服装表演遇到了本土文化特色时，舞台美术设计将会重新演绎时代风尚，立足于本土特色，利用本土文化中美的元素，打造带有本土风情韵味的舞台效果和舞台背景，烘托出带有浓重的本土文化味道的现场氛围，给观者以全新的视觉盛宴；同时也使得服装表演更具有本土风情味道，别有新意，引领本土文化的时尚审美趣味。在本土文化中包含了经典及地方和风土文化，它所拥有的美是独具品格的，其审美价值取向也呈现出多样，有高雅的审美风尚，也有乡村淳朴之美，更有民族艺术之美；在服装表演中，有造型之美、表情美、服饰美、发型和化妆美、形体美等等，因而，追求美是他们的共同点，都能体现出时代的审美风尚。在服装表演舞台美术设计中，具有舞台背景之美、灯光美、舞台造型与环境设计之美等等，服装表演在舞台设计所营造的美的氛围中完成，可以说，美在一场服装表演中无处不在。在策划一场服装表演时，根据演出的需要及其所处的环境，恰当的引入本土文化元素，如把雾凇之美景作为背景，会带人进入一个美轮美奂的雪的世界，清纯、洁白、宁静，种种画面使人浮想联翩；因而把服装表演之美与本土文化之美相融合，使二者相得益彰，更加彰显二者融汇时所产生的独特魅力。服装表演作为一门艺术，它需要不断地从其它艺术类别中吸收新鲜的血液，不断地使自己的羽翼丰满，具有文化的内涵，加深其文化之根基，增强其文化之底蕴，对于本土文化的吸收，可以在大众中脱颖而出，独具新的审美方向，这样的服装表演才更具有审美性，更经得起推敲。
四、结语
