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工艺美术运动范文1
1、工艺美术(art and craft)现代用法,是指制作手工艺品的艺术。这类艺术品通常装饰精美,具有实用性或目的性。其使用的各种手工技术包含了金工、木工、编织、裁缝、塑料造形,以及雕刻、版画制作和绘画的技法。“工艺美术”在学校、社团和其他机构中被当作是一门专业课程教授,其意义在于发展个人爱好或充任娱乐活动,有时甚至作为一种精神治疗的手段。
2、“工艺美术运动”一词,出现始于19世纪末期的英国,一般认为是由威廉·莫里斯(William Morris)所发起,而受到约翰·拉斯金(John Ruskin)和奥古斯塔·普京(Augustus Pugin)学说的启发。该运动是自觉性的对抗设计工艺工业化的结果,提倡重返个人手工技术。这种体现在家具、装饰、壁饰、手工印花布、印刷和书籍设计的崭新风格,脱离了主导地位的维多利亚风格,并为19世纪末20世纪初开展的新艺术运动(ART NOUVEAU)打下了基础。
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工艺美术运动范文2
1882年马克穆多在伦敦成立了“世纪行会”,世纪行会出版了自己的刊物《世纪行会玩具马》,以推广自己的观点。马克穆多为《玩具马》设计的封面元素,利用植物的叶子把底图挤满了,充分利用了负空间,同时营造出了一种水流的动感。这也是取材于自然的一个创意。马克穆多为“世纪行会”设计的标志,取材为火焰和花朵,里面还有CenturyGuild的首字母缩写,这种首字母缩写的形式逐渐普及起来。并且火焰和花朵也有一定象征性元素在里面,火焰代表改革,花朵代表设计风格追求自然。《玩具马》的封面,是插图画家西文•伊玛奇的作品,这是一个页内页,取材为植物和鸟儿,整版的大自然,让人能够想象设计师对于自然的向往,和对于工业社会的不满。画面疏密分布合理,再加上点、线、面的应用,使作品生动、大方、耐看。甚至植物枝蔓的走势,也给人带来风吹鸟归的感觉。
西文•伊玛奇也为《玩具马》设计插图,他设计的插图采用的元素是鸟儿、植物、太阳。画面用线条和块面来表现,耷拉着脑袋的郁金香上面有一只振翅高飞的冲向太阳的鸟,这是否也有某种寓意呢?西文•伊玛奇认识到艺术不仅仅是绘画和雕塑,而应该包括更广泛的内容。人类的很多产品都是和艺术相结合的,他的预言也证实了今后的设计发展的改革方向。赫伯特•霍恩设计的Chiswick出版公司的标志用各种水果围合而成,里面加上狮子和海豚,此时他设计的标志还是很复杂。后来他的设计变得比较简洁,注重传递功能性,装饰元素减少,更加满足机械化大批量生产。克姆斯哥特出版社主要通过展览、讲座,来普及“工艺美术运动”的思想。
沃尔克在一次演讲中解释了中世纪手抄本的特点,对莫里斯影响很大,莫里斯首先设计印刷所需要的字体,这种字体清晰、整洁,容易阅读,被称为“金体”字。克莱因设计窗帘、墙纸等图案,他在插图上的绘制更有天份,他和莫里斯一起合作出版了《呼啸平原的故事》,在当时引起了读者的喜爱,供不应求。这种复杂、精美的花纹装饰和首写字母,以及插图和文字的排版方式,只有在中世纪的手抄本上才出现过,那时书籍的精美程度,是后来粗糙的印刷品一直难以超越的。克姆斯哥特出版社最杰出的作品是《乔梭集》,这本书从插图到字体到装饰花纹,无一不是经过精心的设计,这是莫里斯一生中最后的和最杰出的设计作品。
莫里斯的复古设计也引起了一些人的不满,英国人刘易斯•戴依就最先在理论上给予批评,他发表文章,认为莫里斯的设计过分古旧和沉重,最终成了少数人的收藏品。戴依和杰西•金、格林纳威合作出版了一种为儿童设计的读物具有,轻松活泼的版式设计。在莫里斯去世后,阿什比收购了克姆斯哥特出版社,成立自己的埃塞克斯出版社,他的设计动机和莫里斯的很接近。但是由于比莫里斯年轻得多,所以也比较能接受新生事物。这点从他的设计中就可以看出来。
英国也出现了注重功能而不是美观的多佛出版社,多佛的书籍设计的在当时人们看来绝对算不上美观,但是低廉的价格,也应该能够吸引一部分消费者。
二、美国的平面设计
美国和英国语言相通,传统关系密切。但是美国是一个崭新的国家,没有深厚的历史背景。美国人从来没有厌倦工业化,只是希望在设计上能够锦上添花。
字体设计师高蒂设计了三大字体体系,第一个是铜板歌德体,这种字体有细小的陈线,是一种既有无陈线的时尚感,又带有古老气息的字体。
第二种字体是高蒂旧体字,这种字被认为是优雅的和匀称的,也被认为是最适合印刷用的字体之一。这种字的特点是小写字母i、j上面的点是菱形的,字体笔画呈现优雅的弧线,大写字母Q下面有一笔像书法笔画的曲线,大写字母J下面有个小勾。第三种字体是肯尼利体。
工艺美术运动范文3
关键词:艺术设计;工艺美术;关系
中图分类号:G642.0 文献标志码:A 文章编号:1674-9324(2013)34-0092-02
“工艺美术”到“艺术设计”的转变不仅仅只是名词上的变化,更是社会发展的必然结果,两者之间存在着很多的联系,是对立统一一脉相承的,为了更好地区分两者之间所存在的侧重点,掌握其发展趋势,首先需要对工艺美术与艺术设计的内涵进行简要的分析。
一、工艺美术与艺术设计的内涵
1.工艺美术。“工艺美术”这一概念最早可以追溯到封建时代。在封建社会,工匠通过将美学与生活实际相结合所制作的手工制品极大地丰富了当时的市场,这些制品在市场竞争中为了占有更大的市场,这促使工匠不断追求技艺的提高,色彩的华丽,这也促使了工艺美术发展的技术性与艺术性的不断提高,其实质是在应实际生活要求而产生的,与人们的日常生活有极密切的关系。
2.艺术设计。“艺术设计”这个概念的提出最早可以追溯于19世纪初在欧洲爆发的“工艺美术”运动,一直到20世纪初包豪斯学院的成立才使这个概念得以确立。由于十九世纪欧洲工业化的发展,给市场带来的负面效应促使造价低廉且质量粗糙的工业产品繁多,一些对产品要求严格的艺术家看到这一现象反映出设计方面的严重缺陷,开始寻找解决这一问题的办法。他们的这一行动带来的直接结果便是促使了英国“工艺美术”运动的发生。这次运动的主要特点是:反对工业产品大批量制作;反对浮华与造作的装饰特点;在设计上,偏重于欧洲古典风格与东方美学风范。随后,“工艺美术”由英国转向欧洲,在欧洲其发展的形式为“新艺术”运动,接着又发展成为“装饰艺术”运动。直到20世纪初期,“现代设计”出现在人们的眼里,“艺术设计”这一观点才逐渐得以确立。德国包豪斯学院的建立是这一观点确立的关键性事件。包豪斯设计学院成立于1919年,该学院利用先进的科学技术钻研新的艺术形式与艺术手段,适应工业化时期市场的需求,加强产品与实际应用之间的联系,使其产品的设计更加满足大众的需求。
二、工艺美术与艺术设计的区别
1.服务对象不同。在旧石器时代,器物文化的发展是十分漫长的。有的器物在相当长的一段时期使用后才被人们认可并加以应用。各种器物的发展有自己本身的发展形式。相比较而言,处于较封闭状态的封建自然经济与计划经济时期,由于商业活动发展水平不高,因此工艺美术的面相对狭窄,而生产出来的手工艺美术作品,多是供给宫廷使用。而艺术设计是工业革命与商品经济结合的产物。随着社会发展的进程,产品的功用性不断地提升,从产品的设计方面来看,产品的设计与生产更多地符合人们的物质与精神生活的需求,由此可见,其面向的是市场与大众。
2.美学价值不同。传统的农业以及手工业生产方式与其价值模式的结合产生了工艺美术,因此说工艺美术是技术与艺术相结合的产物,而艺术设计是工业化信息化时代的产物。工艺美术结合了科学与艺术的先进之处,艺术设计的特点主要是人性化、时代性与集成性,并且学科之间交流频繁。而艺术设计在我国的发展还处于初级阶段,与西方国家相比,还有较大的差距。宗白华曾说过:“懂艺术美学的不懂技术,懂技术的不懂艺术美学。”而我国工艺美术的发展状态目前还是以画室为主。
3.研究的范围不同。从田自秉的《中国工艺美术史》我们可以看出,在中国,工艺美术的发展范围无非是器、织、雕、染、塑、绘这几个方面。从尹定邦的《设计学概论》讲到的视觉传达设计、环境艺术设计、产品设计的三大类型可以看出,其参与的范围要比工艺美术要广泛的多。从我国工艺美术的发展历史来看,艺术设计的发展几乎伴随着我国经济的发展,并随着经济发展的深入而不断的发展。所以说,我国艺术设计的发展具备鲜明的时代性。
4.二者的教育模式和专业设置。传统手工业技术的发展传播方式比较单一与封闭,往往存在于师徒关系与家族关系中。熟练的传统手工业者,对于本行业的传授形式几乎是凭经验而定,因此说,其主要的方式便是经验多的积累,其缺点便是缺少系统的知识归纳与总结。传统的手工业者把自己毕生的经验传授于自己的后辈与门人,保护技术的传播与流传。而现代的艺术设计理论系统主要是受西方的思辨哲学的影响,形成一种系统的,理论化的知识,是一种不同于传统的言传身教的教学方式,有的以书刊,录像等传播方式进行传播。艺术设计还应用了科学的系统论来作为系统的指导方法,采用现代系统论的成果,是人类的思维模式与研究方式的又一次发展与变革。传统的工艺美术包括染织、装潢、陶瓷、服装、特种工艺等工艺,现代的艺术设计包含了一些新的层面,包括工业设计、包装设计、室内设计、服装设计、平面广告等方面。造成二者的不同的根本原因便是社会背景的不同。从中我们也可以看出,随着社会的发展,艺术产品也有了相应的发展,艺术产品反映当时社会的市场需求与社会发展。
经过以上的对比,笔者详细讨论了“工艺美术”与“艺术设计”的关系以及观念的转变,并得出以下的结论,这些结论只是普遍的现状。(见表1)工艺性艺术设计对产品的外观要求很高,并强调实用性与观赏性,以及包含的文化蕴涵。工业性艺术设计要求科学性以及精准性,并要求能从事机械化的批量生产。
三、小结
根据以上对于“工艺美术”和“艺术设计”的解释,艺术设计所包含的范围要大于工艺美术所包含的方面。虽然“工艺美术”和“艺术设计”都收到了西方近代设计文化和思想的影响,但是这两种艺术方式也有我国本国的传统艺术形式。当我们把一个艺术形式的产生与其社会环境结合起来,我们就会发现传统工艺产品在满足其本身要求的功用性之后出现的产品便是艺术设计要研究的对象。也就是说,工艺美术与艺术设计之间是传统与现代的关系,它们只是一个艺术形式在不同时代的不同反应形式而已,影响着人类的日常生活,满足人类的生活发展需要,推动人类文明的进步。
总之,分析工艺美术与艺术设计的关系,是当代艺术设计教育的需要,也是时代环境下的要求。从历史的发展水平来看,工艺美术转向艺术设计是艺术发展的必然选择。
参考文献:
工艺美术运动范文4
论文摘要:本文论述了庞熏栗与现代设计起源之间的关系。认为在当下,重温庞熏桨关于艺术思考的点滴,使我们反思工艺美术的整体性和历史境遇,有助于我们跳出“现代设计”的陷阱,探寻缘起于中国传统艺术设计的本质。
距离庞熏栗先生逝世已经有24个年头了。随着时间的流逝,这位曾经受众人尊崇的工艺美术教育家、奠基人在今时今曰新一代学者和知识分子心中的印象已经逐渐淡化。历史悄然步入21世纪,在整个2o世纪中国酝酿勃发的“工艺美术”也随着庞熏栗先生的离去于世纪之交谢幕了。有趣的现象是,赋予工艺美术以深刻意义的时代似乎仅是历史中的昙花一现。也许,工艺美术在过去还未充分发挥其内在固有的力量便夭折了。在目前中国的社会状况下,已经没有必要刻意讨伐今天的“现代设计”,因为人们几乎不再对工艺美术抱以特别的关切。工艺美术在当代的观念是“老古董”,设计却成为与之相对的时髦语汇。现代性的建构在美术领域似乎表现为以艺术和设计来界定纯美术和实用美术,而且这两个领域的分化愈发呈现不可调和之势,因此在近年的中国美术杂志上以“对话”为主题的文字层出不穷。如果稍微留意中国当下的教育体制,不难发现从中央工艺美院的创办之初到现在,经历了5o年的教育体制改革,改革的实质是将工艺美术这套传统概念彻底消解,重新建构一套现代主义的叙述。教育的现代化改革将所谓现代主义叙述模式在大学教育中体制化、合法化。提及现代观念,我们很容易将其与抽象的传统对置,并先验地预设世界范围内现代主义的普遍合法化地位。在此,笔者并非质疑我们对现代主义普遍性的认识本身,普遍性不是先验的而是在不同的历史中确立的。在整个国家热衷于2o世纪末全球化背景现代性建构的同时(我们通常将现代性等同于现代主义),工艺美术其自身的历史性也被掩盖起来。
主流的艺术史观认为,庞熏栗理应被视为中国现代设计的开创者。但这个普遍性的常识背后却隐藏着认识论上的颠倒。庞熏栗先生法归来后为何由绘画转向了工艺美术,这在中国2o世纪的艺术史中实际上是非常独特的议题。1929年庞熏栗留学法国巴黎,恰逢12年一次的巴黎博览会。在其自传中他写道:“参观巴黎举行的博览会,使我第一次接触到工艺美术。”“这使我有生以来第一次认识到,原来美术不止是画几幅画,生活中无处不需要美。”“也就是从那时起,使我对建筑以及一切装饰艺术,开始发生兴趣。”19世纪末20世纪初,欧洲各国受到工业革命的推动在艺术领域掀起手工艺运动和新艺术运动的浪潮,在巴黎举行的博览会是新时代实用艺术观念及其成果的展示。这次博览会真正冲击庞熏栗的是西方现代主义实用艺术的观念。实用艺术(当下我们将其扩大膨胀为设计的概念)是西方现代主义的产物,正如同民族国家是现代性的产物一样。从词源上看,无论在传统的西方世界还是中国,都不存在实用艺术、工艺美术或装饰艺术。此前中国传统艺术观念中只有诸如陶瓷、壁画、文人画、雕塑等分门别类的艺术表现形式,而且还有很多门类尚未浮出地表。传统的艺术观念认为只有绘画的形式才是艺术,民族传统中各种类的手工艺都被排除在艺术领地之外。因此,不难理解庞熏栗第一次从西方世界接触到工艺美术,并对装饰艺术发生兴趣对其归国后选择工艺美术的影响。他认识到“巴黎之所以能成为世界艺术中心,主要是由于它的装饰美术影响了当时整个世界……人们始终是跟着它变。”在庞熏莱看来,工艺美术或装饰艺术已经成为这个时代世界艺术的主流。他主张在中国发展工艺美术及教育事业不仅仅是出于民族主义情感,在他的身上也没有产生类似于林风眠和徐悲鸿所经验的中西冲突和文化认同危机。我们注意到,传统与现代、东方与西方这样的二项对立式充斥着整个中国20世纪的历史,包括艺术工作者在内的知识分子整体性地陷入某种文化认同的危机、焦虑和冲突当中。许多留学归来的艺术家和知识分子都开始质疑自唐王维肇始的文人画传统,提出中国画改良,革王画的命,在绘画语言和表现手法上出现了写实主义与现代派的争论。这些讨论从另一层面表明,在当时,实用艺术并没有进人中国主流知识分子和艺术家的视野。工艺美术和装饰艺术在中国的国情下是不受重视的,处于边缘地位。庞熏栗的独特之处在于他丝毫没有将自己置于某种认同当中,或在主体性(启蒙运动所建构的价值观念,是现代性的核心)中寻求身份认同。他拒绝从属于任何一个中心论述或范畴当中,正如他在《自剖》中所揭示的,“矛盾的人生,矛盾的社会,构成了矛盾的我。”一庞熏栗深刻地认识到现代性已经在世界范围内掀起了史无前例的革命狂潮,世界艺术也必将走向一个较之文艺复兴时期远为伟大的时代。身处这样裂变的时代,在东西文化互通有无的大世界中,庞熏栗感到了自我的渺小。他自觉于启蒙神话的虚假主体性,将真理置于理想的艺术之彼岸。他冷静地写下了这样的话:“也许,我只能像流沙一般,被洪流吞没。但是我明白,这原本是我的命运。这些水底的沙石也许有一天会被拿来筑成往那光明的境地去的大路;这些沉默的沙石,会微笑地看着别人从他们身上踏过,去收获丰富的果实。”
在这段自述中,一个自由主义的知识分子形象跃然纸上,但这样的认识论始终无法划定庞熏栗的自我认同,正如民族主义的知识分子也无法简单将其收编。作为一个自由主义倾向的知识分子,庞熏栗却将其一生投身于民族国家的艺术事业,在多次出国机会面前仍然矢志不渝,这点足以说明庞熏某的民族情感。但他不是一个狭隘的民族主义知识分子,没有止步于民族传统的价值认同危机中,而是跳出这个认识论的怪圈,主张中西各有所长。
庞熏栗倡导在中国建立工艺美术学校,是受到西方现代主义观念的影响。当西方的价值观念以不可抗拒之势瓦解旧世界时,庞熏栗却在西方现代价值观念中发现了中国民族传统艺术。柄谷行人在《日本现代文学的起源》中论述道:“现代这个概念十分暖昧。不仅日本包括非西洋国家的人们,在他们之问现代总是和西洋相混同。当然,这种混同是有理由的。既然在西洋也有现代和前现代之别,现代与西洋当然应该是不~样的概念,可是现代的起源在西洋,所以两者不容易简单地分开。”柄谷行人的这段叙述指出了我们认识中的“颠倒”,由此在20世纪产生了诸多错觉。一方面,认为现代主义的启蒙是不证自明的。因此,许多知识分子和艺术家先验地将传统与现代对峙起来,将现代的物质性进程在人类社会的一切领域普遍化和扩大化,导致现代主义在精神领域成为不可逆转的价值诉求,从而通过“启蒙主体性”引发认同危机。另一方面,将现代与西方混同起来,认为现代性的诸种表现都是西方模式或西方式的建构,从而消解了现代性的历史性,建构了现代主义的神圣性和普遍性。因此,在西方现代主义神话的话语权力中,民族和传统遭受到前所未有的排挤。颇有意味的是庞熏栗不谈西方现代艺术和工艺美术运动而谈中国少数民族图案、传统手工艺和壁画艺术,恰恰是通过西方现代艺术及实用艺术,他发现了中国传统装饰艺术之“风景”。对他来说,无论是西方的现代艺术、实用艺术还是中国传统装饰艺术都是非实体性的,是被设想为艺术所固有的、某种不确定的、无归属的内在力量。他在随笔中写道:“画家自我,我想不该有什么派别的成见,派别只是~种束缚,一种障碍。画家谈主义,更可不必了。我国古今好的作品,我们应该要研究,世界各国好的作品,我们也应该研究。但是,不一定呆板地模仿。”
他直接指出“工艺美术说到底是一个美学问题。”。工艺美术虽然是产生于现代的艺术观念,但在庞熏粱看来却并不专属于中国或西方、传统或现代,而应该归结为艺术和美学问题。庞熏梁质疑了出现在20世纪知识界和艺术界的认识的倒错,“我国工艺美术历史上从来没有拒绝外来文化影响,也从没有囿于外来影响而失去民族性”,这里所说的民族性不同于民族国家所建构的狭隘民族主义(狭隘民族主义排除异己,中国的民族主义是与无产阶级和政党政治相结合的),民族性指的是民族传统,即工艺美术自身的历史性。庞熏梨静观西方世界的变化,深信实用美术的时代已经来到,生活q1无处不需要美,那么如何寻找中国工艺美术失落的历史昵?他认识到本民族传统文化中的装饰艺术在2o世纪的裂变当中应该充分发挥其固有力量。因此,他积极搜集少数民族装饰图案、研究历代装饰画、倡导工艺美术教育、兴办工艺美术学校,最早迈出了探索实用艺术的脚步。
工艺美术运动范文5
数据显示,2011年中国工艺美术品制造总产值达到9500亿元。今年2月,《文化部“十二五”时期文化产业倍增计划》正式,在未来5年内,文化部将重点发展11个行业,尤其重视艺术品市场和工艺美术品的消费。国家频繁出台发展文化产业的鼓励政策,这对发展工艺美术行业无疑是天赐良机。大环境有大关注,大关注有大需求,大需求有大机遇,这在一定程度上推动民间资本纷纷介入当代工艺美术。然而,民间资本到底如何刺激工艺发展?它的进入,对这一行业又会产生怎样的影响?
民资多手段试水工美行业
最近,文化部出台《关于鼓励和引导民间资本进入文化领域的实施意见》,明确将文化部管理的文化领域向民间资本全面开放,为民间资本进入文化领域制定了具体措施,其中,鼓励和引导民间资本投资的行业包括艺术品和工艺美术品。国家文化政策的支持无疑将促使工艺美术领域又一次转型和发展。
据中国工艺美术学会副理事长唐克美介绍,从上世纪80年代末开始,国有企业与集体企业解体,逐渐完成了工艺美术体制改革,现在99%的工艺美术生产企业都是民营的。其主要分为以下几类:一是由曾就职于国有及集体企业的经营者或工艺大师创办的企业;二是喜欢工艺美术的有识之土,他们看好工艺美术发展的前景,投入这一行业;三是最近几年进入这一行的房地产、钢铁等其他行业的老板,他们将大量资金投入文化领域。
北京艺力文化有限公司就是民间资本进入工艺美术领域的代表之一。2007年,该公司借助奥运会的机遇,推出了一个工艺美术项目,取得较好的社会效应和经济效应。2009年,艺力文化推出工艺美术大师张同禄的作品《鼎盛中华》,同样获得成功。此后,艺力文化组建研发小组,全面进入工艺美术领域。上海“珠玉汇市”珠宝集团董事长张铁军曾是一名企业家,后来转向玉器行业,他投资打造的上海玉博园正在兴建中,该园区占地60多亩。建成后的园区将集玉器文化研究、产品设计、生产销售于一体,成为玉器产品研究、设计、生产、交易中心。
近几年,全国各地兴起工艺美术产业园区的建设热潮,为工艺美术的发展壮大提供了先机。如福建莆田荔城区规划建设三大工艺美术文化类产业园区,投资总额在30亿元以上,主要生产各种材质的工艺品雕塑等;山西宇达集团,投资3000万元建立了国内第一家青铜文化园区。
除此之外,也有民营企业通过信货、信托、基金、债券等金融手段融资,进入文化产业领域,不少新兴交易方式都在试水工艺美术行业。
民资促使工艺品价格飙升
资本进入工艺美术领域,最直接的影响就是促使近年来工艺美术作品价格的飙升。以景德镇艺术陶瓷为例,该品类深受市场追捧,近几年的年平均涨幅达20%至30%,部分大师的作品更是异常难求。景德镇工艺美术大师的作品大多从2008年开始出现在拍卖市场上,其中,张松茂的作品在2008年的最高价为16B万元,2012年他的作品最高价已达506万元。
不仅是当代艺术瓷价位迅速上升,宜兴紫砂壶、当代玉器等工艺品也频繁刷新市场纪录。以吕尧臣为例,其作品于2008年出现在拍卖市场上,到目前为止,上拍作品已达307件,总成交额达6919万元,2008年最高成交价为134万元,目前的个人作品最高成交价已达322万元。升的《青史香尘白玉摆件》更是达到1035万元的成交价。
资本的介入,改变了工艺美术品的定价和价格体系。广东百藏馆运营总监戴文辉表示,这种现象和不少大资本的介入密切相关。这些企业通常与艺术家签订几年的合约,预订他们的作品,并进行展示、推介等,其中最著名的当数保利集团与陶艺家钟连生的合作。2012年,钟连生作品《汉宫秋月》的成交价达到124万元。
成都藏玉阁艺术品投资有限公司董事长雷邦表示,当代玉雕艺术品进入艺术品投资市场时间尚短,正在逐步建立其价值体系,价格的上涨也属于理性升值。随着原料的紧缺、市场的扩大,玉雕艺术会被更多收藏家认可,具有投资收藏优势的当代名家玉雕价格仍有继续上涨的潜力。
众多民间资本的介入,催生了近年来的紫砂热、陶瓷热和玉器热,但很多业内专家也表示,当代工艺美术市场价格的飙升只是资本运作的产物。投资当代工艺的资本以获利为目的,他们锁定那些具有明确文化价值和社会共识的稀缺性资源,以市场运作方式,甚至炒作,不惜重金砸出天价,掌握定价权,在退出时大获其利。
当然,这种非理性的做法,也造成了工艺美术行业发展的乱象。北京艺力产品开发部总监秦刚表示,工艺美术现在已有一定的基础,但没有形成有序的市场,鱼龙混杂,有的资本进入纯粹是为了逐利,采取不正当的运作方式,造成负面影响。唐克美认为,这种影响主要表现在几方面:一是资源浪费非常严重,工艺美术品的材质都是稀缺资源,现在大批企业只顾抢资源,而没有合理地生产,浪费了不可再生的工艺美术品资源;二是资源没有得到好的开发,有钱的投资者大肆囤积资源材料,导致好的材料得不到好的加工;三是宣传混乱,市场将一些媚俗的工艺美术作品价格哄抬得过高,误导了大众审美。
民资需要正确引导
业内人士表示,民间资本进入工艺美术行业将有力地促进这一行业的发展,但目前也有很多亟待解决的问题,最重要的就是需要对民间资本进行正确的引导。
首先,国家层面需加大支持力度。唐克美表示,国家政策对民营资本进入工艺美术行业的支持力度不断加大,尤其是对列入非物质文化遗产这部分工艺美术的支持,不仅有传承人、项目的支持,而且有资金的投入。对民营企业来说,尤其是那些推广工艺美术公益事业的企业,虽然态度明确,但没有相应的鼓励政策,也没有具体的措施。她建议,在税收方面对工艺美术行业可尝试采取一种比普通消费品更为优惠的政策,通过项目补助、贷款贴息、绩效奖励等方式给予扶持。
第二,合理监管进入工艺美术行业的民间资本,并制定相应的行业标准。民间资本进入工艺美术行业,需要管理者和经营者的疏导。我们可以向邻国日本学习相关措施,从上世纪60年代起,日本开始了传统文化的振兴运动,并推出《传统工艺品产业振兴法》,组织“传统工艺品产业振兴协会”,对促进传统工艺文化快速、持续地发展起到了良好作用。
工艺美术运动范文6
“工艺美术”这个词在今天重新焕发生机,我们心里都清楚,这是形势“倒逼”学术的结果。半个世纪以来,专业学术界都希望将“工艺美术”阐释成“现代设计”,随着教育部在1997年学科目录调整中正式将“工艺美术”剔除,而以“设计”取而代之后,“工艺美术”一片衰落,为其“正名”也一度惨败,但今天,它以蓬勃之势“卷土重来”却是不争的事实。
现代设计与手工艺不是一种东西,“工艺美术”不是一种注重美术的技艺,而是要关心现代生活。
今天的“工艺美术”,实际上是“手工艺”――无论现代或者传统都包含在其中。“手工艺”在上个世纪后半叶,尤其在上世纪70年代“改革开放”后,随着传统乡村的急剧减少和外贸体制供求关系的转变,有许多人――包括我,都以为“手工艺”真的要死了。大工业逼得手艺人无法生存,现代产品价廉物美,就连边地民族美轮美奂的服饰也不再有人穿。现在看来,当年的判断还是过于保守和悲观,因为“手工艺”现在不仅没有死,而且愈发蓬勃。一件玉雕、一把紫砂壶、一幅缂丝动辄几十万、上百万元;在苏州的小巷中,各式工艺店中隐藏着某项技艺精湛的“高人”,沏壶好茶,文文静静拿出手艺,一些文人工艺复原水平已经直追明清;好的手艺人收入可观,徒弟成群,成为社会新宠;收藏蔚然成风,拍卖市场不断创下佳绩,在江南,就是最寻常的人家,也有几件“佳器”。
源于上世纪30至50年代的工艺美术“正名”,我认为是一种针对中国“现代性”的生活“启蒙”。与五四时期“民主、科学、自由”等许多启蒙一样,“工艺美术”作为生活启蒙具有特别的意义。当年我在城里读高中,老师讲茅盾的《春蚕》,城里的同学悠闲自在,我却听得惊心动魄,以我乡下生活的经验,那些进口的阴丹士林布,对那些养蚕户的打击是致命的,但“洋布”还是不可阻挡地来了,蚕丝业萎缩到了极点。想想我们少年时全民都穿咔叽布、的确良的时候,有谁能想到今天的爱马仕丝巾会卖到如此高的价格呢?这是一个典型的西方现代化对中国冲击的缩影。因此,庞薰等先生们使用“工艺美术”的时候,实际上是提醒中国:时代变了,与我们生活有关的是一个叫“工艺美术(设计)”的新东西。但是为了大家能明白,也为了说明它有延续性,所以让它包含了手工艺的传统。这是一种策略,但实际是妥协性的。
现代设计与手工艺不是一种东西,“工艺美术”不是一种注重美术的技艺,而是要关心现代生活。但这种误会,影响了中国人20世纪后半叶的生活格局,“实用、经济、美观”的工艺美术,变成与大众生活有遥远距离的“工艺美术品”。
其实学术界也有误会,今天可能还存在。威廉・莫里斯的艺术与手工艺运动(Arts & Crafts Movement)旧译为“工艺美术运动”,长时间来引起误解。误会之一就是,彼“工艺美术”与中国的“工艺美术”内涵一致,进而误解欧美的手工艺与中国的手工艺是一回事。其结果是,它使我们在思考设计在中国近代处境时,模糊了手工艺与纯艺术在大工业背景下要解决的本质问题。中国近代的手工艺是在长期农耕社会条件下产生的手工艺系统,与英国孕育出工业革命的手工艺有很大的不同,这在于中国传统手工艺多为生活用品和装饰艺术,而欧洲的手工艺者有相当的技术性,化学、物理、机械制造均包含其中,因此莫里斯也能通过艺术与手工艺的结合,对工业制造产生示范,而中国农耕文化下的手工艺(除了纺织等极少类别外),很难对工业制造形成改造和促进。这也反过来说明了中国早期现代设计先驱们在命名时的妥协所引起的悲剧的原因了,我们想当然地认为在中国推行“工艺美术”就能解决现代设计的问题。
误会还引起了对手工艺本身的损害。20世纪50年代将偏重“艺术”的手工艺分离出来,并以半机械化生产的方式分工生产,在最大化量产的前提下将它商品化处理,变成一种作为文化消费的外在符号,严重脱离了手工艺的生活本质。看看当年那些遍布全国主要城市如今已经衰落了的“工艺美术服务部”都卖些什么,以及每个省会城市都有的工艺美术研究所的研究结构,就很清楚这种局限。半个多世纪过去了,当年曾经占整个国民经济总产值四分之一的手工艺在合作社或集体所有制下惨淡经营,已经于上个世纪90年代基本解体。相当长的时间,作鸟兽散的各类工艺美术厂只剩没有手艺的徒弟在看门,而其中的聪明师傅早早建起家庭作坊,努力回归手工的个人本质,刻苦钻研技艺,通过前店后厂的手艺经营模式,走向市场,随着商业上的节节成功,他们自以为已成为新时期的“工艺美术大师”。
当代工艺美术的繁荣只是一种表象,远未达到它应有的高度。
我们这一代人一直在现场,但是对于现代“工艺美术”的变迁,还是有很多地方不明白。今天的世界较之一百年前,变化翻天覆地,当代数字产品何等炫目缭乱,其满足人性何等细致入微,“奇技巧”何等腐蚀人心,但是在拍卖会、古玩店、会所、私人收藏、民营博物馆、文化创意产业等领域,“工艺美术”卷土重来,文房回到书桌,家有藏瓷,佩玉又成时尚,好像社会从未曾经过当年的“文化革命”。这是为何?一个人,比如我,年轻时热衷五花八门的电器,但韶华退去,人生不惑,相遇那温润的美玉,把握在掌中,感觉隽永的静好,放眼世界,越过尘世的喧嚣浮华,与古人的意趣怦然相通。
古代的手艺美学简而言之,有两大内容,一是超越时代的“材美工巧”――这是手艺永远不变的原则,二是每个时期的审美趣味。从某种意义上说,重回手艺美学的本质就是重回“材美工巧”,在合成物质极其丰富的今天,那些天然的美材在特别的意义上更让人心动。我想,黄昏时漫步在雾霾里的孤独者手里的握玉,不是一种美好的占有,而是一种美好的陪伴。我们往往有这样的体会,在看过平庸之作之后,相遇那些“大匠”的智慧之作,真是有难言的愉悦,“工巧”的无边是人性的无边,巧妙、天成、善意、悲悯、诙谐,内中蕴藏的是作者的世界观和价值观。
“工艺美术”不是一般的人工制造物。尤其是中国的“工艺美术”,它是亚洲这个独特文化国家在地理上的标本(活的、生活的),它是中国独特生活方式的“原型”所在,它折射了土地、人、生产之间的关系,并通过“馈赠”和流转,在纵向的历史和横向的生活片断中传承。也正是这个原因,“工艺美术”不死,它会与中国人如影相随。
回到观察“工艺美术”的创作者,青铜艺术是一种国家艺术,我们无法用工匠一人的劳动去评价它,它身上的“礼”集合了国家意志;在“匠人营国”的时代,公输班和墨子可谓是超越时代的大匠,诸多思想的阐述都要借助“技艺”来表达;但是也应该看到,几千年来的“匠作制度”依然十分残酷,有多少传世杰作是工匠戴着“镣铐跳舞”的结果,在工匠作为“工奴”的年代,伟大的手艺背后是血汗。即使今天那些大富的工艺美术“大师”,也依然没有摆脱被人轻蔑的命运。说到这里,我们可以感觉到中国“工艺美术”与欧洲的不同了。