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艺术设计管理范文1
[关键词]人体审美舞蹈艺术
舞蹈是人类历史最悠久的艺术门类之一，它“以人体为质料，以动作姿态为语言，在时间的流程中以占有空间的形式来表达思想与情感”。[1]情感是舞蹈的核心，舞蹈是审美情感的载体。本文基于存在论现象学的视野，对舞蹈展开审美关切，使之去蔽，从而走向舞蹈自身的世界，显现舞蹈艺术自身的本性。
一、人体的存在及其游戏在不同的社会历史境域下，舞蹈的选材、表现主题及表达的思想情感等各不相同，它的存在与发生具有社会性。
舞蹈自身所持有的社会性，单从舞蹈本身，我们难以直观。我们需将其置于特定的历史境域中加以关照，才能获得某种社会性。不同的舞蹈作品相关于特定历史境域中人的物质生活、精神状态和技术水平。如原始舞蹈(狩猎舞、劳动生产舞等)敞开的是一个茹毛饮血，人类与大自然、猛兽搏斗，生存条件极其恶劣的远古时代;而盘鼓舞、巾舞等的出现则是社会安定、百姓安居乐业的社会世界的反映;软舞、健舞及龟兹乐舞展示的乃是一个国力强盛、社会充盈、外交发达的社会世界。
在现象学的语境下，舞蹈的社会性受制于历史性此在。人类“在不同的历史阶段有着不同的社会结构形态和不同的人的生存方式和表现样态”。[2]舞蹈产生初期，自然对人的规定是绝对性的。这一时期的舞蹈(狩猎舞、劳动生产舞等)一般都是对狩猎及劳动生产过程等的再现与摩仿，充满着粗犷与野性的特征。恐怖、血腥、残酷、昏暗的场面喻示以神的方式出场的自然的强大，人的微不足道及人对自然顶礼膜拜。商周时期，人的主体意识开始生发和觉醒，人试图冲破自然对人的规定性，人开始思考自然及人自身。如巫舞，先前只是娱神的舞蹈，此时也成为娱人的舞蹈，并越来越看重舞蹈技艺本身。至汉，天下一统，社会稳定，反映在舞蹈上为盘鼓舞的出现，盘鼓舞的场面壮观，舞蹈动作难度高，既要掌握好力度，又要控制好身体，以达到高纵轻蹑的舞蹈要求。魏晋南北朝时期，战乱频繁，宗教盛行，舞蹈成为宗教活动的一个组成部分，缺乏生动向上的气象，舞蹈的发展趋向于形式和细部的美感，注重舞蹈的精雕细琢。工于技巧、服饰华丽、舞风柔曼、缠绵婉转是这一时期舞蹈的基本审美特征。
唐朝社会生产力空前提高，政治、经济、文化与外交等全面发展。舞蹈也以独立的表演艺术形式呈现于历史舞台之上，既不像周代乐舞那样依附于政治，也不像汉代舞蹈融于“百戏”。它形成了自身的分类法，达到了高度成熟的境界。按照舞蹈的风格特点区分，有“软舞”、“健舞”两大类。“软舞”动作抒情优美，节奏比较舒缓;“健舞”动作矫健有力，节奏明快。“软舞”、“健舞”，多为独舞或双人舞，动作技术水平要求颇高。唐代也是古代“燕乐”舞蹈最为繁荣的时期，“燕乐”用于宴享典礼活动，具有娱乐欣赏和礼仪性双重作用。此外，唐代还无所顾忌的吸收了外来舞蹈艺术的精华，如龟兹乐舞，其特色体现在体态造型上:上身、丰乳细腰。自宋以降，舞蹈走上了盛极而衰的道路，越来越难以撑起独立的旗帜，逐渐衰微，并且最终被戏曲艺术发展的潮流所吞噬。明清是不作为的时代，独立表演性舞蹈已基本销声匿迹了。
尽管如此，舞蹈的艺术生命还没宣告结束。其历史性主要表现于它的具体存在形态和方式随历史境域的不同而呈现出异样的风貌。当下，舞蹈的存在形式表现为现代舞。现今，我们把古典舞蹈作品称之为艺术品，这本身也是历史性的。即古典舞蹈作品本先不是艺术品，只有当我们对其进行审美观照时，它才成为艺术作品。
此外，舞蹈的创作主体也具有历史性。古典舞蹈分为宫廷舞蹈和民间舞蹈两种，但对某一具体的舞蹈而言，我们不可能指出它的具体制作者。舞蹈艺术的历史性此在在本性上规定了舞蹈作品的创作主体，也即说，舞蹈的创作主体在时间与历史的维度及层面上被消解了。
二、质料、形式及其在身体游戏中的合一
在古典美学与传统艺术理论中，一切艺术无不关联于质料和形式这一重要问题。质料和形式的问题不仅相关于美的敞开，还关切于物之显现。质料和形式这一对范畴，是艺术创作和审美鉴赏的概念框架和重要维度。一般而言，质料与形式的结合，就构成了艺术品。舞蹈也不例外，它以人体为质料，在时间的维度与层面上，以占有空间的形式实现思想与情感的通达。
舞蹈的制作过程是一个手前之物变为手上之物的过程，它相关于物之物性。舞蹈的制作起源于远古先民与大自然、猛兽搏斗场面的摹仿，在这一制作过程中，牵涉到人与物的关切。“所有的艺术作品都离不开物的因素，没有物因素的艺术作品是不可能的。”这些物因素包括狩猎过程、生产过程及部落之间相互争夺、杀戮的场面以及用于摹仿这些场面的质料。制作者依凭自己的阅历基于特定的审美手段，从选材、形式、构图等方面完成其制作。当然除了摹仿外，还融进了制作者的想象。舞蹈作品的种类繁多，不同的主题选择会形成不同的舞蹈作品。但是，西方传统美学的“质料”与“形式”等范畴并不能有助于我们去通达作品与物性自身。
物被设置于舞蹈作品之中，这些物在进入舞蹈作品之前，是客观存在的对象物，即手前之物。在制作中，道具和人体等被制作者摆弄、把玩与欣赏。这时，物的对象化被消解了，物不再是手前的对象物，而是手上之物。手上之物是与此在共在之物，是人沉沦于世所关切之物。同时，手上之物是制作者的把玩之物，是供人玩赏之物。并且，物与人都被遮蔽在世界之中。进入舞蹈作品之后的物，已成为作品，它既不同于自然物、器具，也不同于手前之物、手上之物。舞蹈作品中的物，为物性的敞开提供了前提条件。
当然，舞蹈自身形态、构图与观念的新变化，都会在作品中得以表征。“物以各种形态存在，这些不同的物态总是以其特有的方式与人打交道，都从特定的维度去关涉物之物性。这种关涉既有遮蔽，又有显现。”人们在制作舞蹈作品的活动中，却极难把握物性自身。传统美学的质料和形式等范畴也不能切近物性，因为“质料和形式绝不是纯然物的物性的原始规定性。”〔3〕
三、舞蹈的审美特征及其身体性
物品、器具即器物的实用性规定了其世界是一个实用的世界，在器物实用的世界里，一切器物作为工具都为了一个目的即为人所用。一切艺术品在其起源与本性上，都与实用相关联。这突出地表现在，原始先民的大半艺术作品都不是纯粹从审美的动机出发，而是同时想使它在实际的目的上有用，而且后者往往还是主要的动机，审美的要求只是满足次要的欲望而已。例如原始舞蹈就大体上不是作为娱乐或观赏性之用，而是当作实用的象征和标记。当然，这关涉于人类当时的生存状况。
但是，纵观舞蹈的历史沿革，我们不难看出，其作为娱乐或观赏性的功用愈加明显。其审美特征具体表现在以下几个方面:
(一)舞蹈的审美性具有以人体美为主要内容的形式美。舞蹈的形式美区别于其他艺术形式美的一个根本性的标志，是舞蹈采用有生命的、运动中的人体动作作为构成形式美的物质手段。舞蹈动作、姿态造型、画面队形这些舞蹈形式美的要素，都是以有生命的、运动中的人体作为质料的。
(二)舞蹈的审美性具有直观性的特点。舞蹈的艺术形象是直接为观众所感知的。如我们观赏一个舞蹈作品时，人幕一拉开，呈现在舞台上的舞蹈队形、画面的不停顿流动，随着音乐的旋律、节奏，一下子就通过我们的视觉和听觉器官输入人脑，形成一种舞蹈形象的表象感知。这一般不必经过理性的思考和逻辑的判断，就可以使我们得到美的感受。这种舞蹈自觉性，表现为一种不假思索的、立即做出的审美判断，好像完全是一种感觉的自接反应。其实每个人的这种自觉的审美判断都是建立在他过去审美经验积累的基础上所形成的理性积累的自然结果，这也体现着一个人的舞蹈文化素养、舞蹈审美能力和舞蹈审美水平。
(三)舞蹈的审美性具有虚拟性。由于舞蹈是以人体为主要表现工具的艺术，因而也就决定了舞蹈的审美性具有虚拟性。它以人体形式美为媒介，来抒发和传播人的思想感情。这种形式美的表现目的完全不在于炫耀技巧，取悦观众，而在于完美地体现内容，并与内容构成一个有机整体，塑造出动人的艺术形象。如果片面地追求形式美，那么势必导致走上为艺术而艺术的形式主义邪路。舞蹈作品的核心是舞蹈形象。正是通过舞蹈形象，抒发出编导家的感情，体现出本阶级、本民族、本时代的审美理想。舞蹈家在进行创作时，要竭力把自己的审美经验和审美理想“外化”为可以感知的舞蹈形象。这个形象是动态形象，具有二重性:
一方面它是物质的，建立在知觉(视觉和听觉)的基础之上;另一方面它又是虚幻的，只存在于此时此刻，转瞬即逝，甚至在某种意义上说它是在观众的接受过程中最后完成的。虚中有实，实中有虚，虚实结合。
(四)舞蹈的审美性具有高度的概括性与凝练性。舞蹈既然是采用人体为主要表现手段，那么就决定了舞蹈动作必然追求高度的概括与凝练，一抬手一投足都应具有宽泛的涵义。从历史上看，舞蹈动作姿态大都源于生活，有着一定的生活依据，但经过一代代艺术家的加工提炼，写实的、再现性的动作姿态逐渐演变为抽象的、表现性的符号，成为一种凝练着民族的审美理想和审美习惯的“有意味的形式”，进而规范化产生独立的审美价值。在舞蹈创作中，创作者、表演者和成果三者都是人本身，都离不开人体。舞蹈作品是编导和演员共同创造的，而每一次表演又都是演员舞蹈美的再创造。舞蹈中的游戏之于人是极其重要的，因为，在舞蹈审美游戏里，“人成为了自由的人和真正的人”。〔4〕在舞蹈作品中，这离不开艺术，因为“艺术的本性是诗”。〔5〕人戏于天地间、诸神前。非本真的生活是人们生活的常态，在这种生活方式中，物之物性自身被遮蔽，人之本性偏离了人的本性生存境况。因而，人处于被束缚状态，这些被束缚状态涉及众多方面与层次，人也与真正的自由相去甚远。舞蹈就是在非本真的日常生活中，寻找自由的一种游戏方式。
四、舞蹈艺术世界及其在遮蔽中敞开
舞蹈作品既不是纯物也不是器具，而只是艺术作品自身。舞蹈作品既克服了纯物的幽闭性又克服了器具的实用性。因此，舞蹈作品使世界的敞开成为可能。艺术和真理都相关于世界的敞开，而世界与大地之争执是一切艺术和真理的本性前提。在现象学的视域里，大地是大地自身是作为大地的大地，世界是世界自身，也即世界之作为世界。大地是幽闭的，它孕育、化生万物。世界则是对大地之幽闭的一种敞开，它使遮蔽之物得以显现。世界与大地之争执是艺术发生之前提和基础。
因此，舞蹈也是在世界与大地的争执中的一种敞开，但其敞开不是自然而然地完成的。世界是在遮蔽中敞开的，世界的敞开时常就是一种遮蔽。作为敞开的遮蔽，在敞开世界时又以另一种方式遮蔽了世界。舞蹈艺术也同样关联世界自身的敞开与遮蔽。舞蹈艺术自身就是一个世界，一个切近世界性的世界。
世界的开放性界定着人类。因此，世界的敞开对人类极其重要，被遮蔽的有待于敞开，以实现其本性的通达。舞蹈作品正是对世界与大地之争执的一种敞开，并让真理和存在得以显现。舞蹈艺术对世界的敞开，是在不断的去蔽中实现的。只有通过去蔽，走向舞蹈艺术自身的存在，舞蹈的本性及与其相关切的、被遮蔽的世界才能得以显现。
参考文献:
[1]吴中杰.中国古代审美文化论[M].上海古籍出版社，2003.8.
[2]董志强.消解与重构——艺术作品的本质[M].人民出版社，2002.
[3]张贤根.存在·真理·语言——海德格尔美学思想研究[M].武汉:武汉大学出版社，2004.
艺术设计管理范文2
关键词：构成艺术几何抽象现代陶艺精神土壤
一、现代陶艺之概念
中国素来以“瓷国”著称，具有悠久的陶瓷文化历史，对世界的陶瓷艺术做出过杰出的贡献。但正是由于这种极为深厚的历史底蕴和根植于国人心中的陶瓷审美模式拖延了中国现代陶艺的萌芽时间，忽略了世界范围内新兴的现代陶艺审美观念，而一些西方国家，如英美和日本早在上世纪二三十年代便开始了近现代陶艺的起步和不断发展。
现代陶艺以其内在的张力、实验性、具象和非具象性的形式美感来承载当代文化精神，是现代人远离城市的喧嚣和冷漠、回归自然的一种最好方式。就现代陶艺的观点来看，陶和瓷都只是媒材，现代陶艺并不泛指所有的陶和瓷的艺术。现代陶艺是艺术家借助陶瓷材料，或是以陶瓷材料为主要创作媒介，远离传统实用性质的观照是，表现现代人的思想个性、情感、心理意识和审美价值的作品形式。它有最重要的两点：一是作为精神性的表现媒体而存在，精神属性是主要特征；二是表现手法技巧不拘一格，造成极丰富而随机的视觉效果，超越传统的技术标准，拓展全新的表现领域。
这些也正是构成艺术在现代陶艺中得以运用的契机。而且艺术本身无疆界，一种风格或主义的确立，必将影响当时一切与艺术相关的领域。正如抽象表现主义对建筑、服装、平面设计等的冲击。陶艺界也就不可避免地迎来了抽象艺术在其界内的发展，立体主义大师毕加索加入陶艺作品创作，从而开启了抽象艺术运用之先河。
二、何谓构成——几何抽象
对于构成，并不单纯指三大构成的知识，它的触角可以涉及到艺术的各个领域。如果非要加个定义，那么所谓构成，就是组装，即把设计中诸要素像机器零件那样，按照美的法则进行组装，形成一个新的适合需要的艺术作品。而直观一点说，就是几何抽象的艺术。
三、解读几何抽象与现代陶艺的融合
顺着构成艺术即几何抽象艺术的发展脉络，去探寻现代陶艺的变化，通过拜读现代陶艺家们的作品，可以从中体味抽象艺术渗透的魅力，窥探现代陶艺是怎样于传统到现代的过渡中接纳和吸收了抽象艺术，从而开启了现代陶艺由具象或实用到抽象或非实用的转换。
19世纪末到20世纪初，艺术观念处于大变革时期，反传统、追求艺术的独立性与纯粹性的运动风起云涌。而立体主义的丰碑人物毕加索更是致力于从描绘自然具体形象向抽象化形象的转化，从他的陶艺作品中便可见一斑。分解与重组，不同视点的并置都是立体主义理念为陶艺注入的新鲜血液。立体主义的理念被他直接运用到陶艺的创作上，陶盘、陶器都只是画布的替代品。虽然在陶艺语言上毕加索还没走向深入，但这种直接的挪用或者甚至说玩票性质的举措却为现代陶艺揭开了新的篇章，是对现代陶艺家们抛开传统束缚探讨新的陶艺语言最早的启发，开始了陶瓷艺术对实用器具背离的萌芽。
上世纪20至30年代是几何抽象艺术的感觉性表现的发现期。1931年，法国成立“抽象一创作”的艺术团体，推动了与自然完全断裂的几何造型艺术的发展，并在1936年把几何造型表现的艺术命名为“具体艺术”。在陶艺界，我们看到的是以美国的彼得·沃克思为首的抽象表现主义风格的兴起。他主张陶艺创作中即兴、自由的发挥，将黏土作为表现情感的载体，随意地叠、刮、戳、压。背离传统，彻底放弃了以往的造型完整和传统工艺技巧美感。甚至，他在作品上总是有意无意留下产生的瑕疵、开裂和斑孔，一目了然地记录着作品创作的过程。这个过程是沃克思用于表述隐喻及记载人与水、火、土的交流和联系的重要手段。没有具象，只有抽象表达，正是先锋派艺术家在陶艺领域对构成艺术的最好回应。陶瓷艺术开始了真正的对于传统的反叛，一切实用的器具已失去意义，几何抽象的表达方式为现代陶艺揭开了新的篇章！
上世纪60至70年代是几何抽象艺术的成熟期，同时也是极少主义成为具有绝对统治地位的艺术流派的时代。在陶艺界,与之相呼应的是极限主义的崛起。其代表人物是美国的布瑞斯·梅森和西班牙的恩瑞特·梅斯特。极限主义需要一套严格的成型工艺技法的支撑，但这并不妨碍陶艺家们对黏土的抽象表现。理性、简洁是其根本。极限主义陶艺家的作品通常采用一种预先构想的理智方式，根据数学体系、几何图形的一些理念来对烧成品进行艺术创作。而真正将这种风格发展得比较好的是布瑞斯·梅森。他的巨大的“+”字型雕塑，尽显气派和庄重；西班牙的恩瑞特是极限主义的又一典范。他的作品造型结构严谨，棱角的平直转折犹如刀切，是严格意义上的硬边风格，精心设计又使其具有精妙的比例尺度，把构成因素发挥得可谓是淋漓尽致。而极少主义的另一端则是被称为集合主义的构成艺术。艺术家们利用现代材料和“现成物”为素材，提倡基于“单个间的关系”来把握世界。以很多数量相同或相似的作品集聚在一起，经过理性的形式化的组合，使之构成了另一崭新的巨大的艺术形式。
“装置风格”则是“集合艺术”在陶艺领域的又一体现，是陶艺家对单件陶艺或非场域性的作品，在情感观念和视觉艺术氛围整体表达上的乏力和不足的必然选择。但是，这并不意味着简单的堆积或叠加，而需要考虑的除了作品本身的材料、色泽、形态，还包括与作品共生的环境的因素，诸如灯光、布局等。日本的三岛喜美代是这方面的灵魂人物。她擅长布置场面巨大的、极具震撼力的展览作品。其作品甚至超越了普通装置艺术所展示的视觉和观念的范畴。她对材料质感具有敏锐的把握力。报纸书籍、纸箱的酷似，垃圾方体的逼真，都让她的作品无懈可击。而当多个单位造型组成一个巨大的集合体时，自然地产生了一定的造型扩张性，环绕着一股内在的力量，似乎有一种可视的运动存在。陶土的可塑性和亲和性则更将它的视觉冲击力提升到了极致。
在陶艺这一领域，构成艺术的痕迹还可一一探寻。像日本的八木一夫——陶艺界的泰斗，他的许多作品表现与象征并存。他不断将自己融入黏土之中，感知黏土与生命深处的渊源。这种纯粹的方式和净化的结果让人从他的作品中感到如宗教符咒般的昭示。在《我的自述传》中，他说：“如果要忠实地服从自己的心情创造，应该脱离传统陶瓷工艺过程。(转第97页）(接第113页）我想现代人的心理情感这个世界，如果用古文来陈述，怎么也表达不了。根据这些想法，我走向了所谓超现实立体造型，从此我可以自由自在的自我展开了。”正是这样，他的作品《萨姆先生的散步》将陶艺带入了一个全新的领域，同时也是对构成艺术作了最好的诠释。
而在陶艺创作中，只单纯追求形式美感、讲究比例尺度重理性的作品也不少见。有的将对象进行分裂、破坏、拆散，然后根据需要进行重构和组合，有的更直接将二维的构成因子注入到立体造型中去，这里便不再列举了。
结语
艺术是相互融会贯通的，现代几何抽象艺术在世界美术史中虽然只踞于一种艺术类型的位置，但在现代设计史中却有举足轻重的地位。正因为有了印象派、立体主义到抽象主义等各种艺术发展的脉络，才有了现代陶艺由具象到抽象、由实用到纯粹艺术的转变。现代构成艺术的历史从某一方面来讲，也是陶艺由传统到现代的变迁史。
总之，纵观现代构成艺术和陶艺的发展、抽象艺术的概念和语言，随着年代的变迁、社会的进步、科技的发展，逐渐渗透到陶艺的每一块领域。通过摆脱传统，从单纯的抽象走向了多元化、综合性的陶艺制作。不只对泥土自身特性的挖掘，还采用多种现代手法，加强高科技与泥土的对话，创造出土与火、土与自然、土与人的心灵相融合的艺术。其中构成艺术始终是现代陶艺不可逃离和最眷恋的精神土壤。
参考文献：
[1]白明编著．世界现代陶艺概览．江西美术出版社．
[2]白明编著．外国当代陶艺博览．江西美术出版社．
[3]许以祺主编．陶艺家通讯．
[4]世界构成艺术100年．
[5]（美）阿纳森著．西方现代艺术史．天津人民美术出版社．
艺术设计管理范文3
关键词：环境艺术手绘效果图计算机绘制效果图
环境艺术是人与周围的人类居住环境相互作用的艺术。
著名环境艺术理论家多伯说：“环境艺术作为一种艺术，它比建筑艺术更巨大，比规划更广泛，比工程更富有感情。这是一种重实效的艺术，早已被大众所瞩目的艺术。环境艺术的实践与人影响其周围环境功能的能力，赋予环境视觉次序的能力，以及提高人类居住环境质量和装饰水平的能力是紧密地联系在一起的。”
环境艺术设计是设计师对环境的设想与规划，如何把设计师对于环境的设想与规划呈现出来，作为客观的具体方案展现在受众面前，这就涉及到了环境艺术设计思维的表达方式。
环境设计的表达是通过效果图这样一种载体呈现的，效果图是借助设计师的设计思维，用徒手绘制或计算机软件勾画出建成后的效果而生成的静态表现图。效果图能较准确表达设计方案，使设计师和非专业人士都能提前清楚地看到项目建成后的效果、概貌。在方案的形成、修改与确定的过程中起到非常重要的作用。由于效果图所特有的直观视觉效果，很便于与业主进行沟通与交流。效果图也是在工程投标中不可缺少的设计图纸，它也是投标过程中业务竞争必不可少的步骤。
早在十几年前，计算机的运用远不及现在广泛的年代，手绘曾是设计人员的必备功夫。自从有了电脑模拟真实环境的能力，很多搞规划、设计的人就开始向这方面努力了，当今，环境艺术设计的表现方式就出现了这样两大类：手绘效果图和计算机绘制效果图。这两种绘图方式有着根本的区别，但是也有着紧密的联系。下面就从这两个方面作一下论述。
一、手绘效果图的特点
1.从思维方式上
设计徒手绘制效果图实际上是一种图示思维的设计方式。在一个设计的前期尤其是方案设计的开始阶段，最初的设计意象是模糊的、不确定的。而设计的过程是对设计条件的不断“协调”，图示思维的方式即把设计过程中有机的、偶发的灵感及对设计条件的“协调”过程，通过可视的图形将设计思考和思维意象记录下来。这样一些绘画式的再现，是抽象思维活动的适宜的工具，因而能把它们代表的那些思维活动的某些方面展示出来。
徒手设计草图这种形象化的思考方式，是对视觉思维能力、想象创造能力、绘画表达能力三者的综合。这个过程的目的，不在于画面效果，而在于观察、发现、思索，强调脑、眼、手、图形的互动。徒手设计草图的训练，无疑是培养形象化思考、设计分析及方案评价能力，以及培养开拓创新思维能力的有效方法和途径。2.从图面效果上
手绘的效果图生动、含蓄，富有活力和表现力。
手绘效果图有着多种多样的绘画方法，有用铅笔、钢笔绘制的速写效果图；有色彩淡雅、明快的水彩效果图；有空间感、光感、质感都比较强的水粉效果图；有快捷、方便、表现力强的马克笔绘制的效果图；还有与喷绘技法结合的模仿真实效果的喷绘效果图。
由于手绘的技法种类很多，所受的限制较少，因此这种效果图所表现出的人文性和风格性较强，就像绘画一样，可以利用各种不同的表现手法，直到最终表现出设计师想要的空间意境和风格。因此，手绘效果图可以产生多种多样的艺术效果和文化空间，这种表现不是单一的，它可以有板有眼，生动逼真，也可以罗曼蒂克，带有浪漫情调，所有这些都取决于设计和表现的灵活性。
3.从设计程序上
手绘表现是设计前期的根本阶段，整体布局、室内空间的基本形态、外立面的造型、大致的明暗对比关系，都可以通过手绘表达。
用铅笔或钢笔的快速手绘可以帮助设计师更好地将自己的设计观念展现给客户，在与客户进行初次交流时，快速手绘是很重要的。因为设计师可以根据客户的口述画出装修后室内的大体效果，也让客户有了初步的了解，然后在这个图的基础上再对客户提出的要求进行改进，对促进设计师与客户的交流很有帮助。
在设计的中、后期，手绘的表现也是值得提倡的。由于徒手绘制的效果图与设计师的设计思维联系紧密，是设计师驰骋的设计理念最真实的表达。因此所表现的人文特质与文化内涵都比较深厚，画面轻松奔放，洋溢着一种画的情趣，尤其是环境的处理，并非十分逼真的效果，而是渲染出一种气氛，很有观赏性和艺术性。这种艺术性较强的绘画作品，在设计的竞标中，也会起到重要的作用。
二、计算机绘制效果图是把“双刃剑”
计算机技术在设计学科中的广泛运用，带来了设计方法和观念的变革，成为设计和创作的新趋势和新动向。计算机绘制效果图是利用三维软件精确地按照设计图比例，将准确勾画出的模型经过平面软件处理成逼真的效果，它具有直观、真实、准确的特点。电脑绘制效果图，具有手工绘图不可替代的优点。
1.能准确无误地真实反映空间及用材的质感。“以假乱真”，让人看到工程装饰完毕的真实效果。
2.画面整洁、清爽，让人耳目一新。
3.修改方便，可以在短时间同时推出多种方案。
4.雅俗共赏，水平、素质不同的客户均可以满足。
艺术设计管理范文4
关键词：艺术设计教育设计管理设计设计师
一、艺术设计教育的现状
20世纪以来，人们在探讨艺术设计教育时，不能跳过和忽略的就是“包豪斯”，它几乎成为了现代艺术设计教育的代名词。人们不断研究其带给艺术设计教育的广泛指导意义，表现在其本身的工作效果和教育成就，以及思维方式的根本转变等，而后者才是包豪斯能够取得如此大成就的核心和根本。
包豪斯体系强调的是：
1.设计应自由创造，反对模仿抄袭，墨守成规；
2.将手工艺同机器生产结合起来；
3.强调各类艺术之间的交流融合；
4.学生既有动手能力，又有理论素养；
5.将学校教育同社会生产挂钩。
如果说，现在的艺术设计教育和从业人员都达到了以上几点的要求，或许今天也就不需要来探讨这个问题。可以说，艺术设计教育相对落后于现代设计的实践。纵观国内的艺术设计行业，社会不满意，主要表现在艺术设计人才的数量和质量不能满足和适应市场需要的问题；业内不满意，最核心的表现就是没有基本可以成为指导思想的设计教育理论，教育的方向无法清晰透彻，教学方法一定程度上不能适应设计教学实践的需要。仅有二十几年历史的中国现代艺术设计，还没有建立一套自己满意、社会满意、相对完整的教育体系。正因如此，各个院校的艺术设计教育都存在着较大水平上的差异。但是，经过二十多年的摸索，艺术设计教育有经验也有教训，这些都是我们艺术教育过程中宝贵的指导思想。
二、设计和设计师
何谓设计？它指的是把一种计划、规划、设想、问题解决的方法，通过视觉的方式传达出来的活动过程，“设计还同时肩负着把制造产业与尖端的软件产业一同吸纳进创造磁场的重任。”①而设计师，则是从事设计这一职业的人的一个统称。
设计师，是特殊的族群，与设计师们的对话有时可显示出更宽广的胸怀，改善环境的渴望，打造更美好的世界，提高大众对艺术、设计的品位，去帮助或改变这个社会等。但是，不可否认的是，很多时候，有些设计师们的世界是很“窄”的。
笔者认为这和中国的一些知识分子的弱点是一样的。有些知识分子大多缺乏一种大文化观，他们看问题多只是从专业的、局部的、个人的、地域的角度出发，这对于整件事情和整个层面来说，是相对狭隘的。而有些艺术设计师，将自己圈在一定的小文化背景里，其认识和境界或许就停留在较窄的层面。
设计师以及设计师的创作，应面向社会。对于社会，设计师应积极参与并有责任感，在文化意识上发生作用，并把个人和现实文化联系起来。相应来说，艺术设计教育教会学生一种思考艺术的能力，教他们对生活、对社会反应的敏感力、认知力、艺术表现力和责任感。推动的不是某一层面的技术载体，而是思想上的变化，这比教技法更重要。
三、设计和设计管理
管理需要设计，设计必须加以管理，设计管理作为一门新兴学科的出现是现代经济发展的必然结果。日本学者认为，日本产品之所以具有国际竞争力，是因为他们在设计的应用和行销上经常进行创新，其重要因素就是掌握“设计管理”，强调在设计部门中所进行的管理，以提高设计部门活动的效率化，将设计部门的业务体系化进行整理，以组织化、制度化进行管理。
设计管理，很多人对于这个词还是比较陌生的。1965年，英国皇家艺术协会（TheRoyalSocietyofArts，简称RSA）颁发“设计管理最高荣誉奖”。此奖目的在于借以“鼓励企业设计活动，经由广泛性、合理性、计划的步骤，使顾客、公司员工及相关人员对公司有整体品质的认同”②。有一个问题不能忽视，设计管理的最终目的是使顾客、公司员工及相关人员对公司有整体品质的认同。设计管理的第一个定义，是由英国设计师MichaelFarry于1966年提出的，他认为：“设计管理是在界定设计问题、寻找合适的设计师，并且尽可能地使设计师在既定的预算内及时解决设计问题。”③他把设计管理视为解决设计问题的一项功能，侧重于设计管理的导向，而非管理的导向。不难看出，MichaelFarry是站在设计师的角度提出定义的。
设计管理，从企业层面的理解指的是企业领导从企业经营角度，以企业理念和经营方针为依据，对设计活动进行组织与管理，是借鉴和利用管理学的理论和方法对设计本身进行管理，使设计更好地为企业的战略目标服务。设计管理，企业的设计管理，在目前看来还处于较初级的阶段，企业品牌形象CIS战略的运用，是最典型的设计管理的实例，也是目前企业运用的设计管理。
四、如何进行设计管理
在现代的企业行为中，不管是以设计为背景，还是以管理为背景去理解设计管理，其基本的内涵已渐渐走向统一。那么，设计管理的主要内容有哪些，又该如何进行设计管理呢?相信这是很多人目前真正关心的，下面，笔者以多年的教学和从业经验谈一些理解。
第一，设计战略和策略管理。
设计战略和策略，是企业根据自身情况（企业情况、市场情况、产品情况等）作出的针对设计工作的长期规划和方法策略，是对设计部门发展的规划，是设计的准则和方向性要求。它是提高产品开发能力、增强市场竞争力、提升企业形象的总体性规划。企业必须要制定自己的设计战略，并加以良好、有效地管理。
第二，是设计目标的管理。
设计必须也应该有明确的目标。除战略性的目标要求外，企业的设计部门应根据企业的近期经营目标制定近期的设计目标，这一点很重要。前面在说到设计师们是一个特殊的族群，一般较为感性，在目标的设定、执行等方面最好能有强有力的管理，使之切实有效地完成既定目标。
第三，设计程序管理。
设计，是一个讲究创意、思想的工作，但并不表示设计就不需要流程。设计的流程管理，是为了对设计实施过程进行有效的监督与控制，确保设计的进度，以在既定的时间内完成目标和任务。
第四，设计作品的品质管理。
设计作品的品质管理，是使设计师的设计方案达到预期的目标，并在生产阶段达到设计所要求的质量。在设计的过程中发挥集思广益的作用，有利于设计质量的保证与提高。这里特别要强调的是“集思广益”，即发挥集体的智慧，达到最理想的效果，这在设计管理过程中应给予足够的重视。
另一个环节是我们不能忽略的，即设计成果转入生产以后的管理对确保设计的实现至关重要。在生产过程中，设计部门应当与生产部门密切合作，通过一定的方法对生产过程及最终产品实施监督，才能使设计的效果得到最完美的体现。
第五，知识产权的管理。
随着知识经济时代的到来，知识产权的价值对企业经营有着特殊的意义。对设计工作者来说，首先要保证设计的创造性，避免出现模仿、类似甚至侵犯他人专利的现象。应有专人负责信息资料的收集工作，并在设计的某一阶段进行审查。设计完成后应及时申请专利，对设计专利权进行保护。
艺术设计管理范文5
【关键词】探究型教学模式下 设计艺术学硕士 设计艺术学硕士理论课程
一、探究型教学模式的主要内容
（一）探究型教学模式的内涵
探究型教学模式是指以学生为主体的一种教学模式，它是通过思考、讨论、实验、观察、阅读等途径去了解、发现并掌握相关原理、知识及研究结论的一种教学方法。在教与学的关系上，正确处理“教师主导”和“学生主体”的辩证关系，重视发挥教师和学生双方的主动性，并强调学生的主体地位。在课程设置上，强调各个学科之间的相互渗透与融合，以培养全方位适应当前经济社会急速发展的综合型高素质人才。
（二）探究型教学模式的主要特点
探究型教学模式具有教学氛围的民主性、课堂交流的多向性、学习主体的创造性、教学关系的统一性等特点。该教学模式有别于传统教学模式单向交流，它是教师与学生之间以及学生与学生之间的交叉交流关系。学生在学习的过程中原来的“从”的地位转化成“导”的地位，这要有利于培养学生的创新能力。同时该教学模式有利于各种教学关系统一，很多教学模式不能协调教学关系，如讲授型的教学模式，它侧重教师而忽视学生的主体性；启发型的教学模式虽然较讲授型的教学模式更注重学生，但学生在此种教学模式下缺少探索发现问题。自主能力较探索型的教学模式差。
二、设计艺术学硕士理论课程设置的现状及存在的问题
（一）设计艺术学硕士理论课程设置的现状
国内设计艺术硕士研究生课程分为公共基础课、理论基础课、专业基础课。多数院校按照二级学科，即设计艺术学专业来设置课程，造成研究生知识结构，过于专门化，缺乏对其他学科的学习，适应能力较差，除国家规定的公共基础课程外，各高校在理论课程的设置上也不尽相同。以天津美术学院为例，该校理论基础课开设较多，而且基本上为学位课。师范类院校则比较重视理论与技法的基础教学，如东北师范大学，在学位课中不仅开设了数量众多的理论课程，还开设了素描和色彩等基础课程。湖南大学开设的理论课程，与其他类型院校类似的课程，如《设计心理学》、《设计管理》 等。
（二）设计艺术学硕士理论课程设置存在的问题
我国设计艺术学专业硕士研究生的培养目标是“培养现代化，面向未来的适应改革开放及市场经济发展需求的具有创新精神的复合型高级艺术设计人才和高等艺术院校师资。”从课程设置的培养目标来看，设计艺术学专业硕士研究生的理论课程设置只重视培养技术表达能力、注重美感的表达思维忽视了创新能力、学习自主能力的培养和个性化、理性思维的培养，没有体现我国设计艺术学专业硕士研究生的创新精神。在这种环境培养出来的人才最终将很难适应社会的市场要求。从理论课程设置的内容来看，在我国设计艺术学硕士研究生的课程设置中， 除了一些最基础的理论课程，如《设计概论》《艺术概论》《美术史》《设计史类课程》外，其他理论课程所占比例少之又少。
三、探究型教学模式应用于设计艺术学专业硕士研究生理论课程设置中的意义
我国的《中华人民共和国学位条例》 对硕士研究生的知识水平和专业能力作了明确规定：“ （一）在本门学科上掌握坚实的基础理论和系统的专门知识； （ 二） 具有从事科学研究工作或独立担负专门技术工作的能力。 ” 这就要求硕士研究生应具有坚实的基础理论和系统的专门知识、科学研究能力或专业技术能力、创新素质。而课程的设置是实现人才培养目标的具体内容，所以设置科学合理的课程可以更好的为培养人才服务。而当前在理论课程设置上存在的问题，致使很多艺术设计学专业硕士研究生连如何撰写论文的能力都没有，还有不少艺术设计学专业硕士研究生的历史文化知识缺、艺术修养和创新意识不够。艺术设计学专业需要很深厚的文化底蕴和创新意识的专业，离开了这两样，它就失去了生命和活力。
探究型教学模式是当代教育顺应社会对创造性人才需要的时代产物。其宗旨是在教学中激发、推动、引导学生主动、自觉、积极的投入学习，尤其是促进学生学会善于运用自己的智力去研究性地学习，从而获得知识，形成积极主动探究知识的意识和基本能力，形成创造性的综合素质。所以将设计艺术学专业硕士研究生理论课程设置和探究型教学模式相结合，有利于调动学生上课的积极性和参与性和互动性。针对设计艺术学专业硕士研究生在学习理论课程总是力不从心，没有“兴趣”，积极性不高，参与性低，缺乏与导师互动。探究型教学模式是非常有效的，在理论课程的教学过程中有利于营造学术平等，学术自由以及良好的研讨氛围，鼓励和激发研究生的创新思维。设计艺术学的研究生与本科生教学最大的不同之处就在于，大部分的研究课题不一定有统一的答案，而往往是在几种答案中寻求相对合理的答案。这种教学模式更有利于导师与研究生之间的相互尊重、相互启发、互补互动，只有这样才有可能使研究课题在一定的理论高度上取得共识和共鸣，研究生的独立研究能力和自信心则应伴随着课题研究的不断深入而逐渐增强。
参考文献：
[1]宋明岷.论探究型教学模式的设计与实施[J].经济研究导刊，2011，（1）.
艺术设计管理范文6
[关键词]电子商务交易系统数据库数据安全
一、引言
电子商务是买卖双方通过Internet的信息流动来实现商品交换的。电子商务图书交易系统不仅能有效解决传统图书交易中存在的客观条件限制、工作效率低下等问题，也能进一步规范图书交易活动；另外，网络技术的发展也为信息系统的规划、设计和实施提供了全新的技术支撑平台和解决方案。
本文以系统思想为指导，将图书交易的商务理论与现代信息技术有机结合，研究并创建了一个适合现代化特征的图书交易系统，从而有效地解决图书交易中的信息管理需求。
二、基于Web的商务系统优势分析
与传统的图书交易模式相比，本系统具有以下优势：
1.扩展了图书交易范围。传统的图书交易，竞争不够充分，交易效果也不理想，而利用图书交易系统，可将图书交易范围扩大到全省、全国，既扩大了视野，也增加了经济效益。
2.提高了工作效率，节省了交易时间。采用本系统实施图书交易以后，业务流程全部放在网络上进行，快速有效，经济效益好。
3.节省大量费用开支。采用本系统以后，可大量减少传统图书交易方式中的差旅费、交通费、活动费等一系列费用。
三、系统设计思想及系统结构
1.设计思想
(1)基于大型数据库的存储和管理
采用SQLSERVER2005为后台数据库。
(2)采用+Server2005为开发环境
大部分程序在服务器端执行，当程序执行完毕后，服务器仅将执行结果返回给客户端，既减轻了客户端的负担，也提高了信息交互的速度。
2.系统的概要设计
系统的主要逻辑结构如图所示。
系统的主要部分包括：
(1)用户信息管理部分。包括用户登录、图书信息管理、客户账单信息管理。
(2)图书信息管理部分。包括图书类别管理、图书交易管理。
客户成功购物过程如下：
系统的大致流程如下：
四、系统数据库设计
系统主要数据表如下：
管理员信息表：Admin（编号，用户名，用户密码，权限）
图书类别信息表：classinformation(类别编号，类别信息，是否在首页显示，顺序)
送货方式表：delivery(编号，送货/汇款方式，价钱，顺序)
订货信息表:orders(编号，订单用户名，订货日期，图书编号，图书订购数量，订单编号，状态，收货人，收货地址，邮编，留言，汇款方式编号，送货方式编号，性别，总金额，姓名，邮箱，电话，用户编号)
图书信息表：（图书编号，图书名称，作者，出版日期，积分，详注，目录，市场价格，会员价格，订购次数，察看次数，折扣，类别编号，添加日期，vip价格，出版社，ISBN，页数，开本，版本，简介）
五、系统的主要模块及实现
系统按使用流程主要分为两个功能模块。
用户信息模块。包括客户、系统用户的信息注册、查看和更新。
图书信息模块。对于客户，列出图书的有效信息，以供客户购买。
具体实现模块如下：
(1)数据连接公用模块
数据连接方法：
SqlConnectionconn=newSqlConnection("server=localhost\\sqlexpress
;uid=sa;pwd=数据库密码;database=DatabaseName");
(2)用户信息模块
主要用来实现用户的注册、登录及维护用户基本信息。
(3)图书信息模块
主要是查看图书信息列表、搜索图书信息、显示图书信息；还能实现在线网络客户对图书的购买、取消和完成结账等功能。
系统图书信息搜索中，又分为模糊搜索、高级搜索。
模糊搜索中，客户可通过图书大致类别信息查询图书信息列表。高级搜索中，客户可通过选择或输入图书的具体名称、出版社、出版时间或图书价格范围来进行查询。
(4)系统管理模块
主要实现图书基本信息的添加和删除，客户订单信息管理，商品类别管理等。
(5)数据导出导入模块
主要实现批量图书信息的导入和图书销售信息的导出。
(6)财务管理模块
主要实现财务信息管理。
六、系统安全性
系统采取了以下措施保证系统安全稳定。
1.身份鉴别和数字签名。系统采用了身份鉴别和数字签名技术，既防止收到伪造的信息，还要防止对方事后抵赖等问题。
2.分门别类管理用户。系统将用户分为：一般客户、系统管理员、图书管理员和财务管理员，不同的用户拥有不同的权限。
3.系统日志。系统对某些重要的数据和关键性操作会自动记录在系统日志中。
4.数据加密。系统采用了IDEA和MD5相结合的方法对数据进行了加密。
5.防火墙。主要目的是对受保护的网络实现访问控制。
七、结束语
基于WEB的图书交易系统是借助先进管理思想，结合图书交易实际情况而开发出来的产品化系统，该系统的实施，将使图书管理、图书交易、费用结算和财务管理等业务流程得到大幅度优化，工作效益得到提高，经济效益得到改善，相信该系统有一定的推广价值。
参考文献：
[1]徐雪梅:浅谈保障电子商务活动中的信息安全[J].科技情报开发与经济，2003（5）
[2]《用实例学》-----章立民著，华中科技大学出版社
