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音乐视觉艺术范文1
1.视觉艺术的音乐性
在语言文字的表达上我们可以从概念定义里找到他们的共通性，而且在视觉艺术的作品中也能同时感受到艺术家借视觉作品表达出音乐的节奏和旋律；而且随着研究的深入音乐的创作思维也成为视觉艺术家探索和创作的范畴和源泉。康定斯基是第一个真正尝试着将音乐表现在画布上的视觉艺术家。他通过对线条、色彩、空间和运动来传达音乐的律动，将抽象的图像和音乐结合起来，让欣赏者能够“聆听”绘画，实现文学上的通感，艺术上的联觉。他认为“色彩直接影响到心灵；色彩宛如键盘，眼睛好比音锤，心灵好像绷着许多弦的钢琴，而艺术家就是弹琴的手，有意识地接触各个琴键，在心灵中引起震动。”
2.听觉艺术的视觉传达
我们在生活中用心倾听音乐的时候，经常会感受到音乐传递而来的具有画面感的信息。从另一个角度来分析，作曲家们已经将客观事物的具体形象在经过艺术加工的过程中转化为音乐——也就是把视觉形象转化为听觉形象，而欣赏者又把这种抽象的音乐感受转化为具体的具有画面感的视觉形象。作曲家们受到外界如绘画景象的影响，在音乐上不运用传统的旋律和乐曲构架，进而去追求富有声音色彩变化的音效。这也就造就了一部交响音乐《大海》的诞生，这是管弦乐印象主义的代表作之一。其中一个章节就如印象派代表莫奈的《印象日出》的意境十分相似，描述清晨红日喷薄，海上倒映着日光的魅影的壮丽景象。
二、音乐会招贴的形式表现
音乐视觉艺术范文2
1.视觉艺术，是用一定的物质材料，塑造成可为人观看的直观艺术形象的造型艺术，包括影视、绘画、雕塑、建筑艺术、使用装饰艺术和工艺品。造型手法多种多样。表现的艺术形象既包括两维的平面绘画作品和三维的雕塑艺术形式，也包括动态的影视视觉艺术等视觉艺术形式。
2.培养学生视觉艺术的作用。处于初中阶段的学生虽然年龄小，阅历少，但对艺术有了一定的了解。在美术课中加入视觉艺术的内容，不仅让学生欣赏到新型的艺术作品，而且能够让学生学会如何正确的分析作品，加强对艺术的理解，并在此基础上，能设计出自己的作品，提高学生的艺术修养。
二、教师应多接触视觉艺术
教师在教学的过程中应该意识到，教学不仅是教授学生知识，也是一种提升自身修养的过程。这就需要教师要有终身学习的精神，不能够安于现状。教师要将规觉艺术引进教学课堂的关键，是自身要增加对视觉艺术的了解，通过多种途径和方式接触视觉艺术。例如，多参加艺术画展、雕塑展、以及相关美术团体的学术研究活动等等。通过上述方法，增加对视觉艺术的了解，进而才能更好地教导学生。另一方面，还要改变传统的教学方式，反思自己的教学方法和教学模式。教师根据学生发展的需要，从生活美术的角度而不是技术性美术的角度组织教学。关注学生的情感体验和生活，注重学生的人格培养和道德生活，组织新颖的教学课堂。例如，在动物画的教学中，通过让学生感受对动物的关爱以及理解人和动物共同生活在地球家园上。引导学生喜爱动物，关注动物，进而更好地进行动物画的学习，将对动物的喜爱转化为学习的乐趣。
三、在美术教学中展现视觉艺术的魅力
初中生的发展水平和能力不如高中生，但是不同阶段的学生拥有不同的审美。由于学生接触到的外界社会对自身的影响力是不同的。因此，美术老师应该帮助中学生了解艺术的各个知识体系和范畴，加深学生对艺术的理解，特别是对视觉艺术的理解。让学生意识到美术是与生活息息相关的一个学科。“沙画艺术”是一种利用沙子在白色背景板上作画，同时结合音乐通过投影展现在屏幕上的一种独特的艺术方式。“沙画艺术”能够将观众带入梦幻般的视觉感受当中去，具有独特的魅力。教师可以让学生在课前准备简易的“沙画”制作工具，然后引导学生观赏名家“沙画”作品，随后鼓励学生进行“沙画”的创作。在整个的观赏和学习“沙画”制作的过程中，学生被充分地激发了学习的兴趣，同时对视觉艺术有了更为直观的和生动的感受。
四、将视觉艺术与多媒体艺术进行综合运用
多媒体技术随着时代的进步和发展，逐渐取代了传统的教学方式，进入了现代化教学的课堂。利用多媒体技术，不仅可以通过相关的软件向学生展示各种各样的艺术作品，学生更加直观地感受色彩、构图、绘画手法等，利用多媒体技术播放视频和音频。在视觉和听觉的双重刺激之下，进一步培养学生的视觉艺术，让视觉艺术更能够深入初中美术课堂。多媒体技术可以通过精美的课件向学生展示美术作品和美术作品的创作过程。例如，初中美术课《居室的色彩搭配》一课中，在课前教师就可以放两段不同风格的音乐。一个是欢快、热情的《邀舞》，另一个是朦胧、抒情的《晨曲》。两种不同风格的音乐代表了冷暖色调的绘画作品。在欣赏音乐的同时，学生也在分辨出作品色调种类。学生的注意力被优美的音乐调动起来，学生将美术作品和音乐作品巧妙地结合起来，从而加深对美术作品的理解和学习。
五、利用实践活动加强视觉艺术的教育
音乐视觉艺术范文3
视觉艺术中的时间性概念最早出现在我国，主要集中在传统国画与书法领域，其特有的时间和空间概念是中国传统视觉艺术中的灵魂。在众多艺术门类中，人们似乎只有在音乐、园林、建筑等这类艺术中才能感知到时间性，因为欣赏这类艺术需要欣赏者花费一定长度的时间才能完成。在欣赏这类艺术时，我们能感受到艺术品本身随着欣赏的进度而变化的过程（例如听一首音乐作品，旋律与节奏会随着时间的推移而变换――从开始到再到结束。观赏一处园林，我们从一处走向另一处，景色便随着我们在时间以及空间中的位移而变化）。而在平面视觉艺术中，要感受到作品中的时间性不那么容易，因为大部分平面视觉艺术作品总是能以一种完整的状态呈现在我们的面前，也就是说，我们能在瞬间观其全貌（这不像听音乐或者观赏园林，必须在花费一段时间完成欣赏的全过程之后，才能得到一个相对完整的映像，或者说这类艺术不可能在瞬间展现全貌）。这使得平面视觉艺术中的时间性需要通过一些条件才能得以实现。
研究任何事物都会涉及到概念。因此，我们首先要讨论的是：什么是时间？时间是“物质运动中的一种存在方式，由过去、现在、将来构成的连绵不断的系统。是物质的运动、变化的持续性、顺序性的表现”。[2]是“宏观一切具有不停止的持续性和不可逆性的物质状态的各种变化过程，其共有性质的连续事件的度量衡的总称”。[3]这种一维的、连续的时间就是物理概念中所说的那种时间。这样的解释对我们理解现实中的时间大有帮助，但是却与艺术中的时间有所不同。
音乐是最容易让人感受到时间的艺术。这是因为音乐的一切要素（作曲家创作乐谱，表演者演奏或演唱出实际音响，以及听众感受和欣赏音乐）无一不是在时间中展开。更重要的是，“音乐是流动着的；一种曲调是运动着的；一系列的乐音连续听上去也像是一种行进。……一段完整的奏鸣曲也总是很自然地被称作是一种‘运动’。……我们在其中听到的也完全是一种行进、流动或竞争性的前进运动……通过这种纯粹的外观运动，音乐就为听众展示出一种‘时间’幻象……它并不像我们日常生活进程中所模糊感受到的时间……它的广阔性、复杂性和多样性使得我们把它感受为一种完全不同于时钟测度的时间的另外一种时间……”。[4]苏珊・朗格把这种由声音创造出来的时间称为“虚幻的时间”，因为“在这种音乐的流动中实际上并没有发生从某一个地方向另一个地方移动的运动，这种运动是虚幻的，……这种虚幻的运动是只为耳朵而存在的运动……”。[4]不论这种运动是否虚幻，欣赏者听到的其实是某种音型在一个确定的乐音域限之内的运动，是一种从始点到相对的静止点的运动；他听到的乐音强度和音色都会在这个时间运动中占有某种稳定的和鲜明的位置。[4]也就是说，音乐是在一段时间内展开和完成的，它有着完整的结构。在一段乐曲中，所有的乐音和乐拍都按照一定的时间顺序排列，并有着明确的起点与终点。如果没有这种按时间顺序变化的展开或“行进”，音乐便无法表现出它特有的旋律和节奏，音乐也就不再是音乐了。而“事物在某一段时间内才有效、有意义或有作用的特征”被称之为时间性[2]，因此可以说，音乐是具有时间性的艺术。
派脱（W・Pater）有一句名言：“一切的艺术都是趋向音乐的状态”。如果真是这样，绘画是否也具有如同音乐一样的时间性呢？从表面上看，任何绘画都具有一些时间特征。绘画由点、线、面这些基本因素构成，而线条可以理解为点的移动轨迹，这种移动本身就是一种时间的延宕。画面中通过疏密、大小、手法等变化所形成的节奏感，也是一种时间表征。一幅绘画作品从开始到完成需要时间。甚至观看一幅绘画作品也要在一定的时间中完成。但是我们应该注意到，观赏者在观看大多数绘画时，并没有像听音乐那样，产生一种沿着一定顺序或线索展开和完成、并有着明确的起点与终点的时间感受。因此，仅把上述那些感觉作为绘画中时间性的证明，听上去是相当没有说服力的。当然，这也并非是说这些感觉与时间性毫不相干。只是视觉艺术中的时间性要复杂得多――它并非所有绘画的共性，亦有别于音乐中的时间性，而是具有某种“视觉”特征和特殊美学意义的时间性。换句话说，它是一种有条件的、狭义的时间性。
参考文献：
[1] 栗宪庭.重要的不是艺术[M].江苏美术出版社，2000：20.
[2] 中国社会科学院语言研究所词典编辑室编.现代汉语词典[M].北京：商务印书馆，2005.
[3] 维基百科http：∥/wiki/%E6%97%B6%E9%97%B4.
音乐视觉艺术范文4
关键词：电子商务；网络营销；视觉艺术
中图分类号：F713.36 文献标识码：A
ELECTRONIC COMMERCE，电子商务，是指贸易双方突破传统贸易方式，主要以电子通讯形式，广泛进行各种商贸活动。电子商务以商务为核心，以互联网为平台，以电子及电子技术为手段，简单快捷、低廉高效。改变传统营销模式，突破地域时空限制，电子商务网络营销在技术特点上表现为网络化、无形化；在营销手法上表现为个性化、一体化，在区位优势上表现为全球化。电子商务营销模式由起初的不被看好到现在形势大好，其营销优势不可忽略。电子商务因为营销双方无需谋面，产品信息和贸易双方意愿的实现需要通过网络界面中关于企业、产品等信息的呈现与推介，而信息则主要是以视觉艺术中的图片、文字、视频、音频、图像等为表现元素，表现元素的合理和艺术运用对电子商务网络营销有着不可替代的作用和非常重要的意义。
1 电子商务网络营销与以视觉艺术为特点的网络广
告的关联性
互联网信息传播的数字化是电子商务网络营销的主要形式。数字化信息的互动功能，运用包括平面广告在内的视觉艺术手段作为电子商务信息的交互性表现，尤其是在需要增加说服力，展示产品方面，“存形莫善于画”，视觉图像的冲击力要远比语言来的更为有力和有力。视觉艺术作为一种销售手段运用到电子商务中，对于提高电子商务网络营销竞争力具有显著作用。通过网络电子商务平台，运用视觉艺术设计实现企业CI，尤其是VI概念传播，具体有设计产品的图像图形表达，以及企业网站设计个性化与专业化的视觉设计，达到刺激和引导消费者，激发潜在客户的目的。[1]
电子商务的特点在一定程度上促进了视觉艺术在网络营销中的的繁荣和发展。电子商务的发展，在互联网上投放的以视觉艺术为表现的各类平面广告，繁荣了网络广告的发展，促成了传统广告的转身。[1]网络广告主要表现形式有电子邮件式、网页式、网页植入式、下载式等。互联网被认为是最具潜力的媒体，网络广告是电子商务迅速扩大影响力的重要手段，优势体现是送达率高，受众广、增长快、潜力大。网络广告制作网络广告设计修改方便，周期较短，成本低廉，效果显著。对电子商务平台画面的艺术处理，更利于用户的主动检索、观看或下载需要。相对于传统广告，网络广告呈现出极大的主动性。除了能宣传企业形象之外，一定程度上代表了企业的文化和形象，为产品营销创造更大价值。根据商务市场发展趋势，传统媒体手段和现代媒体表达日渐融合，纸质媒体内容结合电子讯息工具，电子商务植入电视媒体，传播途径日益多样和快捷。
了解和探索现代电子商务的发展，除了成功有效的营销策略以外，视觉艺术对电子商务的应用，在视觉表达和用户消费意识的纵深引导方面有着不可忽略的意义。
2 电子商务网络营销中视觉艺术表现的网页设计的
独特性
20世纪90年代以来，随着互联网的迅猛发展，网页设计变得更为理性，在设计中追求创新，寻求网页设计的可能性，创造出独特的和视觉风格。在此理念之下，灵活运用符合现代审美意识、时尚新颖的视觉审美设计原则，在网络媒介中充分结合视觉媒体，拓宽电子商务的传播形式，使包括商务在内的信息传递更加直观，对电子商务网络营销起到很好的视觉传达作用。
相对传统静态的网页，基于人们生理和心理特征的新视觉设计以动态交互式为特点，具有趣味性、交互性、个性化特点。迎合现代高速发展的讯息技术，网页设计、表现形式与设计风格随之不断延展。在视觉艺术层面上，设计师首先要考虑网页设计中字体、配色、版式等视觉设计的基本元素的合理运用，在讯息技术层面，设计要考虑的是视觉设计如何适应新技术条件下的网页革新需求：涉及到网页平台上商务电子信息与用户（浅层意义上说是页面浏览者，或则说是目标用户或潜在用户）之间的沟通，这种沟通有别于传统传播媒介，是互动交互式的。网页平台对电子商务信息的表达方式在传达形式上是结合音效的二维视觉视屏、或则多维空间展示、更高层次上是虚拟信息的表达，引领客户的消费心理。[2]
有好的电子商务平台设计并不能确定宣传代表的产品就一定成功，但可以肯定的是这些可以为实际生产的产品加分，为产品创造独特的风格和视觉感受。视觉表现形式的个性表现、设计与程序技术的完美结合、用户的使用感受以及交互性是必须考虑的几个要素。
对于设计师来说，网页设计相对与纸质媒介，有着更为灵活的创意空间，在琳琅满目的电子设备平台上，要想吸引浏览者的关注和视觉停留，网页设计的创新和视觉吸引力是一个很大的挑战。也就是说要突出电子商务网页设计的革新与个性特征，这样所要传达的电子讯息通过卓尔不群的动态网页视觉设计信息传达给人留下深刻印象，达到电子商务的营销目的。因为电子媒介与人们生活的密切性，浏览电子商务平台，并按照引导商务网页设置的参与体验，创意与个性的电子商务网页讯息就会不断通过网络平台，经常性多渠道的出现在用户视野。根据视觉设计的原则，视觉形象尤其是动态的，其直观深刻的第一印象可以刺激用户的深层记忆，尤其是在很大程度上用户对网站的期望值有着非同一般的提升，从而增强用户对产品信息的信任度。
具体到视觉设计，和一般纸质媒介设计有所区别，栏式结构排版是网页设计常用样式，栏式排版主要通过竖分方式分隔页面信息，常见是二栏、三栏和四栏。当然分栏多少主要是根据电子商务讯息，同时结合页面设计效果。根据我们日常所见大型门户类网站，传统的三栏式排版形式是他们通用的排版形式。不拘泥于传统的页面布局，创造不同布局、质感与肌理和风格的设计，是电子商务网络营销中视觉艺术的能力和可能所在。需要说明的是，有效表达视觉设计，增强网页讯息的效果，除了符合审美的网页栏式分割方式以外，还可以通过字体表达、图片位置、经营位置，动态图片插入，多变生成各类形式，生动新颖的表达电子商务信息的页面，进而利于商务信息的有效传播。[2]
3 电子商务网络营销中视觉艺术构成元素的重要性
从专业技术上来说，网页概念中表现为HTML静态页面，由网页浏览器直接浏览我们所说的页面上的各种动画、滚动字幕等视觉上的“动态效果”，不是实际意义上的网页的静动态概念。网页设计是一项艺术性很强的工作，合理的运用网页的基本元素是网页设计过程中需要考虑的重要问题。一般意义上网页设计的基本元素主要包括：文本、图像、动画、音频、视频等。
电子商务网络营销信息大多数以文本为主，文本是几乎是所有网页中运用最为广泛的元素之一。文本可以说是网页存在的基础，在网页设计中可以通过设置字体、字号、颜色、背景等属性来改变文本的视觉效果。
在电子商务网络营销界面中适当运用图像，可以丰富页面的视觉效果。目前网页支持的图像格式主要有三种：JPEG（包括JPG）、GIF和PNG格式，其中后两种支持透明背景。由于受网速限制，实际应用中网页使用的图像被分割为多个部分，然后再利用排版技术，将分割图像拼合起来，以提高图像在浏览器中的运行速度。交互过程中作为视觉设计最基本元素，点、线、面合理有效运用是我们在网页设计需要考虑的要素。点能有效地吸引视线，作为一种抽象元素，结合电子商务产品信息，通过动态交互与音效配合来设计出电子商务网络营销界面。线变化网页空间，追求更新颖的设计形式与美感更易于用户获取信息、易于浏览者阅读。面的分割可以理解为各种比例的面所产生的形式美感，强烈的透视动感，大面积的色块对比，版面分割，获得秩序的美感。色彩视觉元素应用与二维视角的网页设计，三维视角的色彩图形的空间变化，色块的位置空间变化都突破了二维视觉下的设计形式，提高网页的设计自由度，形成统一的网页视觉形象。[3]
动画能使电子商务网络营销界面网页效果更加丰富，富于动感。目前在网页设计中使用的动画主要是Flas和GIF动画。前者运用较为广泛，后者主要用于站标、广告条等组件。在网页中插入背景音乐，可以提高电子商务网络营销界面网页内容对访问者的吸引力，目前，网页上使用广泛的音频格式主要有MP3、MIDI、WAV格式。需要注意的是我们添加背景音乐的同时，针对访问者不同的需求，应该提供给访问者一种关闭音乐的方法。否则会不断重复播放音乐。[3]随着网络宽带的不断增加，在电子商务网络营销界面网页中使用视频越来越多。视频和音频一样，都是与文件类型相对应的插件来进行播放的，在网页中添加视频可以大大增加站点的可读性，视频的直观性可以给电子商务网络营销界面访问者带来很大的视觉冲击力。
4 结论
网页设计必然要服务于电子商务网站的主题。电子商务网络营销平台设计与电子商务主题以电子技术为基础，以互联网为平台，以视觉艺术为表达手段，网页设计文本、图像、动画，音频、视频等基本元素，以点、线、面、体、色彩等为设计要素，在网页设计中可以通过设置字体、字号、颜色、背景等属性来改变文本的视觉效果，艺术和技术相结合，既满足使用者信息浏览的需求，重要的是创造愉悦的视觉环境。技术与艺术的紧密结合在电子商务网络营销平台设计中显得尤为重要。
参考文献
[1] 汤程心.“新生代网页”的视觉体验设计[D].杭州：中国美术
学院，2012.
[2] 陈益材，王楗楠.赢在电子商务网站制作与营销[M].北京：电子
工业出版社，2012：38-70.
[3] 克鲁格[美]著，De Dream译.点石成金：访客至上的网页设计
秘笈[M].北京：机械工业出版社，2006：42-65.
音乐视觉艺术范文5
这个出现在成都A4艺术中心“声场与视域”国际声音装置艺术展上的作品出自法国作曲家Denys Vinzant之手，由74个玻璃板组成，其中60个可以发出声音。这些玻璃板可以被看作是一种“玻璃扩音器”。循环播放的声音信号通过玻璃板表面和边沿上的电线，通往固定在玻璃板上的胶囊。胶囊能使玻璃板振动，而每个玻璃板都有自己的反应方式。玻璃板越大，声音越低沉；小的玻璃板只能产生高音。
高低错落的玻璃板发出的声音此起彼伏，组成宛若天成的悦耳和声，充塞在整个空间。金色乐谱所代表的旋律已幻化成一种实质的存在，在声音与观众的各种感知之间创造连接，使他们欲罢不能地沉浸和流连于“此时此地”的时空。
作为中国内地首个融合声音艺术、视觉艺术、当代设计跨界合作的新媒体艺术大展以及中法建交50周年系列文化活动中的重头戏之一，“声场与视域”为观众带来的是一个国际最前沿的声音与视觉，科技与艺术碰撞的互动现场。
展览的10组作品全部来自法国里昂国立音乐创作中心（GRAME）。这个中心成立于1982年，目前是法国文化部授予的全国六个音乐创作网络中心之一，也是里昂音乐节的主办者。GRAME的首要任务是支持新作品的构想和完成，保证其影响和传播，在创新与公众之间搭设桥梁，促进科学及音乐研究。每年都有许多来自于世界各地的作曲家、表演者、研究者和艺术团队汇聚在此，在这里他们能够在艺术和技术两个层面都获得最好的支持。
GRAME的创始人和艺术总监James Giroudon是“声场与视域”的策展人。他是一名作曲家，创作过数部电声音乐，也为剧院等创作音乐。James Giroudon在世界各地已组织过多场GRAME出品的声音和视觉装置展示。对于在A4艺术中心举办的这次展览，他意在向观众完整地呈现GRAME的声音和装置作品，并且为参观者建立一种将不同作品联系起来的路线，展示它们各自不同的艺术观点和关系。经过大规模改造后的A4的现场空间形成了10个不同体验的场域空间。视觉与听觉在此结合，彼此交织。通过声音的“场”、空间的“域”，让观众沉浸、互动，更新和重组他们的感知、经验与观念。
看得见的声音
充满互动乐趣的《声音立方体》（Sonic Cube）是一个结合了计算机编程、视觉和声音设计的大型声音装置。这个巨大的立方体被放置在一个全黑的屋子中，当四周静默无声时，立方体各个面的屏幕也一片黑寂，而一旦有观众进入这个空间，在它面前说话、吵嚷抑或击掌高歌，装置就会捕捉这些声音并产生反应，以屏幕上不断闪现彩色光条的方式来表现。声音越是嘈杂喧闹，彩条越是丰富多变地快速闪动，将声音的空间化转化为视觉图像在屏幕上呈现出来，就像是一个电子的回音谷，回应着观众和它的互动，继而又产生新的对话和互动。
另一件互动作品《独块巨石》与《声音立方体》有着相似的表现形式。在黑暗中孑然独立的“巨石”有2.5米之高，它似乎有着自己独特的生命，静静地等待着有人将它唤醒。当观众走近触摸它，巨石就会突然“醒来”，对观者的行动做出反应，展示出微妙的光影，同时传播出声音效果。它就好像是一件乐器，因为观众的触摸而产生内部振动，制造出声响和音乐，通过LED灯光矩阵映照出来。巨石表面的深灰色玻璃板可以透光，但是又不会让观者看到物体的内部，内部的3D矩阵可以制造LED灯光效果和视觉深度，在深色玻璃下显得光晕绰约，显得好似有生命的有机体潜藏其中，不断进化演变。
这两件作品创造了一种新的视听关系，声音的捕捉和产生过程都被转化为一种可以被“看见”的视觉呈现，视觉与声音融为一体。声音不再是一种无影无形的存在，而是具有实质，超越了单一的听觉感知。借助互动的形式，观众的参与也成为作品的一部分。
声音艺术中的技术
在这种试图使声音物质化的尝试中，计算机的使用和程序编程不可或缺，这两件作品也反映了GRAME在应用新技术于声音艺术方面的优势。在GRAME，所有的艺术活动都拥有以科学和艺术的互动铸就的坚实基础。在这样的互动中，计算机的参与相当明显。GRAME还有专门的科学队伍进行三个主题的研究：实时通信系统、音乐表现和性能系统，以及编程语言。
James Giroudon说，技术对音乐的发展起到了非常大的作用，包括乐器的制造都需要精密和娴熟的技术。比如小提琴或者钢琴的制作，都需要在声学方面有非常严谨和顶尖的学识。所以在音乐中技术的运用并不是什么新鲜事，而是一个长久的持续的过程。“在20世纪以来音乐的创作中，所有的进步和革命都是以技术为支撑的。”当然也有非常纯的音乐创作是没有使用技术的，对于GRAME而言，在空间中加入或放弃技术这个元素的依据是将声音和视觉艺术结合起来呈现在空间中。“这样，我们就在声音和视觉艺术之间创造了一种联系。” James Giroudon说现在有许多造型艺术家都将声音的维度和视觉艺术结合起来创作，有许多希望和GRAME合作的申请。“可以说他们有和我们合作的意愿，但不一定都有如何使用相关工具和技术的知识，不一定能找到声音和视觉艺术之间的联系。”
James Giroudon说GRAME从上世纪80年代开始就对音乐创作和其他表达方式之间建立联系感兴趣，包括和戏剧的结合以及在视觉维度展现声音的探索。艺术家和作曲家也会有混合不同的表达方式来创作的意愿。信息技术在近20年来取得了飞速的发展，但要在艺术作品中运用这些技术成果还是非常复杂的。技术虽然是最主要的部分，“但是技术却无法创作作品，作品是由艺术产生的。”
从观念上而言，声音艺术的发端可被视作对于音乐创作既定规范的一种反叛，以开创更丰富的聆听感受，但是技术的前提才是这种艺术形式得以蓬勃兴起的基础。从James Giroudon为“声场与视域”选择的“具体音乐”创始人Pierre Schaeffer在上世纪40年代到60年代的作品和历史文献，我们既可以看到对这种观念的寻根溯源，也可以一窥技术对这种艺术形式的影响。
Pierre Schaeffer在1948年的作品《铁路练习曲》是将Batignolles车站火车运行的声音一段段地组织起来，用不同录音速度的蒸汽机噪音的拼贴和变化组合编成曲子。与最新的声音艺术作品相比，这样的作品似乎没什么互动性，也缺少趣味。今天的普通人已经可以随时拿出手机来录下一段感兴趣的对话或声音；而发烧友们更是已经用上了半专业的录音设备来采集生活中的各种声音，无论是啾啾虫鸣、呖呖雨声，还是市井的喧哗嘈杂，声音的编辑和特效处理也唾手可得。人们可能很难想像这样的作品在诞生之初的前卫与革命意义。当年在电台工作的电子工程师Pierre Schaeffer开始反思音乐面对新技术时的本质。他从每分钟78转的磁带偶然的刮擦而反复产生的1/2音符中发现了重复所产生的音乐趣味。在几次重复之后，聆听者忘掉了声音的来源，而听到“声音对象”本身。一小段钟的敲击声经过调整后成为近似于长笛或双簧管发出的乐声。于是他注意到就音色而言，声学定律被打乱了。这就是“具体音乐”的诞生：它基于已存在的在麦克风前录下的声音，不管这声音素材是噪音还是器乐声。这些声音在录音棚里被修正、操纵、变形、重新排列。
“具体音乐”兴起的背景是1950年代磁带录音技术的广泛应用。“被固定到磁带上的声音由此成为‘声音对象’，这种用麦克风制作出来的录音就好像一个放大镜，难以数计的方式揭示声音：音乐家和音响工程师围着它转，为它听诊把脉。声音这一无形而抽象的物质由此变成一种可理解、可成型、可变化的材料。”在技术的帮助下，声音的质量、动态和肌理一一显现，声音也由此从音乐或“噪声”这样的束缚和陈规中解放出来，成为一种独立的艺术创作材料，在艺术家手中展开丰富的变化，也改变了音乐和作曲的方式与内涵。“具体音乐”正是今天风靡全球的电子音乐的前身，后者无论是在创作手法还是精神内涵上都与Pierre Schaeffer一脉相承。
听得见的画面
当舍弃了“噪音”这样的负面字眼，环境中的各种声音所蕴含的生理的、社会的和文化的意义开始被正视和发掘。声音和建筑、环境、物体有着什么样的联系？它如何决定我们对事物的感知和认识？年轻艺术家Zoe Benoit偏观念艺术的作品《建筑声音》为观众展示了这方面的试验。她尝试捕捉一个街区或者是一个集体空间中建筑的能量，然后将整件作品作为纪录项目展出，包括照片、图纸、雕塑或声音扩散装置等。在A4艺术中心的作品是来自建筑师柯布西耶修建的两处场所的录音和雕塑作品。艺术家选择驻留在想要探测其脉搏的街区或建筑内，通过捕捉行为（声音、影像和物品纪录），重新审视我们对这些场所的感知。她特别专注的是混凝土、玻璃和木头等建筑材料振动的声音，然后把这个数据库作为创作的原料，制作出能表现这些声音捕捉瞬间的图片。作品《棍棒》是以不同类型的木材雕刻而成，这些木棍既是雕塑，又是敲击建筑的鼓槌。它们是在项目期间在拉图雷特修道院收集的。作品《钟》是用陶瓷或青铜制成的不规则偏心造型小钟，造型灵感源于圣皮埃尔教堂的角锥形屋顶，艺术家按次序敲打，以记录它们发出的特定的声音。
音乐视觉艺术范文6
从音乐到画画,艾敬一直都在学习,她把每一次旅行都看成学习,把每一次拜访艺术家都当成学习,把每一次跟朋友的交谈都当成学习……一场采访下来,记者明白了艾敬之所以成功的原因,一个如此执着而勤奋聪慧的女子,怎能不成功,怎能不优秀?
从歌手到画家的华丽转身
还是那个抱着吉他唱民谣的艾敬,她现在的新身份是――画家。
敬说,她没想当艺术家,只是做了艺术家一样的事情。无论是当年唱歌还是现在画画,她都喜欢在边缘,因为可以始终游离在漩涡之外。
谈起音乐与绘画,艾敬表情依旧是淡淡的:音乐和视觉作品都是艺术,我一直认为音乐和绘画以及所有视觉作品是基于一种内涵的两种不同媒介的表现形式。在音乐中必须呈现的当然是节奏和旋律以及歌词,但是它们的形成服务于“画面”,这个画面在人们听到的音乐中在脑海里形成,在情感经验和视觉记忆中搜寻,那么音乐的功能就是刺激听众和观众对于视觉的想象。而视觉艺术本身则简单而直接呈现色彩和构图和形状,视觉艺术的高端追求是对于作品中赋予哲学思想和精神境界的启迪,从而与观者带来精神的层面的沟通和给予。我就是用做艺术的
方式做音乐,用做音乐的方式做艺术。“
从画“爱”走出来
艾敬画画,还得追溯到10年以前。“我在1999年认识张晓刚,那时他刚来北京。他看到我在东京录音棚里胡乱勾画的我的第三张专辑《追月》的封面设计草图,他对我说:你可以画画,我教你。那是我人生的一个特殊的时期,当时我切断了我周围的所有和音乐有关的关系,我像海底的一粒沙,宁静而细致。”
当时在艺术圈里,很多人知道张晓刚有个“俗家弟子”艾敬――因为只有她不是科班出身。但据张晓刚对其他媒体回忆说,当时艾敬比他有名,很多人找张晓刚还要通过艾敬的新闻链接。
艾敬刚刚结束的个人画展《ALL ABOUT LOVE》,主题就是“爱”,这在她刚开始画画的时候就显露了出来。“在师傅的画室里,我画骷髅,我给骷髅起名字叫做:MR.BONE。师傅问我为什么画骷髅,冷冰冰的,没有生命。我说,它是爱,如果心中没有爱,它就是一副骷髅。那时候师傅周围徒弟辈分的我的师哥们――马六明和陈文波都笑我,你过分地夸大了爱。”
画“爱”的主题,艾敬画了这十年。在这次展览上,几件很大的作品,整个版面都画满了“LOVE”。
展览的策展人朱其,是当代艺术界著名的评论家,他评价艾敬说:她没有受过专业的绘画训练,但她对绘画的色彩和色调所具有的天分和敏感,毫不逊色于诸多专业画家。
十载绘画的低调与疯狂
艾敬的绘画十年是平静也是疯狂的,平静是不为人知低调处理,而疯狂,是她自己才知道的。
从上世纪九十年代开始,艾敬的旅行就跟博物馆和艺术博览会分不开,“如果哪个城市正好举办艺术活动,我就可以把旅行和学习同时进行了。比如今年12月迈阿密的艺术博览会我一定会去,9月份我去了上海当代艺术博览会,还有上海双年展。”据艾敬说,这次匆匆结束北京的行程,原因之一也是奔赴下一个让她激动的博览会之旅。
父母对艾敬疯狂地画画有意见了,“有一次我爸说,你怎么画了画一个月都不换衣服了?”艾敬笑着讲述爸爸的意见,“我那段时间太投入了,我时常感觉自己像是个干体力活的,不过身体的酸痛给我带来生命的存在感。后来画展开幕的时候,我爸妈特地来北京住了一段时间陪陪我,他们还是很高兴的,看到我能办自己的画展。”
其实早在2003年,艾敬的作品就展出过。那时候,她应邀拿出两幅作品,参与了在深圳的一个艺术群展,很多敏感的媒体以“艾敬转行当画家”为题报道了此事,艾敬也没有过多回应,“但我没想到,我能这么快在美术馆办自己的展览。”
自我的生活着
艾敬一直是含蓄而低调的,不认识她的人甚至觉得她给人一种距离感,对于自己的性格,艾敬显得淡然而平和,“应该说我内心追求美好,音乐和视觉艺术可以使我达到自己对于美好的想象,并且我有一种坚定地决心去完成自己相信的事情。过去的20年里我经历了音乐创作到对视觉艺术的学习和尝试,我认为我正在做着的事情,我相信的艺术,是能够对人们产生帮助和完成共同追求精神美好的一种方式。人们需要艺术家提供精神产品,我愿意为完成这种精神产品而生活。
艾敬在北京的工作室,离城市中心不远,不足100平方米的房间,以及一个比房间还大的露台,站在露台上,就可以眺望整个CBD。
“其实,我可以花同样的钱在郊区租一个更大的地方,可是我不想脱离城市给我的信息,创作的时候你可以很冷静,但生活的时候你得融入其中,不然,你的创作会离实际越来越远。”
2005年正式定居纽约以后,纽约和北京就成了艾敬的两个家,她在纽约的工作室也一样在城市的最核心,曼哈顿。“我的工作室离我住的地方很近,这让我不会在路上浪费很多时间。”
通常,艾敬的典型一天都从一顿咖啡厅的早餐开始。“我很早起床,一定去咖啡厅吃早餐,一杯卡布奇诺和一个牛角包。然后去健身房锻炼一下,一般在11点之前到工作室,开始画画。去咖啡厅吃早餐,无论是在北京还是纽约都不变,因为我喜欢看匆忙的人们和游人过客,很多想法都在早餐的时间形成。”
艾敬说自己的生活非常“三点一线”:家――工作室――健身房,除非去旅行的时候,否则不会太改变,那是她产生所有音乐和绘画想法的基本路线。
在这样的生活里,她有时是歌手,有时是画家,大部分时候,只是艾敬。
理财像种树一样
