动画电影范例

2008年，一只肥胖的、憨态可掬的中国熊猫可谓是出足了风头。打着补丁的衣服，无辜的眼神，傻得可爱的表情都让看过这部动画片的观众无法忘怀。而梦工厂也凭借着这只可爱的熊猫在全球赚得盆满钵溢。

3年后，梦工厂继续推出续集《功夫熊猫2》，这部动画片从上映开始就票房喜人，上映两天票房收入就达1.085亿美元，上映9天突破3亿大关。值得注意的是，贡献票房的不仅仅是儿童，许多成人也成为大熊猫的忠实粉丝。《功夫熊猫2》好看，其实并不令我们感到吃惊，1993年的《花木兰》，1994年的《阿拉丁》已经让我们见识到了梦工厂强大的创新能力。一个是中国的题材，一个是中东题材，故事传颂千年，也曾有人将他们搬上银幕，但是效果都不怎么理想。但是这些故事到了这些造梦人的手里，就像中了魔法一样，一个很古老的传说竟然可以焕发出鲜活的生命力。现在，梦工厂故技重施，结果正如预期的一样，《功夫熊猫2》照样把人们吸引到电影院，而且在走出影院的时候很真诚地赞赏一句，这部动画片确实不错。相反一些在业内人士叫好的国产动画电影却无人问津。是我们的民族动画电影不够努力，还是我们的动画电影工作者没有那么高的水平来吸引观众?到底是什么因素影响了中国动画电影的发展?我们的动画电影在进行了几十年的改革之后，要走向市场，走向世界，还应该从哪些方面进行改革?看来我们还需要从更深层的原因来进行分析。

一、好莱坞动画电影全球发展策略

要发展民族动画电影，就先要学习成功动画的电影成功经验，因此分析好莱坞动画电影的成功就成为首先要论述的问题。好莱坞动画电影的成功首先得益于其自始至终的“市场”理念。好莱坞动画电影的发展从一开始就定位于娱乐。

如果说，欧洲是把动画电影作为艺术来进行发展，而好莱坞则是把动画电影当作娱乐产业来进行经营的。它不是作为一种主要供专家研究的艺术品来发展，它从发展之初就把目光定位在市场上。因此，对于好莱坞动画电影来说，“观众”就是一切。在这种观念下，好莱坞的动画电影永远在重复着不变的主题:善恶有报，有情人终成眷属，小人物也可以做出不平凡的事情，另外还有足以把人泪腺熬干的煽情，火爆刺激的视觉特技。而艺术和文化都只是作为娱乐的一部分而存在，唱主角的永远是“娱乐”，即使有时候看起来有点不按常理出牌，但那也只是在艺术和文化外衣包装下的娱乐而已。这也正是好莱坞动画电影一方面受到几乎全世界知识精英的反对，另一方面却有许多人趋之若鹜，就连每年的奥斯卡奖也成为许多自命清高的影人闯入世界影坛的标尺。

其次，好莱坞动画电影融入了大量的商业元素。正如上文所述，好莱坞动画电影从一开始就定位于娱乐，为了使影片更加好看，他们竭尽所能，挖掘任何一个能为片子出彩的元素。在好莱坞的动画电影中，歌剧、插科打诨、喋喋不休等成为其战无不胜的杀手锏。《美女与野兽》中被施了魔法的家具的大合唱，《冰河世纪》中那只很喜欢说话的树懒席德以及那只永远距离美梦一步之遥的松鼠，这些都成为好莱坞影片中必不可少的元素。最后，也是最重要的一点，那就是对人类基本价值观的把握与追求。不同的国家，不同的种族，他们的信仰，他们的政治意识可能是不同的，但是全人类的基本价值观却是相同的。好莱坞的动画电影之所以能够在全球名利双收，最主要靠的就是能够体现出人性中最本质、最单纯的东西———爱，爱情、亲情、友情。虽然这些在现实中可能并没有那么的惊天动地，但是对于它的追求却是每个人心中所渴望的。追求美，追求理想，追求正义，追求完美，挖掘人物身上所固有的，挥之不去的自私、贪婪、恐惧等，这些才是人类最本质的生活，而好莱坞动画电影也正是抓住这一点，将他们夸张地表现出来，最终引起人们的共鸣，从而让人们渐渐对它产生了亲近感。

二、民族动画电影存在的问题

［摘要］不同国家的文化渊源、民族身份和价值观在社会生活的各个方面均得到体现，并影响电影动画中人物和剧情的形成。本文分析了动画电影中角色形象的设计及其创作过程，探讨了角色形象设计与戏剧的关系，并讨论了美国动画与国产动画中英雄形象的塑造特点。本文以《人猿泰山》《西游记之大圣归来》为例，分析了两部动画电影的创作过程，探索出中美在动画角色的概念表达和推广上存在的差异，并总结出中外动画、文化和风格之间的差异。

［关键词］中外动画电影;英雄人物塑造;文化传播

动画电影是相对于短片和电视动画电影的艺术概念，比电视动画电影具有更大的社会影响力。美国动画电影是工业化生产链的产物，具备一套完整的人物塑造和推广流程;中国动画电影发展较晚，但得益于中国传统文化的博大精深，中国动画电影中蕴含着独特的中华传统美学。

一、中外电影中英雄形象研究意义

动画是视觉文化中最流行的形式之一，是现代社会中消费文化的产物，它是典型的文化传媒行业的形式之一。美国的动画制作已经形成工业化过程，通过互联网和遍布全球的院线进行传播，动画文化和英雄形象在美国艺术和文化的传播中发挥着作用，并极大地影响了现代社会。从某种意义上讲，运动的图像是动画的本质和灵魂，就像电影和电视剧，如果动画没有经典的图片和角色，它就会失去其价值和意义，美国动画电影的流行在于它们成功地塑造了运动图像和角色，对观众产生了巨大的心理和视觉影响。可见角色的形象是一部作品的灵魂，动画片角色源于生活又高于生活，是设计师运用想象力塑造出的生命结晶［1］。中国动画中的人物，无论其形式如何，都具有和中国传统儒家思想离不开的人文和心理特征;中国元素是民族文化的聚集点，同样，中国文化是人类不可或缺的重要组成部分。中国文化元素是中国动画吸引世界眼球的有力工具［2］;在动画制作中，从人物形象上渗透中国传统文化的魅力，可以打造独具一格的中式电影。

二、中外电影中英雄形象的产生背景

(一)西方动画电影中英雄人物的塑造。1．电影《人猿泰山》中英雄形象的体现《人猿泰山》最早是在1932年拍摄的有声电影，1999年，迪士尼对泰山的故事进行了改编，以动画形式重新讲述了泰山的故事。这部电影主要围绕泰山的成长和泰山与珍妮的故事展开，他试图在动物世界和人类世界之间找到自己的位置、自己的价值。刚开始，小泰山不被酋长和他的大多数同伴所认可，还遭到了折磨和羞辱，泰山陷入自卑。直到泰山击败了花豹，他才开始逐渐建立自己的自信，泰山救了珍妮后，泰山的英雄形象得以建立，故事的结尾，泰山和珍妮回到人类社会，开始了幸福的生活。这体现了西方动画电影中在塑造英雄形象时，会体现形象转变前后的差异，通过一件事或几件事的历练，人物得到锻炼并逐渐成长为独当一面、济贫扶弱的英雄。2．电影《人猿泰山》中英雄形象的艺术表现美国人心中渴望自己做出改变，创造新事物，拯救世界，往往会由正义的形象挺身而出战胜邪恶，超越自我实现，创造完美正义的辉煌形象，并创造一个更有趣的动画空间。美国动画片中的角色模型遵从一套完整的设计规范，动画形象的设计通常会追求真实，尽量减少与原型的差异。作为电影《人猿泰山》的主角，泰山这一动画形象经过精心设计，目的是为了让观众看到无限接近于真实动物的画面，这一设计非常有趣。就现实和现代性而言，美国动画的艺术创作仍将保持在世界前列。

摘要：在国产动画电影转型升级之际，系统研究对其产生深远影响的原型思维，是弘扬民族智慧、树立文化自信的关键，也是中国动画电影走向世界、走向未来的必经之路。动画电影中的原型思维是一种在天人合一、物我同一与主客归一的浑融境域中整体把握世界的思维方式，也是一种基于“合成—分解”理念的原始对待思维，具体体现为电影画面的辩证组合与意境的深远圆融。原型思维能与现代影像思维、互联网思维平等对话，参照借鉴，并积极转化，有效促进国产动画电影的跨文化传播。

关键词：国产动画电影；原型思维；整体思维；对待思维；影像思维

原型(archetype)出自希腊文 archetypos。原，即原初，最初；型，即模式、样本。原型，即事物最初形式或真实样本。精神分析心理学家荣格将原型概念引入心理学领域，指一种深藏于人类心灵的本原模型和情感本能，它通过神话、宗教、梦境、幻想和传说等不断重现，并符号化为原始意象、角色、母题或者叙事模式等。荣格说：“个人无意识的内容为人们所谓的带感情色彩的情结(feeling-toned complexes)，它们构成心理生活的个人及私人面向。另一方面，集体无意识的内容众所周知是原型(archetype)。”①原型就是人类的集体无意识，原型思维就是体现这种心灵本能的原始思维方式。国产动画电影的原型思维是指既能代表我国传统思维，又同时具有世界通约性，能反映整个人类心灵本能的思维方式。对其进行科学系统的研究，不仅是弘扬民族智慧、树立文化自信的关键，也是中国动画电影走向世界、走向未来的必经之路。

一、整体思维：空间深远与意境圆融

不论儒家或道家，中国传统哲学都强调整体观点。学者李道新认为，整体思维是指“在中国文化天人合一、物我同一与主客归一的浑融境域中整体把握宇宙世界的思维方式”②。具体而言，第一，世界(天地)是一个整体，如老子认为：“道生一，一生二，二生三，三生万物。”(《道德经》四十二章)其中，“一”就是混沌和不可分割的整体，天地产生于混沌。第二，人与物是一个整体。如惠施宣称：“泛爱万物，天地一体也。”(《庄子•天下》)《周易》也有“观物取象”一说，近取诸身，远取诸物，身物一体构成八卦。第三，时间与空间也是一个整体。庄子强调“生死存亡之一体”(《庄子•大宗师》 )，即承认生、壮、老、死是一个自然完整过程，死是不可避免的，不可贪生而怕死。第四，整体包含许多部分，各部分之间有密切联系，想了解各部分，就必须了解整体。如 《易传》强调“观其会通”，即观察事物与事物之间的统一关系。整体思维体现为物与神、景与情、意与境的共同运用。而意境的圆融之美，不仅是中国传统美术的最高境界，也是中国动画的核心审美精神。如在空间营造上，水墨动画善于运用大全景平列山、水、庙等背景，将主体主动融入自然，用游动视点营造平远、深远和高远的整体和谐空间。在这样的空间里，人的知觉感官不再是对世界的单纯注视，而是一种“介入”，即把自己投射进去。“远视使人从眼到心都具有感性的自返性，因此这个空间也成了一个以‘我’为起点的空间，‘我’不是从外部来看它的，‘我’就生活在这空间里面。”③如水墨动画电影《山水情》开篇用一个横向移轴镜头 (类似长镜头)来交代事情发生的时间地点，仿佛一幅画卷在观者面前缓缓展开，这是人的视线与时间进程合一的“平远”。在影片中后段，老人与孩子在山上分别之时，又以一个从下而上的竖式镜头来表现重峦叠嶂并向高处延伸，体现出整合割裂空间的“高远”意境。在意境的营造中，最具代表性的是“深远”。首先，自由选景、重叠表现将不同时间和地点的山峦在创作者记忆里重新组合，使描写景物的范围和主观情意的内容得到充分发挥，展示出崇山峻岭和千尺飞瀑宏大的气象。其次，中国动画电影的动画效果飘逸灵动、流畅自然，具有圆满和谐的审美神韵。比如，《大闹天宫》里，孙悟空和七仙女的运动轨迹均由一个个大小形状不一的圆形组成；《哪吒闹海》里，“龙筋舞”以及贝壳女的舞蹈线条曲绕变化，舞姿柔美曼妙，在视觉上有整体、含蓄之感的同时又有气韵顺畅的效果。这是中国传统文化对于圆满和谐精神状态的外在表现，也源于中国人对宇宙与生命周而复始、生生不息的理解。再次，中国动画电影借用结构联想，突破物理时空，同化风俗与人心，充分体现了中国人的生命及文化整体观。《山水情》里，自然空间、心理空间与音乐空间被完全打通，古琴韵味、人物傲骨以及重重山峦的高洁也融为一体，人事与自然由于关联与同化被纳入整个宇宙体系，从而实现天人合一。尤其当琴师赠琴后走向茫茫前路，最后与水墨画出的重重山峦融为一体时，风声、琴声同时响彻耳际，令人泪下。《牧笛》里营造了一个介于真实与梦境之间的独特空间 (图 1)。牧童寻牛，牛却对自然流连忘返，牧童折竹制笛，笛声中人与牛亲密相依，向世人完美地展现了人与自然共通共存、和谐相处的美好景象。最后，还有诸如人物的全方位取像，拟人化、虚拟平摄视角等，无不是营造可望、可行、可游、可居的整体意象，以及“象外之象”和“味外之旨”的圆融意境。

二、对待思维：画面的合成与分解

对待思维是一种全面考察事物两端相互对立情况的朴素辩证思维，它认为任何事物都包含对立的两个方面，它们是相互依存、相互转化和相互包含的。孔子曰：“吾有知乎哉？无知也。有鄙夫问于我者，空空如也，我叩其两端而竭焉。”(《论语•子罕》)“叩其两端”就是考察问题的两个方面。老子强调对立面的相互依存与相互转化：“有无相生，难易相成，长短相较，高下相倾。”(《老子•二章》)《周易》提出“一阴一阳之谓道”(《周易•系辞上》)，“刚柔相推而生变化”(《周易•系辞上》)，其中“一阴一阳”表示两个对立面相互吸引又相互排斥。对待思维深刻影响了中国传统美术，如长卷画的单独画面(分解)与整幅画面(融合)的矛盾运动，题款、钤印之间的构图关系，以及图幅形制的时空艺术表达等。受此影响的中国动画电影在利用旁白、独白和字幕进行场景衔接时也非常讲求方圆、远近、虚实、浓淡以及明暗等矛盾组合关系。中国动画电影常把人物分解为阴阳两面的矛盾性格，如《白蛇：缘起》中白蛇的人性与妖性，《哪吒之魔童降世》中哪吒的灵性与魔性等。中国动画电影的人物关系设定也呈相生相克的矛盾关系，如人与妖的相互救赎，前世与今生的阴阳消长等。对立设置可以起到对情节转折点进行铺垫的作用，而且在不同力量的冲突中，情节层层递进，善与恶、生与死、胜与败等多重关系为观众提供了更多的理解空间。如《大鱼海棠》中两位主人公椿和湫的对立：椿继承的是母亲主宰海棠花生长的能力，而其他植物也可以在椿的法力下被赋予生机；而湫则代表了成熟与肃杀的秋天，在他死后，也化身为一堆秋叶。椿意味着对幸福和快乐的追求，而湫则代表了绝对的痛苦。湫不断为椿牺牲，而椿却始终没有接受湫的感情，意味着春天与秋天注定无法相遇，只能分别在不同的世界中掌管万物的运行。在情节设置上，中国动画电影常运用平行蒙太奇、交叉蒙太奇等手法把进退、得失、成败、增减、生死和消长等矛盾情节并行交织于影片之中。比如，《葫芦兄弟》里爷爷被妖精抓走和葫芦娃相继出世救爷爷构成两条平行线索，画面在妖精的洞穴和葫芦山间来回切换，对比表现敌我双方的行动进度；《西游记之大圣归来》用暗色和亮色分别描述妖王和孙悟空，以及如何解决妖王设置的阻碍；《小门神》并置天上与人间两个空间，天上的神仙因被人类冷落而面临失业，人间仍有少数人在关注神仙的生活状态，两条线索并行不悖。在场景道具设计上，国产动画电影运用阴阳对立和五行相生相克关系，构成对立两面的设计效果。比如，《白蛇：缘起》以水面上下翻转为镜像媒介，一个是常人世界中宝青坊的货柜前台，灯笼散发温和的暖光；另一个则是妖怪世界中锻造宝器的工厂，灯笼散发着充满寒气的蓝光。一上一下，一虚一实，一热一冷，一阳一阴，狐妖和一对侍从在这两个世界中穿梭自如，轻松地进行人与妖的变身。

一、视觉暂留现象为最早的动画创作表现形式

早在19世纪的1828年法国人保罗•罗盖特首先发现了视觉暂留，他制作了一个能转动的圆盒设备，当盒子旋转时，连续的画面就会进入人的视觉中。在1888年，法国人瑞安在自己家中做投影试验，放映了一部名叫《一只小鹿》的影片，最初的动画片雏形就这样诞生了，瑞安便被称为动画技能上的“动画艺术之父”。电影、电视的基本原理与动画一样，都是视觉暂留原理。当人的眼睛看到一幅画或一个物体后，在0.34秒内不会消失，利用这一原理，在一幅画还没有消失前播放下一幅画，就会给人造成一种流畅的视觉变化效果，形成连续的影像。动画就是通过视觉暂留原理把人、物的表情、动作、变化等分段画成许多画幅，再用摄影机连续拍摄成一系列画面，经过影片的制作与放映，变成活动的影像，形成动画影片。

二、动画影片《花木兰》创造了二维动画的经典

视觉暂留原理被人们了解和认识后，在影视动画领域的应用日益广泛，人们不断探索和研究新的动画制作表现手法，归纳总结并最终形成了成熟的传统二维手绘动画表现手法。1998年6月迪士尼公司推出动画片《花木兰》令美国影坛叹为观止。无数美国观众在接触这一可歌可泣的中国古代传奇之际，也领略并惊叹动画影片展示古老中国文明辉煌的魅力。动画电影《花木兰》与迪士尼常见动画风格不同，该片整体风格借鉴了中国画的一些技法，虚实处理与工笔水墨相结合，运用镜头散焦原理，从而避开了水墨动画不易和写实动画相融的矛盾，达到了写实与写意的有机融合。影片《花木兰》的角色造型设计沿用美式动画常见造型原则，正面角色的脸部形状基本为长方形或圆形，头顶部分多为平直造型设计；反面角色为三角形脸，头顶尖。按美式动画惯例为主角配备了多话、滑稽、多动的配角——龙，起调剂情节、幽默搞笑、在无人时与主角对话、揭示主角心理、代替旁白和引进神话因素等多重作用；反面主角单于则配有一只鹰作为陪衬，鹰的头部造型采用了模仿单于的设计，构思新颖。片中通过增加鹰的方法，在单于不出场的情况下，也让观众通过鹰感到他的威胁，给人留下深刻印象。一部优秀的影片除了要有生动的角色形象，逼真有趣的动作也是必不可少的。只有精细的动作设计，才能使动画角色栩栩如生。动作设计是衡量动画片质量的重要标准，影片中塑造角色的重要手段，如衬托木兰女性魅力的头发运动的设计；表现其叛逆性格的跳过桥栏的设计；表现木兰父亲好强性格的放开拐杖、跛脚走路的设计；龙在看报纸时舔手指的设计等，都起到类似作用。这些设计表现手法这不仅使影片富有历史、文化的底蕴，其神秘的传奇性、生动性也使许多迪士尼动画片成为老少咸宜的影视动画精品。这方面的实例就是《白雪公主》《狮子王》《美女与野兽》《灰姑娘》等一部部杰作，如今迪士尼的眼光又瞄准了中国，于是有了《功夫熊猫》风靡全球，中国文化为人津津乐道的现实，中西合璧的表现创作手法为迪士尼动画片注入新的活力与生命。

三、从《玩具总动员》到《阿凡达》的历史跨越

随着动画的发展，人们对三维视觉效果的需求日益强烈，纸张绘画、照片翻拍、剪纸木偶等动画表现形式，无论画面的立体感有多强，终究只是在二维空间上模拟真实的三维空间效果，无论是人物道具还是镜头推拉，都不能很好地呈现立体空间效果。一个真正的三维画面，画中景物有正面，也有侧面和反面，调整三维空间的视点，能够看到不同的内容。二维画面无论怎样看，画面的内容是不变的，就算采用大量画幅来模拟三维立体空间，但与计算机三维动画生成的立体效果还是相去甚远，同时动画的绘制工作量大大增加。随着计算机科学技术的发展，动画表现手法和制作过程大量使用计算机技术，包括传统动画的线条处理、背景绘制、角色上色等流程都运用了大量计算机代替传统手绘。计算机技术把动画制作从重复烦琐的工业流水化生产解放出来，大大提高了工作效率，工作重心逐渐向核心创意与技术研发转移。《玩具总动员》是皮克斯公司出品的第一部动画长片，也是全世界第一部三维动画电影。这部影片最大的创新就是采用一种全新的动画表现形式，带来完全不同的观影感受，从此出现在大银幕上的动画作品再也不拘泥于传统的平面动画，一种全新的视觉体验闯入了人们的视线中。它完全超越了传统动画的表现框架，玩具们的塑料质感以及衣服的布料质感都处理得非常逼真，出色的光影运用带给影片完全不同的感官效果。在对室外场景的描绘方面同样充满了精细，树木和树叶的处理都显示出了制作者精益求精的观念。这是一部在主题、技术等多方面处理手法均具有革命性意义的动画片，影片首次全部采用计算机制作完成。具有独特的景物设计、人性化的人物造型，尤其是构图和色彩具有极其明显的视觉效果，在二维空间的场面调度处理上，背景具有强烈的形式感。一部成功的动画影片不仅要有吸引人的故事、生动的造型、夸张有趣的动作，还要具备完整而独特的表现形式风格，比如人物造型相对写实，背景刻画逼真，构图强调摄影机镜头的效果和现实性空间关系，色彩是按照具体时间关系以及光源环境设计色调和明暗变化关系。早期的动画短片更像是漫画式的风格，例如米老鼠强调线条的有趣变化和造型风格的趣味性，构图强调视觉趣味、不完全受物理环境条件的透视规律限制，背景刻画具有非现实性的影调关系。2009年好莱坞著名导演詹姆斯•卡梅隆推出了一部力作《阿凡达》，在短短几天之类创出了票房新高，成了大家关注和评述的热点。那么电影《阿凡达》的艺术表现手法是如何给观众呈现出不同的视听感受呢？从形体造型来看，影片《阿凡达》片中角色和景物以写实的表现手法为主，结合抽象的夸张变形处理，不同的形体、线条引领欣赏者不同的心理反应，使其产生压抑、开朗、忧郁、愉快、恐怖等不同的感觉。影片拍摄采用了时下热门的3D技术表现方式，詹姆斯•卡梅隆说：“3D技术并不是简单唬唬小孩子的玩意，它能让观众在观看电影的时候更加投入，进入到影片所营造的虚幻世界，犹如身临其境一般，影片中爆炸后飞出的弹片，会让你下意识地侧身躲避，片中夜间飘浮的很多圣树种子，那感觉会飘到你的眼前，会让你不自觉地伸手去拂。”《阿凡达》为3D技术表现手法带来的这些历史性突破，让我们看到三维影动研究室的捕捉虚拟合成扣像技术在这里被导演詹姆斯加以提升，当演员穿上有节点的衣服后，我们可以实时捕捉到逼真的动画，詹姆斯手持3D摄影机拍摄穿上动作感应紧身衣的主角的一举一动时，现场在电脑上看到主角变身成蓝皮肤的Na'vi在特技森林场景中演戏的画面，导演就是采用了实时观看3D拍摄效果的技术，同时又在实景中拍摄，令观众难分真假，这就是《阿凡达》完美的3D空间造型，高科技让这种本来虚拟的造型更加真实直观。

四、《小鸡快跑》开辟了动画新天地

2009年，一部《喜羊羊与灰太狼之牛气冲天》(以下简称《牛气冲天》)，以仅600万的投资，获得了直逼1亿元的票房，打破了“国产动画电影赔钱”的铁律。2010年的《喜羊羊与灰太狼之虎虎生威》(以下简称《虎虎生威》)继续以1.24亿的成绩笑傲2010年春节档。2011年《喜羊羊与灰太狼之兔年顶呱呱》(以下简称《兔年顶呱呱》)开创了国产动画电影“十日破亿”的新纪录。但另一方面，统计数字却令我们汗颜。自2006年以来，动画电影票房占中国电影总票房市场虽已从7%提升到17%，然而其中80%的票房是由海外动画电影创造的。国产动画电影数量在增加，能在市场上取得成功的却屈指可数。   那么《喜羊羊》系列电影何以能够一枝独秀?它的成功源于哪些因素?它的艺术特色与营销策略无疑是其中最重要的原因。   一、动画电影《喜羊羊》系列的艺术特色   (一)可爱的动画形象   《喜羊羊》系列电影的动画形象沿袭动画片中时尚的Q版造型，头和身体的比例为6－7∶1，同时具有小、胖、圆的特点，造型设计搞笑夸张又富有童趣，简单而又符合各自的身份和性格，既符合小朋友的审美观念，又满足成年人的审美需求。   比如懒羊羊，头上有坨屎，又懒又馋，但它定位清晰、能屈能伸、承认不足、没有不切实际的幻想，往往逢凶化吉，遇难呈祥，还能给别人带来若干笑料。   灰太狼则脸带刀疤，头戴破帽，既凶残又落魄;既可恨又可怜，让人爱恨交织。它的冷静、勇敢、自信、永不放弃，勤于思考、勇于实践，传达了一种都市生活的信念。   更重要的是他吃苦耐劳，爱子护家，责任心强。对爱情忠贞，为妻子默默承受，不惜劳累，不怕谩骂。这是无数女人心目中的好男人形象。   孩子心目中的动画英雄喜羊羊除了机智勇敢，乐于助人等优点之外，也有很多缺点。比如性子急，常常犯点小错误;比如在父母面前，这位“小英雄”也会撒娇，也会闹别扭，说话语气甚至都有点嗲。这才是真实的孩子的形象。   《喜羊羊》系列没有特定的人物原型，但很多人可以从中看到自己的影子。每个人物都个性鲜明又形象突出，好人好得不完善，坏人坏得也可爱，是复杂性和真实性的统一体。   (二)令人喷饭的台词   其次，《喜羊羊》系列的台词堪称经典，既有流行歌曲、影视的名称，也有我们日常使用频率非常高的社会流行语以及网络流行语。这样既起到了针砭时弊的作用，又拉近了动画片和生活之间的距离。   在《牛气冲天》中，很多山寨版台词如“一菌做事一菌当”“第一天见你，我就知道你是那种不甘久居牛下的家伙”“最近白牛和黑牛的奶都不能喝了，咱黄牛的能源啫喱绝对没有添加剂”，等等别有情趣。   在《虎虎生威》中，网络语言“我们吃的不是面，是寂寞”“你妈喊你回家吃饭”的话，让人会心一笑。壁虎说:“太岁超级好人，游乐园里实行两小时工作制———你误会了，两小时工作制是说，吃饭睡觉只有两小时!”小灰灰要唱歌哄懒羊羊睡觉，事情本身就很可笑，唱出来的歌竟然是:“我要吃羊，我要吃羊，懒羊羊，懒羊羊……”造成了爆笑的效果。   《兔年顶呱呱》中更是植入了大量新近流行的网络热词。比如但凡角色作出什么精彩的表演，台词中必然会出现“好给力”的感叹。流行词汇接二连三地出现在各位主角的对话中。比如“我的狼生简直是茶几和餐桌上摆满了杯具(悲剧)和餐具(惨剧)啊!”“神马”“浮云”等等，听到这些2010年度的网络流行语出现在卡通动物的口中，让人倍感亲切。   (三)老少皆宜，寓教于乐的创作风格   制片方推出的《喜羊羊》系列不仅注意满足小观众的需求，也想方设法满足家长们的需求。尤其是《喜羊羊3》，在内容和语言上进行了改良，加入了一些与成人世界相结合的元素，如房屋强拆、医保没有着落、中年男人的危机感等，引起成人强烈的共鸣。如灰太狼的一句:没钱买奶粉啊!引起了多少家长的同感。而红太狼怀孕了，灰太狼却还没准备好钱包，又使多少成年观众心酸?它取材和平、环保、绿色，在语言上植入网络热词，076轻松幽默，儿童看了不觉得教条，成人看了也不觉得低幼。   受众在自由、轻松、亲情、友爱的氛围中，悟出生活的真谛。   同时它的教化作用并不因为角色的不完美而被削弱。   对于孩子们来说，要灰太狼学习把蛋带回家给爸爸妈妈一起吃，比向哪吒学习闹海打龙要容易得多。而作为孩子们的父母，要向喜羊羊或者灰太狼看齐，也要比向孟母或者岳母看齐要轻松得多。这种人性化的创作思路把艺术生活化了，更贴近了受众的心理，营造了轻松而无负担的喜剧效果。   二、准确的市场定位与成功的营销策略   《喜羊羊》系列没有超过亿元的投资，没有顶尖的制作技术，却能够以小搏大，凭借的是精准的营销策略和准确的市场定位。   (一)以电视动画片为基础的熟悉的味道   动画电影版《喜羊羊与灰太狼》的热映并非出于偶然。在电影版推出之前，国产电视动画片《喜羊羊与灰太狼》自2005年开播以来，已陆续在全国近50家电视台热播近500集，长盛不衰。同名漫画书推出后，也立刻成为畅销书，销量超过百万册。这些品牌化、系列化、持续化、高产量、低成本的设计制作，为《喜羊羊与灰太狼》品牌的滚动传播打下了深厚基础。   (二)紧锣密鼓的前奏与绝佳的档期 #p#分页标题#e#   在上映前，影片的广告持续一个月在CCTV各频道滚动播出，广告播出时段也针对性地安排在《喜羊羊与灰太狼》剧场版的间隙。此外，制作方在各大网站也做足了噱头。如《喜羊羊1》(牛气冲天)宣传该片将著名明星好男儿“兄弟连”、阿牛等配音，阿牛更精心为该片创作献唱《Happy牛Year》，赚足了明星粉丝的电影券。这些措施使得《喜羊羊与灰太狼》电影版在上映前就给全国观众留下了深刻的印象。另外三部《喜羊羊》都安排在寒假期间上映，中小学生能够拿出充裕的时间前去观影。时值春节，家长也有时间、有兴致陪孩子一起观影，过一个快乐的大年，这样《喜羊羊》系列成了为美好生活锦上添花的一道精神美餐。   (三)余音袅袅———衍生产品推波助澜   《喜羊羊》系列影片上映后，开发商还抓住时机发展衍生产品，开发出了拥有版权归属的动画形象的电影附属产品，迅速占领了中国市场，获得了巨大的经济效益和品牌效益。这使得影片得到了长久的保温效应。   三、动画电影《喜羊羊》系列   对发展国产动画产业的有益启示中国动画要改革并不是一次零起点的尝试，而是建立在汲取以往经验和别国经验的基础之上，保持我们自己民族风格和美学品格。《喜羊羊与灰太狼》正是一次继承我国成功经验，适应我国国情，借鉴国外制作和营销模式的一个优秀案例，为我们破解中国动画业困局提供了一种思路。   (一)拓宽受众定位   动画片最单纯的本质是创造梦想，呼唤童真。这不仅仅是儿童、青少年所需要的，也是那些为稻粱谋的成年人所需要的。优秀的动画片主创人员应该懂得怎样造梦，造怎样的梦。《喜羊羊》系列影片的成功就是因为除了搞笑之外，还包含了许多人生的智慧，使它能够吸引更广泛的受众。   据统计，我国真正对动画痴迷并具有相当消费能力的是12岁至28岁的青少年，而非低幼群体。而这个年龄段的作品却几乎是国产动画片的真空地带。过窄的受众定位直接导致动画片内容低幼平淡，道德说教性强，缺乏想象力和创造力。所以，拓宽受众定位，是我国动画产业改观的决定性措施。   (二)注意寓教于乐的方法和尺度   苦难的中国让中国动画从开始就以教化为己任，而相对忽略应有的含蓄、幽默与娱乐性。可过于注重寓教于乐直接导致了幽默和童趣的缺失。这正是中国动画创作上的瓶颈。《喜羊羊》系列电影“童趣而不幼稚”，启智而不教条，所以才获得了长幼的一致欢迎。所以，现在中国的动画电影要把商业、娱乐因素加进去，不能把动画片继续当做教科书或传声筒，要研究使商业性和艺术性及教育功能完美结合的新途径。   (三)打破保守的创作思路，开发出更多反映现实题材、接近生活的作品   国产动画最大的缺陷在于创意不够，不是取材于神话和民间故事，就是寄希望于翻拍、再版，时间一长，吸引力就降低了，很难具有竞争力。《喜羊羊》系列电影的成功很重要的原因就在于富有创意，比如它的台词非常幽默诙谐，时代感强。再如它对反派形象灰太狼塑造得非常可爱而并不讨人厌，这种做法一改先例，极具新意。其实，生活就是一个巨大的宝藏，很多成功的动画电影都来自于编剧的生活体验和对生活的热爱。从熟悉而亲切的生活中看出新意，就能获得丰富的创作题材和灵感。   (四)借鉴国外成熟的运作机制   国外动画片的运作机制相对比较成熟稳定。一部动画片从投资、创作、制作、媒体宣传、市场运作，到种种派生品的生产，有一条庞大而完善的产业机制链。我国动画产业起步较晚，产业规模较小，产品营销等诸多环节都还不太成熟。《喜羊羊与灰太狼》积极摸索适合中国市场的成功之路，从电视动画到图书出版，从周边产品到电影创作，整体运作成效颇为显著。   由此，我们应该发现，如果想让我们的动画电影获得更强大的艺术感染力，获得更广大的市场，我们必须保障动画电影的艺术水平，以形象制胜，以语言制胜，以取材制胜;要更新观念，学习国外先进的营销模式和制作理念。   相信在中国动画人的努力之下，一定会出现一个又一个的“喜羊羊和灰太狼”。

摘要：动画电影在表现人物形象、故事情景中，最常用的手段和方式就是调整色彩，利用色彩元素，凸显故事节奏与内容，和观众展开思维和视觉的碰撞，带给不同年龄段观众不一样的灵性魅力和想象能力。对于动画电影来说，合理搭配色彩语言是非常重要的事情，能够带给人们不一样的感受和启迪，体现动画电影独有的艺术价值和审美观感。

关键词：动画电影；色彩；语言；灵性；魅力

色彩是大自然赋予人类非常美好的一种事物，美的动人的故事可以用色彩的衬托，色彩渲染氛围让影像充满了活性与灵性。创新设计配合精心组合的色彩，才能构成具有吸引力和灵性的画面镜头。色彩的语言，不仅是电影中视觉元素，同时也是视觉影视特殊的存在模式。色彩能够让动画电影更富有魅力和灵性，从某些角度，可以将色彩语言看作是动画电影灵魂。精心设计，合理搭配语言和色彩，才能让电影画面呈现强烈的视觉冲击，升华观众和导演情感体验，展现其中独有的情感魅力，营造超现实的梦幻景象。

一、使用色彩展现动画电影意图和追求

当视觉文化时代，图像已经逐渐成为文化主导角色。我国目前正处在文化转型的关键时期，语言化至形象化的转变，成为了最大特征。现如今，动画电影靠着各种先进的设备、技术，已经能够为观众呈现五光十色的色彩。梦幻的世界、美妙的情境、动人的故事，在色彩的加持下，充满了活力与灵性。色彩让动画电影有了形体、框架与灵魂[1]。大多数动画电影观影人群是青少年和儿童，较低的年龄、较少的生活阅历，因为能够吸引孩子们的内容，只有丰富新颖的色彩。年龄小、知识有限、没有社会意识、感知力差、情感辨别能力不足是孩子最大的特征。孩子只能看到动画电影中形形色色的人物头发、衣服、周围场景的颜色，孩子并不关心故事内容是否有积极向上的意义，有趣且色彩鲜艳就能吸引孩子。动画电影呈现丰富多彩的美妙世界，带给孩子趣味十足的色彩感知体验过程。如《猫和老鼠》中，出现灰色的颜色块，孩子即便还没有看清图形，就已经想到了汤姆出现。再比如《忍者神龟》中，看到4个绿色的色块，孩子第一时间也能想到是忍者神龟出现。在动画中，达·芬奇有着代表性颜色蓝色，拉斐尔有着代表性的颜色红色，米开朗琪罗有着代表性的橙色，多纳泰罗有着代表性的紫色。孩子看电影的时候，能够根据绿色色块的眼罩颜色分辨忍者神龟们的名字。孩子本身的成长规律、性格决定了复杂的颜色对于孩子而言毫无吸引力。简单的色彩搭配、构图，且直观的色彩认知，才能吸引孩子[2]。孩子被画面所吸引，培养了孩子的视觉美感，能够让孩子在亮丽色彩、运动连续画面中得到许多收获。

二、色彩语言感知魅力

拥有独特内容的电影，才能吸引他人，形成感知力，从中感受到艺术魅力。电影化是电影色彩独有的特殊性质，使用色彩展现运动型、视听联觉性。在电影动画里，色彩真实和谐、相互依托，有着艺术、自然的特征，能够让影片观感呈现和谐美，最大化揭露电影本质。动画电影中的色彩，让动画电影充满了艺术特质，能够带给观众美的享受和启迪。

从上海迪士尼乐园到北京环球影城，市场的反馈一次次验证了，动画电影IP的应用场景和体验，早已超出了电影院的范围。中国动画电影如何在打磨电影品质的前提下，拓展更多的维度，为观众带来更为丰富的体验，是用户和产品生产方都十分关心的问题。

一、国漫崛起动画电影市场在转型

近年来，在全球电影产业遭受到了疫情影响的大背景下，中国电影行业在危机中彰显出了强大的韧性和无限的生机，其中动画电影以其独有的虚拟、夸张等独特的艺术特点构成了独立的美学体系，具有特殊的审美价值，也保持着良好的发展态势。在今年北京国际电影节中国动画电影论坛上公布了这样一组数字，2020年，在疫情的影响下，中国依然有34部动画电影上映，总票房超过了27亿元，其中动画电影《姜子牙》独挑大梁，取得了16亿元的喜人票房。2021年以来，中国内地共上映五十余部动画电影，其中国产和中外合拍动画电影中的5部票房过亿元。从多个渠道观察，近年来中国电影市场中的动画电影无论是从数量上还是票房占比都在持续攀升，一批优秀的国产动画电影频频上榜，日益精良的制作和打动人心的故事也在国际市场上树立了国产电影的良好口碑，观众也越发期待动画电影的上映，可以说中国动画电影行业迈入了一个新的阶段。一部电影就是一个IP，IP想要全面焕发生命力需要我们进行全方位探索。融创文化总裁、融创集团董事孙?一表示：“在文化强国战略发展的前提下，包括新时代的机遇下，现在我们发现有一大批的中国动画电影已经开始亮相，作为这个行业的从业者也感受到了国漫的崛起。我们也要理解现在整体的动画行业面临着很多的挑战，其实从《大圣归来》到《姜子牙》《熊出没》系列和《白蛇》系列，我们都看到了这个市场的机会，但今年的整个票房包括现在的人才流动、成本的上升，其实也现实地体现出了很多现有的问题。未来中国动画电影怎么发展呢？第一是坚定地做好内容，第二是全产业变现，所以以超级IP连接美好生活是融创动画一直提的一个原则，我们希望通过IP+内容+新消费+新场景的战略布局，推动整个行业变现的通道和新的消费场景的融入路径。”“每次提到国漫崛起，我们认为始于内容，但一定不止于内容。”融创文化总裁助理赵国栋坦言，“成熟的动画市场非票房收入基本上已经占到整个IP收入的百分之六十以上，而融创动画也给自己制定了一个目标，我们希望到2025年的时候，融创动画IP非票房收入能够达到百分之五十。随着Z时代的兴起，新一代的观众对互动性的体验也提出了更多元的消费需求，IP潮流的结合也促进了泡泡玛特这样的公司的快速发展，强互动性和沉浸式的实景消费体验，也将是IP衍生价值进一步放大的新领域。我们看到有一批新的AR、VR、互动剧这样的公司不断诞生，让我们也看到了另外一个巨大的市场，这些新的商业形态都会为国漫内容的衍生开发创造一个更好的市场环境。”

二、内容衍生开发常态化

动画电影IP生命力更旺盛今天的国产动画行业，已经不再是仅靠票房单打独斗的模式了。在全球动画电影大力发展和中国动画电影市场逐年扩大的背景下，中国动画电影不仅在票房上再创佳绩，也通过IP授权、线下场景融合以及其他衍生形式创造出更多的非票房收入，正逐渐组成动画电影价值体现的一个重要板块。IP的商业化正在助力影视内容实现更长远和更可持续的发展。例如华强方特将动画的内容和主题乐园结合，位于天津滨海新区方特欢乐世界度假区的熊出没主题酒店，今年一开业就异常火爆。而近两年由追光动画出品的《哪吒重生》和《青蛇劫起》，也在衍生品方面与国内知名潮流百货零售品牌泡泡玛特有着深入合作。IP常态运营也是融创文化的一个重点布局和优势所在，赵国栋介绍：融创文旅在全国的核心城市大概有十二个文旅城、四个旅游度假村、若干个乐园、四十八个商业体，利用这些资源，我们希望在新场景、新消费领域能够积极探索。以动漫IP阿狸举例，阿狸的茶与店、住宅乐园、阿狸呓境都是我们在新场景应用取得的一些成绩，也获得了很好的商业回报。在IP衍生授权领域，现在融创文化集团已经有一万个品类的SKU（库存量单位）的积累，线下渠道有三千家，授权的合作伙伴有五百家，举办了上百场的IP主题活动。IP为线下场景赋能，线下场景反过来也对IP提供了更多的消费体验和触点，这些触点又会进一步地为IP增加更长久的生命力，这是一个相互赋能的过程。“艺术创作充满了感性，集合着艺术家们的想象力和创造力，但也充满了不确定性，这是我们做内容的一个巨大的挑战。与此同时，商业又要求以数字做精确的计算，充满了确定性，追求确定性。融创动画的IP开发中，我们也希望能够将常态运营的理念充分地前置，希望尽可能地寻找在内容开发，找到内容长期价值开发的最大的确定性，在内容开发的开始我们就让专业的商业开发和运营的人才充分地和创作者沟通和碰撞。比如剧本一稿的时候，通常我们就会让衍生设计部门加入进来，开始规划未来的衍生开发和实景运营的方案，然后将衍生的可能性尽可能早地考虑进去。”赵国栋说。作为一个动画电影的作者，冰滴映画工作室导演、动画电影《姜子牙》导演程腾谈了他对动画电影与IP关系的看法：可能电影本身比较特别，包含了多个属性，电影既能自己创造一个IP，本身也能够包装这个IP，把它告诉给观众，同时又能够变现，有它的票房收益。之前国内的动画行业比较倚重电影变现的属性，所以我们可能会稍微更重视票房成绩。当然，电影票房成绩也很重要，尤其是它是观众对你认可度数字化的体现，但同时有的时候我就会在想，比如咱们中国有房地产、餐饮，这些行业哪个不比电影挣钱？电影挣的那点钱跟其他的那些龙头行业比简直就是九牛一毛，那么，为什么还有那么多人愿意做电影？其实电影除了变现以外有一个最厉害的特性，我姑且把它叫做广告属性，因为它可以把一个很美好的东西传递给所有观众，让观众制造出很强的记忆点，让每个人都看过、知道，并且在心里留下印象，其实它是一个非常厉害的大广告。整个电影后期的变现渠道的多样化，可能会把电影从特别侧重变现属性给稍微解放出来一点点，让电影更加侧重于内容本身，侧重于最强悍的广告属性。

三、寻找有价值的IP内容创作是重中之重

由于动画电影内容开发的独特性，针对动画电影进行IP运作和衍生产品的开发，相对于传统的真人电影来说更具有优势，因此围绕动画电影IP产业链的商业模式进行分析和探讨对中国动画电影产业发展来讲是非常必要的。在谈到如何打造优质IP和把握优质资源时，可可豆动画总裁、电影《哪吒之魔童降世》制片人刘文章表示：我们团队是典型的内容创作团队，所以在我看来，把握优质资源，我能把握的可能也就是创作端，创作端最重要的就是把握好我们团队编剧的能力或者导演的能力，这个能力是属于创作能力，把创作能力把握住了，后续的这些所有的衍生的一切，就是所有的IP价值的总和才有可能实现。因为导演的能力足够，那么就有机会去尝试更多的可能性，尝试不同的风格，尝试不同的自己追求的艺术极致的表现形式，所以在我看来就很简单，也不用纠结，就是先把内容做好才有机会把IP价值变成从零到一的转变。什么是有价值的IP？华强方特集团执行总裁尚琳琳坦言：大家说IP很多年，都知道是IntellectualProperty，但是不是所有的知识资产都是有价值的IP？这是值得商讨的。个人觉得有价值的IP应该等于知识资产加上传播加上“粉丝”，这是我认为它的三个必备的要素。对于影视作品而言，我觉得天然就是有潜藏势能的一个知识资产，因为它有很大的关注度。第二点是传播。落在电影上就是好的宣发，大家都知道一部好的电影的票房不光取决于作品本身，其实有方方面面的因素，天时地利人和缺一不可。我们看过太多的作品，其实好的作品最后可能没有拿到应有的票房，也会看到有些感觉不一定是特别好的电影，但最后可能也能够拿到不错的票房，其实这是方方面面因素综合的成果。最明显的一个例子，《大话西游》，经典的IP，但所有人都知道刚上映的时候票房并不好，甚至在国内只上映了一段时间就被撤档了，直到在中国的大学开始传播之后，这个IP才被所有人所熟知，后来变得特别的火，甚至成为至少是一代人的经典，所以我觉得这是传播的重要性。第三点，是“粉丝”，落实到IP的话就是持续的运营，尤其对电影来讲，其实电影相对于电视系列片或者网剧而言，存在的一个问题就在于它的时间太短，上映的周期基本上只有一个月，最多两个月。其实对整个观众曝光的时间就太短，那么这样的情况下，就会造成一个问题，“粉丝”对你的记忆度是不是足够深刻，是不是能够一直延续下去？其实我们看到现在国外的一些动画电影，包括现在国内本土的动画电影做得都很好，都在出下一部电影的空隙阶段不断推出各种各样的内容作品，目的是让“粉丝”不要忘掉我，让“粉丝”仍然喜爱我，这是蛮重要的，就是不断地去强化观众的记忆。我们看到《哪吒之魔童降世》之后还会有很多短片出来，实际上是持续地维持“粉丝”的热度。“我觉得一个有价值的IP可能需要有这三点因素的联合持续打造，才能最后成为一个真正有价值的IP。”尚琳琳表示，“谈到全产业链发展，这个就更加复杂了，因为问题太多了，我只想讲一点。方特算是国内比较早开始做衍生授权的企业，其实做了这么多年，我们目前基本上所有产品的品类都有涉及，不管是食品、饮料、服装、玩具，我们会发现其实这是一个体系，不光是有StyleGuide就可以，把形象授权出去就可以，需要一个持续的服务，理念是否契合的选择，最后的营销和所有的渠道，甚至包括知识产权的维护，我们作为品牌方都需要和授权方站在一起，协同他们一起打造一个好的产品、好的渠道，才能真正做到产业链的发展。”

【摘要】近些年来，随着动画电影的蓬勃发展和科学技术的不断进步，人们对动画电影的创作也提出了更高的要求。过去以儿童为主要观影对象的动画电影如今的受众群体越来越广泛，动画电影也不再专属于儿童。由于受到了各个年龄段人的追捧，动画电影面临着内部的困难和外在的挑战。本文主要对21世纪动画电影的发展现状及趋势进行分析。

【关键词】儿童；动画电影；受众群体；现状；趋势

动画电影是电影的一个分支，也是电影的重要组成部分。它起源于19世纪上半叶的英国，兴盛于美国。经过了百年的发展，动画电影已经有了较为完善的理论体系和产业体系，并以其独特的艺术魅力深受人们的喜爱。不同于传统意义上的动画片，动画电影是将电影、绘画、音乐、摄影、文学等多种艺术形式结合在一起而形成的一种新的综合艺术形式。近年来，伴随着电影产业的蓬勃发展和影视技术的不断革新，动画电影的发展势头也越来越迅猛，已经成为了电影界中举足轻重的一部分。像《功夫熊猫》《寻梦环游记》和《爱丽丝梦游仙境》等优秀作品纷纷被搬上银幕，深受广大观众的喜爱，并成为了票房收割机。美国动画电影《冰雪奇缘》于2014年上映后，不仅一举夺下该年度包括奥斯卡最佳动画长片奖、最佳原创歌曲奖在内的各大国际重要奖项，还取得了超13亿美元票房的傲人成绩，在世界各地掀起一股冰雪狂潮，成为迪士尼流行文化输出的重要部分。动画电影不仅在美国获得了极高的关注度，在我们国内亦是如此。2015年上映的《西游记之大圣归来》、2016年上映的《大鱼海棠》以及2019年上映的《哪吒之魔童降世》等电影都深受广大观众的喜爱，并引发热议。纵观近些年动画电影的发展，我们不难发现，动画电影的拍摄技术在不断提升，受众范围越来越广，对各种文化元素的运用也越来越多。与此同时，传统动画电影已不能满足观众的需求，人们对动画电影的内容和形式都提出了新的要求。

一、动画电影的发展现状

在1980年，萨格勒布国际动画联合组织会（ASIFA）对动画的定义如下：动画是指除使用真实之人或事物造成动作的方法之外，使用各种技术所创作出的活动影像，亦即以人工的方式所创造出的动态影像。这一定义主要区分了动画电影与真人电影的区别。其区别主要在于作品的技术生成性和角色的绘画性。相比于真人电影来说，动画电影的叙事手法更加丰富，可以以一种夸张的方式来表达人物的思想，也可以更好地展现创作者的想象力，从而达到一种真人电影无法实现的效果。

（一）拍摄技术的革新

就拍摄方式而言，很多人常常误认为动画与一般的影视作品的拍摄方式是相同的，实则不然。在三维动画出现以前，对动画技术比较规范的定义是采用逐帧拍摄对象并连续播放而形成运动的影像的技术。不论拍摄对象是什么，只要它的拍摄采用的是逐格方式，观看时连续播放形成活动影像，它就是动画。随着计算机三维影像技术的不断发展，三维图形技术越来越被人们看重，并被越来越多地运用于动画电影的创作中。相对于过去的二维动画来说，三维动画具有独特的优势。首先，减少了创作人员的工作量。相比于过去创作人员一帧一帧手绘，三维动画可以重复使用画面，修改时也只需要修改某个部分，而无须整体改动，这为创作人员带来了极大的便利。其次，三维动画的画面更加真实，并可以突破过去手绘的技术限制，让角色变得不再那么呆板，也能将创作者设想的画面更精准地展现给观众，给观众带来更好的观影感，实现很好的审美效果。1995年，皮克斯的《玩具总动员》标志着动画进入三维时代。此后，三维动画技术在整个社会掀起了动画电影制作的浪潮，催生了一大批优秀的动画电影，例如《驯龙高手》《神偷奶爸》《超能陆战队》等。最后，三维动画还促进了主题的创新，让动画电影具有当下的意义。人类在现实生活中的困境、期盼和情感成了电影新的关注点，展现了电影强烈的现实关怀并让观众产生共鸣。