前言：寻找写作灵感？中文期刊网用心挑选的舞台美术设计的重要性3篇，希望能为您的阅读和创作带来灵感，欢迎大家阅读并分享。
摘要：随着社会经济水平的不断提升，服装表演在我国流行了起来。服装表演属于综合艺术，涉及舞台美术、音乐鉴赏等领域，在我国有着较长的发展历程，到现在发生了很大的转变。对服装表演舞台美术设计的发展现状进行分析，为服装表演舞台设计提供参考。
关键词：服装表演；舞台美术设计；表现形式
服装表演是视觉美，国家真正发展是从开始培养美学开始，可见服装作为重要发展方向，对提高国家知名度有很大帮助。在新时代的背景下，人们开始有了高层次精神追求，也就是指精神财富，比如：服装设计表演，是一种精神享受，受到了青睐，扩大服装表演的影响力，对舞台设计表现形式进行创新，打造独具风格的表演舞台成了美学发展主要内容。
1服装表演舞台设计视觉言语的阐明
1.1舞台设计的发展历程
在14世纪末有了服装模特，开启了服装表演，真正看到服装表演是在芝加哥T型舞台表演。舒展式舞台成了常用设计，表现方式有多种形态。随着社会的发展，服装表演越发多样化，守旧舞台设计已经无法满足现代化社会对其的需求，很难呈现服装表演张力，需要注入新视觉表演方式。现如今，舞台设计成为了服装表演的重要一环，在空间延展性、后台布景上要与时俱进，在实践中探索积累经验，推出新舞台设计表现形式[1]。
1.2舞台设计的性能和美感要求
服装表演的目的在于展示服装，表演舞台设计则是为了展示服装打造舞台氛围，用来烘托服装表演，让观众在这种氛围下对其有一个更深的感受，体会文化韵味。舞台设计性能是为了满足最低需求而开展，对于舞台设计应合理筹划，特别注意舞台高度、宽度、布景实用性能。在服装表演升级中，舞台设计性能开始强调美感，需要在满足表演需求的同时，注入文化内涵，选用靓丽的色彩、造型凸显特色体现美感，而这些理念会对服装表演设计产生直接的影响，观众在观看服装表演舞台时，会有一个视觉冲击。随着服装产业的变革，对舞台美术设计有了新要求，对于主题服装表演艺术体现一定作用，比如：服装模特比赛、娱乐表演等，针对服装设计新品开展不同类型的表演活动。在设计时，选用何种元素表达成了设计要点，是设计人员需要深入思考的一大问题[2]。
2服装表演舞台美术设计现状
服装表演艺术在经历漫长发展过程后，从服装商品推荐到多样化视觉艺术表现形式，从一开始，服装设计师就有注重演出形式，让观众观赏到服装在模特身上所呈现的效果，实现服装设计与舞台美术的融合，通过灯光、音乐、环境等营造视觉盛宴，引领潮流。让观众在舞台美术设计中对其有一个更深的感受，了解设计理念与内涵，其实是在三维立体空间基础上进行设计，打造视觉造型艺术，与二维造型比有着更多的表现形式，包括色彩、活动、造型等设计元素，在舞台场景中应用这类元素可以丰富表演内涵，与观众审美发生碰撞，展示出独特的魅力。在新时代的背景下，人们的审美发生了变化，开始在这一领域应用科学技术，丰富表演形式，展现出独特的服装视觉艺术设计形式。在表演过程中，服装表演艺术时尚理念开始朝着多样化的趋势发展，让商业化设计得到了展现[3]。
3服装表演舞台设计的视觉表现形式
3.1合理切割的舞台空间布局
服装表演是一种视觉展示艺术，舞台美术视觉形象设计主要表现在形式设计、环境设计等等，有运用多种造型艺术手法，借助数字投影技术、高科技服装等先进技术，以舞台造型、舞台道具为载体营造出良好的视觉表现形式，用来呈现服装表演艺术，赢得观众的赞赏。服装表演舞台设计空间布局是给模特提供表演平台，呈现出视觉美感，利用空间布局变化打造舞台表现形式，对模特、美感切割空间布局，相互融合，呈现出空间布局层次感、演出功效。新时期服装表演舞台设计可以给人带来不一样的感受，营造奇幻舞台氛围，成了服装表演的重要组成部分。舞台设计相当于舞台言语，其中会有感性、心绪，比如：绘画线条，线条轮廓不同给人带来的感受也不一样，直线型舞台会有强悍感，S型舞台会有委婉感，有一种灵幻感。可见，服装表演舞台设计空间布局合理切割所起到的作用，合理切割舞台空间布局会使其更有布局感、条理感，需要根据服装表演舞台设计需求做出相对布局，才能呈现出完美的效果[4]。
3.2服装表演舞台呈现完美配合
服装表演舞台呈现形式是观众关注点，视线聚焦处，是通过舞台样式、形象等元素为观众呈现，使舞台设计更具美感，用以文化内涵气氛彰显舞台意境，呈现出良好的舞台效果，加上艺术创造，给人带来心灵上的震撼。服装表演舞台大多是延展式舞台，观众包围舞台进行呈现，这种舞台设计具有一定的延展性，可以拉近观众与舞台之间的距离。呈现的样式多种多样，有Y型、圆弧形、多边形等，视觉功效不同舞台高度也不同，空间布局要根据其做出合理调整，如：U型流畅、S型可以随时变换，而舞台设计样式焦点在舞台背景，是决定服装表演是否成功的关键，能够给大众带来视觉冲击，舞台背景也被当作集大成者。服装表演舞台设计涉及背景道具、灯光调节等，在性能上要有足够的展示空间，让服装表演深入人心。在服装表演舞台设计中，舞台所呈现的色调必须跟上舞台样式的变化，具有充足物资条件作为支持，样式、色调相互配合，给大众呈现出表现意义[5]。
3.3舞台表演意境的变化与聚合
舞台表演的目的不仅是给大众带来服装表演，更是传递美感、文化内涵的大综合，主要服务还是在服装表演上，舞台设计离不开模特的表演，采用艺术扩张形式进行呈现，适应舞台表演意境变化，可以让观众了解到模特所传递的服装主旨，意在通过服装传递设计内涵。舞台气氛如果受到条件限制，舞台表现技巧会运用假设条件，比如：符号、隐含等形式，是将特点、优势相结合，采用对应的视觉形式进行呈现。比如：在巴黎时装表演中，舞台设计非常用心，是以沙漠意境为主题进行呈现，有运用多个沙漠元素设计舞台，观众可以当做旅游欣赏服装表演，这种表现形式可以在兼具美感的同时，给大众带来独特的表演意境[6]。
3.4新科技带来的视觉新体会
在新时代的背景下，高科技让服装表演舞台设计更具独特性，给人们带来了视觉新体验。人对于服装设计的关注点一般在质量与视觉美感上，而对服装设计的第一印象往往来自视觉，通过服装设计舞台视觉装饰，可以给人带来视觉美感。利用新技术。本着新姿态，给人们呈现服装表演舞台设计意义。在这个互联网时代，大数据技术被广泛应用于各个领域，服装设计界应利用时代特征，对服装表演舞台设计表现形式创新。新时代下，服装舞台设计有着广阔的展示空间，具有一定的独特性，可以利用新技术模拟场景，给人身临其境的感受，走进独特世界，刺激观众的视觉感官。通过开展剧情设计，设计服装表演场地，在设计中积极引入技术，采用不同程度灯光打造立体化效果，让观众快速融入舞台特殊场景。场景不同，观众对其的感受也不同，结合服装展示营造良好平台，从而得到极致发挥。
3.5服装表演舞台设计
以往服装表演舞台是为服装表演提供一个展示平台，只能起到一个展示作用。现如今，服装舞台表演设计开始逐渐向着国家商业发展靠拢，成为专场，服装表演舞台设计作为一个重要环节，被独立出来，受到了大家的关注，开始展示服装表演舞台设计。这让舞台设计更为多元化，服装表演舞台大多结合服装设计表演所展示的风格进行设计，以及舞台模式，设计师要设计出符合观众需求的舞台，还可以开展剧情展示舞台，根据展示服装设计舞台风格，为剧情舞台设计赋予内涵，加深人们对服装设计的印象，从视觉到心灵有个更深的体会。将服装设计展示意义呈现给人们，给人们带来视觉冲击，达到展示目的，由此可见，服装表演舞台美术设计表现形式的重要性。
4传统造型艺术在服装表演舞台美术设计表现形式
4.1绘画
传统绘画艺术表现非常丰富，在创作中，大多是以画布、纸为主要材料，表现形式可以分为国画、西洋画，构成元素有色彩、造型，是舞台美术设计的重要组成部分，绘画外在表现形式常被用到设计作品中。比如：布达拉宫世界精英模特大赛，就有使用绘画装饰元素构建舞台造型，舞台造型大多是木质结构，墙壁是鎏金铜，柱体充满雕塑饰，这种艳丽色彩会给人带来视觉冲击，加上灯光映衬，可以呈现出生动效果，让表演舞台更加清晰。
4.2雕塑
雕塑在服装表演舞台美术设计中可以起到美化作用，有很多西方雕塑会参考人体结构进行设计，比如：维纳斯雕像兼具美化功能及教化功能，通过雕塑塑造伟人形象，让大家铭记于心。将雕塑设计应用在舞台美术设计中，能够呈现出良好的效果，主要是因为雕塑具有体积感、美化功能，有很多舞台设计有用雕塑构建舞台背景。还可以融入设计理念，让舞台有个层次变化，打造广阔空间，呈现出生动、立体的效果，丰富服装表演舞台，实现舞台设计统一。
4.3建筑
服装表演舞台三维立体空间呈现方式关系到设计效果，需要先明确舞台设计目标，构建三维立体空间视觉环境，让观众在这一环境下，感受服装设计师所要传达的理念。三维空间涉及深度理念，需要打造独特性效果，从远景、近景等方面进行，与景观元素相互配合优化舞台设计效果，呈现建筑特征。但是在服装表演舞台美术设计中，设计师不会照搬建筑造型，大多是选用建筑框架式结构，营造舞台美术氛围，让舞台效果更具感染力，吸引更多观众，让人们在观赏过程中对其有一个更深的体会。
5现代造型艺术在服装表演舞台美术设计表现形式
5.1环境艺术的应用
环境艺术是指针对环境艺术工程做出合理的空间规划，提出综合计划，包括设施计划、装饰计划、构造计划、审美计划等等，环境艺术属于新系统工程，所涉及的专业内容比较多，具有一定的综合性。设计人员应当加大对其的研究，掌握相关专业知识，做到实践与理论相结合，严格按照标准及要求开展工作。例如：设计师三宅一生就有利用地铁站开展时装演出，给人一种时空穿梭的感觉，使服装表演场景更加丰富，有着一定的独特性，可以体现服装表演舞台美术设计创新形式。
5.2构成艺术的应用
构成艺术作为重要艺术形式，来自构成主义，被广泛应用于平面设计、网页设计中，是相关专业人员必须学习的基础理论课程，这种艺术设计形式主要以抽象形式呈现，通过重组构建，让观赏者对服装设计舞台表演有个深刻印象。
5.3展示设计的应用
展示设计需要通过平面布置、色彩调节等配置实现，呈现出极具艺术感染力的艺术效果。在展示设计中，传递所要展示的内容，让观众理解其中内涵，在观赏中产生感想。服装表演艺术目的是展示艺术，设计元素必须与整体舞台艺术风格统一协调，选择一些饰品成为舞台美术设计主要内容，营造整体气氛，让观赏者一眼了解设计目标与设计者所要呈现的氛围。
6服装表演舞台美术设计的具体方法
在服装表演美术设计中，应当注重虚实结合，利用有限的舞台空间环境为模特提供无限表演空间，扩大服装品牌影响力，呈现独特的舞台效果。这种舞台美术设计手法，重点不仅在视觉造型手段，还在于新颖思维，会具有一定的文化内涵，可以适当融入图像元素，给观众带来不一样的体验，观众看法与设计师想法发生碰撞，形成隐蔽服装表演空间，其次是多元化形式，现阶段，服装表演舞台美术设计有用到多元化舞台设计手法，随着科学技术的发展，艺术形式得到了丰富，可以点明服装表演主题，增加舞台魅力，烘托现场氛围。比如：利用现代化3D打印技术，对舞台美术表现形式进行创新，打造绚丽舞台背景，让人们在欣赏过程中产生独特感受，最大程度体现应用效果，对服装表演艺术的发展有着重要意义。
结语
根据上文可以得知，在新时代的背景下，服装表演舞台设计受到了关注，其目的是主要在于优化服装展示，让观众欣赏到服装设计的美丽。随着现代化社会的发展，服装舞台设计在本质上发生了转变，现如今不再只是陪衬，开始被当成独立环节赋予内涵，具有独特设计理念，在服装界地位得到了提高，从舞台设计到新视觉体验，呈现服装表演舞台设计表现形式特殊意义。
作者：黄兆珩 单位：武汉传媒学院
舞台美术设计的重要性篇2
一、文本创作阶段与编剧沟通舞美可能性
舞台设计的整体构思要基于对戏剧文本的理解，而理解剧本以及剧中人物最直接的办法就是不断地与文本创作者进行沟通。然而在实际工作中，我们排演的剧作多以名家作品为主，很少有机会能与原作编剧直接交流想法。由于《城中纪事》是笔者与戏文系同学姜文婧共同出品的原创话剧，我们采用了大胆的创作手法——舞台美术设计在戏剧文本创作阶段就参与其中，编剧与舞美通过各自的专业所长碰撞灵感。可以说这是一次大胆且充满挑战的实验，一方面，编剧可以通过舞台设计提供的空间来构想人物存在的环境；另一方面，过于具体的环境又会制约编剧的想象力。文学编剧在进行文本创作时往往聚焦于故事中人物的动作以及对话，对于舞台空间的构思往往并没有概念，甚至害怕麻烦就怯于想象。舞美在文本创作阶段就参与其中能够为故事人物提供各种可能性空间，可以帮助剧中人物更加生动丰满地存在于舞台之上，从而增强编剧不断深入刻画故事人物的自信心。然而，很多舞台美术设计者在构思舞台艺术作品时，往往最先着眼于剧本提示和导演的要求，进而陷入模式化思维，即怎样表现、用什么方法表现、以何种质感材料表现，如此便忽略了戏剧文本最深层次的艺术理念和精神气质。这种模式构思下的舞台美术远远不能满足观众走进剧场想要获得美的快感与享受的精神需求。舞台美术设计者要让自己的设计符合文本的内在气质，而不是“跳出来”自说自话，这样才能让观众在一个稳定的“磁场”中获得审美快感。当然，舞台美术与编剧运用不同的专业知识碰撞出“异性相吸”的“磁场”其实需要很多的前提条件：观摩大量演出、阅读多类剧本、储备专业知识及经验，之后才能开始朝着同一个主题进行思考。由此可见，沟通不仅仅是语言的交流，更是思想火花的碰撞。《城中纪事》的编剧构思文本的核心理念是“假设未来，生产力和科技的发展趋于饱和，艺术家们并不创造产值的矛盾凸显，艺术家们该何去何从”。编剧试图通过舞台剧形式用“虚拟的乌托邦”概念将这种矛盾极致化，从而探讨当下现实生活中艺术家们的生存状态。在对剧本构思不断进行研究的过程中，笔者开始跟随编剧构思剧本的路径来绘制场景草图。比如编剧在构思剧中画家需要躲在一个隐秘的空间里独自画画的场景时，笔者迅速绘制了“下水道”的环境，后来又由“下水道”生发出以抽象几何体解构空间的想法，帮助编剧在创作过程中实现“文本可视化”。经过多番修改商议方案，最终我们采用了“剖开的盒子”这一空间概念。
二、演出前期与导演沟通演出整体氛围
舞台设计者与导演是相互配合、相互依存的关系。导演是把戏剧文本搬上舞台的“二度创作者”；是剧本的阐述者，把控演出的整体氛围；是戏剧创作的总领导者及组织者，对演出全局负责；在戏剧创作中拥有最终决定权。舞台设计者为演出提供视觉空间，可以说是演出的“视觉导演”。为追求演出整体效果的协调，导演与舞台设计者需要花费大量时间来磨合双方的审美以及戏剧认知。舞台设计者在构思舞台视觉效果时，除了依据剧本内容、表演风格外，导演的构思也是决定舞台设计样式的重要因素。相应地，导演也要理解舞台设计语汇。然而，在演出创作当中，导演与舞台设计者经常会发生矛盾，其中的原因普遍为导演与舞台设计者都希望让对方认可自己的想法；双方构思发展过程不同步，构思不成熟的一方必须被迫接受率先完成构思的一方；其中一方或双方拒绝沟通。由此可见，沟通在舞台设计者与导演共同创作的过程中发挥着举足轻重的作用。《城中纪事》的导演在工作中始终将舞台美术设计者作为密切合作者，主张舞台美术设计者自由发挥创造力，从不武断地否定其任何想法。在开始与导演见面时，我们多是谈论对于剧本的理解，“城中艺术家生活在概念化的体制下，会感觉到压抑彷徨，首先要从视觉上营造压迫感，其次这部戏属于比较文学化的乌托邦范畴，我们可以以现代化的视角去细化世界观，构建合情合理的未来世界”，这是导演对于戏剧文本比较宏观的阐述。“虽然舞台宏观上无需具象合理，但是细节处的真实却可以掩盖整体的不真实，同时细节处的失真又能影响整体世界观的构建，因而我们需要将场上的每一处细节都进行艺术化处理。”由此可见，导演对于舞台视觉的呈现已经大致有所规划。结合现代美学理论，笔者将自身的设计想法表述为“荒诞的超现实主义，试图采用非现实的手法制造压抑、矛盾的空间，通过特殊材质的运用锐化空间的未来感”。第一轮沟通结束后，笔者与导演都肯定了对方关于文本的理解，试图从对方的构思中吸取有价值的因素，扩充发展各自的想法。在笔者得知自己没有“跑偏”后，就迅速进入了二轮深化创作，试图用最高效的方式完成演出设计。在构思过程中，笔者找到一种名为“3DPinArt”的小玩具（可以在一个平面上变化出任意形状），正好契合导演构思中的“这座城应该是规整却又变化多端的”这一想法，我们试图用几何元素造型来强化空间的立体感，进而塑造理性的、有距离感的未来世界。在确定了整体风格以后，导演可以根据草图想象出真实演出场面，考虑舞台布景的设置是否有利于演员表演，然后舞台设计者就要根据导演的构思不断调整设计草图。这个不断探索交流的过程最需要双方的耐心，一旦一方急于求成或者拒绝听取另一方的意见，那么创作就无法向前发展。例如，笔者在不断调整构思的过程中想要强化展现“虚拟的城”，却发现传统的镜框式舞台并不能帮助构建这样的空间，于是笔者便及时与导演沟通。舞台美术设计者调整观演方式的想法对导演来说无疑是颠覆性的，这意味着导演要重新建立构思。采用非传统镜框式舞台意味着空间构思可以更加大胆丰富，可能性也更多，但同时也伴随着吊杆剧场灯杆不够用、观众观演心理调适等方面的问题以及各种突如其来的意外。做好与导演“争执”的心理建设后，笔者首先表示这种非传统式舞台设置理念是为了使演员真实地生活在“虚拟的城”中，而传统镜框式舞台虽然能呈现封闭且压抑的空间，却忽视了观众的代入感。观众如果坐在“工”字形舞台两侧就能产生身临其境的感受，仿佛也身在“城”中。此外，笔者强调了我们选择的剧场（上戏新空间）对于“工”字形舞台设置本身就具有非常有利的条件。经过多次沟通后，我们终于达成了统一意见——要创造“观众于城外近距离观察城中人”的观演体验，强化观众作为“审视者”的感受。在演出时，我们将剧场原有的座位席全部收起来，然后在舞台两侧放置统一的黑色椅子，在椅子下面布置了一些可以打向舞台中央的脚灯，再配合空中往复交织、若隐若现的钢丝绳，使观众一进场就如同进入了一个超现实主义的“城”。简言之，舞台设计者与导演的合作是一次相互碰撞、相互启发的冒险，双方只有完全地向对方开放，统一步伐，才能共同创作出完整的戏剧作品。
三、演出前期与灯光服化沟通
（一）演出前期与灯光沟通
阿皮亚曾说：“灯光是舞台造型的重要手段。”灯光能烘托舞台气氛，制造时空转换的感觉。而今，戏剧的革新给舞台灯光设计也提出了新的要求，灯光设计者不再拘泥于表现戏剧情境或是情感，他们的自我意识开始觉醒，开始注重自身个性的表达以及对剧作的独特思考。《城中纪事》的灯光设计者有着自身独特的美学认识和布灯策略，其在了解剧作风格、导演意图以及笔者的设计构思后提出“要用一些可见光源加在景片上给空间造型”。光源直接暴露在景片之外并且作为景的一部分而存在，这对于笔者的设计来说是一种很大的挑战，因为这样无疑是在设置好的完整空间里又多加了“几笔”。于是，我们开始在软件中模拟可见光源在场景中的真实效果，最终选定将4支白炽灯管置于盒子间的四角，压缩空间的距离感。由此可见，灯光设计与舞台设计在创作中原本不可分割，却又最容易产生矛盾，最有效的沟通方式就是通过实践检验真实效果后再决定。
（二）演出前期与服化沟通
在国外，舞台美术设计者不仅要担任设计舞台空间的工作，同时还要负责服装化妆的工作，这样是为了达成舞台视觉的高度统一。而在现阶段中国，舞台设计和服装化妆设计还分属于两个部门。在《城中纪事》的创作过程中，笔者与服装设计者的沟通基本上以交换图纸为主，力图将服装化妆设计风格统一于整体舞美风格中。其间，我们不约而同地使用了特殊材料来造型，笔者在舞台上使用PVC管道构建空间，而服装设计者则采用透明TPU面料进行制作。新材料的运用使服装设计风格与舞台设计风格有了统一的语汇表达。
四、制作阶段与制作工人沟通
实际制作效果才是检验一个舞台设计者是否合格的重要标尺。舞台设计者千万不能在完成绘图工作后就松懈下来，一定要与制作方随时保持沟通，定期到制作工厂监工，认可并赞美制作工人的技术，调动制作工人的积极性。由于中国舞台美术事业刚刚起步，参与舞台美术制景的普遍是一些文化程度不高的人员，他们对于设计图纸的理解度往往会有较大偏差，有时甚至会想当然地按照自己的经验去进行“二度设计”，这对舞台美术设计者来说无疑是灾难性的打击，因此监督工人制作的环节是必不可少的。
五、演出阶段与演员沟通
舞台是演员的存在空间，舞台设计者要根据演员的动作和角色需要来组织空间，从而为表演提供支点以及路线。斯沃博达强调：“演员是戏剧的主体”，他认为“戏剧动作本身包含着空间和时间，因此，空间、时间、动作的综合是舞台设计发展的顶点。舞台支点是根据特定的戏剧情节谋划的”。例如在《城中纪事》中，下水管道是必不可少的支点，因为它是画家为逃脱体制束缚肆意创作的栖息地。这是一个由直径2m、长1.8m的巨型管道配合直径15cm且长短不一的真实管道组成的空间，演员的表演也主要集中在巨型管道中。这种设置让两位身材健硕的男演员在管道中必须畏手畏脚地佝偻着背进行表演，他们感到很不满意。后来，笔者告诉演员“这种设置本身就是为了强化下水道局促阴冷的氛围”，然后通过拍照的方式和他们沟通舞台整体的视觉美感，帮助他们调整动作，以便其可以相对舒适地倚靠在管道壁上完成表演。通过这个限制演员表演的下水管道设计，笔者意识到舞台设计不能局限于创造满足演员表演的功能性空间，相反，有时需要通过舞台装置给演员的表演创造“阻力”，改变演员正常的行为方式，进而创造戏剧需要的“高度凝练的、超越现实的”形式感，强调舞台表现的“诗意”，展示戏剧的精神内核。
六、结语
作为一名舞台美术设计者，将自己的设计理念通过恰当的形式传递给接收对象是创作的最终目的，其中除了自身专业能力的积累外，还存在些许技巧。首先，在沟通过程中要了解剧组各部门的配置及性质，做好沟通前的准备工作；其次，在沟通过程中，无论对待任何部门的人，都要尊重对方，学会倾听他人的想法；最后，在沟通过程中，要尝试掌握沟通的主动权，自信地表达观点。在创作过程中不可避免地会遇到反复修改的情况，因此舞台设计者除了要具备沟通能力外，还要有不怕麻烦、经得住折腾的强大耐力，时刻保持着“战斗”状态。
作者：王芳 单位：上海艺真文化传播有限公司
舞台美术设计的重要性篇3
舞台美术设计是舞台表演非常重要的一个环节，如果舞台美术设计能够做到特色鲜明且表现力较强，则有助于让舞台呈现的效果进一步增强，甚至还会较大地影响整台表演。近年来，随着大众审美品位不断提高，大众对于舞台效果的呈现也更加注重，这就要求舞美设计人员进一步提升舞美设计的艺术表现力，从根本上提高舞台表演的整体艺术水平。而将民间文化元素运用到现代舞美设计中，能够让舞台设计效果得到增强，舞美设计变得活力满满，具有更浓厚的艺术氛围，进而有效满足人们的审美需求，有效传承传统文化。对此，本文针对民间文化的审美特征展开论述，并分析民间文化的自然性，同时对现代舞美设计中民间文化元素的应用进行探讨，以供参考。在现代舞台表演中，其最终所呈现出来的表演效果很大程度上取决于舞美设计。如今，人们的生活水平越来越高，同时对现代舞台也提出了更高的审美标准，这也就无形中对现代舞美设计提出了更高要求。基于此，对现代舞美设计而言，运用能够将我国劳动人民的思想情感、价值追求展现出来的民间文化元素就成了必然选择。众所周知，我国民间文化来自社会大众，是一种独特的艺术表现形式，是劳动人民结合生活实际所创造的。民间文化艺术这一概念十分宽泛，最早出现于原始社会。比如，在新石器时代就有日、月、山、花、鸟、叶和各种人物图案出现在当时的彩陶上，装饰趣味非常浓厚。到了商周时期，又有饕餮纹、夔龙纹、凤鸟纹等作为装饰纹样出现在青铜器上，让人既觉得神秘，又感到威严。到了汉代和魏晋南北朝等朝代，很多画像均带有民间艺术的影子。不仅如此，在剪纸、年画、皮影等一些我国民间广为流传的民间艺术中，也都借助各种艺术手法来丰富、美化人们的生活。其凭借自身自然的特性，让民间艺术长时间以来保持了非常活跃的生命力。所以，应注重充分融合现代舞美设计和民间文化元素，借助民间文化元素丰富现代舞美的形式与内容，使之灵活性、生动性更强，以此来提高舞美设计效果，让我国现代舞美的民族特色更加鲜明。
一、舞台美术设计与民间文化元素
（一）舞台美术设计概述
舞台美术设计是艺术创作的一种，舞美设计的过程充分体现创造性和观赏性。舞美设计涵盖的范围非常广泛，往往不能通过三言两语表达清楚，但也有部分专家学者对其做出了诠释。比如，布莱希特就曾说：“它是演员在舞台上的伙伴，是一种被建立的空间中经历的许多事。”而我国著名导演陈禺曾表示，舞台设计占到了自己世界的一半，观众和演员是另一半。由此可见舞美设计的重要性。须知，舞美设计具有一定的抽象性，无法轻松取得理想的效果，且也属于二度创作的范畴，在设计时应将剧本中的场景以及现实的具体情况同时考虑到，如此方可使所设计的舞美艺术同舞台本身更加契合。
（二）民间文化元素与舞台美术设计之间的关系
中国拥有悠久的历史文化，且随着时代不断发展，文化底蕴日渐深厚，思想、观念等也得到了进一步发展。而在文化产业发展过程中，舞台演出的地位非常关键，其肩负着传承文化的光荣使命。它借助演出连接起人们的情感，使之产生情感共鸣，从而助力传统文化的传承和发展。舞台演出的主线是“故事”，为使表演内容更具有现实意义，对舞美设计也就提出了更明确的要求。从民间传统文化着手对舞美设计予以创新发展是个不错的选择。以《大好河山》这部大型音舞诗画作品为例，整部作品利用精彩的舞台、绚丽的灯光以及精致的服装，同时配合独具特色的演唱，深刻塑造了张家口市的历史文化，使之成为这一地区的城市形象，也表现出优秀的传统文化精髓，充分融合了传统文化、山河风光、现代城市发展，并让三者均得到较好展现。
二、民间文化的审美特征
（一）自发性
民间文化形成于人民群众之中，其创造者是广大劳动人民，并为其精神世界服务。这种文化艺术不仅具有通俗的特点，而且传统色彩、地方特色也很突出。自发性是民间文化最具代表性的一个审美特征，同其他高雅文化相比，在创作方面并未有严谨性、规范性的要求，更多的是随性而为，且不受时间与空间的限制。简单来说，民间文化是基于人们的本质需求自然产生的，不受限于艺术创作中的各种规定，当人们想要表达欲望或宣泄情感时，便可随时随地进行创作，而这也是其自发性特征的主要表现。
（二）传承性
作为传统文化的一种，民间文化与其他传统文化一样，都拥有悠久的历史，均蕴含了伟大劳动人民丰富的思想文化。此类文化形式的传播力强，一般很快就能够被广大群众所知晓，并且生命力非常顽强，即使在今天，其影响力也丝毫未减。在传统文化中，民间文化是一个独特的存在，其主要有两种传播方式，分别是言传身教与口口相传。其中前者的针对性、目的性更强，传播范围局限于一个家族或是某个地区，所以个人风格、地域特色较为鲜明，且内容在经多次修缮、雕琢后也慢慢成为一种与众不同的文化艺术风格。而后者主要是通过人和人之间的口头交流得以传播，广泛性、流传性为其主要特征，内容大多比较简单，容易学习，很快就能熟记，便于二次传播，进而形成一个连续的传播链。
（三）娱乐性
除了上述提到的两种特性，民间文化的另一特性便是娱乐性。如今，在人们的生活中各种娱乐设施随处可见，人们的娱乐生活尤为丰富，但过去人们的生活几乎都被劳动占据，缺少丰富的业余生活，仅有的娱乐项目也缺乏较强的娱乐性质。在此形势下，各种民间文化随之形成。为了让闲暇时的生活变得更加丰富，人们创造了一些有趣的娱乐活动，同时通过积极优化，渐渐形成独特的艺术形式，蕴含了丰富的智慧，既可使自我娱乐的需求得到满足，同时也变得更加美观。以我们较为熟悉的皮影戏为例，其原理便是很多人都知晓的影子成像，在白色幕布上将各种故事传说表现出来，让人们的精神世界得以丰富的同时，也让人感受到极大的欢乐。
（四）实用性
民间文化在体现劳动人民智慧的同时，也用于表达情感，反映人们的内心世界与需求，因此此类民间文化产物主要凭借物质形式对精神需求进行展现，且人们也可在生活的多个方面运用这部分产物，让生活变得更加丰富，生活品质大幅提升，这也是其实用性的表现。拿剪纸来说，其颜色主要采用的是红色，剪裁出各种具有吉祥之意的样式，用于各种传统节日的庆祝，烘托喜庆氛围。
（五）自然性与地域性
自然性是民间文化的重要属性，其如同一块未经雕琢的璞玉，展现出人民群众对自然的真实情感。在古代，民间文化就积极提倡人与自然的和谐，并认为万物有灵并自有其发展规律，人们应与之发展规律相适应。民间文化在表现出自然性的同时，也对另外一个特征——地域性做了引申。地域性也是民间文化的主要特点，因为人们分散各地，故不同地域的民间文化的特点、形式均存在差异。中国地大物博，人口众多，就算是相同的事物，在各地也有不同的表现形式。比如春节，南方有吃汤圆的习惯，代表团团圆圆，而北方则通过吃饺子表达吉祥如意的愿景。虽然是不同的方式，但都是为了表达美好心愿。江南的民间文化以细腻柔美居多，仿佛水乡女子给人温婉可人之感；北方民间文化则彰显出大气恢宏的北国风光，让人充分感受到北方人民不拘小节直爽粗犷的性格特点。
三、民间文化元素在现代舞台美术设计中的应用
（一）借助民间文化图案切合实际的特征传达审美情感
在现代舞美设计中运用民间文化图案，能够将中华民族的精神文化内涵展现出来。一方面，能够增加设计形式的新颖程度，使之文化底蕴深厚；另一方面，重视对现代舞美设计思维的运用，积极迎合现代人的精神追求。以话剧《杜甫》为例，设计者在进行舞美设计时将话剧展现的场景信息联系起来，把舞台表演的背景定在了唐代。故事围绕杜甫这一人物展开，并与引人入胜的山水画相配合，将我国唐代的“实”景重现在观众面前，让人们感受到古代的文明，促进整个舞台效果的提升。另外，设计者注重从空间上营造表演意境，利用对朦胧舞台氛围的构建，创新性地表达中国传统水墨花纹。设计者在处理细节时，将中国传统道家、儒家、佛教文化融入其中，通过非常多的图案符号对深厚的文化意蕴予以展现，且十分生动形象。该设计最大的亮点在于，合理融合传统和现代，以夸张的手法创新传统文化，设计出与现在观众审美相符的现代舞台，不仅展现了传统文化的独特，也将现代文化特色联系起来，可以说具有非常突出的效果。
(二）科学运用民间文化元素，实现主体的升华
现代舞美设计在要求方面较为严苛，应充分考虑到其服务于整体演出的性质。在舞美设计中融合民间文化元素，应从整体入手，保证设计能够真正被执行。要将民间文化元素与实际的舞美设计要求联系起来，积极创新民间文化元素具体利用方式，促使其发挥出最大化的艺术表现力。另外，运用时应引入先进设计理念，尽可能创新性地发展舞美设计，打造理想的舞台效果，将独特的视觉盛宴呈现在人们面前，让人们充分体验到舞台的美，享受到美，进而引发情感共鸣。拿《草庐诸葛亮》来说，工作人员在设计舞台的过程中，要想实现最佳效果，需重视对各类舞台美术设计理念的运用，并与表演意识、民间文化相结合。具体而言，为了让最终呈现出来的视觉效果达到良好，设计者结合太极八卦图，将圆形作为整体设计理念，在不同位置设计不同形状、不同大小的草庐，如此，便打造出了参差交错的草庐建筑群。同时利用融合舞台设计和传统文化，在整体上增加了舞台的宽度和广度，让视觉效果更加丰富，人们的注意力也被牢牢抓住。不仅如此，自然的实体造型背景可以带给观众更加特别的观赏体验，进而将诸葛亮这一人物形象充分呈现在观众面前。且民间文化元素的运用也可让舞台艺术变得更加立体，便于直观地呈现主题思想，使预期的现代舞台设计效果成功实现。
(三）充分发挥民间文化色彩优势，实现设计的本质深化
民间文化很多时候都通过民间色彩来体现，作为一种民间文化要素，民间色彩很多时候都会被运用到现代舞美设计中。色彩心理学研究成果证实，随着色彩和人们的审美经验进行交互，人们对色彩出现了一定的心理反应范式。比如，在我国的民间文化中，红色是喜悦、激昂情绪的象征；蓝色会让人联想到大海，感受到平静。遵循色彩心理学规律进行现代舞美设计，并对代表民间文化、体现民间文化内涵及气韵的色彩予以有效运用，能够让舞美设计理念得到充分体现，丰富人们的色彩审美体验。以《印象·刘三姐》的舞美设计为例，设计者就对一些民间色彩要素予以有效运用。其五大主题色彩（红、绿、蓝、金、银）同漓江的水、桂林的山相互辉映，在以民间文化要素为基础的现代舞美设计中打造出如梦似幻的视觉效果，不仅使舞台艺术非常接地气，也更加生动。借助形式新颖且以民族土壤为基础的舞美设计呈现民间传说，不仅充分反映了现实生活，也将极具浪漫主义色彩的瑰丽想象体现出来，《印象·刘三姐》可以说是民间色彩元素在现代舞台设计中最具代表性的一个例子。
四、结语
民间文化是我国传统文化不可或缺的一部分，其极大地影响着人们工作生活的各个方面。在如今的现代舞美设计中，基本上已经看不到传统舞台的形式、框架，对民间文化元素的运用不仅让舞美设计的水平较过去有了很大提升，而且整个舞台表演效果也更好。所以今后，我们需继续深入研究民间文化，重视中华优秀传统文化的运用，并结合现代舞台美术设计向人们呈现全新的美的体验。
作者：侯绪鹏
