前言：寻找写作灵感？中文期刊网用心挑选的抽象艺术内在精神的本质，希望能为您的阅读和创作带来灵感，欢迎大家阅读并分享。
作者：周建宏 刘丹丹 单位：海南师范大学美术学院
俄国著名画家、美术理论家康定斯基是第一位创作出真正意义上的抽象绘画大师，是抽象绘画的先驱，是世界公认的现代抽象绘画的创始人，有“抽象表现艺术之父”的美誉。其最具影响力的作品《构成第四号（战争）》《构成第七号》分别完成于1911年和1913年。康定斯基在进行绘画创作的同时，积极探索和思考艺术精神的本质，著述了《艺术中的精神》和《论点线面》等抽象理论巨著。《艺术中的精神》是康定斯基第一本系统阐发他的抽象艺术主张的理论著作，被誉为“抽象艺术的圣经”；《论点线面》是康定斯基的重要理论著作且也是《艺术中的精神》的续篇。
康定斯基的个人经历和境况非同寻常。他曾从事与艺术毫无关系的法律工作，到30岁才开始投身绘画艺术，而在这之前他是一位天赋很高的业余画家。1896年康定斯基离开曾给他艺术感悟以深刻影响，后被他亲切地称为“童话莫斯科”的故乡。于是，他放弃了法学教授的辉煌职位，移居慕尼黑，立志从事绘画。在日后的绘画生涯中，他逐渐告别了传统绘画，参加了“慕尼黑新艺术家协会”，组建了“青骑士社”，任教包豪斯学院，全力推行抽象主义绘画。早期的两件事情给画家留下了深刻的印象，一是1895年在莫斯科展出的法国印象派画家的作品尤其是莫奈所画的《麦草堆》，二是皇宫大戏院上演的《洛本格林》一剧。面对莫奈的《麦草堆》，他最初觉得很激愤，因为这幅画的主题几乎无法辨认，但却使他感受到调色板毋庸置疑的威力，且对物象作为绘画中一个必不可少的因素产生怀疑，使他的童话莫斯科一点点重现在画布之上；《洛本格林》似乎是这个童话莫斯科的全面实现。对于康定斯基而言，这出戏剧似乎将华格纳的标题音乐所激起的情感通过”强烈色彩“和“散乱线条”予以完美的视觉表现。很显然，借艺术来表达其丰富情感的时机已经到来。纵观康定斯基的艺术大致可以分为以下几个阶段。
第一阶段是从1896年到1909年“色彩表现的时代”。康定斯基在他早期的绘画中，特别强调色彩的表现力。他以浓重而明亮的色彩来表现自然风光，表现俄罗斯的民间故事，抒发其浪漫、诗意的情怀。这一时期的作品主要有两部分组成。其一是受印象主义影响的小风景画，他自称为“蛋彩画”；1904年的《风景中的俄国小姐》是其代表作。其二是在莫尔诺小镇的风景画，他以澎湃的激情冲出了形的桎梏，将色彩鲜艳的写生风景转变为对理想世界的描绘。大块平铺的色彩已挣脱了物象的外形，手法抽象，具有强烈的表现主义色彩。如1908年所作的《莫尔诺街道上的女人》，色彩对比鲜明，形态单纯化，强劲而有力，抑扬变化的大笔触，显示他对物象的描绘已有信心，并企图以强烈主观的感情表现出来。这是他发自内在的、难以抑制的欲望，是一种“内在的必然性”产生出来的。
第二阶段是从1909年到1914年的“有机的抽象时期”，这期间他创作了许多富有影响力的抽象绘画，曾有人用“疾风怒涛时期”来概括他这一时期不可遏制的创作欲望。如1910年在《最初的抽象水彩画》这幅作品中，除了一团团大大小小的色斑和扭曲、激荡的线条以外，我们看不到任何可以辨识的具体物象。他认为艺术创作的目的不是捕捉对象的外形，而在于捕捉其内在精神，画家在绘画中应摒弃一切描绘性的因素，以纯抽象的色彩和线条来表达内在的精神。这是康定斯基与其他画家的不同之处，《最初的抽象水彩画》是他用一种新的创作方法试验的第一幅作品，不同于以往他所创作的任何作品，成为他创作的新起点。这幅画的诞生，揭开了他抽象绘画的序幕，同时也标志着欧洲美术史上对客观物象的最后突破，因而被美术史家称之为抽象表现主义的第一例。
在他的绘画中，我们还能感觉到一种如同音符般的激情因素，有一种与音乐相通的和鸣。他认为现有的绘画方式无法表达他内心的感受，他需要一种纯绘画，画面如同音乐一般具有流动性。他曾说过：“一张纸上盖满按照某种次序排列的色彩与线条，在不懂的人的眼里，等于是一张白纸。”在这以后，他开始借音乐标题的方法来提示自己的潜在意图，如“构图”、“即兴”“、抒情”等，即与音乐相类似。通过线条、色彩、空间和运动来传达艺术家的感性意识，不再参照自然物。康定斯基在1913年创作的《构成第七号》可以称为是一支音乐狂想曲。这是他作品中画面最大的一幅，也是超越他以往其他作品的杰出成就的作品之一，因此用“狂想”来形容并不为过。初看这幅画时，给人的感觉异常迷乱，但当你慢赏细察却可以感受到他的构图技巧，画面中有着无数的重叠和变化的融合，并且每一个形体都有着自己的法则，每一个法则又在这个整体中发挥着强大的冲击力，使画面本身充满着律动感，犹如一部伟大的交响乐。画面中较为突出的是，中央出现的黑色的点和线，像旋风一样牵动着整个画面的色彩，具有强烈的倾向性。
康定斯基在他的论著《艺术的精神》中提出了抽象绘画构成的主导原则———内在需要原则。他认为“凡是内在需要的，发源于心灵的就是美的”，艺术家作画“只能以有目的地碰触人类的灵魂这一原则为基础”，这一原理被他命名为“内在需要原理”。从1914年到1921年是康定斯基艺术发展的第三个阶段。在这其间，他的画风逐渐转变为几何学构成的风格。1914年康定斯基辗转回到故乡莫斯科，此时的创作受到诸多客观条件的影响，整个阶段很少作画且表达出自己对现实的痛恨和无奈。如1916年所画的《光地上的形象》，画面上不规则的形体曲折地表达画家不安的内心状态；在1920年一幅名为《白线》的作品中，我们能够感受到他当时的苦闷和不安。
包豪斯执教（1922年—1934年）期间，是他“圆的时代”之成熟期。1921年康定斯基回到德国，1922年到包豪斯学院任教，这方沃土对他的艺术发展起着至关重要的作用，他的抽象画理论《艺术的精神》在此得以贯彻到他的教学中；学院中同仁的影响更是不可低估，如克利就是一位对康定斯基的艺术有着不同寻常影响的人物。他的理论著作《艺术的精神》的续篇《点，线，面》一书完成于此间，这本书使抽象艺术理论得以完善，绘画要素得到了极为精到的分析，比如说，他认为“点”是一切形象的最单纯化；“线”是点在一种或多种力量下的通道；“曲线”是线在受到压力下弯曲而成的，直线代表否定，而曲线则有其核心等。在此期间，康定斯基创造了许多高超的作品，整体的色调是严肃的、有活力的，色彩的强度和密度，使形象具有热情和生命，如1927年所作的《角形》，一个黑色的形象，一个棕色的空间中扭曲而突伸，这空间有少数方块与神秘的符号配置在角上和背景中，收到强调的效果，用简单的主题表达了极为崇高和豁达的精神。#p#分页标题#e#
康定斯基与包豪斯的关系到1933年便终止了，之后定居巴黎一直到逝世。对于他来说，最后这个阶段，无论是在作品的数量上还是在思想与形式的发展上，都是丰富多彩的。他晚年的巅峰之作是《构成第十号》，已明显不同于那幅水彩作品，此作画面结构复杂，气势庞大，暗褐色的平面底子，华丽的色彩以各种形象呈现出来：大小不同的面，方向不同的线穿插交错，不同颜色的四角形的星星点缀其中，整个画面活跃、跳动，有壮丽交响诗的感觉，也达到了交响乐的性质。康定斯基在总结造型艺术时说：“伟大的造型艺术作品是交响乐曲，其中旋律的因素‘具有一种稀少的和附属的作用’，主要的因素是‘各个部分的平衡和系统的安排’。”
纵观康定斯基的艺术历程，留给我们的不仅是理论与作品那般简单，更重要的是“精神”，是作为艺术家要忠诚于自己的心灵，注重内在需要的精神。正如他回忆录中所言：“在很多事情上我必须责备自己，但是，有一件事我一直对它是忠实的———‘内在的表达’，他是我的艺术宗旨，我希望追随它直到生命的最后时刻。”