音乐范例

一、美国叙事剧与欧洲剧   音乐剧诞生不过一百多年,追溯根源,这种独特的音乐形式与其他艺术形式有着深刻的渊源。最初的音乐剧由19世纪初美国的喜歌剧,哑剧等舞台形式演变而来,经过半个多世纪,逐渐形成由音乐、歌曲、舞蹈、乐队等多元素融合的戏剧形式。   关于音乐剧的定义,有人把它定义为两种:一种是宏观,指的是:由演员扮演成剧本中的人物,出现在观众眼前,并在舞台(电影、电视、流媒体等)上以歌舞叙事的方式所创造出来的一种艺术。另一种是微观,是一种各国特色或各流派特色音乐剧导向的定义。美国首创的百老汇音乐剧作为音乐剧中的“正牌”,被世界上大多国家所推崇。这是一种通过剧本、唱词、音乐、舞蹈、舞美五种元素的有机整合,来表现戏剧性(讲述故事、刻画人物、传达概念)、达到娱乐性目的的独特的现代整体戏剧美学体系。   1866年5月21日,纽约尼布罗花园大剧院(Niblos'Gar-denTheatre),上演了一部被称为美国音乐剧场起跑点的歌舞剧———《黑巫师》(TheBlackCrook)。这部剧原本由浮士德的传奇故事改编而成,但情节松散,漏洞百出,剧院经理威廉•惠特利(WilliamWheatley,1816-1876)于是决定以赤裸作为卖点,让美女演员们穿着轻薄的服装登场,分散观众对故事情节的注意力。这部后来被称为“音乐杂耍剧”的《黑巫师》因此空前卖座,并逐渐成为一种流行。   这一时期的观众多是出于社会中下层的大众。当时的美国处于工业高速发展时期,长时间机械的劳动,繁重的生产,无趣而且生活压力极大。为了宣泄内心的不满,观众们需要一些通俗,轻松而又形式多样的舞台形式。在这种大背景下,早起音乐剧———音乐喜剧(Musicalcomedy)以其浅俗、幽默的特点迎合了观众的要求。   1927年,《演艺船》在齐格菲尔德大剧院首演。《大河之歌》(OldManRiver),一首经典的传唱于源远流长的密西西比河和生活在两岸的黑人的生活的经典名曲,深深震撼了无数美国人的心。当《演艺船》首演落幕、大剧院悠然雷鸣般喝彩声响起时,美国自己的音乐剧品牌———“叙事音乐剧”终于形成了。   美国叙事剧与欧洲歌舞剧的区别就在于欧洲剧品牌本质上是一种“华丽且非理性的娱乐”。这类音乐剧的极为重视音乐元素而忽视剧本内涵。往往音乐悦耳动听,但情节简单浅薄,只是为串联歌舞演出做简单的戏剧铺垫。而叙事剧是一种能够表现宏大深刻主题的严肃整体戏剧美学。20世纪以后,美国确立了世界头号强国的地位,观众们的口味也随之改变———不再需要《黑巫师》式的欧洲的性感华丽,美国人需要用属于自己的独立的艺术来粉饰国家实力。从《演艺船》开始,剧本在音乐剧创作中的地位得到提高,音乐与剧本相互依托完美结合。随着《俄克拉荷马》《天上人间》《南太平洋》《国王与我》《音乐之声》等经典之作的诞生,美国叙事剧品牌逐渐发展并达到顶峰,成为美国娱乐经济的重要财富。   二、百老汇音乐与剧本关系   百老汇音乐剧大体经历了四个时期,即音乐剧的探索期、成长期、成熟期及当代音乐剧的动荡和巨型音乐剧时期。   探索期是以《演艺船》作为重要转型标志和分水岭的。在这之前主要是以音乐和舞蹈元素为主,如《黑巫师》。《演艺船》的出现使人们开始重视剧本元素同时迎来了音乐剧的第二个重要时期,即成长期。这一时期,音乐达到较为严肃的水准,不再作为个别演员的“独场秀”,对作曲和演唱有更高的要求。二十世纪四、五十年代是音乐剧的成熟期,这一时期更加重视音乐剧中的故事性,借鉴、改编名著成为主流趋势。随着戏剧主题越来越深入到音乐和场景中,舞蹈开始作为表现剧情的形式,出现在舞台上了。六十年代后,随着各方文化的引入,音乐剧开始了它的动荡期。这一时期的特点是自我意识不顾一切、无所顾忌地伸展到艺术中,流行音乐引入到音乐剧中并被人们接受和喜爱,舞台效果显得比情节更为重要。巨型音乐剧时期是八十年代到至今,音乐剧逐渐步入正轨,音乐、舞蹈结合与一体共同为剧本服务。   无可争议,百老汇音乐剧是世界推崇的最“正宗”音乐剧,集剧本、唱词、音乐、舞蹈、舞美与一体。从其发展历程中不难看出音乐元素和剧本元素占主导地位。   (一)百老汇音乐元素分析   什么因素构成了音乐剧?奥斯卡•哈姆斯坦II[1]曾回答:“它是你所能想到的任何元素。其中,只有一个因素是音乐剧绝对包括的———音乐。”的确,音乐是音乐剧的灵魂。音乐剧中的音乐推动叙事,介绍角色,并且呈现作者的意念。   由此可见,音乐不仅仅帮助完成或完善音乐剧,也是构成音乐剧的重要组成部分。   1.音乐剧音乐模式   歌曲再现(Reprise)是音乐剧创作中常使用的省力措略,也有人将这种措略称之为AABA格式,A是主旋律,B是延伸或者过度。通过这种重复相同曲调的模式就能轻易延长演出时间,加强歌曲给观众的印象,而且利于歌谱销售和剧目名声的扩增。   以被人们称为重要里程碑的《演艺船》为例,科恩与汉黙斯坦为了表现剧中的戏剧力量和人物情感,在第二幕中再次出现第一幕的五首歌曲“假装”“无法不爱那个男人”“老人河”“你是爱情”及“棉花盛开”。歌曲再现使得《演艺船》获得了不一样的戏剧效果,如第二幕第四场“盖洛德写了份告别信给妻子玛格诺莉娅,然后来到圣阿加莎教会学校与八岁的女儿金告别”,为了在女儿面前表现出乐观,演员并没有唱出新歌而是唱起了老歌“假装”。这一时刻,戏剧效果与情感效果被一同激发,主要人物人生中的两个重要时刻“相爱、分离”被戏剧性的联结在一起。   2.音乐剧歌曲风格#p#分页标题#e#   音乐剧可以说是歌剧川流中的一个分支,但在音乐歌曲方面是有极大区别的。歌剧有其一套完整严肃的音乐表现体系,而音乐剧既有19世纪古典轻歌剧和喜歌剧的高贵气质,又融合了英国人创造的“音乐滑稽剧”和“音乐喜剧”以及美国本土的乡村歌曲、黑人灵歌与爵士音乐等成分。   再以音乐剧《演艺船》为例,剧中有为情侣谱写的歌曲“假装”,其中混合了喜歌剧的音调,还有华尔兹二重唱“你是爱情”,拉文娄漫不经心的、浮华的独唱“我的姑娘在哪”,弗兰克和埃莉轻快活泼的表演歌曲“糟糕舞台上的生活”,以及糅合了古典音乐和黑人音乐风格的“老人河”,混声合唱“在芝加哥世界博览会上”与“在达荷美”等。   3.音乐剧中的歌曲配置   作曲家、作词人必须与剧本作者共同商议歌曲的配置已经成为音乐剧创作的规律。音乐剧中的歌曲必须安置在一个个情感的小高潮中,与人物对白表达感情相辅相成。在音乐剧中开场音乐一般是最后才设定的。通常美国的音乐剧演出在晚上10点到11点左右会达到高潮,乐曲应该掌握好高潮出现的契机。   (二)剧本元素分析   音乐剧之所以称为“音乐”“剧”,恰在于其音乐与剧本不可分割的特点。虽然音乐剧是一种综合性很强的艺术,但剧本元素在音乐剧创作过程中的地位是不容忽视的,有了好的剧本,音乐的出现才有意义。   哈姆斯坦的《演艺船》被称为“音乐剧成熟的标志”。这个关于黑人种族歧视的音乐剧一经上演,让人们从此忘却了浮华的歌舞世界而关注人与社会,剧本的地位得到提高。   《演艺船》把一种人文关怀带到了音乐剧之中。   好的故事是一部音乐剧能否成功的关键。好的剧本需要有其他艺术形式将其表现出来。音乐剧的唱词在音乐剧中担当了重要角色,它不同于歌曲的歌词,也不同于电影的对白,它在叙述故事情节,表达人物情感的同时,营造戏剧情境,升华人物感情,留给观众想像的空间。   (三)音乐元素与剧本的关系   从音乐剧的概念和发展中我们可以看出音乐剧是戏剧与音乐相结合的艺术。从《黑魔鬼》的流行,到人们无法只满足于这种低俗的歌舞剧,再到《演艺船》的成功并成为历史上的里程碑改变音乐剧的发展方向,体现了音乐和剧本在音乐剧中相辅相成的关系。哈姆斯坦说“场景中最高的激情点将是被音乐化的那部分”。场景和音乐造就了情感行为,当角色达到一个情感行为的高点,对话不再是最适合的演绎,音乐便自然的流露了出来。音乐元素是一种表达剧本的手段。   音乐服从于剧本,才能展现它的力度和深度。一个成功的音乐剧是运用音乐和剧本共同将观众的情感推向高潮。   《演艺船》之所以成为音乐剧史上的转折点,是因为在之前的音乐剧中注重的不是小丑滑稽的表演,就是大腿舞女们只为娱乐大众的低俗舞蹈,要不就是公主找寻王子的罗曼浪漫故事,而《演艺船》的开场并不是鲜花和歌舞女郎,取而代之的是一群在密西西比河边上劳作的黑人搬运工。《演艺船》的出现打破了音乐剧的现状,它反映了美国当时的现状,即种族歧视,妇女地位低下,奴隶的苦难生活以及赌博等等社会问题,有较为深沉的主题内涵。   它讲述了发生在19世纪80年代到20世纪20年代半个世纪的密西西比河上的演艺船的故事。船长女儿玛格诺利娅与赌运不佳的男歌手盖洛德一见钟情,不顾家庭的反对与他结婚并私奔到了芝加哥,不久因丈夫赌博而落魄,二人因争吵各自离去。而指导玛格诺利娅舞蹈的混血儿朱莉却因为当地人的种族歧视无法与白人演员斯蒂芬结婚,失意的朱莉在剧院后台遇到了落魄的玛格诺利娅,朱莉决然把工作让给她辞职离去。演出成名的玛格诺利娅回到了船上并得一女儿金。后盖洛德得知玛格诺利娅还爱着他,喜出望外飞速回到船上与家人团聚。《演艺船》通过对密西西比河奇特的描写,讲述错综复杂的情感故事,突出了本剧的戏剧主体———种族歧视问题,再加上优美并且讲述性强的歌曲、配乐,深受广大听众的喜爱并作为评价音乐剧好坏的标准。   演艺船中,歌曲的写作完全紧贴着剧情的发展而进行。   许多精彩的歌曲片段与故事融为一体。尤其是著名的《老人河》,这首万人传唱的经典其影响力和感染力不容小觑。“有个老人叫密西西比,我日日夜夜向往他,哪怕人间有烦恼,他也无牵无挂,哪怕大地无自由,他也无牵无挂,老人河,他明知世故却守口如瓶,只是独自滚滚扬波流不停;他不种薯,他不种棉,生产者被遗忘,老人河却奔流不停,你和我,出力流汉浑身痛,背起棉袋快装船。”这是老黑奴乔的一段唱曲。透过老黑奴的歌唱,黑人所称承受的种族压迫,日以继夜的劳动,白人的游手好闲皆然展现。“你饮酒买醉,你禁闭牢房,我积劳成疾,我厌倦生计,我惊惧死亡,但老人河却奔流不停。”密西西比被人格化,成为了一位“历史老人”。这首《老人河》的经典之处在于它对全剧主旨的体现,编者对黑人对生命的关注通过它表现给观众,故事依托它讲述给大家,情感通过它同化于人们。   之后画龙点睛的《情不自禁爱上他》也是《演艺船》的重要曲目。朱莉在剧中的形象一直是个白人大明星,然而当玛格诺利娅向她讲了少女初恋的心情时,她也由衷地向玛格诺利娅讲起了作为一位成熟妇女的贴心话,而且由于这些话是出自衷心,于是她心灵深处的黑人心态就变为典型的查尔斯顿了。许多脍炙人口的著名音乐剧唱段广为流传,其原因也在于此。   再如俱乐部中朱莉演唱的一首《BILL》,“我不能解释,也不能确定我的想法,这一切都使我不能自已。”这首歌可以说是《情不自禁爱上他》的情感延续,丰富的演绎了朱莉的爱情,角色的悲剧推向高潮。然而,这是一首早已诞生的曲子,曾在科恩的旧作中出现。这次配上了这一剧本,使这首歌脱离了它的前一出戏而与这部《演艺船》完全吻合,新的剧本给了这首歌以新的内容和生命。#p#分页标题#e#   还有剧中处理那段有名的合唱———“棉花团”时,并没有通常开场时的鲜花和歌舞女郎,取而代之的是一群在密西西比河边上劳作的黑人搬运工。当他们背负着沉重的棉花包同从城里赶来的先生太太们一起唱起“棉花团”时,他们的感受是截然不同的。城里人唱起来欢天喜地,他们用歌唱迎接即将到来的演出,期待着“棉花团”号的“演艺船”歌舞团能给他们带来刺激和欢乐的歌舞;而黑人搬运工们肩上扛着沉重的棉花包,忧郁的歌声中充满了对生活的无奈和对未来的愁苦恐惧。如此强烈的对比,浓缩在这样一个小场景中。   从“假想”(Make-Believe),到“你就是我的爱”(YouAreLove),到“我为什么爱上了你”(WayDoILoveYou),科恩的歌曲名字也在玩着一种“文字游戏”。这串歌名的串联也正是整个音乐剧的情感线索,讲述了男女主人公深刻的爱情经历。剧本是一剧之本,音乐是表现戏剧性的形式和手段,是为主题服务的,一部音乐剧作品的音乐、舞蹈、歌曲都是在剧情发展的基础上一次展现出来的。瓦格纳[2]曾说“歌剧艺术的错误在于这样的事实———表达(音乐)的手段被作为目的,而表达(戏剧)本身则成为手段。”《黑巫师》曾极力使音乐成为音乐剧的中心,但结果并不乐观,最终经不起时间的磨练。音乐剧演员不是歌手,不能仅仅依靠歌曲而站在台上。根据瓦格纳的观点,音乐与戏剧应当平等结合,让角色的情感达到“该唱”的时候唱,这个音乐才有深度,这个角色才有生命力。同时,这种结合也在一定程度是互有所补,在音乐中所缺少的思想的明确性和形象的直观性都能够通过戏剧表演来补充,而在一些戏剧场合中,当戏剧矛盾激烈,人物性格冲突尖锐时,音乐就能弥补情感表达力和推动性的不足。   三、中国音乐剧如何借鉴百老汇音乐剧的成功经验   近年来,越来越多的百老汇音乐剧进入中国。《猫》《妈妈咪呀》《国王与我》等经典音乐剧在中国收到了极大好评。   受之影响,中国音乐剧也一步一步在摸索中前行,《芳草心》《芦花白,木棉红》《蝶》等相继问世,卖座的同时也显示了很多不足。   中国音乐剧卖点往往集中在肤浅的音乐,舞蹈和舞台灯光上,剧本浅薄,故事不清晰,情节少跌宕,冲突缺张力,缺乏角色的性格塑造,像是美国《黑巫师》时期一样把音乐剧做成外表富丽堂皇的歌舞表演而忽视了戏剧性,没有体会到音乐剧的本质和精髓。尤其为了卖座而插入流行歌手出演,用低俗的流行乐来赢取观众,更是歪曲了音乐剧的本质,破坏了美感。   除此之外,百老汇音乐剧处处讨好观众,观众的参与性强,有时甚至面对面的演出以调动观众情绪。而中国音乐剧总是一副板着脸说教的样子,偏于严肃,让观众有距离感。而音乐剧是一种与生活离不开的艺术,源于生活,贴近生活,雅俗共赏,并不是拘谨的以距离为美。百老汇的成功与其剧本的既深刻又轻松,既内涵又通俗,把鲜明的角色性格通过丰富的歌舞来表现是密不可分的。   在市场方面,我国的音乐剧制作人大多由专业演出团体的团长担任,这些艺术家固然专业,对艺术领域很有造就,但不懂市场,无法成功的把艺术推广。而少数的独立制作人,虽懂市场却又不懂艺术。对于音乐剧产业链来说,剧本创作时龙头,制作人是核心。而这正是中国音乐剧目前最薄弱的两个环节。

【摘要】私立广州音乐院是近代广州地区第一所高等音乐专科学校。本文通过私立广州音乐院的基本概况、私立广州音乐院的音乐实践活动以及私立广州音乐院对当下音乐教育实践的启示三个部分，阐述了私立广州音乐院在特定的历史文化背景下所承担的历史使命与音乐教育责任，通过分析其具体的音乐实践活动为音乐院师生和广州市民留下了较为丰富的精神财富，从而探索私立广州音乐院的音乐实践活动对当下音乐教育实践的启示。

【关键词】私立广州音乐院；音乐实践活动；专业音乐教育

20世纪上半叶，中国专业音乐教育经过学堂乐歌活动、中小学普通音乐教育、师范音乐教育、社会音乐教育等发展与积淀，于20世纪30年代逐渐形成，并得以发展。20世纪30年代，广州乃至全国的专业音乐教育处于初创阶段。1932年创办的私立广州音乐院可以说开创了广州专业音乐教育的先河。1929年，陈洪、马思聪等人应欧阳予倩的邀请，在广州创办了广东戏剧研究所①(含附设演剧学校及音乐学校②)，并创办了一支单管编制的管弦乐队③。起初由马思聪担任该乐队的指挥兼首席小提琴手，后由陈洪接任。这支乐队是当时南方第一支比较正规的具有专业性质的管弦乐队。依靠多方的资助，同时努力争取社会舆论的支持，1932年春，私立广州音乐院④得以成立，由马思聪任院长⑤，陈洪任院长。后由陈洪任院长。广东戏剧研究所音乐学校的部分师生和单管编制乐队也“加盟”该院。在某种程度上讲，私立广州音乐院是广东戏剧研究所（附设音乐学校）的一种延续、发展。私立广州音乐院是广东省第一所高等专业音乐院校。本文就私立广州音乐院的基本概况、音乐实践活动来探索私立广州音乐院的音乐实践活动对当下音乐教育实践的启示。

一、私立广州音乐院的基本概况

该院起初只有5名教师⑥。该院设有专科、选科、师范科与研究科。专科学制四年，师范科学制两年。课程设置上设有《乐理》《钢琴》《声乐》《大提琴》《小提琴》《和声》《音乐史》《视唱》《音乐欣赏》等多门课程。该院重视专业课程的教学工作，在音乐院中的大部分经费需通过学生缴费来维持的情况下，仍采取一对一的上课方式。在教学内容选定及教学计划上也做到了精心、合理的安排。在重视教学质量的同时，亦积极组织学生进行音乐实践活动，多次以“音乐会公演”的形式⑦，促进学校音乐教育与音乐实践教育的接轨，为推动新音乐运动的发展创造了良好的音乐氛围。

二、私立广州音乐院的音乐实践活动

从目前所搜集到的历史资料来看，私立广州音乐院的音乐实践活动包括：在广州基督教青年会的音乐实践活动、在广州中央公园广播电台的音乐实践活动、院内交流活动、其他校外音乐实践活动、教师进行的社会音乐教育活动等。其中该院学生音乐会每年举行四次，公开的师生音乐会一年至少举行两次⑧。

摘要：关于音乐德育功能的研究，有重要的理论意义和实践意义。文章从丰富音乐德育作品、创新音乐德育形式、建设音乐德育队伍、营造音乐德育环境四个方面阐述音乐德育功能的实现路径。

关键词：音乐；德育；功能

马克思认为，艺术不仅具有审美的属性，而且具有意识形态的属性和功能，主张把艺术放在人的自由而全面的发展这一意境中加以理解。音乐艺术和其他艺术一样，是意识形态中精神财富的具体表现，反映着现实中人与人、人与自然、人与社会的关系。因此，音乐的德育功能产生于社会需要，反映社会生活，同时又深刻影响着人们的社会生活。

一、国内外研究述评

关于音乐的功能性研究，主要集中于个人、社会和国家三个层面，并很大程度上决定了音乐教育的功能体现。首先，个人综合素养的提升，即音乐对个人审美情趣、认知能力、心理调节、生理协调等方面的功能性研究。其次，公民道德风尚的引导，即音乐在社会生活中的教化民众、规范引导、移风平俗、娱乐活动等方面的功能性研究。最后，国家基本秩序的稳定，即音乐对国家稳定、秩序维护、文明延续、民族团结等方面的功能性研究，所谓“乐与政通”。总体来说，有关音乐的功能性研究可谓丰硕，彰显了学界对于音乐功能性研究的学术关照和理论自觉。但是，关于对音乐德育功能的针对性研究却鲜有涉猎，不仅很少有学者将思想道德教育与音乐艺术结合起来，有些甚至存在将二者对立起来的思想倾向。因此，本文以德育理论视域，深入挖掘音乐及音乐教育的“育人”功能，对如何“创造具有丰富的、全面而深刻的感觉的人”“实现全程育人、全方位育人”这一现实问题作出积极回应。

二、音乐德育功能研究的重要意义

从理论意义层面讲：一是有助于音乐教育理论的进一步完善、规范，创造性地发挥音乐这种艺术形式的重要功能；二是有助于音乐学学科的进一步丰富、发展，在多元文化交融的背景下，进一步创造性转化、创新性发展音乐学的“育人”功能；第三，有助于音乐的功能性研究进一步深化、创新，在思想政治教育视域下，多角度、宽领域地展现音乐及音乐教育的功能性。从实践意义层面讲：一是“人的自由全面发展”的需要，音乐艺术对于人们自我激励、自我完善，养成高尚道德品质，创造具有丰富的、全面而深刻的感觉的人有重要作用；二是实现音乐“育人”功能的需要，创设“全程育人、全方位育人”的情境性和情感性，从而进一步增强了德育工作的实效性；三是提升国家软实力的需要，所谓“治世之音安以乐，其政和。”挖掘音乐的德育功能，对于增强中华民族的认同感，促进民族团结，提升民族整体向心力，实现文化自信有至关重要的作用。

摘要：通过对历史文献的梳理，课题组认为以音乐历史寻觅为线索，运用音乐批评学、音乐社会学等学科方法，以团队协作的方式对贵州抗战音乐文化现象进行深入、系统的专题性研究，可以理清贵州抗战音乐发生、发展的宏观脉络，感知人民群众自强不息的民族意识与音乐创作者、表演者锐意进取的抗战精神，进而彰显抗战音乐文化的时代特性与文化归属。

关键词：抗战；音乐；思考

本世纪以来，随着学术研究积累的增加和学界研究视域的拓宽，对于抗战音乐现象的研究进入到了一个多学科、交叉性的研究阶段。对音乐历史现象的研究除了运用历史文献学方法以外，还要综合运用艺术发生学、文艺创作学、音乐社会学、音乐批评学等相关学术方法，还原历史现象到具体的文化系统当中以得出更为准确的结论，这种研究方法已经成为一种趋势。

一、贵州抗战音乐文化研究的意义

贵州作为抗战时期的大后方，由于其特殊的地理区位，国家的政府部门、文化机构、大专院校、社会名流一时汇聚，开创了贵州现代意义上的高等教育，谱写了贵州音乐艺术的华章。从艺术发生学的视角看，贵州抗战音乐是在中华民族抗日战争历史语境下产生的一种艺术形态，是人民群众自强不息的民族意识与音乐创作者、表演者锐意进取的抗战精神融合碰撞的结晶。它们是社会历史的产物，反映人民的心声，是贵州民众抗战历史的缩影，对其进行深入研究能够对贵州抗战音乐的发生、发展进行宏观把握。从文艺创作学的视角看，作为中国抗战文化的重要组成部分，作为我国人类非物质文化遗产的一种文化传承和表述手段，贵州抗战音乐是一个开放性的文艺题材，它为我们在当今的社会环境下充分运用音乐的社会功能提供了可资借鉴的经验。从音乐文献学的视角看，抗战历史文献是抗日战争的主要文本载体，抗战音乐文献则是我国抗战时期革命历史文献的重要组成部分，它涵盖的内容异常丰富且珍贵。通过对其研究能够了解抗战时期许多重要的历史人物，重大的历史事件及其时其地的风土人情等，也能为人文社科领域的学术研究提供有力的佐证。对贵州抗战音乐的研究有利于弘扬中华民族抗战优秀文化、进行爱国主义教育、丰富和拓展社会主义先进文化。同时，抗战时期的音乐现象承载了海峡两岸、国共两党共同的一段历史发展轨迹，其所蕴含的抗战历史文化是包含台湾人民在内的整个中华民族的共同文化遗产，是中华民族灿烂的历史文明里的一支奇葩。深入挖掘贵州抗战音乐文化，对于增进两岸同胞的相互了解与共识，增强台湾同胞对祖国大陆的文化认同感与同根同祖的民族归属感，促进两岸共同传承和弘扬优秀的抗战历史文化，推动祖国和平统一大业进程具有重大的现实意义。

二、贵州抗战音乐文化研究的现状

自上世纪80年代以来，贵州抗战时期的音乐文化现象逐渐得到专家学者的关注，其具体成果有以下几个方面：地方志书及资料汇编性质的论著。如《贵州省志•文学艺术志》、《抗日战争时期音乐资料汇集》、《贵州抗日救亡运动史》、《艺林花雨》等，这些论著的出版在一定程度上对贵州抗战音乐进行了宏观的梳理，成为研究贵州抗战音乐的第一手资料，但是由于论著本身的性质，使其并没有对贵州抗战音乐文化进行学理方面的深入探究。针对贵州抗战音乐的回忆性文章。如《抗战时期的大西南丛书》、《抗战时期贵州的文化事业》（丁芝珍：1995）、《回顾贵阳筑光音乐会》（尹克恂：1996）等。特别是《抗战时期的大西南丛书》（五卷）主要以当事人回忆的方式来真实记录抗战历史，具有极高的参考价值。回忆性的叙述方式给人以身临其境的感觉，但是作为个人亲历事实的叙述并没有对于抗战时期的音乐现象作出宏观上的价值判断。贵州抗战音乐的专题性研究。对贵州抗战音乐的专题研究先后有《贵州高原上的抗日救亡运动》（孔玲：1995）、《贵州近现代音乐活动概述》（贵州省音协音乐史志编写组（方木执笔）：2003）、《中国大西南抗战音乐运动回眸》（陈文红，高其荣：2006）、《贵州抗日救亡运动中的文艺大军》（董有刚：2005）等，这些论著先后以个体的行为对贵州抗战音乐的某一个环节进行了研究，具有一定的借鉴意义。然而，如何以音乐历史寻觅为线索，运用音乐批评学、音乐社会学等学科方法，以团队协作的方式对贵州抗战音乐文化现象进行深入、系统的专题性研究，目前尚无突破性成果，这就为本选题开展全面的拓展性研究留下了足够的阐释空间。

一、蒙古族仪式音乐文化

杜蒙（杜尔伯特蒙古族自治县）蒙古族地区仪式音乐文化研究主要从婚礼仪式、葬礼仪式娱乐活动、祭祀活动、宗教仪式活动等几个方面有较为细致的论述，其中在婚礼仪式音乐方面有较为细致的描述。陈玉芝2008年《杜尔伯特地区文化研究》中描述，杜尔伯特生诞礼仪、成年礼仪、婚嫁礼仪、丧葬礼仪盒日常礼仪的写作中对音乐文化有所研究，比如，在婚嫁礼仪过程当中的歌曲《求婚之歌》、《天上的风》和《祝酒歌》等。波少布2007年《黑龙江蒙古族文化》中也对以上几个礼仪有所描写，其中不仅对杜尔伯特县蒙古族地区进行了描写，对黑龙江省蒙古族整体均有阐述。洪英华主编2001年《黑龙江蒙古部落史》中对杜尔伯特蒙古族的仪式文化也有描写。

二、蒙古族民歌文化

金童2014年在论文《简述杜尔伯特蒙古族民歌<诺恩吉雅>的地方特点》中将杜尔伯特的《诺恩吉雅》和内蒙民歌《诺恩吉雅》进行比对，阐述了杜尔伯特《诺恩吉雅》内容的丰富性。邵萱2008年硕士毕业论文《杜尔伯特蒙古族民间音乐调查研究》当中对杜尔伯特的民间歌曲有一定的研究，其将民歌的题材分为反映历史人物民族由来、男女爱情、思念亲人、民俗风俗习惯、作战尽忠、革命事业、宗教信仰七个方面。徐国清等在2001年所著《吉林蒙古族民歌极其研究》当中对杜蒙的民歌也有所描述，他将杜蒙民歌统称为——嫩科尔沁民歌。

三、蒙古族曲艺

蒙古族曲艺主要分为两种，一种是“乌力格尔合勒讷”，是一种自清朝就已经出现在本地区的蒙古语说书形式，也有人称为“蒙古书”；另一种是“好来宝”，杜蒙蒙古族地区的好来宝的形式和汉族的“莲花落”、“数来宝”有些类似，多采用问答形式，说中带唱，歌词对称。2015年金童在《杜尔伯特蒙古族说唱艺术——好来宝》中对传统曲艺“好来宝”作了较为详细的阐释，介绍了杜蒙“好来宝”的来源、表现内容和表现形式。陈玉芝在2010年《杜尔伯特蒙古地区文化研究》一书中针对说唱文艺进行了专门的描写，将蒙古族说唱音乐分成七类，分别是“胡仁乌力格尔”、“亚不干乌力格尔”、“好来宝”、“绍格耶日阿”、“怯热”、“玉热勒•马格塔勒”和“蒙古珠吉格”。

四、蒙古族器乐

［摘要］民族音乐是我国传统艺术文化中的重要组成部分，将民族音乐充分融入到现代音乐教学当中，是促进民族音乐教育化发展及传承民族音乐文化的有效途径。对此，本文首先从有利于文化传承以及增强学生民族自豪感两方面，论述了民族音乐融入现代音乐教学汇总的重要意义，进而通过树立民族音乐教学观念、构建多元音乐教学机制，利用民族音乐资源优势、开发现代音乐专业课程，全面建设优秀教学团队、推进民族音乐教学发展三个维度，提出了民族音乐融入现代音乐教学中的实践路径，旨在能够促进现代音乐教学事业的改革与创新，完善音乐教学体系，更好的促使民族音乐的传承及发展。

［关键词］民族音乐;现代音乐教学;重要意义;融入途径

引言

不同民族之间都拥有着悠久的历史文化，只有具备较强的民族认同感及自豪感的国家，才能真正对世界文化带来深远的影响。对于民族音乐来说，由于少数民族集中生活在某一区域，生活习惯及风土民情都与汉族有着明显的不同，几千年的发展历程中，各民族始终保留并延续着本民族独特的文化，正因如此才形成了我国丰富多彩的民族文化体系，进而才让民族音乐历久弥新，在世界音乐舞台中拥有重要地位。民族音乐中蕴藏着大量的素材，能够有效完善及丰富现代音乐教育内容，深化现代音乐教育内涵。现代音乐教育应充分意识到民族音乐的对自身发展的重要作用，积极将其融入到教学中，以此来更好的促进广大学生的全面发展，增强学生的文化素养，同时也促进传统民族文化的有效传承及发展。

一、民族音乐融入现代音乐教学中的重要意义

(一)民族音乐融入到教学中有利于文化的传承

民族音乐是传统民族艺术文化的主要表现形式主义，是民族文化的最原始的艺术形态，在中华文化宝库中，包含着宗教文化、音乐文化、哲学文化、军事文化等，都与民族文化共同生存、共同发展，与此同时，民族音乐在世界音乐中占据重要位置，是东方音乐艺术的代表。因此，在现代音乐教育中，应主动承担起传承与弘扬传统民族文化的责任，通过民族音乐来彰显中华民族精神，使其传播到世界各个角落。而将民族音乐融入到现代音乐教学中，则是有效的途径之一，由于学生的个人价值观念尚未成熟，并且具有较强的接受与适应能力，在这期间向学生传授民族音乐文化，有利于丰富学生音乐知识体系，促进他们全面发展，不仅能够增强学生的爱国精神，同时还能促使他们主动继承与发展我国传统民族文化。

【摘要】音乐是一种听觉艺术，在聆听中才能欣赏音乐的美。初中音乐欣赏课是对学生进行美育的重要环节，尤其是民族音乐的欣赏，可以让学生对人文精神的理解和审美体验的追求产生实际效用。学生通过欣赏民族音乐，可以体会不同地域的音乐风格，了解各民族优秀的音乐文化，提升文化自信。本文以《茉莉花》这首地方音乐为例，剖析其在音乐欣赏课中体现出的提升课堂趣味性等多方面的作用，进而提高音乐欣赏课的教学效果，使初中音乐欣赏课发挥出应有的教育意义。

【关键词】地方音乐；初中音乐课；音乐欣赏

一、地方音乐在初中音乐欣赏课中的必要性

在素质教育中，音乐对美育的开展具有重要推动作用，古希腊著名哲学家苏格拉底就曾提出“美德即知识”。苏格拉底认为，有的人缺乏德性是因为认知错误，他们没有认识到什么是美德，也没有认识到美德的重要性。我国开展素质教育以来，注重培养德、智、体、美、劳全面发展的高素质人才，而音乐是对学生进行美育的重要途径。对初中学生来说，音乐课既可以开阔视野，也可以抚慰心理，可以增强学生对音乐的兴趣，帮助学生正确追求美、感受美、创造美，也可以帮助学生正确表达自己的内心情感和审美感受，还可以增强学生的民族自信心和认同感。在初中音乐课堂中，音乐的审美感知是一种十分重要的能力，对学生学习音乐有十分重要的作用。在初中音乐欣赏课中，通过对民族地方音乐的学习，让学生欣赏民族地方音乐，感受地方音乐美感，既可以提升学生的审美感知，也可以引导学生加强对人文精神的追求和对真善美的理解。《义务教育音乐课程标准》（2011版）（以下简称新课标）中强调，地方音乐是对我国优秀传统音乐文化的传承，中小学生要了解地方音乐，提升音乐素养，传承音乐文化。由此可见，初中音乐课堂中民族地方音乐的学习是十分重要的。近几年，许多优秀且具有传承性、代表性的地方音乐被引入到教材中，通过欣赏民族地方音乐，学生可以进一步了解音乐的情感，感受不同的音乐态度和音乐流派，并产生对美的初步定义，进而提升美育水平。同时，学生通过对传统音乐文化的学习，可以提升对民族地方音乐文化的兴趣，加强对不同地域的了解，提高对不同地域的语言风格、作品形态、传统器乐的兴趣，进而提高对民族音乐的审美素养和文化自信。

二、地方音乐在初中音乐欣赏课中的作用

（一）培养学生的文化自信

在初中音乐欣赏课中纳入民族地方音乐，不仅可以提升学生的音乐素养，也可以增强学生对地方音乐和中华民族音乐成果的认识，增加学生对民族地方音乐的风格形式和艺术内涵的了解，提升学生的民族自豪感和文化自信心。地方音乐是对多元音乐文化的表现，对中学生来说，通过对民族地方音乐的欣赏，可以感知地域差异，扩宽音乐文化视野，体验不同区域的音乐文化，了解不同地方的音乐风格以及生活习俗。对民族地方音乐的学习不仅仅是学习音乐文化的多样性，还可以感知民族地方音乐的魅力，领略地方音乐的艺术文化，并进一步了解音乐对人类文化的重要性。比如，茉莉花最能代表江苏人精致的生活，江苏歌曲《茉莉花》便表现出了江苏人民爱花、养花、赏花的习俗，为江苏文化增添了一份传奇色彩。江苏民歌《茉莉花》起源于明代的一首民歌《鲜花歌》，《鲜花歌》采用民族五声调式，曲调婉转曲折、节奏均匀平稳，富有江南民歌清秀细致的特征，《茉莉花》用柔美、细腻的曲调歌颂茉莉花，广为流传，在不同地区出现了不同风格的演唱版本。

音乐是人们歌咏生活和享受生活的象征，凌驾于物质生活基础上，是人们精神层面的追求，为了满足不同受众的多元化需求，创作者致力于个人特色基础上的多种曲风创作，以顺应音乐市场需求和未来发展方向。就目前而言，中国民族音乐语言特征在现代音乐创作中的应用已成必然趋势，以推进现代音乐创作的发展、丰富现代音乐内容、满足现代音乐作品多元化受众需求的优势，在现代音乐作品中出现的概率逐日激增，指引着现代音乐创作的前进方向。

一、中国民族音乐语言特征在现代音乐创作中应用的优势

（一）推进现代音乐创作的发展

中国民族音乐历史悠久，蕴含着不同历史时期的文化背景、人们的精神生活需求、社会现象等内容，具有宝贵的参考价值，不仅为现代音乐创作提供大量的参考素材，也成为创作者灵感的来源，具有启发和指引创作者的重要作用。使极具民族特色和情感的现代音乐作品层出不穷，潜移默化的方向指引，间接地推进了现代音乐创作的发展。民族音乐中蕴含了丰富的音乐内容和音乐技巧，可有效弥补现代音乐表现形式的不足，为现代音乐创作提供指引，使创作者借鉴其音乐技巧和应用其内容提升作品质量。现代音乐逐渐趋于民族化，民族文化和民族精神内涵加深，创作者在应用民族音乐语言特征的同时坚持原创，提升作品质量，以满足不同受众需求，才能够推进现代音乐创作的健康可持续化发展。

（二）丰富现代音乐内容

中国民族音乐蕴含着华夏5000年历史的民族文化和民族精神，是民众难以割舍的情怀，之所以源远流长，时代传唱，来源于民族音乐的精神文化价值，其可歌可泣的名人逸事、广为流传的琴棋书画佳作、宫商角徵羽五音音节技巧等内容，均可丰富现代音乐内容。特别是在现代音乐作品多以爱情内容为主的当下，音乐创作较为单一片面，经典传唱作品相对较少，昙花一现的现代音乐作品较多，受众审美疲劳现象明显，难以从海量作品中被有效吸引，出现了现代音乐创作杂而不精的局面。中国民族音乐的应用，增强了现代音乐创作的文化底蕴，使音乐作品富有张力，鲜活灵动，更容易使受众产生兴趣或者引起共鸣。

（三）满足现代音乐作品多元化受众需求